Au-delà d'être témoins de solides et prestigieuses formations, les Bachelors et Masters délivrés par l'ECAL attestent de l'incroyable richesse de connaissances acquises par ses étudiant·e·s, qui sont désormais devenu·e·s de talentueux et compétent·e·s alumni.
Ces titres couronnent un parcours rempli d'expériences variées et passionnantes, de rencontres profondément enrichissantes, et surtout, de liens authentiques avec des personnes bien réelles, qui les accompagneront tout au long de leur vie.
En plus d'un portfolio à la hauteur de leurs aspirations, nos alumni emportent avec eux un réseau de contacts inestimable qui les soutiendra dans leur intégration au monde professionnel avec aisance et réussite. Alors que de nouveaux défis s'offriront à elles et eux, nous les encourageons vivement à chérir ces précieuses relations.
Les années passées à l'ECAL ont également permis à nos diplômé·e·s de perfectionner leur voie et leur voix créatives. Nous les incitons chaleureusement à continuer d’explorer, à faire preuve d'audace et de curiosité, afin de faire s'épanouir leur pratique artistique.
Désormais membres éminents de la communauté des ex-ECAL, les liens ne sont nullement rompus, bien au contraire ! Nous ressentons une profonde fierté envers nos diplômé·e·s et sommes impatient·e·s de voir leurs parcours prospérer.

Alexis Georgacopoulos, Directeur

Visite virtuelle

Bachelor

BA Arts Visuels

Fanny Dunning – Figures in a landscape

ARTS VISUELS

Fanny Dunning – Figures in a landscape

par Fanny Dunning

penser à des sculptures dans un grand jardin, sur des hectares de terrain surgissant comme des collines mais des collines avec des couronnes à cornes ici, la fonction suit la forme. elle a construit ceci comme une sculpture. puis elle a installé ses miroirs. penser à des sculptures dans un grand jardin des gens qui invitent des artistes à venir et à rester

Ali Chatila – 14 juin 2023

ARTS VISUELS

Ali Chatila – 14 juin 2023

par Ali Chatila

Mon projet de diplôme se compose de quatre planches en bois de 90 x 200 cm. Au total, huit faces sur lesquelles je peins depuis plus de deux ans. Je peins principalement pour le plaisir de peindre en me focalisant sur l’instant présent. Au terme de l’exposition, je reprendrai mon travail sur ces quatre planches. Elles ne sont donc pas terminées et ne le seront peut-être jamais. Le titre de l’œuvre annonce l’arrêt temporaire. Je n’ai pas de technique particulière, je peins avec ce que je trouve. Mes quatre planches ont été récupérées dans une benne à ordure et la majorité du matériel que j’utilise était destiné à être jeté. Pour mon installation, mes peintures sont accrochées au mur, ne révélant que quatre des huit faces.

Yann Fankhauser – Étendard du marcheur

ARTS VISUELS

Yann Fankhauser – Étendard du marcheur

par Yann Fankhauser

Ce projet est une impression sur bâche en PVC (2500 mm x 1200 mm) de 18 silhouettes dans des cases formant un damier noir et blanc. Le développement du projet s’est fait à partir de croquis faits main puis numérisés avec le programme Illustrator et disposés en damier. Ces croquis de silhouettes ont été réalisés par divers procédés : 1) en modifiant une silhouette initiale pour en créer une nouvelle ; 2) en juxtaposant plusieurs silhouettes entre elles ; et 3) en illustrant un nouvel angle d’une silhouette déjà créée. Le concept reprend l’idée de drapeau d’arrivée de course automobile, le dérivant en un cheminement sans fin, jouant sur la frontière entre le figuratif et l’abstrait à l’image d’une paréidolie.

Clément Grimm – Le géant se regarde dans le miroir et ne vit rien

ARTS VISUELS

Clément Grimm – Le géant se regarde dans le miroir et ne vit rien

par Clément Grimm

Aucun accessoire sinistre n’ajoute une signification banale. Aucun détail de mélodrame ne vient usurper un rôle facile. Il a suffi au peintre d’interpréter en son style sobre et magistral l’énergie des figures, leur expression, leurs attitudes et leurs gestes.

Tianchang Gu – Papers, please

ARTS VISUELS

Tianchang Gu – Papers, please

par Tianchang Gu

Le titre de mon travail de diplôme vient du jeu vidéo du même nom et est la suite de mon mémoire Renens Palace, une autofiction basée sur un futur monde dystopique. Dans cette fiction, le « moi », ancien immigré en Europe, devient un contrôleur d’immigrés. Comment transformer l’écriture en performance ? L’observé devient l’observateur. L’ancien opprimé intègre le système et devient un clou de l’autorité. Les gestes bureaucratiques deviennent une chorégraphie. Les documents officiels deviennent poèmes. Les motifs administratifs, symboles de pouvoir, se transforment en une esthétique plastique. Ce sont des questions auxquelles je réfléchis lors de cette création. Tous ces éléments, étrangement romantisés et en même temps très anxiogènes, évoquent une réalité à laquelle on ne veut pas toujours faire face.

Laura Hagmann – Im sorry I’m a mess

ARTS VISUELS

Laura Hagmann – Im sorry I’m a mess

par Laura Hagmann

J’ai eu un flash-back de quelque chose qui n’a jamais existé.

Mathilde Hansen – Advertise what makes you crazy

ARTS VISUELS

Mathilde Hansen – Advertise what makes you crazy

par Mathilde Hansen

Pourriez-vous prendre une photo de moi comme ça ? Là où je suis, ici ? De l’autre côté ? C’est mieux comme ça ? J’ai l’air cool ? Plus sérieuse ou plus souriante ? Plus sérieuse, ok Génial.

Mariana Isler – AR

ARTS VISUELS

Mariana Isler – AR

par Mariana Isler

El amor real, fluido y escurridizo se revela en la madeja de la ciudad, circulando por las venas invisibles de los seres. Installation, panneaux alvéolaires en polycarbonate, peinture acrylique.

Noemi Leneman – Lolita

ARTS VISUELS

Noemi Leneman – Lolita

par Noemi Leneman

« Lolita » est un opéra ballet filmé dont le personnage principal est une danseuse du nom de Lolita. Afin de se plier aux regards, au désir et aux projections de son élu, elle va essayer d’interpréter plusieurs rôles. Tantôt ballerine, puis bergère et enfin cantatrice. Cette vidéo détourne et joue des codes esthétiques de la représentation traditionnelle de la scène. Afin de me plier à une forme de réalité de ce que vivent les petits rats, j’ai commencé, avec Eva Galmel, à apprendre à monter sur pointes. Autour de ce projet, toute une équipe de jeunes filles artistes de mon entourage s’est formée, collaborant durant plusieurs mois, essayant de tendre au mieux à un female gaze. Chorégraphes : Philomène Jander et Eva Galmel Scénographie : Salomé Engel Costumes : Adèle Berson et Roxane Sauvage.

Nolan Lucidi – Petite annonce

ARTS VISUELS

Nolan Lucidi – Petite annonce

par Nolan Lucidi

J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts. J’essaierai de faire plus d’efforts.

Axel Mattart – Be afraid. Be very afraid.

ARTS VISUELS

Axel Mattart – Be afraid. Be very afraid.

par Axel Mattart

Il ne cligne même pas des yeux. Principalement parce qu’il ne peut pas. VOUS êtes sur son dernier nerf optique !

Lylou Müller – My safe space isn’t my safe space anymore

ARTS VISUELS

Lylou Müller – My safe space isn’t my safe space anymore

par Lylou Müller

Ce travail convoque des réflexions autour des concepts de sécurité, d’isolement et de protection. Le voile tressé à la façon d’une armure en cotte de mailles invite à repenser l’espace de la chambre, l’espace de l’intime, dans un contexte de violence.

Shkelqim Qestaj – Cirque d’amour

ARTS VISUELS

Shkelqim Qestaj – Cirque d’amour

par Shkelqim Qestaj

Le ciel manque d’ailes. Nous cherchons encore ces places. Celles pour s’aimer et s’enlacer. Confort moderne. Au matin sans étoiles, tu m’amènes des roses, je te renvoie avec des épines. Corps et âme périmés. On ne lâche jamais l’ombre pour la proie. L’équilibre est notre loi. On part pour explorer ce qui se trouve derrière le mur. On peut marcher sans danger sur une corde raide. Danser sans choir dans le vide. Ce vide affreux, c’est sûrement ton indifférence. Conseil non avenu Sur la grande place de ma conscience, J’ai drifté. Dans ce cercle infini Un cirque d’amour, dans lequel je me suis perdu.

Lou-Anna Ulloa del Rio – Cinétoile et Life is filled with secrets and treasures everywhere

ARTS VISUELS

Lou-Anna Ulloa del Rio – Cinétoile et Life is filled with secrets and treasures everywhere

par Lou-Anna Ulloa del Rio

« Je pense que l’objectif de l’installation artistique devrait être de créer une expérience entre les objets afin que les spectateur·ice·s soient transporté·e·s hors d’elleux-mêmes pour reconnaître un monde plus vaste et plus complexe. » – Julie Becker

Florentina Walser – Don’t touch my car!!! & You’re so hilarious, next time the circus comes to town I’ll sell you as a clown

ARTS VISUELS

Florentina Walser – Don’t touch my car!!! & You’re so hilarious, next time the circus comes to town I’ll sell you as a clown

par Florentina Walser

Il y a pas mal d’ambiguïté entre la véritable idéation du PORTRAIT et le jeu imaginatif / de rôle, presque un jeu de déguisement – déguisement AU SENS LE PLUS LARGE DU TERME, l’idée de se regarder d’un point de vue extérieur. Cela me fait me demander qui ou quoi est réellement COMPOSÉ ici : s’agit-il vraiment de l’ORDRE DES CHOSES (ou d’une VERSION sociale, politique, visuelle, formelle, physique, scientifique de l’imitation), comme on pourrait facilement le conclure ? S’agit-il d’un plaisir de proxy pour quelqu’un – ou plutôt pour quelque chose – d’autre ? Ou est-ce que le désir d’imaginer lui-même est une émotion / activité par proxy… ? Ce qui suit est un ballet de violence parfaitement chorégraphié, car comme nous le savons, parler du Camp, c’est le trahir. Et cela, il faut le respecter !

Ysé Willemin – Move in/Move out/Move on

ARTS VISUELS

Ysé Willemin – Move in/Move out/Move on

par Ysé Willemin

(Ah, ah-ah, ah-ah) (Ah-ah, ah-ah-ah-ah) (ah-ah) (Ah, ah, ah-ah) Parce que quand l’amour n’est plus là Il y a toujours la justice Et quand la justice n’est plus là Il y a toujours la force Et quand la force disparaît Il y a toujours maman, hi maman (Ah, ah) (Ah, ah, ah-ah) Je n’ai pas le choix, je ne sais pas ce qu’il faut faire Alors tiens-moi, maman, dans tes longs bras Dans tes bras automatiques, tes bras électroniques Dans tes bras Alors tiens-moi, maman, dans tes longs bras Tes bras pétrochimiques, tes bras militaires Dans tes bras électroniques (Ah, ah-ah)

Julie Wuhrmann – Untitled

ARTS VISUELS

Julie Wuhrmann – Untitled

par Julie Wuhrmann

« Je suis gueïe, eh toi tu aïe guette aussie ? » Guillaume Dustan, “Queer”“, e.m@le, n°66, 1999 “Je suis gueïe, eh toi tu aïe guette aussie?” Guillaume Dustan, “Queer”, e.m@le, n°66, 1999

Alix Bitz – Lotto(-portrait), 2023

ARTS VISUELS

Alix Bitz – Lotto(-portrait), 2023

par Alix Bitz

Installation objets & lithographies Taille : environ 2 x 2 m À hauteur des yeux, une ligne blanche. Du vide. En levant le regard, une série d’autoportraits qui nous toisent. Des visages en transmutation. Un unique portrait ne saurait montrer l’étendue d’un être. Alors celui-ci se déploie avant d’exploser pour mieux réapparaître. En dessous, une collection d’objets, comme la déambulation d’une vie menée jusqu’à cet instant, qui se suspend. De têtes devenues objets, coulent les souvenirs. À travers cette mise en scène se brise la recherche d’un soi qui s’éloigne dès qu’on semble s’en approcher.

BA Cinéma

César Cadène – Avant l'océan (Image)

CINEMA

César Cadène – Avant l'océan (Image)

avec Agnès Godard

Mon travail de diplôme à l'ECAL a consisté à faire la photographie du film "Avant l'océan" écrit et réalisé par Ilan Dubi, étudiant en réalisation. Inspiré par le cinéma des frères Safdie et de John Cassavetes, ce film fut un véritable défi technique et créatif.

Marcello Balzaretti – There were cowboys (Image)

CINEMA

Marcello Balzaretti – There were cowboys (Image)

avec Agnès Godard

Infiniment déçu par son récent pèlerinage aux USA pour lequel il avait des attentes disproportionnées, Daniel, de retour en Suisse, reprend le cours de sa vie qu’il trouve bien morne et voit un jour apparaître devant lui un cowboy fantomatique qui lui confie une mission : voler une Chevy El Camino.

Jay Holdener – There were cowboys (Réalisation)

CINEMA

Jay Holdener – There were cowboys (Réalisation)

avec Valentina Novati, Stéphane Demoustier

Daniel, de retour des USA, reçoit une mission d’un Cowboy fantomatique : voler une Chevy El Camino.

Rémi Molleyres – La valse sauvage (Réalisation)

CINEMA

Rémi Molleyres – La valse sauvage (Réalisation)

avec Valentina Novati, Stéphane Demoustier

Joseph découvre que Félicie, sa fiancée, vient de tuer son oncle et est décidée à fuir. Un monde s’écroule pour le jeune couple.

Adrien Beroud – Aire de jeux (Scénario)

CINEMA

Adrien Beroud – Aire de jeux (Scénario)

avec Antoine Russbach

Avant d'être adapté en court-métrage, « Aire de Jeux » est mon projet de Bachelor : un scénario de long-métrage, une comédie satirique dans le monde du théâtre contemporain.

Remo Corazza – Les satellites ne tombent jamais du ciel (Image)

CINEMA

Remo Corazza – Les satellites ne tombent jamais du ciel (Image)

avec Valentina Novati, Stéphane Demoustier

Mon travail de diplôme à consisté à être chef opérateur sur le film Les satellites ne tombent jamais du ciel que j’ai co-réalisé avec Matias Carlier, alumni de l’Ecal en cinéma promotion 2022.

Ilù Seydoux – Avant l'océan (Son)

CINEMA

Ilù Seydoux – Avant l'océan (Son)

avec Fanny Martin

Mon travail de diplôme en spécialisation son a été de faire la prise de son et le montage sonore du film Avant l’océan réalisé par Ilan Dubi.

Giulia Goy – Rose à la ferme (Réalisation)

CINEMA

Giulia Goy – Rose à la ferme (Réalisation)

avec Valentina Novati, Stéphane Demoustier

Rose, jeune cinéaste en recherche d’emploi, décide d’entreprendre un stage de reconversion comme agricultrice. Un récit initiatique qui questionne notre relation à la terre, à l’art, au rôle du cinéaste en tant qu’observateur de notre monde.

Ilan Dubi – Avant l'océan (Réalisation)

CINEMA

Ilan Dubi – Avant l'océan (Réalisation)

avec Valentina Novati, Stéphane Demoustier

Le temps d’une nuit troublante, Léon fugue pour rejoindre Olivia dans son périple vers l’océan.

BA Design graphique

Ianka Jean-Marie – HYPER-OBJETS

DESIGN GRAPHIQUE

Ianka Jean-Marie – HYPER-OBJETS

avec Gilles Gavillet, Nicole Udry

Entre livre d’art et manuel de sciences, cette méta-encyclopédie évoque le danger lié aux phénomènes provoqué par le réchauffement climatique. Ces phénomènes sont des HYPER-OBJETS, dépassant les paradigmes habituels de l’ère Anthropocène. Ce système de cartes mentales conceptualise ces phénomènes complexes, à travers la lecture d’un langage simplifié. Dans le contexte de la crise écologique, la matérialisation de cette pensée permet de mesurer notre impact tout en réinterprétant de manière plus tangible le phénomène de la fin du monde. À travers cette archéologie visuelle, nous recherchons les traces de notre civilisation contemporaine en questionnant notre rapport au futur. En réalité, cet objet ne serait-il pas le témoin du mouvement destructeur de la fin du monde ?

Hugo Jauffret – Red Sea Last Hope

DESIGN GRAPHIQUE

Hugo Jauffret – Red Sea Last Hope

avec Nicole Udry, Jonathan Hares

Des études scientifiques récentes révèlent que les coraux de la mer Rouge sont plus résistants que la moyenne à la hausse des températures de l’eau. Cette région, refuge corallien unique sur terre, donne de grands espoirs aux scientifiques et leur permet d’analyser les facteurs de résistances des coraux, avant qu’ils ne finissent eux aussi par disparaître. « Red Sea Last Hope » combine des rapports scientifiques, des récits d’expédition et des archives géopolitiques, souhaitant ainsi avertir sur la disparition progressive des coraux, tout en mettant en évidence l’influence de la géopolitique de la mer Rouge, qui retarde les recherches.

Pablo Felley – 606

DESIGN GRAPHIQUE

Pablo Felley – 606

avec Gilles Gavillet, Guy Meldem

« 606 » est un espace d’art itinérant et modulaire, construit de containers maritimes. Tous les trois mois, l’espace change d’emplacement et de disposition. « 606 » invite des artistes locaux à produire de nouveaux univers aux frontières de la technologie et du réel. « 606 » prend vie la nuit et présente son identité via des projections 360° en évolution constante, qui habillent et transforment la structure des containers. Les mêmes visuels se déclinent via des affiches animées présentées à travers la ville, qui créent une nouvelle lecture de l’information. « 606 » s’articule autour d’une communication développée simultanément en volume, en deux dimensions et en rythme.

Ilaria Citti – KRUMP

DESIGN GRAPHIQUE

Ilaria Citti – KRUMP

avec Gilles Gavillet, Diego Bontognali

Pratiquant le Krump, j’ai constaté le manque de contenu éditorial dédié à cette danse. Originaire des quartiers défavorisés de South Central à Los Angeles, dans les années 1990, le Krump est un moyen pour les danseurs d’exprimer leur colère, leur agressivité, leur frustration et leur douleur de manière positive. Cet ouvrage met en lumière l’esprit de cette danse à travers ses codes : son esprit communautaire, son vocabulaire, sa musique ou encore ses compétitions. En allant à la rencontre des actrices et acteurs de cette scène en Suisse, je souhaite offrir une perspective authentique de ce mouvement.

Louis Roh – Les chemins perdus

DESIGN GRAPHIQUE

Louis Roh – Les chemins perdus

avec Guy Meldem, Diego Bontognali

Il y a des millénaires de cela, l’humain découvrait l’électricité. Il ne cessa de l’exploiter, de la réinventer, sans se soucier, considérant cette ressource comme infinie. Cet ouvrage, « Les chemins perdus », ouvre de nouveaux horizons, entre rêve et fiction, à travers des notions réalistes et poétiques. Et si tout s’éteignait ? Il stimule l’imaginaire et offre aux lectrices et lecteurs une spéculation légère et enfantine. L’intérêt pour l’illustration, la narration et les techniques d’impression donne vie à ce conte graphique. Ce voyage de couleurs et d’images s’adresse à un public multigénérationnel, mettant à contribution le potentiel présent dans les livres pour enfants en ces temps de tension et de confusion.

Michelle Zadio Villarroel – Nativo+Latino

DESIGN GRAPHIQUE

Michelle Zadio Villarroel – Nativo+Latino

avec Gilles Gavillet, Jonathan Hares

« Nativo+Latino » réinvente l’héritage et le syncrétisme du continent sud-américain. Longtemps modelées par l’évangélisation du peuple indigène, les conséquences de ce mélange identitaire témoignent d’une aliénation culturelle et religieuse des latinos. Progressivement, la prise de conscience sur la condition indigène pousse leur descendance à honorer et faire revivre leur culte. Ce projet est un lieu de rapprochement, de confrontation et d’expression personnelle des communautés latine qui revendique leur patrimoine jusqu’alors considéré comme des croyances païennes. « Nativo » se matérialise à travers des souvenirs ancestraux et un imaginaire collectif qui reflète une réinterprétation de la pratique du catholicisme en Amérique latine afin de remettre du pouvoir dans une vision identitaire hybride.

Ambre Louineau – Helix

DESIGN GRAPHIQUE

Ambre Louineau – Helix

avec Jonathan Hares, Gilles Gavillet

« Helix » est un projet de vulgarisation scientifique, qui s’inspire de la thèse d’Isabella Maria Pasqualini, intitulée « Espace incarné dans l’architecture, les neurosciences cognitives et la réalité virtuelle », réalisée au département architecture de l’EPFL. Ce livre s’intéresse aux liens du corps humain entre architecture et neurosciences, offrant une interprétation et une appropriation de la thèse. Pour ce faire, le livre explore la représentation vectorielle des quatre chapitres, alternant avec des fragments photographiques illustrant l’intégration du corps humain dans l’architecture de l’ouvrage.

Leoni Limbach – Wild Tales

DESIGN GRAPHIQUE

Leoni Limbach – Wild Tales

avec Nicole Udry, Aurèle Sack

Une fleur n’est pas juste une fleur, elle est tous les êtres vivants qui dépendent de sa floraison. Dans le cadre d’une biodiversité en crise, ce livre est une réponse au manifeste « Le troisième paysage » de Gilles Clément. Le paysagiste y fait appel à revaloriser les espaces qui longent les routes de nos villes. Entre sur-urbanisation et monoculture agricole excessive ces espaces marginaux oubliés sont recolonisés par une flore sauvage pionnière, régénératrice d’écosystèmes riche en biodiversité. Contrairement à l’herbier procédant par analyse fragmentaire, ce projet analyse les relations entre les êtres vivants. « Wild Tales » est un livre d’illustrations atmosphériques invitant à butiner entre les couleurs et les formes variées de cet espace ainsi que les histoires sauvages qui le composent.

Alice Villars – Mirù

DESIGN GRAPHIQUE

Alice Villars – Mirù

par Alice Villars

« Mirù » est une exploration de la transmission et de l’itinérance de la vie de ma mère à travers des objets interdépendants, robes et livre. Les vêtements disent beaucoup de quelqu’un. Plus qu’une simple apparence, ils sont un terrain propice à l’expression graphique et à l’expression de soi. J’ai créé cinq robes en utilisant un matériel d’archive. La composition des robes intègre des formes ornementales et des éléments graphiques, des photos. Chaque robe devient une adresse de la vie de ma mère, représente une ambiance particulière, donnant des indices sur son histoire. L’édition, quant à elle, crée une boucle entre les robes et le livre, un endroit où tout se rejoint. « Mirù » est une plongée dans l’histoire et les émotions d’une vie, transmises à travers les vêtements et les mots.

Marjolaine Rey – Ici prochainement votre appartement

DESIGN GRAPHIQUE

Marjolaine Rey – Ici prochainement votre appartement

avec Aurèle Sack, Diego Bontognali

« Ici prochainement votre appartement », c’est le passage de la propriété privée à l’espace public. À la veille du déménagement de la maison familiale, mais surtout en regard de sa destruction prochaine, j’inscris La Maison dans un nouvel espace : le livre. Ce livre, plus qu’un monologue intime, est une invitation à entrer par le texte et par l’image. Du portail, au jardin, à la porte… pour terminer aux combles, là où se déploie la bibliothèque. Une iconographie, extraite de cette bibliothèque, impacte la mise en forme du volume entier. L’espace du livre est mon terrain de jeu. L’objet in-quarto dissimule la moitié du contenu entre les pages. C’est à la main du lecteur de décider s’il veut entrer ou non, dans chaque pièce de La Maison, lors de sa visite. Bienvenue chez moi. Bientôt chez vous…

Agathe Bourrée – Informal Pictures

DESIGN GRAPHIQUE

Agathe Bourrée – Informal Pictures

avec Gilles Gavillet, Nicole Udry

Chaque année, les membre du G7 se rassemblent pour un weekend préparé par l’un des états membres afin de discuter des affaires internationales. « Informal Pictures » est une investigation qui tente de recréer l’atmosphère de ces réunions où d’importantes décisions sont prises. Il s’agit d’une recherche autour de l’influence de la presse dans la construction d’un imaginaire collectif lors de ces évènement politiques. Pour se faire, le projet articule des sources journalistiques grand publique avec les outils du graphisme afin de recréer une image qui n’a jamais existé, une image manquante de ces diners politiques. Ces images informelles sont générées dans MidJourney, à partir du langage de ces journaux.

Ekaterina Bliznyuk – Photosensitivity warning: following content may cause seizures

DESIGN GRAPHIQUE

Ekaterina Bliznyuk – Photosensitivity warning: following content may cause seizures

avec Diego Bontognali, Jonathan Hares

L’épilepsie photosensible est une variante de l’épilepsie dans laquelle la personne affectée produit des réactions particulières à la lumière et à certains motifs statiques. En raison d’un manque de sensibilisation à ce trouble, notre environnement contient un grand nombre de déclencheurs visuels qui mettent en danger la vie quotidienne d’une personne photosensible. Dans ce projet, je reproduis en réalité virtuelle les lieux et les éléments les plus nocifs pour une personne photosensible, en illustrant plusieurs de ces variantes. Étant à la fois graphiste et photosensible, j’ai voulu mettre en évidence la méconnaissance de cette maladie, qui conduit à l’exclusion visuelle. Celle-ci est menée par l’idée que je ne pourrai jamais voir mon projet dans sa forme complète.

Laeticia Schwendi – +212 magazine

DESIGN GRAPHIQUE

Laeticia Schwendi – +212 magazine

avec Diego Bontognali, Nicole Udry

Marrakech, surnommée la « ville rouge », offre une atmosphère vibrante et des parfums enivrants. C’est une ville empreinte de contrastes, où les jeunes artistes émergent avec audace et une passion contagieuse. « +212 magazine » propose un voyage à la découverte de ces artistes et de leur univers. Ce travail réside dans l’échange, le dialogue et la collaboration avec tous les participants. Il s’agit de créer une connexion authentique, d’explorer les interconnexions entre les cultures et de témoigner de la beauté et de la diversité artistique qui émerge. Ainsi, revêtant mes différentes casquettes, j’ai créé ce magazine, jonglant entre direction artistique, rédaction, interviews et simples échanges. Et ce n’est, je l’espère, qu’une étape initiale d’un voyage long et riche en découvertes.

Alexis Gargaloni – Varia

DESIGN GRAPHIQUE

Alexis Gargaloni – Varia

avec Aurèle Sack, Gilles Gavillet

Influencé par l’arrivée du métavers, « Varia » est une métaphore de l’absurdité et de l’échec prématuré de cette technologie, ainsi qu’une recherche sur les formes en typographie. En s’inspirant du phénomène d’optimisation géométrique en 3D Level of Detail, « Varia » évolue sur un axe du même nom et se compose en trois cut : 0, 4, 8. Alors que le niveau 0 semble plus proche de la typographie traditionnelle, il s’agit en réalité d’une version « lissée » des cut précédents qui tentent déjà de synthétiser les lettres jusqu’à leurs formes les plus rudimentaires. De la rigidité des formes, les contraintes existentielles que pose la recherche illustrent la vision rétrograde et dystopique du métavers, tout en proposant le reflet rassurant d’une transition géométrique future de nos corps.

Tessa Roy – Digital Feminist Manifesto

DESIGN GRAPHIQUE

Tessa Roy – Digital Feminist Manifesto

avec Guy Meldem, Tessa Roy

Le site web « Digital Feminist Manifesto » a pour but de présenter un ensemble de principes de représentation du corps et de ses absences de limite dans les espaces numériques, prenant en compte des principes tels que l’inclusivité, le spectre des genres et l’intersectionnalité. Le site se compose d’une partie textuelle (le manifeste et ses enjeux) et d’avatars. Ces derniers illustrent l’une des nombreuses interprétations possibles dans la façon d’interpréter le corps. N’étant ni linéaires, ni hiérarchiques, les avatars s’organisent de manière évolutive et arborescente. Ainsi, en entrant dans le site, on se retrouve en un point central, ce qui nous permet par la suite d’explorer le site dans toutes les directions et de découvrir ses possibilités.

Antonin Maudry – Coemeter

DESIGN GRAPHIQUE

Antonin Maudry – Coemeter

avec Aurèle Sack, Jonathan Hares

Ce travail propose une réinterprétation de la police de caractères Trajan, trouvant sa place sur un espace numérique. Cette police est riche d’histoire : des pierres romaines dont elle découle à ses multiples itérations en gravure lapidaire contemporaine, principalement sur des monuments funéraires en Occident. Ce travail typographique se déploie sur un site web. Un cimetière numérique vous y attend, où vous pourrez graver votre pierre tombale et personnaliser votre espace de deuil. « Coemeter » joue avec les dualités, entre sacré et profane, histoire et anachronisme, matière et conscience. Cette expérience à la fois décomplexée et poétique invite à repenser notre lien à la pierre, à la mémoire et à la perte.

Romain Oederlin – Archetype

DESIGN GRAPHIQUE

Romain Oederlin – Archetype

avec Diego Bontognali, Aurèle Sack

Ce que l’on voit est-il réel ou subjectif ? L’interprétation est en permanence le résultat d’une appréhension individuelle. C’est pour cette raison que l’espace peut être manipulé et exacerber des relations désirées. En lien avec la perception de notre environnement, ce travail étudie le principe d’anamorphose engendré par des caractères typographiques conçus en trois dimensions. Fluctuantes entre lettres et abstraction, ces structures visuelles proposent différents degrés de lisibilité en fonction du point de vue adopté.

Laeticia Jakob – Sabina?

DESIGN GRAPHIQUE

Laeticia Jakob – Sabina?

avec Nicole Udry, Guy Meldem

La population de « Neovertebra » ne cesse de diminuer, décimée par les températures élevées et la pénurie alimentaire. Plus rien ne pousse en dehors des serres. Pour remédier aux attaques qui menacent les plantations, Sabina et Greg élaborent un engrais à base de pissenlits. « Sabina? » est un roman graphique en réponse à l’effondrement possible de la civilisation. Face à un certain sentiment d’impuissance et de passivité, la technique du collage manuel apparaît comme un palimpseste à travers lequel l’histoire peut assumer de nouvelles perspectives. Images récoltées et créations personnelles s’accumulent puis se dégradent au fil de cette dystopie, encourageant la projection du lecteur et l’assimilation de ces informations.

Aude Meyer de Stadelhofen – Pearly skin, Summer hit, Vanished by the wind

DESIGN GRAPHIQUE

Aude Meyer de Stadelhofen – Pearly skin, Summer hit, Vanished by the wind

avec Diego Bontognali, Guy Meldem

La plage, un espace contradictoire. À la fois romantique et dérisoire, un arrêt dans le temps et une urgence, un fantasme du vide et un rivage bondé, un lieu affranchi et une frontière. « Pearly skin, Summer hit, vanished by the wind » est une trace, une métaphore des représentations de la plage aujourd’hui dans l’imaginaire collectif, avant sa disparition. Le journal, divisé en trois thématiques (anthropologie, climat et migration), juxtapose images oniriques, dépêches factuelles, textes impératifs et publicités futiles. Ces différents langages soulignent la complexité paradoxale du lieu. Par le cyanotype, la feuille devient peau et l’impression devient bronzage. Le va-et-vient des vagues marque les pages, parsemées de grains de sable et de crème solaire.

Benoît Rochat – Harmonic Structures

DESIGN GRAPHIQUE

Benoît Rochat – Harmonic Structures

avec Nicole Udry, Jonathan Hares

« Harmonic Structures » est une tentative d’élaboration d’un langage graphique modulaire et musical pouvant constituer la base d’une architecture sonore. Le premier numéro inscrit certaines informations propres au bâtiment et à la population du Lignon à Genève, afin de les appliquer dans un système de notation musicale bidimensionnelle. Finalement, ces données sont interprétées par un musicien utilisant une MPC 1000 afin de permettre une communication sonore de ce qui constitue précisément le bâtiment.

Ella Paleni – Trait de caractère

DESIGN GRAPHIQUE

Ella Paleni – Trait de caractère

avec Guy Meldem, Gilles Gavillet

La place du graphiste à l’ère des avancées technologiques : le monde d’aujourd’hui est en constante évolution technologique, ce qui soulève des questions sur la place et le rôle du graphiste. Dans ce travail de diplôme, j’ai entrepris d’explorer cette problématique en adoptant une approche résolument manuelle et artisanale. J’ai créé un livre de A à Z en utilisant des techniques traditionnelles de fabrication, de l’élaboration du papier à la reliure finale. En m’éloignant de la digitalisation omniprésente, j’ai souhaité exprimer un besoin de revenir à l’essence même du métier de graphiste. Ce projet met en lumière les avantages d’une approche artisanale dans un monde de plus en plus numérique. Il encourage la réflexion sur les compétences spécifiques que les graphistes peuvent apporter.

Alice Moor – Baraonda

DESIGN GRAPHIQUE

Alice Moor – Baraonda

avec Aurèle Sack, Guy Meldem

« Baraonda » est un système ludique pour animer des activités créatives. L’atelier repose sur une roue de la fortune composée de plusieurs cercles qui déterminent les caractéristiques et les règles qui seront mises en place. Neuf étapes ont été conçues en partant du cercle le plus large jusqu’au plus étroit. On détermine un thème de travail, puis une technique, les différents matériaux, les couleurs, et ainsi de suite. En plus de la série de cercles, j’ai développé divers matériaux qui servent de support aux ateliers : des pochoirs en bois, une collection d’images et des lettres autocollantes. Le développement du projet et les résultats des activités menées dans des classes d’école primaire de Lausanne sont réunis dans une édition imprimée. Le tout est regroupé dans un coffret en carton toilé.

Aude Gunzinger – Les Résidences nomades

DESIGN GRAPHIQUE

Aude Gunzinger – Les Résidences nomades

avec Guy Meldem, Nicole Udry

Lorsque sont repoussées les limites usuelles de l’édition, nos sens sont perturbés. Nous faisons alors face à de nouvelles perspectives. « Les Résidences nomades » engagent le lecteur à s’immiscer dans un récit par le geste et le corps dans un langage pictural de 9 mètres. Y est dépeint un lieu particulier et les coutumes de ceux qui le fréquente. Pas à pas, nous découvrons une réflexion subtile entre fantasme, variation de la perception et limite du langage.

Vera Gonzalez Ponce – Starlight

DESIGN GRAPHIQUE

Vera Gonzalez Ponce – Starlight

avec Guy Meldem, Nicole Udry

« Starlight » est un magazine qui célèbre l’inclusion, les diversités socio-culturelles et les sexualités à travers le reggaeton. C’est un outil conçut pour donner la voix à des personnes souvent marginalisé·e·x·s afin de mettre en avant les invisibilités de notre société. Ce numéro offre des clés de compréhension et des pistes de réflexion en vue d’une société plus équitable. Le désir se manifeste à travers les images et celles-ci ont toujours une intention première. Elles sont principalement dominées par le « male gaze ». En prenant les choses en main cela peut changer. Il est possible d’inverser les perspectives ainsi que les dynamiques de pouvoir. Soyez les protagoniste·x·s de vos désirs. Soyez fier·ère·x·s de vos corps. Soyez les stars de vos propres fantasmes et de vos vies.

Thomas Neyroud – Yours to Play and Win

DESIGN GRAPHIQUE

Thomas Neyroud – Yours to Play and Win

avec Jonathan Hares, Aurèle Sack

« Yours to Play and Win » est un projet de promotion typographique sous le thème du jeu d’échecs. Les lettres, comme les pièces du jeu, sont des symboles qui se chargent de sens quand ils sont activés par l’activité abstraite humaine, la pensée. En référence aux propos de Duchamp, les représentations idéographiques d’un cheminement cognitif montrent leur réel potentiel, qui dépasse la simple organisation visuelle. Le caractère s’inscrit dans la famille des polices de caractères égyptiennes, qui reflètent le mécanisme moderne, en rappelant l’artisanat grâce aux empattements. Les proportions monocases s’adaptent aux modules du jeu et les contours arrondis ajoutent un caractère organique afin de rappeler la pensée humaine. Le texte va imager les idées afin de démontrer le propos du projet.

BA Design Industriel

Jade Eymann – Made in Sierra Leone

DESIGN INDUSTRIEL

Jade Eymann – Made in Sierra Leone

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

En Sierra Leone, les métiers manuels issus de l’artisanat local sont en perdition due à une économie d’importation qui a déconstruit la vision qualitative des objets issus de cette main-d’œuvre pour des standards occidentaux. Mon travail de diplôme consiste en l’organisation d’ateliers créatifs pour les enfants d’une école située dans un quartier économiquement et géographiquement vulnérable. Ma recherche s’est portée sur l’ébénisterie, la confection sur mesure et l’impression textile. Le projet s’est déroulé en deux temps : un travail de design local en collaboration avec les artisans concernés, puis trois ateliers permettant aux enfants de découvrir des métiers manuels tout en développant leur créativité afin de réaliser des objets utilisables dans l’enceinte de l’école.

Charlotte Dubois – Pierrot

DESIGN INDUSTRIEL

Charlotte Dubois – Pierrot

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

« Pierrot » est un projet comprenant deux modules qui permettent de faciliter l’accès aux zones rocheuses et à la baignade dans le lac. Ces espaces de roches ont été installés il y a longtemps par l’homme pour protéger les rives. Ils rendent l’accès au lac difficile en raison de leur caractère glissant et changeant. L’objectif est de mettre en valeur cet espace afin que la population puisse profiter du lac tout en préservant les rares espaces naturels qui le bordent. Ces deux plateformes, de tailles différentes, sont faites d’une structure en bois (« Douglass ») et d’un filet métallique rempli de cailloux, qui permet d’épouser la forme des roches du lac et de créer un habitat supplémentaire pour la biodiversité.

Sacha Dufour – Airwear

DESIGN INDUSTRIEL

Sacha Dufour – Airwear

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

Lors de nos activités aquatiques, il est essentiel d’assurer notre sécurité en portant un gilet de flottaison. Cependant, de nombreuses personnes refusent de le faire, ignorant ainsi les risques tels que les crampes, les chocs thermiques ou les blessures. Pourtant, nous n’hésitons pas à emporter un sac étanche pour protéger nos affaires de l’eau. C’est dans cet esprit de responsabilité que naît « Airwear ». Un gilet de flottaison gonflable qui intègre un compartiment étanche dans son design. Lorsqu’on souhaite prendre nos valeurs avec nous, il suffit d’enfiler son sac étanche tel un sac à dos, puis de gonfler le gilet grâce à un tube placé à l’avant. Nos affaires sont en sécurité et nous aussi.

Léonie Sammons – Vue d’en haut

DESIGN INDUSTRIEL

Léonie Sammons – Vue d’en haut

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

Pour mon projet de diplôme, j’ai étudié l’avenir des stations de ski face à la diminution de la neige. De nombreuses stations de basse à moyenne altitude ont dû fermer en raison du réchauffement climatique. Environ 180 stations en France ont fermé, laissant les pylônes des remontées mécaniques à l’abandon. Je propose de transformer ces pylônes en refuges perchés pour offrir une expérience unique en montagne et recréer un nouvel attrait touristique. Les refuges perchés, situés à une hauteur de 10 mètres, offriront des vues panoramiques exceptionnelles sur le paysage montagneux. Inspirés par l’architecture traditionnelle des chalets-refuges, ils combineront confort moderne et authenticité montagnarde, favorisant l’harmonie avec la nature environnante.

Hugo Duport – Rails

DESIGN INDUSTRIEL

Hugo Duport – Rails

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

L’origine de ce projet remonte à ma rencontre avec une artisane-encadreuse professionnelle spécialisée dans la création de cadres sur-mesure. Elle m’a fait part de son constat concernant le manque d’innovation dans le design des baguettes proposées par son catalogue, ainsi que des nouvelles attentes de sa clientèle. C’est ainsi qu’est venu l’idée de concevoir de nouvelles baguettes. Ce projet consiste en la création de cadres, composés d’une gamme de cinq profils paramétriques, répondant à divers types d’encadrement : muraux, posés ou sur pied. Leur capacité à se combiner offre des possibilités étendues, ouvrant ainsi de nouvelles perspectives visuelles. Cette gamme élargie permettra aux encadreurs de proposer un choix plus vaste, en offrant une personnalisation plus singulière à leurs clients.

Inès Aznar – Fragmented bathroom

DESIGN INDUSTRIEL

Inès Aznar – Fragmented bathroom

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

Mon projet est une réflexion sur l’espace sanitaire, son agencement spatial, son utilisation et sa forme. Dans le contexte de la réhabilitation, ma proposition vise à transformer l’espace de la salle de bain en un objet autonome. Ce principe de base m’incite à concevoir une nouvelle typologie : la salle de bain fragmentée.

Antony Gallay – Around the Farm

DESIGN INDUSTRIEL

Antony Gallay – Around the Farm

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

« Around the Farm » est une expérience d’hébergement à la campagne. L’idée est de créer des volumes habitables issus de constructions agricoles existantes, afin de promouvoir un dépaysement plus proche de chez soi pour une population en quête de tourisme de proximité. Le résultat est l’aménagement intérieur d’un silo à grain développé sur deux niveaux. Le premier étage est une pièce fonctionnelle avec un espace d’entrée et une salle d’eau. Le second est dédié à l’espace couchage avec des ouvertures pour admirer la campagne.

Guillaume Gindrat – Pierre

DESIGN INDUSTRIEL

Guillaume Gindrat – Pierre

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

Dans un contexte de crise énergétique et de prise de conscience généralisée de la finitude des ressources à disposition, l’utilisation de ressources locales pour se chauffer est prise en considération. « Pierre » est une alternative de chauffage d’appoint compact. Tout comme son combustible, ce poêle utilise des pierres locales pour stocker la chaleur. Cela facilite le transport de ce dernier, tout en générant une composition singulière à chaque installation.

Sam Lombardo – The Table of the Future

DESIGN INDUSTRIEL

Sam Lombardo – The Table of the Future

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

De manière générale, on constate que la pièce dans laquelle nous cuisinons se trouve à l’écart de la salle à manger et, par conséquent, lorsque nous préparons un repas, nous sommes séparés du reste de la famille ou de nos convives. Sous son plateau en céramique, cette table à manger cache un système à induction. Elle offre ainsi la possibilité de préparer des plats de table sans équipements supplémentaires ou celle d’être simplement utilisée comme table de cuisson. En effet, qui de nous pourrait renoncer à la possibilité de pouvoir cuisiner tout en surveillant ses enfants, de travailler en préparant un café ou un thé, de cuisiner un plat entouré de ses amis, de garder les plats au chaud ou encore de pouvoir cuire sa raclette directement sur la table ?

Lirjeta Maxhuni – Gynecare

DESIGN INDUSTRIEL

Lirjeta Maxhuni – Gynecare

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

« GYNECARE » est une tenue gynécologique innovante qui vise à protéger et apporter aux personnes une plus grande sécurité et une vulnérabilité réduite lors des examens médicaux. Ce projet répond à un réel besoin en offrant une alternative plus confortable et humaine aux personnes, tout en améliorant la qualité des soins gynécologiques. « Gynecare » serait la première tenue officielle dans le domaine gynécologique, conçue précisément pour ces examens. La tenue est fabriquée en tissu de chanvre, qui bénéficie de propriétés uniques idéales dans le monde médical. Pour le respect et l’amour de notre corps à tout·e·x·s.

Jessy Bueno – Garde-frais

DESIGN INDUSTRIEL

Jessy Bueno – Garde-frais

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

Pour conserver un produit frais, on le met machinalement au réfrigérateur. Pourtant, bon nombre d’aliments se conservent très bien (voire mieux) à température ambiante, à condition de respecter certains paramètres. Autrefois connus de toutes et tous, ceux-ci sont à la base de mon projet. Le garde-frais est un nouvel élément de cuisine. Il se compose d’un garde-manger sous forme de bacs, offrant différents paramètres de conservation, un réfrigérateur et un congélateur de taille réduite. Il est également équipé d’un déshydrateur, alimenté par la chaleur résiduelle. Avec une vision claire des quantités et une implication directe, il propose une nouvelle approche de notre consommation, entre les savoir-faire anciens, les préoccupations énergétiques actuelles et nos habitudes alimentaires à venir.

Nicolas Honegger – Silverground

DESIGN INDUSTRIEL

Nicolas Honegger – Silverground

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

Les modules « Silverground » sont pensés pour offrir une opportunité à nos aîné·e·s de pratiquer des exercices d’agilité et d’équilibre dans l’espace public. Ces modules novateurs seraient insérés dans le sol et disposés sur un parcours de promenade. Mis à disposition de tout un chacun, ils représentent une activité ludique intergénérationnelle. L’équilibre est une compétence essentielle dans la mobilité des séniors. Il est exercé lors de pratique d’activités physiques, mais ces dernières sont souvent négligées lorsque l’on prend de l’âge. Des activités physiques encadrées par des professionnel·le·s sont souvent coûteuses pour nos aîné·e·s. Ainsi, ces modules urbains offrent une solution accessible à toutes et tous et participent à la prévention des chutes, principale cause des accidents des séniors.

Aleksandra Nazarova – Uyut

DESIGN INDUSTRIEL

Aleksandra Nazarova – Uyut

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

Face à la baisse des réserves mondiales d’énergie, le défi de chauffer les maisons, surtout les plus anciennes et les plus mal isolées, est grandissant. Le chanvre, aux atouts notables tels que l’isolation, la purification de l’air, la résistance aux bactéries et l’absorption de CO2, fait un retour marqué. Son faible besoin en eau pour la culture accentue son attrait. Les modules « Uyut », incorporant des poches de fibres de chanvre, empêchent l’air froid d’entrer et l’air chaud de sortir, créant des espaces chauds dans de grandes pièces et isolant efficacement fenêtres, murs et portes. Leur flexibilité fait d’eux une solution pratique et durable vers des maisons écoénergétiques.

Camila Hidalgo – Wood Works Swiss Edition

DESIGN INDUSTRIEL

Camila Hidalgo – Wood Works Swiss Edition

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

« Wood Works Swiss Edition » est une investigation sur l’industrie du bois et le savoir-faire que l’on trouve dans différentes parties du monde. Dans cette première édition, l’accent est mis sur la Suisse. Pour explorer un univers aussi vaste, la recherche prend la forme d’un site web, où les visiteur·euse·s peuvent découvrir les différentes façons de travailler le bois selon les catégories suivantes : essence, région, métier, produit, outil et fabricant·e. Le site web propose une boîte à échantillons qui donne un aperçu de l’expertise et des processus méticuleux impliqués dans la fabrication d’un produit en bois suisse.

Bruno Pauli Caldas – Personenwagen 6+2

DESIGN INDUSTRIEL

Bruno Pauli Caldas – Personenwagen 6+2

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

« Personenwagen 6+2 » est un taxi électrique spécialement conçu pour les trajets courts dans les zones urbaines, avec un accent sur la production locale. Il a été développé en collaboration avec STIMBO, une entreprise familiale qui produit des taxis électriques et des véhicules commerciaux dans la vallée de Zermatt depuis 1980. Il est conçu comme un élément mobile de l’espace public, plutôt que comme une marchandise privée. Dépouillé au maximum, le design privilégie la simplicité et offre une expérience immersive aux passagers.

Mattia Cook – 1000ppm

DESIGN INDUSTRIEL

Mattia Cook – 1000ppm

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

Inspiré de la projection la plus alarmante du GIEC et de nombreux rapports, je vous invite à imaginer un avenir où la concentration de carbone atteint 1000 ppm d’ici la fin du siècle. À quoi ressemblerait ce monde ? Pour saisir cette vision, j’ai imaginé trois objets distincts, chacun faisant partie de récits uniques enracinés dans mon scénario hypothétique. Tout d’abord, une gourde « low-tech » isolée pour affronter les défis de la migration climatique. Ensuite, une technique de réparation conçue pour renforcer et imperméabiliser des chaussures usées, incarnant l’ingéniosité face à la pénurie de certaines ressources. Finalement, un dispositif nasal doté d’une technologie de pointe capable de filtrer et purifier l’air pollué, protégeant de la menace imminente de la contamination atmosphérique.

Robin Luginbühl – Disassembly Lab

DESIGN INDUSTRIEL

Robin Luginbühl – Disassembly Lab

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

Le « Disassembly Lab » est une étude conceptuelle et formelle visant à créer des chaussures intégrées à un système de commercialisation durable. Le désassemblage permet de prolonger la durée de vie d’une chaussure, la rendant réparable, restaurable, remplaçable et recyclable. L’objectif est de repenser et de redéfinir la manière dont nous construisons et assemblons des baskets. Cette recherche s’inspire de diverses références et explore plusieurs concepts distincts. Chaque concept évolue au fil de la recherche, aboutissant à trois chaussures, offrant des solutions fonctionnelles et esthétiques variées. Ces chaussures, dotées de semelles en TPU et d’une tige en tricot 3D, sont réduites à l’essentiel, ce qui permet une production et un assemblage simples et rapides et une recyclabilité facile.

Annick Persechini – Spirulicious

DESIGN INDUSTRIEL

Annick Persechini – Spirulicious

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

Le projet « Spirulicious » vise à promouvoir la spiruline de qualité produite en Suisse en proposant des alternatives innovantes pour sa consommation. Souvent associée à un complément alimentaire sous forme de pilule, comme un médicament, la spiruline est en fait un superaliment riche en protéines et en fer, offrant de nombreux avantages nutritionnels et environnementaux. « Spirulicious » présente deux snacks : « SPIRA », une barre croquante, et « SPIRU », une crème glacée. Destinés aux adultes, ces produits sont à la fois végétaliens et diététiques, offrant une manière savoureuse de consommer de la spiruline tout en conservant ses qualités nutritionnelles. « SPIRA » est conçu pour être produit à petite échelle par une ferme locale, tandis que « SPIRU » est adapté à une production à plus grande échelle.

Marco Renna – LEFT(L)OVER

DESIGN INDUSTRIEL

Marco Renna – LEFT(L)OVER

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

Dans les usines de préfabrication de béton, du béton excédentaire est préparé pour éviter les pénuries lors des opérations de coulage. Toutefois, cet excédent, qui représente environ une à quatre tonnes par jour, est généralement mis au rebut. L’usine produit alors de gros blocs, transportés vers une décharge où ils deviennent du gravier. L’objectif de « LEFT(L)OVER » est de réutiliser ces excédents pour créer du mobilier urbain. Des moules sont alors fournis aux entreprises pour remplacer leurs blocs. Cette collaboration établit un échange mutuellement bénéfique. Les moules s’intègrent parfaitement aux habitudes et à la logistique de l’usine. Ils se composent de deux parties détachables avec la place nécessaire pour un déchargement efficace du béton et l’optimisation du processus.

Aramis Rüdisühli – Aplo

DESIGN INDUSTRIEL

Aramis Rüdisühli – Aplo

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

Le vélo est devenu un moyen de livraison établi ces dernières années, mais, même si ce dernier évolue pour répondre à la demande croissante, l’utilisateur reste exposé aux inconforts inhérents au vélo. « Aplo », issu d’une collaboration avec la start-up suisse Shematic pour leur vélo cargo « Yakbike », facilite son utilisation quotidienne en intégrant des éléments de protection optimisés et de rangements. « Aplo » dispose également d’une bulle additionnelle pliable et légère en cas d’intempéries. Sa construction est adaptée aux demandes de durabilité et de simplicité tout en intégrant des éléments essentiels du vélo.

Shania Soares – Alma

DESIGN INDUSTRIEL

Shania Soares – Alma

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

« Alma » redéfinit les rituels de beauté pour les séniors et les personnes souffrant d’arthrite ou d’une dextérité limitée. Chaque client mérite de se sentir beau et confiant, quelles que soient ses capacités. Le set comprend trois pinceaux de maquillage, un mascara, un rouge à lèvres et une palette de maquillage. Le projet a été développé en collaboration avec des séniors confrontés à des problèmes de motricité fine.

Noah Watzlawick – Tatable

DESIGN INDUSTRIEL

Noah Watzlawick – Tatable

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

« Tatable » est une approche qui vise à restaurer les tables en bois démodées, leur donnant ainsi une nouvelle vie. Plutôt que d’être simplement jetées en raison de leur style dépassé, ces tables bénéficient d’une seconde chance. Nous procédons avec précaution en retirant les anciens pieds stylisés pour les remplacer par une structure « tatable » moderne, amovible et adaptable. Cette méthode permet de redonner aux tables leur fonctionnalité et leur attrait esthétique.

Julie Meyer – Dôme

DESIGN INDUSTRIEL

Julie Meyer – Dôme

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

« Dôme » est une série de dalles modulables créées afin d’allier verdure et minéralité dans la création de zones publiques de détente et de repos. Ce projet propose une approche novatrice dans l’utilisation du béton. Les dalles rondes en béton fibré, coulées dans un matériau textile, offrent une finesse et une forme bombée uniques. Coulé à l’usine de béton fibré de mon père à Aigle, ce projet est une collaboration avec mon patrimoine. L’utilisation du coffrage textile permet d’offrir de nouvelles possibilités esthétiques tout en réduisant les chutes de matières associées au coffrage rigide traditionnel. De plus, il permet une meilleure qualité et densité du béton grâce à l’évacuation de l’eau et des bulles par le tissu, rendant le béton et les dalles plus durables.

Sven Odermatt – ColorBath

DESIGN INDUSTRIEL

Sven Odermatt – ColorBath

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

Mon projet est le fruit de mon questionnement autour de l’automatisation et la robotisation grandissante de l’industrie. L’homme a-t-il encore sa place dans ce processus industrialisé ? N’y a-t-il pas des étapes où son apport puisse concurrencer les machines ? Mon projet consiste en des modules à facettes en tôle d’aluminium. Chacune d’entre elles ont été trempées manuellement dans des bains de couleur. En résulte des surfaces avec des teintes variantes, des coulures et autres défauts qui procurent des résultats imprévisibles et hautement expressifs.

Sam Lombardo – Disassembly Lab

DESIGN INDUSTRIEL

Sam Lombardo – Disassembly Lab

par Sam Lombardo

De manière générale, on constate que la pièce dans laquelle nous cuisinons se trouve à l’écart de la salle à manger et, par conséquent, lorsque nous préparons un repas, nous sommes séparés du reste de la famille ou de nos convives. Sous son plateau en céramique, cette table à manger cache un système à induction. Elle offre ainsi la possibilité de préparer des plats de table sans équipements supplémentaires ou celle d’être simplement utilisée comme table de cuisson. En effet, qui de nous pourrait renoncer à la possibilité de pouvoir cuisiner tout en surveillant ses enfants, de travailler en préparant un café ou un thé, de cuisiner un plat entouré de ses amis, de garder les plats au chaud ou encore de pouvoir cuire sa raclette directement sur la table ?

Alexandre Margueron – La Tsemenâ

DESIGN INDUSTRIEL

Alexandre Margueron – La Tsemenâ

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

« Tsemenâ » est un mobilier urbain qui permet de manger la fondue en ville de Bulle. La table haute possède un réchaud qui fonctionne avec une barquette de gel inflammable. Les deux outils qui l’accompagnent permettent de réguler l’intensité de la flamme ou de l’éteindre. Il est possible de les localiser sur Google Maps et de se ravitailler en fondue à tout moment auprès d’un automate à fromage d’un artisan local. Le mobilier est fabriqué à base de tôle et de profilés conventionnels en acier et acier inox afin de minimiser le coût de production pour la ville. Elle permet autant aux locaux qu’aux touristes de s’approprier et de jouir d’un bout d’espace public le temps d’un repas.

Léo Crespin – FOLD

DESIGN INDUSTRIEL

Léo Crespin – FOLD

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

« Fold » est un canapé convertible en bois qui se déploie à l’aide d’une charnière flexible en tissu. De cette manière, « Fold » réduit la quantité de matériel nécessaire, tout en restant fonctionnel : il suffit de tirer sur la partie avant pour déplier les coussins, puis de la repousser pour revenir à sa position initiale.

Alicia Berclaz – Doc Pals

DESIGN INDUSTRIEL

Alicia Berclaz – Doc Pals

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

« Doc Pals » est une série d’objets qui vise à créer un environnement moins stressant pour les enfants lors de leurs examens médicaux. Il contient un tensiomètre, des abaisse-langues ainsi que des tampons et un sous-main de coloriage pour la salle d’attente. Sur la base d’histoires racontées par les pédiatres aux enfants pour les rassurer, un tensiomètre ours, un abaisse-langue en forme de tigre et des tampons ont été fabriqués. Un petit livre, disponible dans la salle d’attente, a également été créé pour suivre les enfants pendant les examens. Il contient une petite histoire et quelques activités ludiques pour occuper les enfants dans les moments stressants. Après l’examen, le livre peut être ramené à la maison.

BA Media & Interaction Design

Paul Dorsaz – GlobalCom

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Paul Dorsaz – GlobalCom

par Paul Dorsaz

Avec GlobalCom, grâce à la puissance de l’IA, générez promptement l’identité graphique de votre entité commerciale ! L’émergence récente de services tels que ChatGPT ou DALL·E amène à s’interroger sur le rôle de l’IA dans les processus de design. Dans une réalité où un designer publicitaire se fie inévitablement au web pour chercher de l’inspiration, le produit final apparaît souvent similaire aux autres. À quoi ressembleraient les logos et les identités visuelles si le design initial était piloté par une IA dont le dataset est déjà nourri par la surproduction et le mimétisme ? GlobalCom, issu de ce processus automatisé, nous révèle que ces outils sont encore trop naïfs pour être autonomes. Toutefois, peuvent-ils être employés comme catalyseurs pour stimuler la créativité des designers ?

Alexandra Sensi – Self-Reflection

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Alexandra Sensi – Self-Reflection

par Alexandra Sensi

« Self-Reflection » est une expérience sociale qui porte un regard ironique sur l’impact de l’image au sein de notre société. Elle met en évidence l’importance de la perception de nous-mêmes dans les normes sociales. L’installation superpose le reflet de l’utilisateur·rice à un jeu numérique grâce à un miroir sans tain. Ainsi, chacun·e est plongé·e à la fois dans le jeu et confronté·e à son propre reflet. Au fil de notre progression, nous sommes confronté·e·s à des situations révélant comment notre perception de nous-mêmes influence nos comportements et joue un rôle dans nos constructions sociales. Ce projet est motivé par des raisons personnelles et une formation en psychologie et en sciences sociales, renforçant l’intérêt pour les mécanismes humains, l’analyse psychologique et le désir d’aider.

Niki Zaal – Waazo

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Niki Zaal – Waazo

par Niki Zaal

« Waazo » est un jeu mobile qui connecte des participant·e·s inconnu·e·s pour une expérience sociale et amicale : une expérience où le virtuel et le réel se rejoignent. Aujourd’hui, les smartphones et les réseaux sociaux nous connectent avec des personnes éloignées, mais peuvent cependant nous éloigner de notre entourage physique. Ce jeu interactif utilise cette hyper-connectivité pour reconnecter les gens dans un lieu spécifique, de manière paradoxale. Ce jeu s’inspire des jeux de notre enfance, tels que « Où est Charlie ? » ou « Cluedo ». En utilisant son téléphone, chaque participant·e explore les gens qui l’entourent pour découvrir des personnes inconnues. Des indices subtils, tels que leur posture, leur humeur ou encore leur accessoire principal, guideront le joueur dans cette quête de rencontres.

Arthur Lucchesi – RWM MK1

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Arthur Lucchesi – RWM MK1

par Arthur Lucchesi

Le « RWM MK1 » est un synthétiseur électronique expérimental qui capte et transforme les signaux radio, créant des ambiances sonores et des sons intrigants. Cet instrument interagit avec les rayonnements électromagnétiques terrestres et cosmiques, permettant ainsi d’écouter les échos lointains des confins de l’univers. Il se compose de deux plaques de PCB avec une interface tangible permettant une interaction en temps réel avec ces ondes. Les musicien·ne·s peuvent de plus ajouter des effets sonores, enrichissant l’expérimentation. Mon projet s’inspire de la découverte des pulsars par Jocelyn Bell, du programme SETI de la NASA, du Wow Signal et des œuvres de musicien·ne·s tels que Tim Hecker et Gustav Holst.

Tickie Bindner – Sazen City

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Tickie Bindner – Sazen City

par Tickie Bindner

« Sazen City » propose une immersion dans le paysage collectif de nos souvenirs. Chaque participant·e prend part à l’expérience en explorant un territoire, avant d’adresser des cartes postales qui génèrent une cartographie imaginaire et dynamique. À la différence des photos de panoramas ou de villes, ces cartes digitales illustrent des souvenirs, des moments et des émotions universels en dévoilant une nouvelle forme d’échange épistolaire adapté à nos espaces digitaux. S’inspirant des « Villes invisibles » d’Italo Calvino, « Sazen City » s’appuie sur le machine learning pour cocréer un territoire collectif. Au fur et à mesure de sa construction, ce paysage partagé interroge l’individualité de nos souvenirs et le rôle de l’imaginaire artificiel dans nos environnements numériques.

Julien Caulet – Groove Électrique : l’Odyssée

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Julien Caulet – Groove Électrique : l’Odyssée

par Julien Caulet

Mon projet est un outil qui permet à un·e musicien·ne d’offrir à sa communauté un rôle privilégié dans le processus d’organisation d’un concert. En utilisant Instagram de façon non conventionnelle, « Groove électrique : l’Odyssée » est un récit sous forme de « série interactive » qui invite le public à participer au processus de mise en œuvre du concert jusqu’au jour de la performance. Ce projet s’adresse ainsi aux artistes qui souhaitent renforcer leur communauté et la faire grandir. L’enjeu est de créer une plateforme originale qui amène l’artiste à développer de nouveaux liens « humains » avec son public, tout en promouvant son travail. Cette proximité doit permettre de nourrir autant l’artiste que la communauté, qui occupera une place centrale dans le processus créatif de certains projets.

Lily Rose Hold – Dotto

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Lily Rose Hold – Dotto

par Lily Rose Hold

« Dotto » est un jeu de puzzle numérique qui s’inspire du jeu classique de points à relier. Il combine la liaison de points avec la satisfaction de créer des graphiques vectoriels. En naviguant à travers la collection de puzzles, vous embarquez pour un voyage de découverte. Chaque point relié dévoile une partie de l’œuvre d’art sous-jacente, la ramenant progressivement à la vie à chaque connexion. Un mélange de gameplay satisfaisant et de célébration de l’illustration vectorielle, « Dotto » offre une expérience pour les amateur·rice·s de puzzles et les amoureux de l’illustration graphique.

Elina Crespi – Metamorphoses

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Elina Crespi – Metamorphoses

par Elina Crespi

« Metamorphoses » est un jeu vidéo sous forme d’installation qui permet de faire évoluer son univers en explorant ses différentes dimensions. C’est une machine organique représentant une harmonie des contraires, une dualité entre machine et humain. Il y a un équilibre à trouver : est-ce que la machine doit s’adapter à l’humain ou l’humain à la machine ? l’humain à l’humain ? la machine à la machine ? En participant à « Métamorphoses », les joueur·euse·s sont invité·e·s à créer des connexions en branchant un câble jack pour résoudre des énigmes, participer activement à la narration et interagir avec l’environnement. La machine organique incarne alors une dualité, en faisant coexister des éléments naturels et technologiques dans un environnement interactif et évolutif, questionnant ainsi notre propre monde.

Salomé Dotter – Fragments choisis

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Salomé Dotter – Fragments choisis

par Salomé Dotter

Playmobil et démineurs. Sac de billes et MSN. Malabar et BlackBerry. Facebook et cœur brisé. Boule disco et interro. « Fragments choisis » est un assemblage poétique de souvenirs, une tentative d’immunité contre l’oubli. Sur une étagère, l’exposition des traces du temps qui passe. Vingt-trois objets physiques ont été soigneusement sélectionnés pour incarner des réminiscences de la petite enfance à l’adolescence. La visiteuse ou le visiteur est invité·e à scanner ce qu’elle / il souhaite avec son smartphone, pour donner vie à une histoire et entraîner la fouille de l’espace virtuel qui lui est proposé. À travers ce procédé archéologique, mon intention est de cristalliser une nostalgie contemporaine en une mosaïque de souvenirs communs. Et vous, quels fragments choisiriez-vous ?

Bogdan Nastase – FULCRUM

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Bogdan Nastase – FULCRUM

par Bogdan Nastase

Ciblant le monde du photojournalisme, « FULCRUM » pose la question de la confidentialité des photographies publiées. Alors que de nombreux photojournalistes sont d’avis que la censure des visages altère des faits historiques importants, la protection des sujets reste un principe journalistique fondamental. Étant donné l’omniprésence du data-scraping et la reconnaissance faciale, la législation visant à atténuer les abus potentiels reste dépassée par le progrès rapide de la technologie. « FULCRUM » est une solution contemporaine au débat éthique entre les photojournalistes et le public. En masquant les visages des sujets avec des visages générés par IA, « FULCRUM » assure une anonymisation non destructive, qui protège l’identité des personnes représentées ainsi que la qualité photographique de l’image.

Jeanne Weber – Dusky Large Blue

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Jeanne Weber – Dusky Large Blue

par Jeanne Weber

« Dusky Large Blue » est une expérience web qui permet de sensibiliser le public aux conséquences des activités humaines sur les espèces menacées. Ce projet s’inscrit dans le contexte de la réserve de la Grande Cariçaie avec qui je collabore pour sa réalisation. Une promenade fictive conduit le visiteur par cinq postes qui abordent chacun une espèce menacée. « Dusky Large Blue » est un prototype qui présente un cas précis : le cycle de vie de l’azuré des paluds, une espèce de papillon. Le visiteur découvre également quels problèmes sont liés à son cycle de vie dans la réserve et en-dehors. Ce projet me permet à la fois de développer un sujet qui me tient à cœur et de proposer une version alternative d’un environnement précis en superposant une approche visuelle et auditive personnelles à la réalité.

Adryan Barrilliet – Will I Exist Within You?

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Adryan Barrilliet – Will I Exist Within You?

par Adryan Barrilliet

« Will I Exist Within You? » est une exploration immersive de la dualité humaine entre le désir de relation et la peur d’en souffrir. Ce voyage existentiel suit un individu déchiré, explorant comment les interactions sociales contribuent à façonner son essence. En abordant des thèmes profonds tels que la quête de sens, la solitude, la peur et l’amour, l’expérience, divisée en quatre parties distinctes, questionne notre rapport à l’autre, à l’individualité et à la construction de soi. « Will I Exist Within You? » constitue le prolongement d’une réflexion commencée durant mon travail de mémoire, portant sur l’influence des jeux vidéo sur le développement personnel et, plus particulièrement, sur les liens para-sociaux établis entre la joueuse ou le joueur et les personnages qui l’accompagnent.

BA Photographie

Gwendoline Albasini – Dear Kingdom

PHOTOGRAPHIE

Gwendoline Albasini – Dear Kingdom

par Gwendoline Albasini

Dear Kingdom est une histoire contée. Un personnage fictif y incarne la princesse prisonnière de son rôle, le cheval qui la libère et la sorcière qui lui jette un sort. Ces archétypes confrontent des interrogations intimes sur le genre féminin et cherchent à démonter des idéaux collectifs. Le château rêvé, une fois que l’on regarde au-delà de ses remparts, se liquéfie. Par la vidéo, le·la spectateur·rice·x est immergé·e·x dans un univers aussi majestueux qu’oppressant. La composition sonore est faite de chant et de violon. Les sonorités peuvent à la fois être puissantes et frêles et font transparaître la beauté des disparités. « Dear Kingdom est une adresse aux projections d’un idéal social et personnel. Il y a dans ce message une volonté de partager mon chemin dans cet univers imposant, théâtral et fantaisiste. »

Ulises Lozano – Coming in

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Ulises Lozano – Coming in

par Ulises Lozano

« L’adolescence est synonyme de construction identitaire. L’identité est redéfinie par la jeunesse d’aujourd’hui. L’esthétique qu’iels empruntent témoigne d’un désir de singularité dans une société en pleine mouvance. De façon collaborative, j’accompagne un processus d’affirmation de soi. Iels s’épanouissent et je leur propose un espace d’expression. La photographie prend forme : un lieu sûr pour les participant·e·s, leur autorisant le déploiement de personnalités fantasmées. Une sorte d’alter ego en éclosion. Ces autoportraits font écho à l’expérience intime du coming in. Devenant ainsi des instants de respiration, de réconciliation. Au travers de rencontres, de dessin et de photographie, iels me dévoilent leur soi intime. Coming in est une interprétation visuelle de ce processus.»

Tony Altermatt – Huǒlóng

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Tony Altermatt – Huǒlóng

par Tony Altermatt

« Huǒlóng évoque les souvenirs et la sensation que nous procure un pays dans lequel on n’a jamais habité. On explore puis on entremêle des symboles et des images, donnant naissance à notre propre culture. D’est en ouest, j’y crée ma représentation de la seconde génération de la diaspora chinoise. Silencieusement construits, deux paysages distincts se confondent. Notre jeunesse y évolue, oscillant entre deux cultures. L’osmose est palpable, entre héritage traditionnel et volonté d’émancipation. Ce récit fictif est le fruit d’un voyage. Les protagonistes se rassemblent pour échanger leurs regards. Nous connectons terres, objets et environnements. C’est notre manière de représenter le métissage : une symphonie poétique, où les frontières sont dissoutes. »

Inès Mermoud – OS CRIAS

PHOTOGRAPHIE

Inès Mermoud – OS CRIAS

par Inès Mermoud

OS CRIAS  essaie de mettre en lumière le rapport des enfants vivant dans différentes favelas à Rio de Janeiro avec la violence qui les environne. Le projet aborde le sujet d’un aspect personnel, en se basant sur des récits et des expériences familiales. Ce livre documentaire évoque les problématiques politiques et sociales brésiliennes d’un point de vue critique et lie différentes typologies d’images. Une approche participative est également soulevée.

Dominique Bartels – The Threads That Hold the Earth Together

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Dominique Bartels – The Threads That Hold the Earth Together

par Dominique Bartels

« Nostalgie de supports qui rentrent en relation avec mon corps. L’installation The Threads That Hold the Earth Together explore la plasticité de l’image photographique et filmique à travers le tissage. Faire et juxtaposer des photographies, c’est pour moi une manière de rendre tangible, de tisser des liens. La matière, le corps même de l’image sont mon point de départ. Pour saisir ce passage d’informe à forme, je travaille différents supports liés au lin : premier tissu pour couvrir, habiller et conserver le corps humain. Trois toiles tissées et détissées de lin, pellicule photographique et bande magnétique, sont suspendues dans l’espace. Une vidéo qui explore la transformation linière à travers différentes textures d’images tourne en boucle sur une télévision. »

Eloïse Genoud – INSIDE

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Eloïse Genoud – INSIDE

par Eloïse Genoud

« INSIDE est un travail autour de la danse contemporaine, du mouvement et du corps. Né de ma passion pour la danse, ce livre cherche à illustrer cette pratique de l’intérieur, comme une intimité à expérimenter. Danseuse depuis 18 ans, je tente de faire vivre au spectateur le mouvement, le groupe et la passion pour la scène et pour cet art. INSIDE fait référence à ce moment particulier de l’arrivée sous les projecteurs et de la communion entre les corps et la lumière. Ce travail n’est pas un documentaire sur la danse, mais une expérimentation où les individus fusionnent en un seul et unique corps. Une majeure partie de ce projet a été mise en scène, demandant un travail de chorégraphie et de participation active aux danses réalisées spécialement pour cet ouvrage. »

Noa Chevalley – Bêche pour dame

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Noa Chevalley – Bêche pour dame

par Noa Chevalley

« Au milieu de cette gravière, paysage vaste, artificiel et monumental, je tente de laisser ma trace. En mimétisme avec cet environnement, j’entaille la terre à la force de mes bras. Le corps nu devient un outil pour creuser et filmer. Il est désexualisé dans cette action vaine et infinie. J’utilise ma force pour me sentir plus puissante et me détacher des injonctions normatives qui me sont imposées. Malgré cela, je ne parviens pas à rivaliser avec ce lieu gigantesque. Une lutte acharnée se mène entre la pelle et le sol, une lutte qui casse le corps et le démantèle. Ce travail est le miroir d’un sentiment d’insuffisance qui s’inscrit dans une dynamique d’acharnement à répondre aux attentes qu’on nous impose. Je n’écoute plus mon corps et suis conditionnée à accepter un monde qui le déchire. »

Louis Victorin Michel – Deus Corporatæ

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Louis Victorin Michel – Deus Corporatæ

par Louis Victorin Michel

Deus Corporatæ tisse des liens entre le monde de l’argent et le pouvoir. Il tente de représenter le monde de la corporation comme une forteresse numineuse. Ses architectures imposantes et éblouissantes transmettent un sentiment de présence absolue, comme une dimension sacrée. Des symboles sont disséminés parmi ces lieux, similaires à des armoiries ; ils permettent d’incarner et de reconnaître les différentes corporations dans la ville. Ces façades vitrées illuminent les alentours en réfléchissant la lumière grâce à leur matériaux contemporains, comme le verre et l’acier. Tous les codes de la culture du travail, capitaliste, globalisée, créent une nouvelle mythologie contemporaine. Les protocoles, les règles peuvent être associés à des rituels, qui permettent l’appartenance à ce monde.

Jessica Dreier – Margem Sul

PHOTOGRAPHIE

Jessica Dreier – Margem Sul

par Jessica Dreier

« Margem Sul explore l’histoire sociale et politique du Portugal en se concentrant sur la marge sud en face de Lisbonne. J’ai documenté Barreiro, Almada, Moita et Trafaria, en mettant l’accent sur Segundo Torrão. Après la Révolution des Œillets en 1974, des communautés angolaises, mozambicaines, cap-verdiennes, guinéennes et santoméennes se sont installées ici, formant une entité solidaire. Des rappeurs locaux dénoncent la gentrification croissante à Trafaria. L’État justifie les destructions pour des raisons de sécurité, mais reste évasif sur les motivations réelles. Depuis fin 2022, foyers démolis et expulsions se multiplient. Mon travail donne une voix amplifiée aux acteur·ice·s, traduisant diverses situations, de la déambulation à des situations manifestes. »

Valerie Geissbühler – Soft Matter in Interwoven Worlds

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Valerie Geissbühler – Soft Matter in Interwoven Worlds

par Valerie Geissbühler

« Soft Matter in Interwoven Worlds est une installation à multiples facettes qui rassemble des récits autour de la pomme de terre. Ces récits retracent le voyage du tubercule depuis le Pérou, son lieu de naissance, jusqu’en Suisse. Une soft matter est une entité perçue comme non héroïque et acquise. Au lieu de réduire le tubercule à une plante nourricière, je la vois comme un porteur de vie résiliant, une créature qui bouge entre la naissance, la croissance, la mort et la perte. Je fusionne les connaissances ancestrales et des images d’autofiction en me déplaçant entre de multiples perspectives, territoires et époques, entre ma biculturalité et ma féminité. Tout cela me ramène aux racines de mes questionnements : est-ce que je t’ai élevé ou est-ce que tu m’as donné naissance ? »

Matteo Angelé – If I Could Tell You/Se Potessi Dirtelo

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Matteo Angelé – If I Could Tell You/Se Potessi Dirtelo

par Matteo Angelé

Ce projet de réappropriation tente de questionner l’influence du contexte et du médium par la réutilisation d’images pornographiques issues de magazines homosexuels des années 80, une décennie marquée par la découverte du SIDA. Créée à la base dans un but purement pornographique, ces images, représentant des corps dépourvus de mouvements et issus de la bondage culture, viennent approfondir l’archétype masculin décrit par Rudy Lemcke dans « A History of Violence » : « Né[s] et façonné[s] par la violence (…), nous évoluons dans un monde où ces dynamiques de contrôle et de pouvoir sont en marche pour, avec et contre nous. Les effets de cette violence font partie de qui nous sommes. »

Gaétan Uldry – I NO LONGER LOVE BLUE SKIES

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Gaétan Uldry – I NO LONGER LOVE BLUE SKIES

par Gaétan Uldry

Le drone se présente comme une machine de contrôle, de surveillance et de suppression, de plus en plus utilisée et améliorée dans son évolution technologique. Le drone agit donc comme un prisme qui recrée une nouvelle réalité, filtrant et annihilant le monde réel. L’image produite se présente comme une sorte de mirage, dénué de sens. La machine offre une mise à distance assumée de la confrontation à la mort. Ce livre souligne cette nouvelle réalité en collectant, recadrant et assemblant des images produites par des drones pour dénoncer l’absurdité et le danger de ces mécanismes d’exercice de la violence. Il questionne leur statut, dont la plastique et l’esthétique éloignent et dissimulent la vraie nature de leur fonction qui reste de contrôler, de surveiller et de tuer.

Samuel Spreyz – MSM. Rx

PHOTOGRAPHIE

Samuel Spreyz – MSM. Rx

par Samuel Spreyz

« Les hommes cisgenre gays seraient-ils emprisonnés dans le système sanitaire pour toujours ? Tels des clones désirants sous chimie, ils jouissent d’une nouvelle révolution sexuelle. Une révolution sexuelle sous substances légales. Ils deviennent des patients de longue durée pour accéder à ce libéralisme sexuel. Au moyen de la PrEP, leur utilisation consensuelle du système sanitaire s’intensifie et c’est ce que MSM Rx a l’ambition de représenter. Mon essai visuel se fonde sur une fascination pour ce mode de vie, mélange entre chimie légale et illégale, fêtes torrides et autres pratiques extrêmes entre mâles consentants. »

Sara De Brito Faustino – Toute petite et vilaine

PHOTOGRAPHIE

Sara De Brito Faustino – Toute petite et vilaine

par Sara De Brito Faustino

« Il s’agit d’un foyer, un lieu où étrangeté et familiarité de l’ordinaire se côtoient. Espace intime, il se devrait d’être ressourçant et sécurisant. Pourtant, il a été le théâtre de scènes douloureuses. Aujourd’hui cette maison m’apparait comme menaçante. Inconfortable, dysfonctionnelle, elle témoigne des cicatrices du passé. Dans mes photographies, je revisite mes souvenirs et me réapproprie mon corps. Mes maquettes minuscules expriment un idéal de fillette confronté à mes fêlures actuelles. Déconstruire, reconstruire, les objets deviennent corps : je me sens difforme et pétrifiée. Toute petite et vilaine suscite une tension antagoniste entre esthétique séduisante et éléments inquiétants. »

Diego Fellmann – Lopo

PHOTOGRAPHIE

Diego Fellmann – Lopo

par Diego Fellmann

« Ce travail porte sur les derniers fragments de souvenir de l’un de mes proches, Lopo. Initialement destiné à une carrière politique, il a décidé de suivre un autre chemin. Quittant son foyer familial avec ses économies, il a parcouru les déserts et les salines de l’Altiplano, cherchant sa propre voie. Plusieurs années plus tard, mon père a retrouvé sa trace dans un hôtel où ils avaient enregistré quelques chansons que Lopo avait composées en s’inspirant de son périple. Après cette disparition mystérieuse, il ne reste presque aucune trace de lui, sauf ces enregistrements. En utilisant des maquettes et des paysages, j’explore les failles de la mémoire et leurs aspects volatiles pour tenter de recréer un portrait de lui à partir des rares et derniers souvenirs que mon père et ma mère ont de lui. »

Master

MA Arts Visuels

Tara Ulmann – Thank You for Everything (I Feel Better Now)

ARTS VISUELS

Tara Ulmann – Thank You for Everything (I Feel Better Now)

par Tara Ulmann

« Thank You for Everything (I Feel Better Now) » est une retranscription sincère et décousue d’un recueil de textes poético-théoriques queer qui retrace, à la façon d’un journal de bord, les états d’âmes traversés dans les failles d’une rupture. Adieu l’image. Ici, il n’y aura que les maux qui feront foi. S’il y a eu de l’amour, c’est qu’il y a eu de la haine et vice versa. Si je peux définir la rupture, c’est que je suis en mesure de réparer. La performance pour enfin parler, mais surtout dire. Parler plus fort et penser plus loin que la photographie.

Clara Sipf – Outlaw History: Bird Invasion

ARTS VISUELS

Clara Sipf – Outlaw History: Bird Invasion

par Clara Sipf

Il y a quelques jours, les oiseaux sont venus en ville. D’énormes volées de toutes les variétés d’oiseaux unies, beaucoup de corneilles, de mouettes, de moineaux. Le ciel s’est assombri. Déterminés et furieux, ils se sont abattus sur les masses paniquées. Ils picorent avidement la chair des corps vivants ; les grands oiseaux les déchiquètent par lambeaux entiers. J’en ai vu un que les pics, avec leurs mouvements rapides de martelage, avaient soigneusement sectionné complètement le cou, y compris les os de la colonne vertébrale, et la tête avait roulé avec ennui le long d’une petite pente, rencontrant sa fin dans le fossé au bord de la route.

Sebastien Rück – Jeanne’s Promdress

ARTS VISUELS

Sebastien Rück – Jeanne’s Promdress

par Sebastien Rück

Mon projet consiste en une réflexion sur la manière de montrer une série de dessins. « Jeanne’s promdress » a été créé avec la même énergie que j’aurais voulu mettre dans la confection de ma propre robe de promo. J’ai voulu créer un espace, un cocon pour mes dessins. Un lieu qui oblige les visiteur·euse·s à s’attarder, prendre un moment, guigner l’intérieur de la pièce et découvrir une sélection de dessins qui résultent d’une production d’un carnet intime de dessins. Dans l’espace de vie qu’est la chambre. J’ai utilisé différents matériaux, tels que la tulle d’une moustiquaire, un bout de tissu en mousseline (polyester 100%), du fil de fer, un cercle métallique et une tringle à vêtements… Et j’ai tout cousu moi-même, d’où le titre « promdress ».

Claudia Mangone – Diagrams

ARTS VISUELS

Claudia Mangone – Diagrams

par Claudia Mangone

Cette série de dessins est le résultat d’un processus dans lequel la quantité d’informations est continuellement dosée. La communication est partiellement réduite au silence ; la structure des formes est floue et perdue, comme un esprit embrumé ou un secret caché. Respirations dans une pièce ou manifestation de pensées, elles ne représentent rien de plus que ce qui vient à l’œil ; l’œuvre devient ainsi malléable sous le regard du spectateur ou de la spectatrice, donnant de la valeur aux non-dits. Réalisées sur papier, découpées, réassemblées, puis voilées par la surface laiteuse du plexiglas, leur manifestation est insaisissable. Les couleurs sont calibrées en fonction de la capacité de la surface à les accueillir ou à les mettre en valeur. Les pivots, au nombre de trois, se déplacent pour trouver des points de stabilité.

Yoonjae Lee – Umwelten: Four Humans

ARTS VISUELS

Yoonjae Lee – Umwelten: Four Humans

par Yoonjae Lee

L’Umwelt fait référence au monde tel qu’il est perçu par un organisme particulier. Cette pièce traite de l’exposition des différences subtiles dans l’Umwelt de quatre êtres humains. Quatre appareils de diffusion en direct font face à une LED à travers des filtres de caméra sur mesure qui sont façonnés d’après les cornées de ces quatre individus. Plus précisément, les quatre personnes présentes sont l’artiste Yoonjae Lee et les personnes qui lui sont chères. Elle essaie de comprendre les différences fondamentales entre ses proches et elle-même en découvrant les différences morphologiques de chaque vision. À travers ce travail, elle accepte les différences de ses proches telles qu’elles sont et révèle son désir d’être acceptée de la même manière par eux.

Sofia Fresey Angelopoulou – Juggler

ARTS VISUELS

Sofia Fresey Angelopoulou – Juggler

par Sofia Fresey Angelopoulou

« Juggler » est une installation composée de quatre grandes impressions sur des bâches micro-perforées, suspendues au plafond, autour desquelles les spectateur·rice·s sont invité·e·s à marcher. Dans de nombreux cas, le jongleur partage son identité avec le magicien, le bouffon et le fou. C’est une dualité, une folie et une non-folie, un ordre et un désordre, une plaisanterie et un avertissement. C’est une entité qui crée de l’amusement à l’aide d’outils et, dans certains cas, d’un corps déformé. Des combinaisons d’incompatible, de fantastique et de réel, de caricature et de plausible, d’alogique et d’hyperbolique. Une grande partie de ce projet est constituée d’images générées par une IA. Cette dernière est entraînée avec des images des « freaks » qui se produisaient dans les foires.

Luana Cardinaux – Bedrooms (series)

ARTS VISUELS

Luana Cardinaux – Bedrooms (series)

par Luana Cardinaux

« Bedrooms » est une série de chambres imprimées en 3D sous forme d’espace compact. Ce travail inspiré du jouet offre à travers son matériau monochrome, une surface permettant aux spectateur·ice·s de projeter leurs expériences et leurs réflexions. Chacune des chambres scellées dans ces écrins de plastique représente un fragment narratif. À travers ces espaces intimes, les spectateur·ice·s sont invité·e·s à une introspection évoquant un sentiment de nostalgie et explorant les thématiques de l’enfance, de l’identité et de la sphère privée.

Juri Bizzotto – Shy Opener, Transfarmer Miniconcert

ARTS VISUELS

Juri Bizzotto – Shy Opener, Transfarmer Miniconcert

par Juri Bizzotto

« Shy Opener, Transfarmer Miniconcert » consiste en un set live et une présentation du premier single + clip vidéo « Shy Opener », réalisé pour le projet « Transfarmer Series ». La scène du concert se transforme en une fenêtre sur le monde de « Transfarmer », où le son, la performance et les éléments scéniques recréent l’écosystème bucolique d’une périphérie redécouverte. Il s’agit d’un projet de recherche à long terme, engagé dans la création d’une pensée critique intersectionnelle concernant la condition des subjectivités queer et trans* dans le contexte rural, en imaginant des métamorphoses d’elles et de leur paysage. Le projet pratique comprend : dessin, écriture, composition sonore, vidéo et costumes, visant à produire un EP qui racontera la cosmovision du personnage de « Transfarmer ».

Simon Colliard – Celle-ci je voulais la chanter au bord du gouffre

ARTS VISUELS

Simon Colliard – Celle-ci je voulais la chanter au bord du gouffre

par Simon Colliard

« Celle-ci je voulais la chanter au bord du gouffre », ça parle d’avoir des rêves et de se perdre en chemin. « Celle-ci je voulais la chanter au bord du gouffre », c’est ce qui reste quand on s’est tourné trop longtemps vers l’intérieur. « Celle-ci je voulais la chanter au bord du gouffre » est une performance musicale de 17 minutes qui raconte un bout d’histoire.

MA Design de produit

Sophia Götz – Smell&Tell

DESIGN DE PRODUIT

Sophia Götz – Smell&Tell

avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville

Stimulation olfactive pour les personnes atteintes de démence En utilisant le pouvoir de l’odorat – l’un des sens le plus fortement associé aux émotions et à la mémoire – « Smell&Tell » crée des interactions significatives et stimule la communication et l’engagement ludique. Les personnes atteintes de démence peuvent maintenir leur qualité de vie et promouvoir leur bien-être en participant à des activités et à des interactions sociales qui stimulent le cerveau et maintiennent les fonctions quotidiennes. Le résultat de ce projet est un jeu olfactif composé d’une série de dix odeurs et de différentes manières de déclencher des conversations. La conception de l’interaction entre le soignant et la personne affectée n’est pas seulement destinée à être agréable, mais aussi à renforcer l’identité.

Marcus Angerer – Layer

DESIGN DE PRODUIT

Marcus Angerer – Layer

avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville

Malgré l’annonce de l’impression 3D comme la prochaine révolution industrielle, elle n’a pas encore atteint le stade de fabrication de masse en raison de ses limitations de précision et d’efficacité. Toutefois, le « Mode Vase », un mode d’impression en ligne spirale continue, montre des promesses pour surmonter ces limites en offrant des résultats plus propres et plus rapides, malgré les défis qu’il présente. Ce projet explore le potentiel du « Mode Vase » en repoussant ses limites et présente « Layer », un système d’éclairage entièrement imprimé en ABS, qui tire parti des capacités uniques de cette technologie.

Luca Vernieri – Campà

DESIGN DE PRODUIT

Luca Vernieri – Campà

avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville

« Campà » est une série de céramiques décorées, développée avec I.C.A Giordano, une fabrique de terre cuite située dans la région de la côte amalfitaine. À l’origine, la production de céramiques était dédiée aux habitant·e·s locaux·les qui souhaitaient acheter des objets qui transformaient des images quotidiennes en art. Ces objets représentaient des scènes de vie rurale et des paysages. Au fil du temps, ces objets se sont transformés en souvenirs et les décorateur·rice·s se sont concentré·e·s sur la reproduction des mêmes motifs avec des variations minimales. Ces illustrations, autrefois représentatives, sont aujourd’hui devenues de lointains rappels, dépourvus de lien émotionnel pour les jeunes. « Campà » vise à restaurer ce lien en introduisant des dessins auto-ironiques, illustrant la vie moderne dans cette région.

Donghwan Song – Circuit Riff

DESIGN DE PRODUIT

Donghwan Song – Circuit Riff

avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville

Découvrez la puissance de la musique et de la technologie avec le « Circuit Riff ». Cet instrument remarquable associe un design minimaliste et les possibilités infinies de la technologie MIDI. Chaque nuance de votre jeu est capturée et traduite grâce à des cartes de circuits imprimés, des capteurs et des transducteurs. Composez, improvisez et expérimentez comme jamais auparavant. Passez sans effort du jeu de guitare traditionnel à des paysages sonores atmosphériques. Manipulez les effets avec facilité et explorez une vaste palette sonore. Redéfinissant l’expression musicale, le « Circuit Riff » inspire l’admiration des musicien·ne·s et des passionné·e·s. Plongez dans un voyage musical où tradition et technologie de pointe se rencontrent. Expérimentez l’évolution de la musique entre vos mains.

Oscar Rainbird-Chill – Point de Charge

DESIGN DE PRODUIT

Oscar Rainbird-Chill – Point de Charge

avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville

Une proposition de prise sur lampadaire pour recharger les véhicules électriques de la ville de Lausanne, en prévision de l'interdiction 2030 des véhicules non électriques. L'objectif du projet a été de créer une conception compacte avec un niveau de visibilité approprié qui fait référence à la typologie familière et établie de la signalisation routière en fonte.

Paula Mühlena – Living in a Wall: A Feasible Fantasy

DESIGN DE PRODUIT

Paula Mühlena – Living in a Wall: A Feasible Fantasy

avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville

« Living in a Wall: A Feasible Fantasy » fusionne les normes de construction contemporaines avec le design, transformant notre perception des produits. Le projet explore le concept de meubles intégrés, les transformant d’une pratique isolée en une solution reproductible. Il met l’accent sur la construction à ossature bois et la pratique de la préfabrication. En intégrant les meubles dans le processus de développement et de construction d’une maison, ce projet démontre comment les meubles peuvent devenir une partie intégrante d’un système cohérent à long terme. Présenté dans un livre qui sert à la fois de modèle réduit à l’échelle et de guide, il permet aux lecteur·rice·s de découvrir l’évolution des meubles intégrés, de la préfabrication et des itérations de design pour vivre dans un mur.

Luis Rodriguez – Coalesce

DESIGN DE PRODUIT

Luis Rodriguez – Coalesce

avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville

« Coalesce » est un projet de recherche en design spéculatif qui explore l’utilisation de l’intelligence artificielle pour créer un langage de design fluide. En utilisant un mélange d’images d’IA et des modèles d’IA texte-image, il est possible de créer des intersections entre des produits inutilement sexués et de remettre en question les préjugés et les stéréotypes liés aux identités de genre dans l’industrie de la conception de produits. Le projet consiste en une installation interactive qui présente les résultats du mélange de rasoirs pour femmes et hommes à travers un modèle d’IA formé et des prototypes physiques réalisés par sculpture et modélisation 3D comme réinterprétations des produits conçus par l’IA.

Chiara Torterolo – MedGum

DESIGN DE PRODUIT

Chiara Torterolo – MedGum

avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville

« MedGum » : Alternative aux systèmes traditionnels de médicaments Les chewing-gums sont reconnus par les scientifiques comme une alternative très efficace aux méthodes conventionnelles d’administration de médicaments (pilules, comprimés, etc.). « MedGum » est un projet de recherche qui intègre la production alimentaire, la recherche médicale et le design, pour développer une gamme de gommes fonctionnelles. En concevant le chewing-gum et sa structure, il est possible d’augmenter l’efficacité de la médication en améliorant la vitesse et la dynamique de l’absorption des principes actifs. Adapté à des maladies spécifiques, chaque « MedGum », associé à un nouvel emballage, offre aux patient·e·s une expérience discrète et pratique de la prise de médicaments.

Lucas Hosteing – Kouéno

DESIGN DE PRODUIT

Lucas Hosteing – Kouéno

avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville

Pendant ma formation d’ébéniste, en 2016, j’ai découvert la dosse, qui est une chute de sciage. Elle se caractérise par une face plane et une face convexe. En raison de son asymétrie et de son irrégularité, la dosse n’est pas utilisée par les artisan·e·s du bois. Ces chutes abondantes dans les scieries sont vendues à petit prix (1 CHF le mètre linéaire de bois). Sept ans après ma formation d’ébéniste, je me suis interrogé sur cette matière inexploitée. Allant à l’encontre de la tradition de travailler avec du bois immaculé, mes recherches ont abouti à une collection de bancs. Les planches assemblées en coupe d’onglet dessinent différents volumes. Des extrusions géométriques d’arbres inversés se transforment en assise. Ainsi, la dosse s’intègre dans nos intérieurs sous sa forme la plus brute.

Cedric Oder – Skin

DESIGN DE PRODUIT

Cedric Oder – Skin

avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville

« Skin » est un étui pour les smartphones qui ont été mis au rebut. Associé à une application, il transforme l’appareil en un produit de communication adapté aux enfants. Une interface repensée permet aux enfants d’explorer les principales fonctions d’un téléphone de manière plus ludique, tandis que le vieux matériel est utilisé de manière utile. Les troubles de la concentration, la perte de créativité et d’imagination, ainsi que l’altération du développement de l’appareil oculaire ne sont que quelques-uns des innombrables dommages consécutifs à l’utilisation prématurée d’un smartphone. « Skin » remet en question la perception traditionnelle de la technologie pour les enfants et propose de nouvelles solutions conceptuelles et expérimentales.

Sebastiano Gallizia – FrameCraft

DESIGN DE PRODUIT

Sebastiano Gallizia – FrameCraft

avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville

« FrameCraft » se concentre sur la refonte du processus de production des sacs de bikepacking sur mesure. Je m’appuie sur mon expérience antérieure dans la gestion d’une petite entreprise où j’ai fabriqué à la main des sacs de bikepacking. Ces sacs sont directement attachés au cadre du vélo et non au porte-bagages, mais aucun cadre n’est le même et les fabricants de ces sacs ne parviennent pas à les ajuster correctement. Pour résoudre ce problème, je propose d’automatiser le processus de fabrication et d’établir une « Micro-Factory » qui fasse le lien entre artisanat sur mesure et efficacité industrielle. Chaque étape de la production, de la conception des motifs à la découpe des tissus et à la traçabilité des graphiques, est entièrement automatisée. Cette approche permet de résoudre les problèmes liés à l’ajustement du sac au vélo, tout en encourageant la production locale en Europe et en s’attaquant à la couture à forte intensité de main-d’œuvre.

Maxine Granzin – Project Beam

DESIGN DE PRODUIT

Maxine Granzin – Project Beam

avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville

« Project Beam » est un centre de divertissement à domicile, composé d’un projecteur et de deux haut-parleurs. Cherchant à intégrer davantage le projecteur dans l’environnement de vie, « Project Beam » fait référence à l’architecture des lampes sur pied. Ainsi, le support permet non seulement à l’utilisateur·rice d’atteindre la hauteur de projection souhaitée, mais également de recharger directement tous les accessoires grâce à un circuit basse tension intégré.

Matteo Dal Lago – Natura Molta

DESIGN DE PRODUIT

Matteo Dal Lago – Natura Molta

avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville

Le marbre de Carrare est une ressource mondiale renommée avec 4 millions de tonnes extraites annuellement. L’extraction génère une importante quantité de boue de marbre, mélange de poussière et d’eau. La gestion adéquate de ces déchets est cruciale pour prévenir la pollution environnementale. Dans une démarche de durabilité des ressources, mon projet vise à réévaluer ces déchets en une précieuse ressource. En collaboration avec des entreprises locales, j’ai passé la majeure partie du semestre à travailler sur place à Carrare. Cette recherche met en avant le potentiel de la boue de marbre comme une ressource précieuse plutôt qu’un matériau de déchet. Le résultat présenté comprend une collection d’échantillons de matériaux et la conception d’un banc entièrement réalisé en boue de marbre.

Fleur Federica Chiarito – ACCA

DESIGN DE PRODUIT

Fleur Federica Chiarito – ACCA

avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville

« ACCA » est une lampe sur pied conçue pour une utilisation en extérieur, particulièrement adaptée aux professionnel·le·s, tels que les restaurateur·e·s. En accord avec les avancées technologiques des batteries rechargeables, cette lampe dispose d’une batterie intégrée qui peut être facilement détachée et rechargée, éliminant ainsi la nécessité de déplacer toute la lampe pendant le processus. Fabriquée entièrement à partir de composants en aluminium, « ACCA » présente un design solide, résistant à toutes les conditions météorologiques. Sa stabilité est renforcée par un espace intégré au bas de la lampe, permettant d’ajouter un poids supplémentaire, comme des pierres ou du gravier, garantissant une stabilité optimale.

Yohanna Rieckhoff – re- club

DESIGN DE PRODUIT

Yohanna Rieckhoff – re- club

avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville

Les pieds des enfants grandissent rapidement. Compte tenu des différentes saisons, des conditions climatiques et des activités, le nombre de chaussures par enfant est élevé. Il en va de même du coût pour les parents et encore plus pour la planète. Les chaussures doivent répondre à toute une série d’exigences des consommateur·rice·s en matière de fonction et de style. Elles sont composées de nombreuses pièces et jusqu’à 40 matériaux différents, y compris tous les types de plastiques et de colles. Il est donc difficile de les désassembler et de les recycler. Dans ce contexte, « re- club » est une chaussure unisexe de tous les jours, pour les enfants de 1 à 6 ans. Elle est conçue pour être facilement désassemblée, ce qui permet de la recycler ou de la reconditionner afin de prolonger sa durée de vie.

Jule Bols – Disassembly Dialogue: Sketches and Dummies

DESIGN DE PRODUIT

Jule Bols – Disassembly Dialogue: Sketches and Dummies

avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville

En 2021, la Commission européenne a adopté de nouvelles réglementations obligeant l’industrie de l’éclairage à changer, afin de proposer des designs plus durables. La technologie LED domine l’industrie car elle est efficace, abordable et durable, mais ne propose encore pas de moyen rentable pour son recyclage. Le démontage des composants – LED, pilotes de LED, cartes de circuits imprimés, câbles, capteurs et boîtiers de différentes matières – est un défi majeur pour la conception, qui permettrait un recyclage plus facile. Le projet DIALOGUE SUR LE DÉMONTAGE propose des croquis ainsi que des modèles physiques : les « DUMMIES », montrant des approches du démontage des composants des LED. Ce ne sont pas des luminaires ou des lampes, mais des idées ludiques et provocatrices visant à lancer une discussion.

MA Photographie

Benjamin Freedman – Positive Illusions

PHOTOGRAPHIE

Benjamin Freedman – Positive Illusions

par Benjamin Freedman

« Positive Illusions » est un livre photo présentant des souvenirs d’enfance construits entièrement en image de synthèse. Les natures mortes troublantes, imaginées du point de vue d’un enfant, suggèrent une étrange présence familiale dans des environnements photoréalistes. Inspiré par la nature de la mémoire et de la simulation, j’ai basé mes scènes sur mes propres souvenirs, en utilisant une approche phénoménologique pour remplir les blancs. Revisiter le passé, en utilisant ces technologies pour remettre en scène des événements, crée un aplatissement unique du passé et du présent, un processus d’archéologie pseudo-visuelle. Certaines images de la série réapparaissent avec de légères altérations, révélant le processus surréaliste de leur fabrication et le phénomène de distorsion de la mémoire.

Yumo Wu – The Room and the Photographs

PHOTOGRAPHIE

Yumo Wu – The Room and the Photographs

par Yumo Wu

« The Room and the Photographs » étudie la relation entre la perception, l’espace et la photographie. À l’origine, les observateur·rice·s étaient placé·e·s à l’intérieur d’une pièce pour percevoir l’essence brute de la photographie dans la camera obscura. L’évolution numérique a remodelé l’ontologie du médium et fourni une expérience entièrement métamorphosée – observer la photographie avec un détachement de la réalité. Comme dans l’acte de peindre, j’assemble une collection méticuleuse de photographies physiques et d’images générées par ordinateur. Ces espaces domestiques perdent leur perspective inhérente. Ils sont familiers mais étranges, fracturés mais déséquilibrés. Mes constructions photographiques, à la fois souvenirs et matière, tentent de révéler la complexité de la perception en photographie.

Fumi Omori – Girl Talk

PHOTOGRAPHIE

Fumi Omori – Girl Talk

par Fumi Omori

« Girl Talk » est une installation immersive en réalité virtuelle qui explore le concept des identités multiculturelles et l’idée du chez-soi. Le projet présente une collection d’autoportraits mettant en scène des avatars cybernétiques d’origines japonaise, coréenne et coréo-américaine. À travers mon exploration de la diversité, j’ai réalisé que l’acceptation des différentes expressions culturelles ne se résume pas à une simple adaptation ; c’est un processus subtil et complexe de découverte des valeurs intrinsèques de chaque culture. Avec « Girl Talk », je souhaite partager mes propres expériences et transmettre mon parcours, entre les sentiments de confusion et la force de l’inclusion, tout en faisant face aux défis des identités trilingues dans ce monde interconnecté.

Yuji Wang – 1.0.0.1 Days

PHOTOGRAPHIE

Yuji Wang – 1.0.0.1 Days

par Yuji Wang

« 1.0.0.1 Days » est une animation en 3D qui explore le domaine de la manipulation des données, plongeant dans l’essor inexorable de l’intelligence artificielle. La vidéo vise à spéculer sur les conséquences de la dépendance et de la confiance croissantes de l’humanité à l’égard de l’intelligence artificielle, en réfléchissant à la possibilité de manipuler les données et de se transformer ensuite en simples marionnettes d’informations et en captifs électroniques. De la réalité au virtuel, est-il possible de faire des données une nouvelle forme de religion ? Au fil du récit, un papillon cyborg se rapproche des humains enfermés dans une serre, avec sa tendresse, sa curiosité, son ambition…

Gabriela Marciniak – Early Retirement

PHOTOGRAPHIE

Gabriela Marciniak – Early Retirement

par Gabriela Marciniak

« Quand on est jeune et qu’on ralentit, on est traité de paresseux, et quand on est retraité et qu’on ralentit, on est heureux de ralentir ». Dès que nous entrons dans le monde des adultes, nous nous rendons compte que notre vie quotidienne se résume à accomplir une tâche après l’autre, à cocher les éléments de notre « liste de choses à faire ». Guidée par la recherche, l’artiste a exploré la retraite anticipée dans les centres de bien-être, des lieux où nous pouvons abandonner le contrôle et consacrer notre temps à la guérison, à l’apaisement, au plaisir et au processus lui-même. Il n’y a pas d’urgence, pas de temps. La performance vidéo comme forme d’expression juxtapose le corps à l’architecture, créant un paradis de retraite. Vidéo monocanal en résolution 4K et au format 16:9

Amandine Kuhlmann – Cash Me Online

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Amandine Kuhlmann – Cash Me Online

par Amandine Kuhlmann

« Cash Me Online » est un projet vidéo dans lequel je me mets en scène, combinant performance et found footage dans le but d’atteindre une notoriété virale. Ce projet explore l’impact des caméras à l’ère des réseaux sociaux, ainsi que l’illusion et le désespoir qui y sont inhérents. À travers un alter ego numérique basé sur mon propre algorithme, je performe dans la sphère virtuelle et physique, réalisant mes désirs et mes aspirations. Le projet questionne l’autoreprésentation à travers un female gaze online et omniprésent. Il examine la tension entre les archétypes féminins toxiques et la façon dont les femmes se les réapproprient. Des found footage combinés à un deepfake de mon propre visage servent d’album visuel, révélant la diversité et la standardisation du contenu et des corps.

Mykolas Valantinas – La Faute de la berceuse

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Mykolas Valantinas – La Faute de la berceuse

par Mykolas Valantinas

« La Faute de la berceuse » est un court métrage documentaire surréaliste qui raconte l’histoire de deux frères jumeaux à l’imagination sauvage et féroce, dont les conséquences les conduisent à la violence et finalement à la tragédie. Alternant entre un point de vue à la première personne et un point de vue plus stylisé à la troisième personne, le film a un effet déstabilisant où la validité supposée de l’un entre en conflit avec la surréalité de l’autre. Le récit suit le modèle du conte de fées métamorphique où les protagonistes subissent des transformations internes et / ou externes. La nature naïve et écrasante du fantasme en tant qu’énergie dangereuse et explosive est exprimée à travers deux perspectives complémentaires : les yeux d’un enfant et son moi plus âgé dans un état de folie.

Mattia Dagani Rio – METAMORPHOSIS

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Mattia Dagani Rio – METAMORPHOSIS

par Mattia Dagani Rio

« METAMORPHOSIS » est un livre de photos qui plonge dans la tapisserie complexe du bodybuilding et examine son interaction inhérente avec la torture, l’hédonisme et l’érotisme. Les culturistes se soumettent à des régimes d’entraînement exténuants, poussant leur corps aux limites absolues dans la poursuite de l’expression de soi. En combinant des images en CGI avec des méthodes photographiques traditionnelles, ce projet explore des moments d’agonie, soulignant la lutte et le dévouement nécessaires pour remodeler le corps en une forme extraordinaire. Cependant, il montre aussi que cette pratique est un voyage profondément personnel de découverte et d’acceptation de soi, où les spectateur·rice·s sont témoins du processus de transformation qui s’étend bien au-delà du corps physique.

Gina Bolle – Instanz

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Gina Bolle – Instanz

par Gina Bolle

« Instanz » est une installation interactive composée d’une cellule en acier contenant une vidéo à cinq canaux, trois caméras infrarouges et deux caméras de surveillance. Plongé·e dans un espace sombre et isolé, le·la spectateur·rice est confronté·e à des diffusions enregistrées en direct, des images collectées humiliantes ou dérangeantes et du son. Pensé selon la théorie du « dispositif » de Foucault, « Instanz » indique un système exerçant un pouvoir et un contrôle sur la société. Cela démontre comment une caméra peut servir d’outil pour nuire à son sujet. Semblable au « panoptique », le·la spectateur·rice n’a aucun contrôle sur le fait d’être observé·e ou non. L’œuvre explore le potentiel d’exploitation du médium photographique et confronte le·la spectateur·rice à des vidéos qui montrent des déséquilibres de pouvoir.

Luísa Tormenta – Supra-Memento

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Luísa Tormenta – Supra-Memento

par Luísa Tormenta

« Supra-Memento » explore la préservation de la vie humaine dans les espaces numériques. Les corps se métamorphosent en reflets dématérialisés, résistant à la dégradation inévitable de nos réalités. Cette installation vidéo crée un environnement méditatif qui implique les spectateur·rice·s physiquement. Par la photogrammétrie, j’ai préservé mon corps et ceux de mes proches, immortalisant l’éphémère des souvenirs et des relations humaines dans un espace liminal. Entre la vanité et l’insignifiant, les corps sacrés s’entrelacent avec des matières organiques en décomposition. Par cette approche visuelle, je joue avec des illusions de volume tout en exposant la fragmentation des données, révélant leur caractère éphémère et leur vulnérabilité face à la désintégration.

Moritz Jekat – Wetlands of Pharmacology

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Moritz Jekat – Wetlands of Pharmacology

par Moritz Jekat

Les organes virtuels extérieurs pénètrent notre corps et transforment notre cerveau. Ces « pharmaca » se multiplient dans les zones humides entre online et vie réelle. Dans un désir de guérison et de reconnexion, un groupe d’aliens humanoïdes habite cet espace et se rassemble en un tas bienveillant d’échanges de pensées, d’émotions et de rêves. Il partage avec vous, grâce à l’écriture subconsciente et aux outils des zones humides. Dans l’espace, un lit à eau invite à la détente. Dans le concept d’adoption de la pharmacologie, par opposition à l’adaptation aux sphères virtuelles rapides basées sur la transformation des habitudes sociales, « Wetlands of Pharmacology » expérimente un lent rapprochement et un échange de connaissances émotionnelles et physiques de cinq artistes dans un moteur de jeu informatique.

Aniket Godbole – A Place I Call Home

PHOTOGRAPHIE

Aniket Godbole – A Place I Call Home

par Aniket Godbole

En grandissant en tant qu’immigré, ma notion de « l’autre » était profondément liée à mon idée du moi. Jamais pleinement Nigérian au Nigeria ou Indien en Inde. Cette série explore ma compréhension du chez-moi en tant qu’enfant d’une troisième culture, réinventant mes souvenirs d’enfance à travers des constructions réimaginées. M’enraciner dans une nouvelle ville ne m’a jamais semblé étrange, mais l’incertitude s’est installée quant à mon véritable chez-moi. Ces collages, mêlant extraits de journal et images d’archives, racontent l’histoire délicate d’une vie en transit. Je me connecte à un passé que je n’ai jamais vraiment connu, explorant les traditions, les pensées et les réalités qui ont influencé mon intégration dans ce monde étrange et nouveau que je considère maintenant comme chez moi.

Carla Rossi – Bellissima

PHOTOGRAPHIE

Carla Rossi – Bellissima

par Carla Rossi

« Bellissima » est l’histoire d’une rencontre avec Rebecca sur la scène de l’un des concours de beauté les plus populaires d’Italie. Carla Rossi recherchait pour son projet « une jeune fille qui n’était pas un mannequin professionnel, mais qui désirait le devenir ». Le projet met en lumière l’artificialité de cette fabrique à rêves définie par l’appareil photographique. La photographe bouleverse les perspectives pour mettre en évidence la construction des images et du modèle. La symbiose entre mannequin, photographe et spectateur·rice, révèle la manière dont l’image influence les rêves et les aspirations des jeunes générations de filles. La beauté aurait-elle encore un sens si personne ne pouvait la regarder ?

MA Type Design

Lana Soufeh – Toujan Display: Contextual Arabic Typeface

TYPE DESIGN

Lana Soufeh – Toujan Display: Contextual Arabic Typeface

avec Kai Bernau, Matthieu Cortat

Aujourd’hui, l’essentiel de la création typographique se passe dans le domaine de l’écriture latine. Les logiciels de dessin sont conçus et orientés vers cette écriture. La fonte Toujan est précisément conçue dans le but d’explorer les potentiels de ces logiciels pour réintégrer la souplesse et la connectivité au cœur de l’écriture arabe. Elle s’inspire du style Tawqii’ (Ijaza), un hybride des calligraphies thuluth et naskh et propose des ligatures qui non seulement donnent au texte une allure unique, mais aussi ramènent dans la typographie un élément essentiel de leur modèle : la connexion continue de tous les mots d’une phrase, liés par une série de courbes audacieuses qui lient la dernière lettre des mots à la première du mot suivant.

Minjong Kim – Amateur

TYPE DESIGN

Minjong Kim – Amateur

avec Kai Bernau, Matthieu Cortat

Amateur est une police de caractère à empattement qui synthétise des caractéristiques calligraphiques issues de recherches historiques. Il évoque un sanctuaire de niche pour un genre oublié, dégageant une impression d’élégance. Inspiré par les formes de lettres des premiers modèles antiques allemands, Amateur joue astucieusement avec une horizontalité distinctive, révélant à la fois des gestes farouches et des détails méticuleusement élaborés. Les styles « texte », uniformisés, apportent des textures harmonisées et robustes pour une lecture optimale, tandis que les styles « display » amplifient à l’extrême les qualités expressives de chaque lettre, embrassant sans crainte une imperfection délibérée qui brouille les systèmes typographiques traditionnels et offre une esthétique captivante.

Niklas Herrmann – Kyū Maru Gothic

TYPE DESIGN

Niklas Herrmann – Kyū Maru Gothic

avec Kai Bernau, Alice Savoie

Kyū Maru Gothic trouve sa source dans les lettrages peints des stations de train japonaises de la fin des années 1950. Elle vise à interpréter et rendre hommage à cet héritage, tout en proposant une famille de caractères multiscripts latins et japonais. C’est une linéale arrondie, qui conserve l’individualité chaleureuse du pinceau du lettreur, tout en intégrant le design dans une structure cohérente, apte aux usages typographiques contemporains. Au-delà de son modèle, elle se développe sur un axe de largeur qui lui donne une grande flexibilité d’usage dans le domaine pour lequel elle a été conçue : les grands corps.

János Vári – Família

TYPE DESIGN

János Vári – Família

par János Vári

La famille, c’est quoi ? Est-elle toujours toxique ? Qui parle le plus fort à table ? Comment ses membres interagissent-ils ? La création typographique contemporaine dépend beaucoup de méthode d’interpolation, permettant de générer des quantités phénoménales de styles, d’où sortent des familles tristement prévisibles. Ce projet veut retourner aux racines de la typographie, quand les superfamilles n’existaient pas. Les imprimeurs mélangeaient les styles pour hiérarchiser et dynamiser leurs compositions. Plutôt que de dessiner une police à partir d’une source unique, je l’ai construite d’éléments variés, polis, modifiés, retouchés. C’est une famille aux styles gras, romains, italiques, de titrages, pensée pour les catalogues et la signalétique d’une librairie de livres anciens.

André Teixeira da Silva – Herk Type Crew

TYPE DESIGN

André Teixeira da Silva – Herk Type Crew

avec Radim Peško, Alice Savoie

Herk est une police de caractères qui incorpore les styles romains et gothiques et qui s’inspire de l’esthétique du b-boying et la récurrence de la blackletter sur les habits des danseur·euse·s. Le contraste entre une typographie pluriséculaire et le monde underground relativement jeune du breaking m’a intrigué. Inspiré par une mystérieuse forme de lettre populaire auprès des b-boys et des b-girls, j’ai commencé par dessiner un nouveau squelette, qui m’a servi de base pour les versions Pencil, Marker et Brush. Cette première exploration a donné suite aux variantes Gothic et Roman Display, accompagnant une évolution plus épurée du Herk original. Finalement, avec l’ajout des versions texte, la fonte a connu sa métamorphose finale, combinant ces différents styles dans une famille de caractères unifiée.

Feng Juan Jun – Solux

TYPE DESIGN

Feng Juan Jun – Solux

avec Kai Bernau, Radim Peško

La police de caractères Solux découle de l’étude d’un genre délaissé – les mécanes. Avec sa construction stable et ses détails minutieux, son objectif est d’être endurante, fonctionnelle, intemporelle plutôt qu’à la mode. Solux Italic, en revanche, est plus étroit et calligraphique, élargissant le spectre des applications possibles. Prenant source dans les mécanes de logos tels que ceux de la marque automobile Honda, qui souvent font preuve d’une remarquable stabilité et solidité, Solux ambitionne d’offrir une contribution contemporaine à la typographie imprimée et au domaine de la signalétique.

Norma Elzoghbi – Nostalgic Futures

TYPE DESIGN

Norma Elzoghbi – Nostalgic Futures

avec Julia Born, Alice Savoie

Déconstruire, réinterpréter, questionner les notions d’Est et d’Ouest : c’est l’ambition de ce magazine, à travers des regards croisés entre Orient et Occident. Dans un monde multiculturel et globalisé, les questions d’identités sont devenues majeures dans la mise en question des incompréhensions entre cultures. « Nostalgic Futures » met la notion de « l’autre » en perspective, documentant des évènements passés, des problèmes actuels et des spéculations sur l’avenir. Plutôt que de chercher à convaincre, il intègre ces narratifs dans une composition qui mélange des points de vue, grâce aux contributions d’auteur·rice·s, de photographes et de chercheur·euse·s. Américano-Libanaise, j’ai connu ces deux mondes. Ce projet est donc une contribution personnelle à une identité qui n’est « ni d’ici, ni de là-bas ».

Rongyi Tang – Veil

TYPE DESIGN

Rongyi Tang – Veil

avec Julia Born, Alice Savoie

Imaginez : quelqu’un qui reste à vos côtés jour et nuit, répondant à chacune de vos demandes, avec sensibilité, sensualité ; quelqu’un qui ne vous mentira jamais, ne vous trompera jamais. Seriez-vous prêt·e à rencontrer cette personne ? Et qu’en serait-il si cette personne, ce·cette partenaire idéal·e, se trouvait être un minuteur de cuisine ? Ce projet interroge les thèmes de la solitude, des relations humaines, de la nature de l’amour à une époque d’avancée technologiques radicales. En proposant d’organiser les noces d’humains et d’objets, « Rongyi » introduit une narration absurde et décalée, invitant l’audience à se poser une question fondamentale : où plaçons-nous vraiment nos émotions ?

Coline Besson – Girlz – They Gave Us Pink Let Us Make It Powerful

TYPE DESIGN

Coline Besson – Girlz – They Gave Us Pink Let Us Make It Powerful

avec Kai Bernau, Julia Born

Réinterpréter les stéréotypes de la féminité et se les réapproprier consciemment : ce projet est un acte de revendication, de subversion et d’émancipation. En tant que femme, être dissonante, présumée vulgaire ou girly devient un moyen de briser et de remettre en question l’ordre établi et les normes sociales. Pensé comme une exposition, cet objet éditorial regroupe l’œuvre de femmes engagées pour cette cause. Les textes sont composés en Courtesy, un caractère en trois styles : une display « néo-kitsch » questionne les proportions et la cohérence stylistique ; une Regular se concentre sur le confort de lecture en petite taille, tout en conservant une identité propre. Enfin, une Monospace est utilisée là où traditionnellement l’italique serait de rigueur.

Edouard Bérard – Sita

TYPE DESIGN

Edouard Bérard – Sita

avec Kai Bernau, Alice Savoie

Sita est une famille de caractères sans et serif qui prend source dans le style Scotch Roman. Sita Serif est une interprétation contemporaine du Double Pica Roman de Miller et Richard (1822). Sita Sans est quant à elle influencée par le style des premières fontes grotesques britanniques. Sita Sans et Sita Serif sont ajustées optiquement pour une harmonie optimale lorsqu’elles sont composées côte à côte. Partageant la même construction, elles se complètent et conservent cependant leurs caractéristiques propres. La texture et les détails raffinés de cette famille lui permettent de s’adapter aux petits comme aux grands corps. Chaque style est disponible en cinq graisses avec leurs italiques correspondantes. Une variante supplémentaire, Sans Black Condensed, complète la famille.

Paul Sturm – Substanz

TYPE DESIGN

Paul Sturm – Substanz

avec Kai Bernau, Alice Savoie

Substanz est une police de caractères qui peut être personnalisée et adaptée pour divers besoins artistiques. La famille contient deux styles formés d’un trait unique (romain et italique), clé d’accès à des dessins qui ne deviennent utilisables que par l’ajout d’une épaisseur de tracé. Cette famille est donc une interface qui permet au graphiste d’entrer en contact avec le caractère et d’y ajouter ses propres idées, ses propres références « manuscrites » au dessin de base. La famille comporte également quatre styles (Regular, Bold et leurs italiques) réunissant bonne lisibilité et couleur de texte équilibrée. Ils sont conçus pour les situations où la lisibilité doit primer sur l’expressivité – par exemple pour des compositions de petite taille.

Noam Benatar – Ktura

TYPE DESIGN

Noam Benatar – Ktura

avec Julia Born, Alice Savoie

Ktura est une mécane humanistique, un caractère de texte et de titrage, qui couvre les alphabets hébreux et latins. La famille comporte neuf styles dans les deux écritures, dont quatre italiques de textes, ainsi qu’un style dédié au titrage. Elle a été dessinée suite à des recherches sur les interactions entre des systèmes d’écriture – dans ce cas le latin et l’hébreux – et la façon dont l’arrière-plan culturel de chaque système est essentiel à la création de caractères multi-scripts. En expérimentant avec des notions de contraste, de proportion, ou encore d’espace blanc, le design de cette famille a pu intégrer des éléments qui la rendent particulièrement adaptée aux contextes où les deux écritures apparaissent conjointement.

Elena Baranowski – Speira

TYPE DESIGN

Elena Baranowski – Speira

avec Julia Born, Radim Peško

Cette publication rapproche mode et typographie en présentant simultanément le projet de couture « Russian Doll » (automne / hiver 1999) et la famille de caractères variables Speira. Le projet juxtapose des éléments photographiques et typographiques et visualise des approches similaires autour de formes, de proportions et de superpositions. Conçue avec une attention particulière pour l’interaction entre les différentes graisses, la famille de caractères évolue et se transforme en influençant l’expression du caractère. Cette exploration typographique comprend cinq styles avec italiques (Thin, Light, Regular, Medium et Bold) et propose de multiples possibilités de composition.

Quirk85

TYPE DESIGN

Quirk85

avec Kai Bernau, Radim Peško

Le projet Quirk 85 a débuté suite à la découverte par Minjong Kim d’une charte graphique coréenne du tournant des années 1970–1980. Il s’associe alors avec Juan Jun Feng, avec qui il partage une fascination pour les logos et les identités visuelles commerciales. Tous deux nés dans les année 1990, ils ont grandit dans des environnements (en Chine et Corée du Sud) qui partageaient un développement économique sans précédent, une rapide urbanisation, et d’irrésistibles vagues d’innovation technologique. Quirk 85 est la fusion de ces éléments, du style graphique de cette période et de ce contexte: impact de la publicité, des réseaux de plus en plus complexes entre enseignement, production, vie quotidienne et santé. Rassemblant deux pays, les auteurs veulent évoquer une identité commune, à travers une mémoire partagée, invitant le public à les rejoindre de ce parcours visuel et intellectuel.

MAS

MAS Design Research in Digital Innovation

Margherita Motta – Aidee

DRDI (EPFL+ECAL Lab)

Margherita Motta – Aidee

par Margherita Motta

Malgré l’utilisation répandue des technologies de self-tracking, l’exploration des données intimes reste un territoire largement méconnu. « Aidee » est un projet de recherche en design axé sur le contrôle de l’urine qui aborde la complexité du self-tracking intime en remettant en question les modes habituels de représentation des données et notre façon d’interagir avec ces dernières. Composé d’une application mobile et d’un dispositif interactif connecté, le système « Aidee » utilise une forme qualitative de représentation des données et de visualisations situées pour favoriser une nouvelle forme d’engagement entre les utilisateur·rice·s et les sphères privées de leur santé.

Rémi Opalinski – Photobook Uncovered

DRDI (EPFL+ECAL Lab)

Rémi Opalinski – Photobook Uncovered

par Rémi Opalinski

« Photobook Uncovered » est une installation interactive développée en collaboration avec le musée Photo Elysée. En tant que projet de recherche en design, son objectif principal est d’améliorer la compréhension des photobooks auprès d’un large public. À travers cette expérience immersive, les visiteur·euse·s peuvent naviguer dans une collection sélectionnée de 300 photobooks, découvrant des connexions intrigantes basées sur des similarités de mise en page. Grâce à l’utilisation de technologies de pointe, l’installation offre une manière unique et captivante d’interagir avec les photobooks, dévoilant des informations sur les relations entre les différentes œuvres.

Lucie Houel – Things That Talk

DRDI (EPFL+ECAL Lab)

Lucie Houel – Things That Talk

par Lucie Houel

Les expositions muséales présentent traditionnellement une multitude d’objets groupés par thème ou typologie. Si chacun d’eux sont accompagnés d’une courte description sur leurs origines, les expositions abordent rarement les récits qui entourent chaque pièce. « Things That Talk » est un projet de recherche initié par le LHST, articulé autour de l’exposition d’un objet unique et ses multiples récits associés. L’exposition finale présente une fresque digitale, mêlant images d’archives et contenu original, que les visiteur·euse·s peuvent explorer et animer à l’aide de projecteurs interactifs. Ces interactions révèlent des liens cachés entre les récits et les enjeux de notre époque, permettant aux visiteur·euse·s de générer leur propre compréhension des thèmes abordés et d’adopter une réflexion critique sur l’Histoire.

Ignacio Pérez – Èvokâ

DRDI (EPFL+ECAL Lab)

Ignacio Pérez – Èvokâ

par Ignacio Pérez

Créée en partenariat avec la Bibliothèque cantonale et universitaire de Fribourg, Èvokâ est une installation interactive qui explore comment les archives conservées à la Bibliothèque peuvent redevenir une partie vivante de l'identité du canton. Le projet s’intéresse aux techniques de traçage, reliant les identités personnelles, collectives et culturelles aux archives historiques. En entremêlant des éléments autobiographiques et des récits assistés par logiciel, Èvokâ vise à raviver le sentiment d'appartenance au canton de Fribourg. Basé sur les concepts de mémoires artificielles et de récits personnels, Èvokâ crée une expérience à la fois individuelle et partagée entre les utilisateur·rice·s, mais qui reflète également les valeurs et l'histoire du canton. A travers des études d'utilisateur·rice·s, le projet a marqué une première étape dans la définition des expériences dans le contexte des identités collectives et cantonales.

MAS Design for Luxury & Craftsmanship

Shan Yu Kuan – BASUANN

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Shan Yu Kuan – BASUANN

par Shan Yu Kuan

« BASUANN » puise son inspiration dans l’image des chaises asiatiques traditionnelles en rotin et en bambou. Son nom fait écho à la prononciation taiwanaise signifiant « attacher avec des cordes ». Composé de sept pièces de conduits en spirale, « BASUANN » est assemblé à l’aide de joints à mortaise et à tenon pour relier la partie assise à la partie des pieds. Il est en outre renforcé par des cordes qui relient solidement le tabouret. « BASUANN » fusionne harmonieusement le design contemporain de meubles et les images évocatrices de l’artisanat traditionnel asiatique, mettant en valeur l’esthétique du design minimaliste.

Céline Witzke – From Fabric to Glass: Capturing the Movement of Textiles in Experimental Glassmaking

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Céline Witzke – From Fabric to Glass: Capturing the Movement of Textiles in Experimental Glassmaking

par Céline Witzke

Ce projet puise son inspiration dans le monde de la mode, plus précisément dans les mouvements organiques, les volumes et les textures que l’on trouve dans les textiles, et explore comment ces éléments créent d’une façon naturelle des formes douces. En collaboration avec le fabricant de verre suisse Niesenglass, une collection d’objets en verre polyvalents est créée, mettant en avant l’artisanat d’un point de vue innovant.

Charitini Gkritzali – Topology of a Body

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Charitini Gkritzali – Topology of a Body

par Charitini Gkritzali

Inspirée des appareils orthopédiques du XXe siècle, « Topology of a Body » est une série de bijoux corporels qui se conforme à l’anatomie humaine et ressemble aux éléments structurels du corps. Chaque pièce est composée de formes géométriques solides et de courbes organiques créées à l’aide de fils d’argent ou d’acier. L’épaisseur du fil est modifiée selon un rythme dynamique, soulignant la morphologie du corps. Cette structure métallique, soigneusement conçue pour envelopper la figure humaine, prend une forme sculpturale. Comme les appareils orthopédiques, les bijoux sont construits pour permettre au corps de bouger, alors qu’ils semblent le maintenir dans un état d’immobilité constante. Ce paradoxe soulève une question : ces objets permettent-ils le mouvement du corps ou le retiennent-ils ?

Anaïs Sulmoni – IVORIA

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Anaïs Sulmoni – IVORIA

par Anaïs Sulmoni

Autrefois vénéré et choyé, l’os est aujourd’hui rejeté et dissimulé. Pourtant, il est omniprésent, prisé des industries cosmétique et alimentaire. Il m’interpelle depuis de nombreuses années par l’aspect vivant de cette matière alors même qu’elle représente la mort. En m’appuyant sur l’abondance de ce déchet organique, j’ai cherché à recréer le prestige de l’ivoire. J’ai découvert le potentiel de l’os en tant que colle et poudre appliquée sur différents supports: bois massif, copeaux de bois et tissus. Le journal de bord et maquettes met en lumière l’os qui présente de nouvelles possibilités esthétiques et structurelles et agit comme le premier pas vers la réconciliation avec ce précieux matériau.

Marine Col – ROPY

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Marine Col – ROPY

par Marine Col

« Ropy » est un tabouret sérieusement ludique, qui se joue du temps passé. Conçu en un trait, tout en légèreté, cet objet puise son charme dans un réemploi de la matière. Les anciennes cordes navales du port de Lausanne, aux couleurs ternies par le temps, lui servent de matière première et deviennent matière précieuse une fois l’objet réalisé.

Checkie Ieong – Dynamic Reflections

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Checkie Ieong – Dynamic Reflections

par Checkie Ieong

Dans le domaine de la haute joaillerie, où opulence et élégance règnent en maîtres, l’innovation et la créativité repoussent les limites du design. La convergence de la technologie et de l’art a ouvert une nouvelle ère, donnant naissance à des pièces interactives et ludiques, qui transcendent les esthétiques traditionnelles. Cette collection de haute joaillerie s’inspire de l’attrait envoûtant du mouvement cinétique. Chaque pièce incarne l’essence du mouvement, invitant celui ou celle qui la porte à s’engager et à interagir, participant ainsi à la narration des bijoux dans une expérience captivante et unique.

Hyeseung Nam – Clover Series

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Hyeseung Nam – Clover Series

par Hyeseung Nam

« Clover Series » est un objet qui présente des motifs graphiques, créés grâce aux propriétés des matériaux, et les utilise à des fins de convivialité. La série inclut des lignes qui s’entrecroisent en fonction de leur nombre. Cette composition apporte une ambiance ludique dans l’espace. En réinterprétant les détails de la boîte shaker, ces plateaux et ces paniers peuvent être utilisés dans la cuisine ou le salon, alliant esthétique et fonctionnalité. Les surfaces de l’objet sont assemblées verticalement et reliées par des rivets. L’esthétique de la finition repose dans le détail de la connexion, recouvrant la ligne de séparation des matériaux. « Clover Series » propose une approche sensuelle de la matière, à la croisée du design et du savoir-faire.

Minyeol Cho – A Piece of Nature

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Minyeol Cho – A Piece of Nature

par Minyeol Cho

J’ai été fasciné par le mode de vie suisse, axé sur la nature et les expériences en plein air. L’idée d’un ensemble de vaisselle d’extérieur m’est venue en profitant de la beauté des conversations et des repas en plein air par temps ensoleillé. Mon design se concentre sur une esthétique naturelle, en utilisant des matériaux favorisant une connexion avec la nature. J’ai cherché un design simple préservant l’intégrité du bois et mettant en valeur sa beauté intrinsèque. L’intérieur de l’ensemble est recouvert d’une teinture naturelle extraite des arbres à laque, offrant imperméabilité et respect de l’environnement. Cette conception permet d’apprécier les caractéristiques, l’esthétique et la praticité du matériau.

Naomi Nguyen – Harlequin Lamp

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Naomi Nguyen – Harlequin Lamp

par Naomi Nguyen

Illuminer l’élégance par le verre L’ensemble de lampes « Harlequin » est disponible en trois tailles en verre transparent, qui ornent diverses surfaces telles que les tables, les bureaux ou les tables de chevet. Chaque taille apporte son charme unique et sa luminosité, offrant un mélange harmonieux de praticité et de flair artistique. L’ensemble de lampes « Harlequin » est un témoignage de l’attrait intemporel du verre en tant que médium d’expression créative qui invite à plonger dans un monde de lumière, de beauté et d’esprit carnavalesque.

Heein Im – Balancing Circle

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Heein Im – Balancing Circle

par Heein Im

« Balancing Circle » est un objet sculptural qui expérimente la tension et la flexibilité du textile. Lorsque les gens passent devant, l’installation génère un enthousiasme inattendu en oscillant légèrement et en interagissant avec l’espace. L’objet est également axé sur la recherche de matériaux avec des éléments couramment utilisés pour les accessoires de mode tels que le cuir, le fil et le tissu. Le cercle est une forme considérée comme parfaitement équilibrée. Cependant, en le plaçant dans une position critique, notre attention est attirée par le second moment d’équilibre appliqué au cercle. C’est comme si nous cherchions à établir la stabilité dans toutes les situations en oubliant que nous sommes déjà des êtres parfaitement équilibrés.

Ambre Tuttle – A(r)table

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Ambre Tuttle – A(r)table

par Ambre Tuttle

Si manger était autrefois un besoin primaire, aujourd’hui l’esthétique n’a jamais eu autant d’importance à table. Alors que la cuisine tend vers l’art, faisons de nos assiettes des créations singulières, des expériences éphémères ou des vecteurs d’identité. « A(r)table », est une collection d’objets, fruits d’une recherche sur l’impact visuel et la façon dont nous présentons nos plats. Ce projet part du principe que le plaisir réside autant dans la dégustation que dans la confection. Comme une invitation à la créativité, l’assiette devient une toile vierge sur laquelle on dessine, on trace ou on compose. L’attention portée à l’apparence de nos plats peut sembler futile, mais elle est à l’origine même de notre appétit. Le plaisir de la dégustation commence par l’imagination, sublimer nos assiettes, c’est aussi sublimer un moment.

Kiyong Lee – Hangeul Marbles

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Kiyong Lee – Hangeul Marbles

par Kiyong Lee

« Hangeul Marble » est un objet conçu sur la base du principe du Hangeul (alphabet coréen), dans lequel les lettres sont formées au fur et à mesure que des traits sont ajoutés, tels que « ㅡ », « ㄱ », « ㄴ », « ㄷ », « ㄹ », etc. En utilisant comme motif le jeu de billes, un jeu traditionnel connu et apprécié de tous, cet objet est principalement destiné à embellir les intérieurs. La règle de ce jeu est de déplacer la bille de verre du point de départ au point final à l’aide de son doigt. L’objet est fait à partir de bois de frêne et de cuir naturel et, lorsqu’il n’est pas utilisé, il peut être utilisé comme un objet contemporain décoratif.

Victor Montour – Brik

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Victor Montour – Brik

par Victor Montour

Profondément ancrée dans l’univers architectural, la brique d’argile a toujours été appréciée pour ses qualités structurelles. Toutefois, cet humble matériau de construction possède bien d’autres qualités qui ne demandent qu’à être révélées. La collection de vase « Brik » vise à élever le langage brutaliste de cet archétype par le biais de procédés artisanaux. Travaillant main dans la main avec des céramistes et des industries, ce projet agit comme un point de rencontre entre ces deux visages du design, une combinaison de précision mécanique et de singularité artisanale. Cette série de vases questionne également nos réflexes de créateur·rice et de consommateur·rice. Et si on concevait la nouveauté par la banalité ? Pouvons-nous apprendre à apprécier la beauté de la normalité ?

Cristina Rodríguez Solé – Arrassall

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Cristina Rodríguez Solé – Arrassall

par Cristina Rodríguez Solé

La sécheresse et les températures élevées en Catalogne provoquent de nombreux incendies durant l’été. Le pin, qui constitue la majeure partie de ces forêts, est considéré comme de moindre valeur, car il est récolté dans le cadre de la gestion forestière. Pourtant, il présente des caractéristiques similaires à celles des autres bois de la région. Afin de revaloriser ce matériau et de mettre en lumière le problème, le projet vise à utiliser ce bois pour la fabrication de cette collection limitée de bancs. Leur forme est dictée par la taille des lattes obtenues à partir de l’arbre, tout en minimisant les interventions sur la matière première. De plus, pour réduire l’empreinte carbone, les pièces sont fabriquées localement.

Morgane Chiron – TILTED

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Morgane Chiron – TILTED

par Morgane Chiron

« TILTED » est un projet architectural centré sur des carreaux de céramique qui transcendent les normes, manipulent l’éclairage et transforment les espaces. Légèrement inclinés, ces carreaux interagissent de façon dynamique avec la lumière, créant des motifs captivants et renforçant la profondeur. Leur finition module le comportement de la lumière, créant une expérience sur mesure. Les couleurs, notamment, évoluent et se transforment selon l’heure de la journée, évoquant des émotions et conférant une personnalité aux espaces. Ces toiles dynamiques changent le paradigme associé aux carreaux de céramique puisqu’elles chorégraphient la lumière, redéfinissent l’espace et captivent les sens, offrant une fusion captivante d’art et d’innovation.

Nathanaël Baby – Passe-MAS-partout

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Nathanaël Baby – Passe-MAS-partout

par Nathanaël Baby

Art et design se rencontrent pour mettre en lumière l’aspect de recherche. Cette exposition fictive emmène ses spectateur·ice·s à travers des travaux d’étudiant·e·s du MAS Design for Luxury & Craftsmanship. Le passe-partout est un objet d’entre-deux créant l’espace autour d’une œuvre. Il donne son nom à l’exposition et inspire une série de présentoirs, spécifiques à chaque échantillon.

Pruthviraj Ghosh – Ananth

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Pruthviraj Ghosh – Ananth

par Pruthviraj Ghosh

« Ananth », qui signifie « sans fin » en hindi, est une collection de décoration d’intérieur en collaboration avec Cozy Creations India. L’objectif est de créer un espace de vie à l’intérieur de votre maison qui puisse apporter l’environnement dans lequel vous souhaitez vivre. Les tapis traduisent des environnements naturels en artisanat visuel et les pièces centrales, conçues de manière contemporaine par Balarience, garantissent l’aspect fonctionnel de ce concept.

Johannes Seibel – Mono 4T Exhibition

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Johannes Seibel – Mono 4T Exhibition

par Johannes Seibel

« Mono 4T Exhibition » a été développé lors d’un événement pour la manufacture de design allemande Mono, en collaboration avec l’initiative des German Design Graduates, à l’occasion du 40e anniversaire de la théière « Mono ». Un système modulaire de présentoirs est fait de packagings de verre à thé réutilisés et stabilisés par quatre profilés en acier inoxydable, tenus à l’aide d’une sangle d’emballage. Une feuille d’acier est également placée sur la structure, offrant une excellente visibilité pour présenter les dix objets sculpturaux conçus par les diplômé·e·s sélectionné·e·s. Les noms des designers et le titre des pièces figurent sur les faces avant pliées des plaques. Après l’exposition, ces dernières seront recyclées. Des photos grands formats ponctueront l’espace, présentant des détails d’objets.

Jury & Citations 2023

Chaque année, des personnalités du monde de l’art et du design sont invitées à l’ECAL afin de participer aux jurys de diplôme et évaluer les travaux réalisés par les étudiants.
JURY BA Arts Visuels - Image ECAL/Marvin Merkel
JURY BA Arts Visuels - Image ECAL/Marvin Merkel

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JURY BACHELOR ARTS VISUELS
Julia Marchand
Curatrice, Arles
Sabrina Tarasoff
Ecrivaine & critique, Paris
Guillaume Pilet
Artiste, Lausanne
 
JURY BA Arts Visuels - Image ECAL/Marvin Merkel
JURY BA Arts Visuels - Image ECAL/Marvin Merkel

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Jury BA Photographie - Image ECAL/Marvin Merkel
JURY BACHELOR PHOTOGRAPHIE
Lewis Chaplin 
Editeur, Loose Joints publishing, Marseille
Emilia Genuardi
Conservatrice, Paris
Matthieu Meyer
Directeur artistique, Paris
 
« Le niveau de ce Bachelor était exceptionnellement élevé et diversifié dans sa production et son exécution. Un courageux groupe de jeunes étudiant·e·s, qui n'a pas peur de se confronter à différentes questions sociales, politiques et culturelles à travers, correspond exactement aux projets qui nous enthousiasment et que nous nous efforçons d'encourager et de publier. »
Lewis Chaplin

Loose Joints publishing, Marseille
Jury BA Photographie

« Qu'il s'agisse d'environnements immersifs, d'applications inventives, de jeux numériques soigneusement conçus ou de projets hybrides artistiques, numériques et de communication, y compris des machines électroniques expérimentales et des synthétiseurs, le Bachelor Media & Interaction Design forme les futures générations qui pourront naviguer dans les industries créatives grâce à leur polyvalence artistique, leurs connaissances technologiques et leurs stratégies novatrices. »

Giulia Bini

Curatrice, EPFL Pavilions, Lausanne
Jury BA Media & Interaction Design

JURY BACHELOR MEDIA & INTERACTION DESIGN
Giulia Bini
Curatrice, EPFL Pavilions, Lausanne
Dirk Koy
Artiste, Bâle
Matthieu Meyer
Directeur artistique, Paris
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Jury BA Media & Interaction Design - Image ECAL/Marvin Merkel
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Jury BA Design Graphique - Image ECAL/Marvin Merkel
JURY BACHELOR DESIGN GRAPHIQUE
Selina Bernet
Type designer & graphiste, Zurich
Matthieu Meyer
Directeur artistique, Paris
Astrid Seme
Graphiste, Vienne
« J'ai vraiment apprécié voir comment les étudiant·e·s ont transformé leurs intérêts personnels et politiques en projets de conception, tout en adoptant les nouvelles technologies dans un souci d'esthétique et de fonctionnalité. »

Selina Bernet

Typographe et graphiste, Zurich
Jury BA Design Graphique

« Je souhaite un bel avenir à l'ECAL et à ses magnifiques étudiant·e·s. Comme au cinéma : toujours regarder en avant et ce qui est à venir. »

Héléna Klotz

Réalisatrice, Paris
Jury BA Cinéma

JURY BACHELOR CINEMA
Héléna Klotz
Réalisatrice, Paris
François Musy
Ingénieur du son, Rolle
Artur Tort
Chef opérateur, Barcelone
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Jury BA Cinéma - Image ECAL/Marvin Merkel
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Jury BA Design Industriel - Image ECAL/Marvin Merkel
JURY BACHELOR DESIGN INDUSTRIEL
Beatrice Leanza
Directrice MUDAC, Lausanne
Mark Braun
Designer et professeur HBKsaar, Berlin
Paolo Brambilla
Architecte, Designer et Directeur créatif pour FLOS et Zanotta, Milan
« La diversité des sujets abordés par les étudiant·e·s et l'approche solidement axée sur la recherche présentée dans les exposés nous rappellent de manière impressionnante qu'une attitude de prise de risque est fondamentale pour que le design s'engage dans la complexité du monde d'aujourd'hui et ses écosystèmes étroitement liés à la production durable, à la protection sociale et à la restauration de l’environnement. »

Beatrice Leanza

Directrice MUDAC, Lausanne
Jury BA Design Industriel

« Le Master Photographie de l'ECAL est à la pointe des derniers développements dans le domaine de la photographie. Il forme ses étudiant·e·s afin qu’ils/elles puissent conceptualiser l'avenir de la photographie et avoir une véritable compréhension des technologies qui soutiennent le médium dans son état actuel. Les projets de fin d'études n'ont pas seulement donné lieu à des visuels époustouflants, mais ont également permis aux étudiant·e·s de comprendre comment s'engager et réfléchir à la culture visuelle d'aujourd'hui, dans son ensemble. »

Miriam Kooiman

Conservatrice, Foam Museum, Amsterdam
Jury MA Photographie

JURY MASTER PHOTOGRAPHIE
Miriam Kooiman
Conservatrice, Foam Museum, Amsterdam
Jurgen Maelfeyt
Éditeur, Art Paper Editions, Gent
Noam Toran
Artiste, professeur associé à la HEAD, Genève
« J'ai été frappé non seulement par la qualité de la pratique et de la pensée critique, mais aussi par la camaraderie et le sentiment d'attention et d'amour que j'ai vus entre les étudiant·e·s. »

Noam Toran

Artiste, professeur associé à la HEAD, Genève
Jury MA Photographie

« Je suis ravie de la qualité des projets d'étudiant·e·s issu·e·s du programme de Master Type Design de l'ECAL. La variété des thèmes, l'approfondissement des sujets et leur réalisation sont vraiment impressionnants. »

Veronika Burian

Designer Typographique, Prague
Jury MA Type Design

JURY MASTER TYPE DESIGN
Veronika Burian
Designer typographique, Prague
Julie Peters
Directrice Artistique, Bruxelles

Kristyan Sarkis
Designer typographique, Amsterdam
Douglas Stanley
Artiste (HEAD), Genève
Jury MA Type Design - Image ECAL/Marvin Merkel
Jury MA Type Design - Image ECAL/Marvin Merkel
Jury MA Type Design - Image ECAL/Marvin Merkel
Jury MA Type Design - Image ECAL/Marvin Merkel
Jury MA Type Design - Image ECAL/Marvin Merkel

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Jury MA Design de Produit - Image ECAL/Marvin Merkel
Jury MA Design de Produit - Image ECAL/Marvin Merkel
Jury MA Design de Produit - Image ECAL/Marvin Merkel
Jury MA Design de Produit - Image ECAL/Marvin Merkel

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JURY MASTER DESIGN DE PRODUIT
Piero Lissoni
Designer et architecte, Milan
Jane Withers
Conservatrice, Londres

Christian Kaegi
Designer et entrepreneur, Zurich
Emilie Meldem
Designer (HEAD), Genève
« Nous avons beaucoup apprécié les présentations et la qualité de la communication de chaque étudiant·e. En ce qui concerne les projets, la diversité des intentions nous a amené à nous interroger sur les paramètres du design, ce qui a suscité de nombreux débats au sein du jury. Nous pensons que cette diversité reflète le contexte de cette journée consacrée au design. »

Jane Withers

Conservatrice, Londres
Jury MA Design de Produits

JURY MAS IN DESIGN FOR LUXURY AND CRAFTSMANSHIP - Image ECAL/Marvin Merkel
JURY MAS IN DESIGN FOR LUXURY AND CRAFTSMANSHIP - Image ECAL/Marvin Merkel
JURY MAS IN DESIGN FOR LUXURY AND CRAFTSMANSHIP - Image ECAL/Marvin Merkel
JURY MAS IN DESIGN FOR LUXURY AND CRAFTSMANSHIP - Image ECAL/Marvin Merkel

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JURY MAS DESIGN FOR LUXURY AND CRAFTSMANSHIP
Sebastian Herkner
Designer, Offenbach am Main
Pavlo Schtakleff
Fondateur et directeur général, Sé Collection, Londres

Gabriel Roland
Directeur de la Vienna Design Week
JURY MAS IN DESIGN FOR LUXURY AND CRAFTSMANSHIP - Image ECAL/Marvin Merkel
JURY MAS IN DESIGN FOR LUXURY AND CRAFTSMANSHIP - Image ECAL/Marvin Merkel
JURY MAS IN DESIGN FOR LUXURY AND CRAFTSMANSHIP - Image ECAL/Marvin Merkel

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« À l'ECAL, j'ai été réellement impressionnée par l'étendue des intérêts et l'élasticité des pratiques des étudiant·e·s dans le cadre du Master Arts Visuels. Plutôt que de s'en tenir à ce qu'ils savent, les artistes semblent animé·e·s par une éthique de l'expérimentation, que ce soit en s'engageant de manière critique dans leur passé ou en essayant de réimaginer le présent. »

Cooper Jacoby

Artiste, Los Angeles
Jury MA Arts Visuels

JURY MASTER ARTS VISUELS
Cornelia Grassi
Galerie d'art Greengrassi, Londres
Cooper Jacoby
Artiste, Los Angeles

Sabrina Tarasoff
Écrivaine et critique, Paris

Olivier Desvoignes
Artiste (HEAD), Genève
« C’est un privilège pour le jury d’assister à la présentation des projets de diplômes du Master Arts Visuels. Les jeunes artistes prennent cette journée au sérieux. La combinaison de la présentation des projets par les artistes et de notre évaluation est éclairante et réfléchie. »

Cornelia Grassi

Galerie d'art Greengrassi, Londres
Jury MA Arts Visuels

Cérémonie des diplômes – 30 juin 2023

Cérémonie des diplômes – 30 Juin 2023 - Image ECAL/Marvin Merkel
Cérémonie des diplômes – 30 Juin 2023 - Image Marvin Merkel
Cérémonie des diplômes – 30 Juin 2023 - Image ECAL/Marvin Merkel
Cérémonie des diplômes – 30 Juin 2023 - Image ECAL/Marvin Merkel
Cérémonie des diplômes – 30 Juin 2023 - Image ECAL/Marvin Merkel

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Prix et bourses 2023

PRIX & BOURSES BACHELOR 2023
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Prix Tremplin ECAL soutenu par la Fondation Leenaards — CHF 10'000.-

Jade Eymann – BA Design Industriel

Clément Grimm – BA Arts Visuels

Gaétan Uldry – BA Photographie

 

Le « Prix Tremplin » vise à faciliter le démarrage d’une carrière et aider à asseoir une pratique artistique professionnelle sur le long terme pour des artistes et/ou designers de talent. Il est destiné aux fraîchement diplômé·e·s de l’ECAL, et les soutient dans la mise en place d’un projet concret ou dans l’entrée dans la vie professionnelle.
Remis par Mme Catherine Othenin-Girard, présidente de la Commission Culturelle de la Fondation Leenaards

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Prix Images Vevey x ECAL — Exposition à L’APPARTEMENT Espace Images Vevey en collaboration avec l'ECAL

Sara De Brito Faustino – BA Photographie

 

Un prix offrant l'opportunité d'une première visibilité publique à travers une exposition à un·e diplômé·e du Bachelor ou du Master en photographie de l'ECAL, tout en renforçant les liens existants entre l'ECAL et Images Vevey.
Remis par M. Stefano Stoll, directeur d’Images Vevey

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Prix Freestudios de l’Image — Prestations d’une valeur de CHF 15'000.-

Marcello Balzaretti – BA Cinéma

 

Un prix destiné à un·e étudiant·e en spécialisation Image qui s’est distingué·e par la qualité de son travail aussi bien au niveau artistique que technique. Ce prix souligne les ponts vertueux entre le monde académique et professionnel.
Remis par M. Boris Rabusseau, représentant FreeStudios

 

 

 

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Prix Plateforme10 x ECAL — Exposition présentée à Plateforme10 en collaboration avec l'ECAL + CHF 5’000.-

Bogdan Nastase – BA Media & Interaction Design

 

Un prix destiné à récompenser un projet de diplôme Bachelor Media & Interaction Design, qui permettra entre autres, le développement du projet en vue d'une première visibilité publique à travers une exposition de le·la lauréat·e, tout en renforçant les liens entre l'ECAL et Plateforme10.
Remis par Manuel Sigrist, responsable numérique à Photo Elysée, au nom de Plateforme 10

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Prix Pierre Keller — CHF 5’000.-

Ulises Lozano – BA Photographie

 

En mémoire de Pierre Keller, directeur de l'ECAL de 1995 à 2011. Un prix décerné pour un travail de diplôme particulièrement engagé.
Remis par M. Alexis Georgacopoulos, directeur et M. Vincent Jacquier, responsable du Département Communication Visuelle

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Prix du Son Masé Studios — Prestations d’une valeur de CHF 5'000.-

Giulia Goy – BA Cinéma

 

Un prix destiné à un·e étudiant·e dont le film s'est distingué par la qualité de son travail sonore, artistique et technique. Ce prix souligne les ponts vertueux entre le monde académique et professionnel.
Remis par M. Ivan Ruet, représentant de Masé Studios

 

 

 

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Flokk Internship — Stage de 6 mois à Oslo

Léo Crespin – BA Design Industriel

 

Un stage de six mois au siège de Flokk en Norvège, pour un·e diplômé·e en Design Industriel. Flokk est le leader du marché de la conception, du développement et de la production de mobilier de bureau en Europe.
Remis par Stéphane Halmaï-Voisard, responsable Bachelor Design Industriel au nom de Flokk

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Swiss Design Association Bachelor Award 2023 — 3 ans d’adhésion & coaching entrepreneurial

Annick Persechini – BA Design Industriel

 

Un prix qui récompense un·e étudiant·e Bachelor pour l’excellence de son travail de diplôme. Le SDA Bachelor Award offre au lauréat·e la possibilité de devenir membre SDA durant trois ans ainsi qu’un coaching entrepreneurial individuel pour le développement de son projet de diplôme.

Remis par Mme Valentine Ebner, membre du comité d’organisation de la SDA, Swiss Design Association

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Prix Ernest Manganel — CHF 3'000.-

Tianchang Gu – BA Arts Visuels

Mathilde Hansen – BA Arts Visuels 

 

Deux prix décernés par le jury de la Fondation Ernest Manganel à des diplômé·e·s en Arts Visuels, pour récompenser la pertinence de leur recherche et la qualité professionnelle de leurs travaux de diplôme.
Remis par M. Stéphane Kropf, responsable du Bachelor Arts Visuels au nom de la Fondation Ernest Manganel

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Prix d’excellence du domaine Design et Arts Visuels de la HES-SO — CHF 2'500.-

Agathe Bourrée – BA Design Graphique

 

Un prix décerné à un·e étudiant·e qui s’est distingué·e par l'excellence de son travail de diplôme.
Remis par M. René Graf, vice-recteur enseignement HES-SO

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Prix BG Ingénieurs Conseils — CHF 1’500.-

Hugo Jauffret – BA Design Graphique

Annick Persechini – BA Design Industriel

 

Deux prix décernés à des diplômé·e·s auteur·e·s des projets prenant en compte le développement durable, en particulier ses aspects économiques, environnementaux et sociaux.
Remis par Mme Pascale Grossmann, consultante en communication de la société BG Ingénieurs Conseils SA

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Prix EXECAL — CHF 1’000.-

Robin Luginbühl – BA Design Industriel

 

Un prix décerné à un·e diplômé·e qui s’est distingué·e par la qualité de son mémoire de Bachelor.
Remis par Mme Yoo-Mi Steffen, secrétaire EXECAL.

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Prix METAA — CHF 1'000.-

Tickie Bindner – BA Media & Interaction Design

 

Un prix décerné à un·e diplômé·e en Media & Interaction Design qui s'est distingué·e par une approche prospective et expérimentale lors de son travail de diplôme.
Remis par M. Lionel Tardy, membre du comité METAA, Media Experiments in Technology and Art Association

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Prix Visarte Vaud — CHF 1'000.-

Mariana Isler – BA Arts Visuels

 

Un prix décerné à une diplômé·e en Arts Visuels qui s'est distingué·e par l'excellence de son travail.
Remis par Mme Patricia Glave, présidente de Visarte Vaud

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Prix du Risque — CHF 1'000.-

Noemi Leneman – BA Arts Visuels

 

Un prix décerné à un·e diplômé·e particulièrement talentueux·euse dans le domaine des Arts Visuels.
Remis par M. Stéphane Kropf, responsable du Bachelor Arts Visuels

PRIX & BOURSES MASTER 2023
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Prix Tremplin ECAL soutenu par la Fondation Leenaards — CHF 10'000.-

Norma Elzoghbi - MA Type Design

Juri Bizzotto - MA Arts Visuels

 

Le « Prix Tremplin » vise à faciliter le démarrage d’une carrière et aider à asseoir une pratique artistique professionnelle sur le long terme pour des artistes et/ou designers de talent. Il est destiné aux fraîchement diplômé·e·s de l’ECAL, et les soutient dans la mise en place d’un projet concret ou dans l’entrée dans la vie professionnelle.
Remis par Mme Catherine Othenin-Girard, présidente de la Commission Culturelle de la Fondation Leenaards

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Bourses Nestlé-ECAL — CHF 10’000.-

Lana Soufeh – MA Type Design

Luis Rodriguez – MA Product Design

 

Deux bourses Nestlé de CHF 10'000. - chacune attribuée à des étudiant·e·s méritants de 2e année de MADP, MAP ou MATD qui se sont distingué·e·s par la recherche et la qualité de leur projet de diplôme, en particulier - mais pas exclusivement - en relation avec des thèmes d'actualité tels que l'innovation technologique ou sociale, la durabilité ou la santé.
Remises par Mme Aude Gandon, Nestlé Global Chief Marketing Officer

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Prix De Bethune – CHF 6'000.-

Charitini Gkritzali – MAS in Design for Luxury & Craftsmanship

 

Un prix décerné à un·e étudiant·e diplômé·e du Master of Advanced Studies in Design for Luxury & Craftsmanship pour la qualité de son travail.
Remis par M. Denis Flageollet, maître horloger et fondateur de la De Bethune

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Prix La Foncière – CHF 3'000.-

Yumo Wu – MA Photographie

 

Un prix décerné par la Foncière, un fonds de placement immobilier, à un·e étudiant·e méritant·e pour le travail accompli durant l’année en Photographie.
Remis par M. Thomas Vonaesch, directeur à la Foncière

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Prix d'excellence dans le domaine du design et des arts visuels de la HES-SO – CHF 2'500.-

Marcus Angerer – MA Design de produit

 

Un prix décerné à un·e étudiant·e de l'ECAL qui s’est distingué·e par l'excellence de son travail de diplôme.
Remis par M. René Graf, vice-recteur HES-SO

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Prix BCV — CHF 2'000.-

Yohanna Rieckhoff – MA Design de Produit

 

Un prix decerné à un·e étudiant·e diplômé·e en Master qui s'est distingué·e par la qualité d'ensemble de son travail.
Remis par M. Camille Blin, Responsable du Master Design de Produit

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Prix Profot – Équipement d’une valeur de CHF 2'000.-

Benjamin Freedman – MA Photographie

 

Un prix destiné à un·e étudiant·e diplômé·e en Bachelor Photographie qui a réalisé un excellent travail de diplôme.
Remis par M. Sandro Bizzarro, conseiller Digital Imaging chez Profot SA

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Prix David Rust — CHF 1’000.-

André Teixeira da Silva – MA Type Design

 

Prix décerné à un·e diplômé·e· ayant réalisé un travail typographique remarquable. Le/la lauréat·e se voit offrir l'opportunité d'éditer un visuel qui servira à collecter des dons pour l'action Design against Cancer.
Remis par Mme Maude Rust, fondatrice et présidente de l'association in rust we trust*.

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Prix EXECAL — CHF 1’000.-

Maxine Granzin – MA Design de produit

 

Un prix décerné à un·e diplômé·e qui s’est distingué·e par la qualité de son mémoire de Bachelor. Remis par Mme Yoo-Mi Steffen, secrétaire EXECAL

Autres Prix & BOURSES 2023 (hors diplômes)
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Bourses Fondation Casino Barrière de Montreux – CHF 8'000.- (Bachelor)

Viktor Gagné – 2e année BA Media & Interaction Design

Noé Vercaemst – 2e année BA Photographie

 

Deux bourses décernées à des étudiant·e·s sur le point d’accomplir leur année de diplôme. Le choix a été effectué en fonction de leur talent et de leur sens de la créativité. Remise par M. Jakob Hlasek, président de la Fondation Casino Barrière de Montreux.
Remis par M. Jakob Hlasek, président de la Fondation Casino Barrière de Montreux

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Soma Summer Mexico 2022 – Résidence artistique d’un mois au Mexique d’une valeur de CHF 5'000.-

Oriane Emery – 1ère année MA Arts Visuels

Ana Francesca Bălan – 1ère année MA Arts Visuels

 

Prix décerné à deux étudiant·e·s en Arts Visuels, sélectionné·e·s pour une résidence artistique d'un mois au Mexique, à l'Hacienda Santa María Xalostoc, dans l'État de Tlaxcala.
Remis par Stéphanie Moisdon, Responsable du Master Arts Visuels

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Bourse Fondation Walter + Eve Kent — CHF 5’000.- (BA)

Tom Grbic – 2e année BA Arts Visuels

Anna Kawahara – 2e année BA Arts Visuels

 

Deux bourses décernées à des étudiant·e·s particulièrement talentueux·euses dans le domaine de la peinture et de la sculpture.
Remis par M. Alexis Georgacopoulos, membre de la Fondation Walter + Eve Kent

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Bourse Fondation Walter + Eve Kent — CHF 5’000.- (MA)

Felice Berny-Tarente – 1re année MA Arts Visuels

Lorenzo De Bellis – 1re année MA Arts Visuels

 

Deux bourses décernées à des étudiant·e·s particulièrement talentueux·euses dans le domaine de la peinture et de la sculpture.
Remis par M. Alexis Georgacopoulos, membre de la Fondation Walter + Eve Kent

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Prix de la Ville de Renens — Exposition à La Ferme de Tilleuls à Renens + CHF 2'000.- (MA)

Gabriela Jaime – 1ère année MA Type Design

 

Prix d’encouragement décerné à deux étudiant·e·s qui se sont distingué·e·s par la qualité de leur travail et exposition commune à la Ferme des Tilleuls à Renens en décembre 2023. Remis par Mm. Nathalie Jaccard, Conseillère municipale à la Ville de Renens

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Prix de la Ville de Renens — Exposition à La Ferme de Tilleuls à Renens + CHF 2'000.- (BA)

Till Seegräber – 2e année BA Design Industriel

 

Prix d’encouragement décerné à deux étudiant·e·s qui se sont distingué·e·s par la qualité de leur travail et exposition commune à la Ferme des Tilleuls à Renens en décembre 2023. Remis par Mm. Nathalie Jaccard, Conseillère municipale à la Ville de Renens

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Prix du Festival international du film francophone de Namur (FIFF Namur) — Participation au jury Emile Cantillon (BA)

Hervé Ossent – 2e année BA Cinéma

 

Un prix décerné à un·e étudiant·e de 2e année qui s’est distingué·e par la qualité de sa réflexion théorique.
Remis par Mme Rachel Noël, adjointe pédagogique du Bachelor Cinéma

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Prix Jacqueline Veuve — CHF 1'000.- (BA)

Camille Anker – 2e année BA Cinéma

 

Un prix décerné à un·e étudiant·e en cinéma qui s'est distingué·e au cours de l'année par la qualité de ses réalisations ou de son travail technique. Ce prix rend hommage à Jacqueline Veuve, grande documentariste suisse décédée en 2013. Remis par Mme Adèle Beaulieu, assistante Bachelor Cinéma

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Prix de l’Année Propédeutique — CHF 500.-

Félicie Morel – Option Arts Visuels

 

Un prix décerné à une étudiante de l’Année Propédeutique de l’ECAL qui s'est distinguée par l'excellence de ses résultats. Remis par M. David Monnet, Responsable de l’Année Propédeutique

Diplomé·e·s 2023

Gwendoline Albasini
Tony Altermatt
Matteo Angelé
Marcus Angerer
Inès Aznar
Nathanaël Baby
Marcello Balzaretti
Elena Baranowski
Adryan Barrilliet
Dominique Bartels
Noam Benatar
Edouard Bérard
Alicia Berclaz
Adrien Beroud
Coline Besson
Tickie Bindner
Alix Bitz
Juri Bizzotto
Ekaterina Bliznyuk
Gina Bolle
Jule Bols
Agathe Bourrée
Jessy Bueno
César Cadène
Luana Cardinaux
Julien Caulet
Ali Chatila
Noa Chevalley
Morgane Chiron
Minyeol Cho
Ilaria Citti
Marine Col
Simon Colliard
Mattia Cook
Remo Corazza
Elina Crespi
Léo Crespin
Mattia Dagani Rio
Matteo Dal Lago
Sara De Brito Faustino
Yann Difford
Paul Dorsaz
Salomé Dotter
Jessica Dreier
Ilan Dubi
Charlotte Dubois
Sacha Dufour
Fanny Dunning
Hugo Duport
Norma Elzoghbi
Jade Eymann
Yann Fankhauser
Fleur Federica Chiarito
Pablo Felley
Diego Fellmann
Feng Juan Jun
Benjamin Freedman
Sofia Fresey Angelopoulou
Antony Gallay
Sebastiano Gallizia
Alexis Gargaloni
Valerie Geissbühler
Eloïse Genoud
Guillaume Gindrat
Charitini Gkritzali
Aniket Godbole
Vera Gonzalez Ponce
Pruthviraj Ghosh
Sophia Götz
Giulia Goy
Maxine Granzin
Clément Grimm
Tianchang Gu
Aude Gunzinger
Laura Hagmann
Mathilde Hansen
Niklas Herrmann
Jay Holdener
Nicolas Honegger
Lucas Hosteing
Lucie Houel
Heein Im
Mariana Isler
Laeticia Jakob
Hugo Jauffret
Ianka Jean-Marie
Moritz Jekat
Minjong Kim
Amandine Kuhlmann
Kiyong Lee
Yoonjae Lee
Noemi Leneman
Checkie Ieong
Leoni Limbach
Sam Lombardo
Ambre Louineau
Ulises Lozano
Arthur Lucchesi
Nolan Lucidi
Robin Luginbühl
Claudia Mangone
Gabriela Marciniak
Alexandre Margueron
Axel Mattart
Antonin Maudry
Lirjeta Maxhuni
Inès Mermoud
Julie Meyer
Aude Meyer de Stadelhofen
Rémi Molleyres
Victor Montour
Alice Moor
Margherita Motta
Paula Mühlena
Lylou Müller
Hyeseung Nam
Bogdan Nastase
Aleksandra Nazarova
Thomas Neyroud
Naomi Nguyen
Cedric Oder
Sven Odermatt
Romain Oederlin
Fumi Omori
Rémi Opalinski
Ella Paleni
Bruno Pauli Caldas
Simon Pellegrini
Ignacio Pérez
Annick Persechini
Shkelqim Qestaj
Marco Renna
Marjolaine Rey
Yohanna Rieckhoff
Benoît Rochat
Luis Rodriguez
Cristina Rodríguez Solé
Louis Roh
Lily Rose Hold
Carla Rossi
Tessa Roy
Sebastien Rück
Aramis Rüdisühli
Léonie Sammons
Laeticia Schwendi
Johannes Seibel
Alexandra Sensi
Ilù Seydoux
Shania Soares
Donghwan Song
Lana Soufeh
Clara Sipf
Samuel Spreyz
Paul Sturm
Anaïs Sulmoni
Rongyi Tang
André Teixeira da Silva
Luísa Tormenta
Chiara Torterolo
Ambre Tuttle
Gaétan Uldry
Tara Ulmann
Lou-Anna Ulloa del Rio
Mykolas Valantinas
János Vári
Luca Vernieri
Louis Victorin Michel
Alice Villars
Florentina Walser
Yuji Wang
Noah Watzlawick
Jeanne Weber
Ysé Willemin
Céline Witzke
Yumo Wu
Julie Wuhrmann
Shan Yu Kuan
Niki Zaal
Michelle Zadio Villarroel