Diplômes 2026 – MAS Design for Luxury & Craftsmanship

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Seoho Ahn – Cascade

par Seoho Ahn

Le bijou est souvent perçu comme un objet ornemental, mais il repose sur des principes structurels. Une chaîne constitue un système continu formé par l'assemblage de maillons individuels, capable de réagir à la gravité et de répartir les forces au sein de sa structure. Cascade explore la manière dont cette logique structurelle peut être transposée de l'échelle du corps à celle de l'espace. En dépassant sa fonction décorative, la chaîne devient une structure architecturale capable de supporter et de distribuer les charges. Les connexions entre les maillons se transforment en points d'assemblage, tandis que leur continuité devient un chemin de transmission des forces. Au-delà de l'esthétique du bijou, Cascade traduit ses principes structurels en un système mobilier.

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Anna Andersson – LYSA

par Anna Andersson

LYSA est une lampe portable pensée pour les rituels extérieurs et les petites explorations du quotidien. Inspiré par la relation émotionnelle que nous entretenons avec les sacs et les objets conçus pour être transportés, le projet explore comment la lumière peut devenir intime et mobile. Destinée aux pique-niques, jardins, balcons et promenades dans la nature, la lampe apporte une sensation de chaleur et d'intérieur à l'extérieur. Elle possède une lumière dimmable, un chargement USB-C et une protection du port de charge. Les matériaux – liège, suède brun foncé et lin – ont été choisis pour leurs qualités tactiles et atmosphériques. LYSA explore la translucidité des tissus, la diffusion lumineuse et les structures de stabilisation afin de définir la présence sensible de l'objet.

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Maxime Billoud – Lampe trois + 1

par Maxime Billoud

Lampe trois + 1 s'inscrit dans une démarche de recherche et d'innovation matière. À la frontière entre artisanat et design, cette lampe en céramique et porcelaine reflète le geste artisanal et l'approche du designer. Elle est composée de trois pieds identiques, assemblés par une pièce technique centrale, tandis que des plaques de porcelaine moulées s'intègrent à la structure. Les éléments en terre enfumée, inspirés de la technique japonaise du raku, dialoguent avec la finesse et la translucidité de la porcelaine. Pensée comme une lampe en kit facilement assemblable, Lampe trois + 1 matérialise une recherche sur la matière tout en proposant un objet fonctionnel et concret.

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Thibaud Kanty Boto – ROHY

par Thibaud Kanty Boto

À Madagascar, la rabane, textile réalisée à partir de fibres de raphia tissées, est traditionnellement employée pour la confection de sacs, de nattes et d'objets du quotidien. Aujourd'hui, cette technique de tissage disparaît progressivement au profit de productions standardisées destinées à l'exportation, notamment le crochet. Ancré dans ce patrimoine artisanal en mutation, ROHY explore de nouvelles possibilités pour la rabane. À travers un travail d'expérimentation, en associant les fibres tissées à un liant puis en les moulant, ce projet révèle le potentiel structurel et esthétique de la rabane. La collection propose une réinterprétation contemporaine de ce savoir-faire ancestral à travers une série d'accessoires.

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Martin Brouckaert – Brunch Service

par Martin Brouckaert

Brunch Service est une collection d'objets modulaires qui transforme le brunch du dimanche en un paysage architectural. Elle se compose de contenants, d'ustensiles et de couverts qui, une fois empilés, dessinent des silhouettes graphiques et abstraites. Pensé sur une base tubulaire, l'objectif de ce projet est de s'affranchir du format industriel grâce à un twist géométrique, créant ainsi des compositions sculpturales. Ce système a été conçu pour élever le rituel du brunch, comme une argenterie moderne qui fait office de célébration.

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Alice Brovarone – Soft Hidden Gesture

par Alice Brovarone

Soft Hidden Gesture est un objet céramique empilable composé de cinq éléments. Assemblés, ils forment une sculpture inspirée de la silhouette d'un temple japonais. Sa véritable nature n'apparaît que lorsqu'on le démonte : l'objet devient un service à thé. Le contraste entre les couleurs extérieures et intérieures renforce cette transition. L'intérieur révèle une couleur différente, visible seulement une fois l'objet ouvert. Chaque élément est conçu numériquement pour garantir des assemblages précis. Un défi supplémentaire est de développer une identité visuelle capable de refléter le sens intérieur du projet. La pièce est réalisée en porcelaine, un matériau dont la délicatesse convient au caractère discret de l'objet.

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Huisu Cho – BAN Lounge Collection

par Huisu Cho

BAN Lounge Collection est une expérimentation sculpturale inspirée du concept est-asiatique de « BAN / 盤 », signifiant récipient. Initialement développée dans le cadre d'un projet collaboratif, cette collection étend un vocabulaire de géométries creusées à une série de fauteuils lounge conçus pour l'attente et l'hospitalité. À travers des formes sculptées répétées, la table accueille plateaux de thé et objets, tandis que le fauteuil soutient le corps dans des moments de pause. Inspirée par les reflets discrets de la laque, communément employée en Asie de l'Est, la finition noir mat fait ressortir en douceur les jeux d'ombre et de lumière. La fente centrale de la table organise livres et magazines, accompagnant les moments d'attente et de conversation.

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Joelle Cifelli – Per Fumum

par Joelle Cifelli

Per Fumum est un projet issu d'une recherche historique, anthropologique et typologique sur les objets à travers lesquels le parfum est contenu et diffusé. En observant formes et usages récurrents, il explore la relation entre parfum, espace domestique et rituel. Cette recherche donne lieu à un projet éditorial, Taxonomy of Scented Forms, et à la conception d'une lampe à huile réunissant lumière et parfum. Des capsules en céramique contiennent le parfum liquide, diffusé par la chaleur de la flamme, réinterprétant les archétypes dans un langage contemporain. Conçu en verre et céramique, Per Fumum fait écho aux matériaux de l'Antiquité, rétablissant une continuité matérielle avec le passé tout en proposant une expérience sensorielle renouvelée : habiter l'objet de lumière et de parfum.

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Júlia Claveria Baro – ONE SIXTY C — A study on ribbons: working with discarded polypropylene

par Júlia Claveria Baro

ONE SIXTY C, une marque fictionnelle d'objets d'intérieur, explore la manière dont des rubans de polypropylène chauffés peuvent passer d'un textile souple à une surface structurelle grâce à un processus de fusion reproductible. S'inspirant d'une référence catalane – l'espadrille traditionnelle – le projet transpose cette logique à travers des objets d'intérieur monomatériaux destinés aux pieds : des sandales d'intérieur et des paillassons. En fusionnant des couches de ruban pour former des bases autoportantes, ONE SIXTY C propose une forme d'artisanat contemporain, où les chutes industrielles sont soigneusement retravaillées pour devenir des objets précis, façonnés à la main, destinés à un usage domestique. Le tout à partir d'un simple et humble ruban.

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Charlie Collet – CODE FORMEL

par Charlie Collet

CODE FORMEL explore le langage formel des accessoires et sa transposition dans l'univers des objets domestiques. Le projet s'intéresse aux relations entre structure et ornement, retenue et expression, fonctionnalité et présence émotionnelle. À travers une collection d'objets, cette recherche interroge la capacité d'un détail, d'une tension ou d'un système d'assemblage à devenir porteur de caractère et d'identité. Situé à la croisée du design, de la culture matérielle et des codes du luxe contemporain, CODE FORMEL explore comment des objets destinés à l'espace peuvent porter les mêmes qualités émotionnelles, tactiles et personnelles que celles traditionnellement associées aux accessoires.

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Chiara Corno – Acolyte

par Chiara Corno

Acolyte est une collection de pochettes pensée pour s'ajouter à divers sacs à anses. C'est le complément idéal pour apporter un espace de rangement supplémentaire à un sac qui en manque. Ingénieuse et intuitive, cette collection a été conçue pour être la plus simple possible à utiliser : il suffit de glisser la pochette par-dessus le sac, à travers les anses, pour qu'elle tienne parfaitement en place. Ces éléments en cuir sont sublimés par des détails de couture rappelant les codes de la maroquinerie. Avec leurs formes légèrement arrondies, ces pochettes affichent un design épuré, efficace et graphique. Les trois modèles de la gamme ont été conçus pour s'adapter aux envies et aux besoins des utilisateurs : il est même possible de personnaliser les couleurs des matériaux.

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Chun Deng – Gaze

par Chun Deng

Gaze explore la relation optique entre l'eau, le verre et le motif graphique. Composé d'une carafe et d'un verre, l'ensemble est recouvert de motifs linéaires parallèles, précis et sobres. Lorsque l'eau est versée dans les récipients, la réfraction du liquide perturbe l'ordre apparent du graphisme : les lignes se déplacent, se superposent et s'entrecroisent, créant un effet dynamique. L'objet ne s'active qu'à travers l'usage : remplir, verser et boire transforment un motif statique en une expérience visuelle changeante. Entre expérience scientifique et art décoratif de la table, Gaze considère l'eau non comme un simple contenu neutre, mais comme un médium optique, transformant un geste quotidien en un délicat moment de perception.

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Jaekyoung Kim – Lines of Support

par Jaekyoung Kim

Lines of Support s'inspire des cordes, des filets et des structures de conteneurs présents dans les ports et les zones côtières. Les cordes et les filets servent à relier et soutenir des objets, tandis que les conteneurs sont conçus pour les protéger et les transporter. Ce projet explore comment ces systèmes de connexion deviennent un langage sculptural. En utilisant la corde et la couture comme outils, il étudie comment des lignes et points de liaison sur une surface peuvent se développer en formes et en volumes tridimensionnels. La couture est utilisée comme une méthode structurelle reliant les cordes et soutenant l'ensemble. Par la répétition, elle devient une technique de construction et un langage visuel, tandis que les méthodes de connexion évoluent vers un textile structurel.

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Nayun Kwon – Crème Chantilly

par Nayun Kwon

Crème Chantilly s'inspire d'une tradition japonaise de travail de la cire vieille de 1 300 ans. Composé de cire d'abeille et de résine de pin, ce matériau réagit à la chaleur de la main : il est étiré, plié et tordu plutôt que sculpté. Ses stries organiques apparaissent au gré des mouvements, laissant derrière elles les traces du geste et du temps. Poursuivant cette logique matérielle, ce projet développe un procédé d'extrusion qui façonne la cire par compression, à la manière d'une poche à douille. Ce qui reste n'est pas simplement une forme, mais l'empreinte d'un mouvement. En préservant les qualités fluides et visqueuses de la cire au sein d'un matériau rigide, Crème Chantilly questionne les notions conventionnelles du métal et propose une approche alternative de la création de bijoux.

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Alex Ortega – Shrine

par Alex Ortega

Shrine est une réponse à la dématérialisation des équipements audio contemporains. À mesure que les appareils d'écoute se sont transformés en boîtiers de plus en plus anonymes, le son s'est déconnecté du mobilier, de l'artisanat et des rituels qui façonnaient autrefois l'expérience d'écoute à la maison. Shrine est une armoire murale conçue pour faire de l'écoute un acte délibéré. L'enceinte est recouverte d'un tissu à l'aspect vintage et de contreplaqué de bouleau à la finition minimaliste, apportant chaleur et tactilité à une catégorie d'objets souvent définie par l'abstraction et l'utilité. En traitant l'équipement audio comme un meuble plutôt que comme un appareil, Shrine redonne un sentiment de rituel, de permanence et de présence à l'acte d'écoute.

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Julianna Probst – Light Standard

par Julianna Probst

Light Standard s'inscrit dans la continuité de l'exploration artisanale menée par le designer au sein de systèmes utilitaires. Les éléments clés de sa conception – poésie, solitude, protection – sont nés d'une étude approfondie du lampadaire, objet souvent négligé. Le processus de conception fait appel autant à l'observation et à la collecte qu'à la création. De fins câbles, logés dans un tube en fibre de carbone, permettent à la gravité de courber le poteau d'une manière à la fois familière et inattendue. Un ressort de torsion transforme le lampadaire en lampe de lecture d'un geste ludique et délicat. Light Standard équilibre précision, savoir-faire et spontanéité.

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Vanessa Shababzadeh – With & Within

par Vanessa Shababzadeh

Une constellation de points donne naissance à une ligne continue qui se déploie en formes et en objets interconnectés. Marquant le point d'entrée de la maison, With & Within établit un lien entre l'intérieur et l'extérieur à travers le rythme, la continuité et un dialogue à la fois avec la forme et au sein de celle-ci.

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Yin Sheng – Montre à Tact – A Tactile Reading of Time

par Yin Sheng

Inspiré de la montre à tact historique et de la culture des montres de poche en Europe, Montre à Tact – A Tactile Reading of Time explore une manière plus intime de lire le temps par le toucher plutôt que par la vue. Historiquement, consulter l'heure en société pouvait être considéré comme impoli ; une impression qui persiste dans la vie sociale contemporaine, favorisant une lecture tactile et discrète du temps. La montre se compose d'un cadran supérieur fermé et d'un anneau tactile central serti d'un diamant. Le cadran supérieur protège le mouvement, alors que l'anneau tactile peut être tourné jusqu'à une légère résistance indiquant l'heure approximative. Le diamant est à la fois un matériau précieux et un point d'ancrage tactile, créant une relation discrète et personnelle avec le temps.