Alexis Georgacopoulos, Directeur
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ARTS VISUELS
par Iacopo Spini
UNE VIE ENTIÈRE PASSÉE À RECHERCHER LA PURETÉ D’UNE FLEUR À TRAVERS L’ARTIFICIALITÉ DES MÉDIAS, MON CORPS COMPREND À JUSTE TITRE QUE JE SUIS UN HYPOCRITE ET PRODUIT DE L’ENDURANCE en général, l’allergie est une erreur, certaines substances non nuisibles sont échangées comme telles. DANS CE CAS NON, C’ÉTAIT UN MESSAGE CLAIR FLEURS ET PLANTES DE LA LIBERTÉ
ARTS VISUELS
par Roxane Christinet
Disséquer une plante ou un corps. Matière respirable. Témoignage de différents liquides.
ARTS VISUELS
par Flavio Visalli
« And if a double-decker bus crashes into us To die by your side is such a heavenly way to die. » Je regardais ces collines de blé qui m’évoquaient les paysages lointains. Ceux que le vent vient esquisser pendant les nuits orageuses. L’enclume noire se libère de son poids et devient sensible aux coups. Je repensais à ton message, ça m’a rappelé le bruit hurlant d’un V12. Fibre de carbone, chêne et peinture acrylique
ARTS VISUELS
par Léonard Vazquez Vila
Pour traduire la folie des procédures, pour expliquer la capacité de reconnaître et d’étendre, il faut répéter l’explication qui ne peut que réussir. Des deux mêmes têtes à la même intelligence, la capacité même de ne craindre que des sorts car elle va sans exemples. L’imposition de soi à soi, où seuls les petits changements dans l’apprentissage et la répétition doivent être compris dans leur vrai sens : le pouvoir dérisoire de dévoiler les choses. Les propriétés du fou, la liberté du renoncement à la différence, les tripes, la coïncidence des outils du langage font leur œuvre. Au-delà des transparences des esprits, se pose le discours du cercle. Le désir de communiquer avec les autres et de tout lire comme un être pensant arbitraire.
ARTS VISUELS
par Line Petitguyot
Mon mémoire porte sur des réflexions autour de la personnification de différents éléments de la nature. Le décès de mon père ainsi que les violences que j’ai subies ont imprégné mon travail. Ces évènements se sont intégrés à l’élaboration de mon propos. Mon projet de diplôme est lié à cet héritage émotionnel. Il se traduit dans sa forme par l’individualité des différents éléments qui constituent l’installation. L’identité sculpturale est accompagnée d’un texte dédié à chaque corps. Les stalagmites sont comme des héritiers qui marquent la naissance, mais aussi la fin d’un cycle. Le geste sur les plaques de PVC obtenu par le décapeur symbolise cette transition cyclique, et les différentes strates lisibles à travers la transparence du matériau offrent une lecture telle un carottage.
ARTS VISUELS
par Alexis Colin
"Je travaillais comme designer d’intérieur à New York, un matin John Allen m’appelle et me dit : - Je veux que tu designes le désert "
ARTS VISUELS
par Chloé Geinoz
« Pomme du diable ou navet du diable, on disait que quiconque arrachait une mandragore du sol devenait fou en entendant son cri. Pour éviter cela, on attachait un chien à la plante, puis on lui faisait peur pour qu’il détale et ainsi la déterre. Quand on l’arrache du sol, il faut la mettre aussitôt dans une fontaine, pendant un jour et une nuit : ainsi tout le mal et toutes les humeurs mauvaises qui sont en elle se trouvent évacués. » Hildegarde de Bingen
ARTS VISUELS
par Léna Gelsomino
Plexiglas, vinyle transparent, chaînes rouillées 1.5m x 2m Castle Luggage présente un assemblage de bijoux façonnés pour ces châteaux imaginaires. Tout comme je me maquille ou crée des accessoires pour mes performances, mes châteaux, qui contiennent des récits d’émerveillement et d’horreur, deviennent orateurs de leur propre histoire. Taillées sur mesure, ces parures créent un jeu et un dialogue entre les mythes et le sujet qui les conte. Ce long ornement se glisse sur une installation scénique transparente, de laquelle émergent les dessins de ces châteaux et de ces îlots oniriques, laissant ainsi parfaitement apparaître ce lieu d’expression autonome qui appelle à notre propre mémoire, à nos souvenirs singuliers, à notre imagination.
ARTS VISUELS
par Maria Esteves
"♫ Walk with me through my fanfare It’ll ease your mind Set you fine ♫"
ARTS VISUELS
par Oriane Emery
"Je m’intéresse aux projections physiques et mentales que génèrent notre esprit dans l’espace que nous partageons tout·x·es. Je crée des narrations au sein desquelles je peux m’ancrer. Mes peintures représentent des univers oniriques, des récits d’émancipation. Organiques et en constante gestation, je pense avant tout à créer des écosystèmes. Ma pratique est protéiforme. Je cherche à m’extraire du cadre, à souligner ses limites. Lié au public, mon travail explore notre relation à l’espace autant architectural que politique. Par le biais de la performance, j’installe un climat de tension avec les spectateur·x·ice·s. Je cherche autant à apaiser qu’à perturber… Je n’ai pas la réponse."
ARTS VISUELS
par Emily Orlet
L’arrière-plan de ma série est la frontière et l’espace qui s’en crée et qui construit un rapport de proximité et de distance. En même temps, je travaille avec des matériaux quotidiens et habituels.
ARTS VISUELS
par Soren Gunzinger
L’installation consiste en deux vidéos. La première est une animation située dans le projet qu’Adolf Loos avait pensé pour Joséphine Baker, avec une araignée espionne et critique. La seconde illumine un store par un court dialogue. Le travail est concerné par des questions de citation et de voyeurisme, également d’effets comiques et de retournements.
ARTS VISUELS
par Salomé Engel
« ‘Ne perdez pas votre temps à battre sur un mur, espérant le transformer en une porte.' Coco Chanel J’ajouterais seulement : 3 2 1 GO. »
ARTS VISUELS
par Hlynur Snær Andrason
Un petit jardin est présenté dans une valise rigide. L’automne dernier, trois conteneurs de terre fertile ont été creusés dans divers chantiers de construction autour de Lausanne. Cet été, les sites avaient changé, le conteneur contenait diverses plantes. A l’intérieur, il y avait une petite section transversale des plantes les plus communes de la région, un instantané du local. Ce sont les plantes que l’on classerait normalement dans la catégorie des mauvaises herbes. Pourtant, ces plantes avaient trouvé les conditions dont elles avaient besoin dans le conteneur. Elles ont été amenées à l’intérieur, replantées et préservées en utilisant les mêmes forces que les humains ont appris à apprivoiser : l’abri, la lumière et la nutrition. Qu’est-ce que vous attraperiez dans votre jardin?
CINEMA
avec Céline Bozon
Fortement attiré par le travail photographique de l’image cinématographique en documentaire, j’ai réalisé l’image du court métrage documentaire de diplôme d’Olivia Calcaterra.
CINEMA
avec Céline Bozon
Pour mon diplôme, j’ai signé l’image du court-métrage Les mouches de Beni, réalisé par Alice-Denyse Matthey.
CINEMA
avec Valentina Novati, Stéphane Demoustier
Une jeune aide-soignante fait travailler sa fantaisie pour affronter le deuil de sa mère et s'évader de l'EMS dans lequel elle travaille.
CINEMA
avec Emmanuel Bourdieu
Deux femmes redescendent du sommet d’une montagne, suite à une grande déception.
CINEMA
avec Julie Lupo
En tant que scripte, j’ai accompagné la réalisatrice du film de l’écriture jusqu’au tournage.
CINEMA
avec Valentina Novati, Stéphane Demoustier
Dans le désert du sud de l'Espagne un film destiné à rapprocher les émotions animales et humaines à travers le traumatisme de l'abandon.
CINEMA
avec Céline Bozon
Pour mon travail de fin d’étude, j’ai dû concevoir l’image d’un film de diplôme.
CINEMA
avec Valentina Novati, Stéphane Demoustier
Beni, une jeune femme atteinte de bipolarité, noue une amitié musicale avec Gégé, sa voisine de 65 ans.
CINEMA
avec Céline Bozon
Mon projet de diplôme consiste en l’accompagnement de la fabrication d’un court-métrage de fiction au poste de chef-opérateur.
DESIGN GRAPHIQUE
par Marine Dang
For the Times They Are a-Changin’ est une interprétation graphique de la pièce de théâtre PRLMNT écrite par Camille de Toledo en 2017. La fiction anticipative se décline en deux volets : le premier s’inscrit dans le système capitaliste, l’expansion sans limite et le pouvoir tandis que le second cherche la résilience et la reconnaissance des droits des non-humains. L’enjeu de cette édition est de faire dialoguer ces idéologies, de proposer une lecture parallèle des deux scriptes. Pour cela, j’ai expérimenté dans la matérialité de l’objet. Par des choix de formats, papiers et polices de caractères, j’oppose et mélange à la fois ces propos. Par l’image, je propose de nouveaux décors pour la pièce, entraînant le spectateur dans les ruines de son propre monde. www.marinedang.ch
DESIGN GRAPHIQUE
par Alexandre Brunisholz
La gorge, reflet du temps et de la puissance de la nature, est un témoin de la transformation terrestre. Au fil des millénaires, le passage de l’eau a peu à peu creusé une voie dans les profondeurs de la terre, pour en faire une ruine naturelle aux formes organiques et à l’atmosphère mystique. Ce projet se développe autour de l’érosion de la roche par l’eau au travers de l’étude d’une sélection de 12 gorges suisses. Un bijou en argent créé pour chacune des gorges a été remis à la nature, par le biais d’une machine accélérant le processus de détérioration par les éléments prélevés sur chacun des 12 sites. Erosio est un lookbook de cette collection de bijoux, documentant les lieux de recherche ainsi que le processus de travail développé.
DESIGN GRAPHIQUE
par Tania Praz
Le processus et espace de création comme univers musical, la base d’un projet analysant le mouvement de la Bedroom Music au travers différents médias et artistes. A l’aide de six musicien·ne·s, une analyse de la Bedroom Music a été effectuée. Ce projet présente un mouvement musical liant intimité et performance, DIY et professionnalisation ou encore solitude et partage. Ce travail a pour but de transmettre l’univers contrasté et complexe de ce mouvement. Le projet se divise en trois parties : une vidéo intimiste et honnête, un livre comme présentation du mouvement et une scénographie accueillant des performances live comme conclusion de la recherche. Ces trois médias se répondent dans une présentation commune ayant pour but de plonger le spectateur dans cet univers.
DESIGN GRAPHIQUE
par Morgane Cachin
Comment voir une image sans le sens de la vue ? Le projet Points de vue est un catalogue d’expositions photographiques adapté à des personnes en situation de cécité. Le catalogue se construit par différentes étapes descriptives des photographies ainsi que des agrandissements donnant accès aux détails des images. L’utilisation du braille et d’images en relief permettent aux personnes en situation de cécité de comprendre les photographies de l’exposition. Ce projet se veut être une expérience sensorielle pour les personnes voyantes comme non-voyantes. Des audioguides accompagnent les descriptions afin de permettre une inclusivité complète. Ce projet est une collaboration avec le festival Images Vevey, pour leur prochaine exposition Together – La vie ensemble qui aura lieu à l’Appartement.
DESIGN GRAPHIQUE
par Mara Wohlfahrt
Les algues représentent le passé, le présent et le futur de nos vies. Elles sont à l’origine de la vie sur terre et nous alimentent de 70% de notre oxygène. Elles sont capables de se transformer et ainsi remplacer la plupart des produits représentant une menace pour la survie de notre planète telle que les plastiques, tissus ou carburants. L’Atelier LUMA, laboratoire de design et de recherche basé à Arles, cherche à trouver des moyens d’ancrer l’algue comme matériau exploitable dans le domaine de la création. L’algue étant encore considérée comme insignifiante et parfois même repoussante, Algae in posterum souhaite, au travers d’une collaboration avec L’Atelier LUMA, communiquer cette dimension quasi alchimique de l’algue, se rapprochant du magique pour le futur du monde de la création.
DESIGN GRAPHIQUE
par Manon Vouga
Le concept de qualité de vie est utilisé pour mesurer le bien-être de la population. Il comporte neuf dimensions interdépendantes, relatives aux conditions de vie matérielles mais aussi à nos perceptions subjectives de celle-ci. Cette première édition imprimée met en lumière chacune de ces dimensions en les illustrant au travers de divers indicateurs¬ afin de fournir des informations et des points de comparaison entre chaque ville partenaire. Sous la forme de séries de données couvrant la plupart des aspects liés aux conditions de vie et mené sous la direction de l’étude City Statistics de l’Office fédéral de la statistique, ce projet vous invite à un voyage intangible au travers des villes de Bâle, Berne, Genève, Lausanne, Lucerne, Lugano, Saint-Gall, Winterthur et Zurich.
DESIGN GRAPHIQUE
par Fiona Valais
L’escapisme est une notion de plus en plus répandue de nos jours, se manifestant à travers des actes échappatoires faisant recours à divers mediums pour fuir une réalité souvent pesante et insurmontable. Ce projet nous plonge dans un monde génératif et surréaliste, ayant pour seul point de repère, Tomie. Les portraits, les mises en scène et nature morte, accompagnés de légendes se génèrent pour créer une narration et un univers absurde auquel les lecteur·rice·s donneront leur propre sens. Au travers de l’utilisation de scripts, les éditions sont générées permettant à chaque objet et à chaque histoire d’être unique.
DESIGN GRAPHIQUE
par Charlotte Viglino
FMXM (FemMeXs et Musique) est un label de musique ayant pour objectif de représenter les femme·x·s musiciennes de la scène Suisse romande. Le point de départ du projet a été le fait de se retrouver en mixité choisie et d’échanger sur diverses problématiques comme la légitimité, les stéréotypes, la sexualisation, la discrimination, le sexisme ou encore le manque de représentation. FMXM est une plateforme ayant pour but de dénoncer les problèmes liés au genre ainsi qu’une plateforme de promotion de la musique actuelle produite par des femme·x·s. FMXM prend la forme d’un site web incluant du contenu sonore et visuel original ainsi qu’une installation vidéo/son mettant en avant l’aspect dénonciateur du projet. FMXM navigue autour d’un sujet politique mais se veut immersif, intime et poétique.
DESIGN GRAPHIQUE
par Aurélien Uberti
Le projet Owning Language traite de la propriété du langage à travers deux chapitres : le premier, Bibliothèque Arc-en-Ciel facilite son apprentissage via un catalogue de chablons destiné aux professeurs de maternelle. Ils·elles peuvent ainsi dessiner des marelles orthographiques au sol à la craie. Le dispositif permet aux élèves d’apprendre à reconnaître les digrammes (combinaisons de lettres formant un son), tout en associant la lecture au mouvement, renforçant ainsi la mémorisation. Le deuxième chapitre bootleg(s) dépasse cette idée d’intégration des normes linguistiques, en donnant la possibilité de créer des milliers d’orthographes alternatives à partir des sons d’un mot. Les résultats ainsi obtenus questionnent les limites de la compréhension ainsi que la légitimité des normes.
DESIGN GRAPHIQUE
par Hugo Le Corre
Lisibilité et expressivité sont-ils deux termes incompatibles en typographie ? S’ancrant dans un contexte de digitalisation des supports de communication, Relativ est une police de caractères interrogeant la notion de distance dans la lecture. Associée à un algorithme d’intelligence artificielle, cette police variable s’adapte à travers un axe parcourant deux extrêmes ; de la lecture continue au titrage monumental, du micro au macro-typographique. Ce système privilégie ainsi de manière automatique lisibilité et expressivité compte tenu de la distance du lecteur. Dans un contexte où les écrans tendent à remplacer les supports imprimés, Relativ ouvre de nouvelles perspectives entre typographie, technologies adaptatives et communication digitale.
DESIGN GRAPHIQUE
par Samantha Trinkler
Nos vies sont devenues de plus en plus numérisées. L’étendue de notre activité en ligne se traduit par une empreinte numérique qui perdurera bien après notre passage. Malgré l’inquiétude croissante suscitée par les données que nous laissons derrière nous, peu de personnes planifient activement leur propre héritage numérique. Cependant, l’accès aux informations sur ce processus est difficilement atteignable, manque d’uniformité juridique et réduit souvent toute notre présence digitale à quelques étapes. Souvent, la loi contredit la plupart des termes et conditions. Ce projet questionne le manque de sensibilité accordé aux visages derrière ces profils à hériter et spécule sur les futurs processus d’héritage tout en fournissant un état des lieux contextuel, juridique et statistique.
DESIGN GRAPHIQUE
par Antonin Ricou
A l’image d’une fouille archéologique dont les traces émergeantes sont comprises par la comparaison et la classification, le projet Radical Culture se veut être le fruit d’un processus d’archéologie digitale. Issu d’une réflexion mêlant anthropologie et technologie contemporaine, ce projet questionne le besoin impérieux et intemporel de l’être humain de se représenter lui-même. De ce phénomène naît un besoin d’exhaustivité de la connaissance, un fantasme moderne entraînant la cristallisation de la culture humaine. Aujourd’hui, la plateforme Wikipédia, à tendance controversée, prône l’universalité et le libre accès par sa fonction open source et multilingue. Elle devient ainsi un outil pertinent pour raconter et décrypter la culture humaine ainsi que les acteur·rice·s de sa représentation.
DESIGN GRAPHIQUE
par Nina Treichler
여기 저기 어디 (Here There Where) est l’histoire d’une jeune femme suisso-américano-iranienne qui se retrouve difficilement dans son héritage culturel – dans une culture qui n’est pas la sienne. C’est une interprétation subjective des complexités de l’identité et de l’appartenance culturelle. C’est un dialogue entre le soi hérité et le soi choisi. C’est l’exploration d’une réalité construite, d’un état flou d’entre-deux, d’un espace absurde qui semble parfaitement familier et pourtant totalement étranger. C’est une danse entre Lausanne et Séoul, une poursuite sans fin entre here et there dans un mystérieux where. Ce sont les contingences du quotidien qui servent de scène à mes identités fragmentées. 여기 저기 어디 (Here There Where) est une ode à ceux qui existent sans attache précise malgré des racines riches et métissées.
DESIGN GRAPHIQUE
par Julie Pavia
Un canon de beauté est une norme qui définit la beauté idéale des êtres humains. Les goûts et les modes étant très changeants, les canons sont différents d’une époque à l’autre. Aujourd’hui, avec la facilité d’accès aux médias et aux réseaux sociaux, ils évoluent rapidement, voire en permanence. Ils varient d’un rafraichissement de page ou en un scroll sur Instagram donnant naissance à des micros-canons. Ce travail a pour but de comprendre ces micros-canons, les confronter et les désacraliser. A l’aide d’un questionnaire envoyé à des personnes de divers horizons, j’ai récolté leurs avis et trois types d’images d’eux-mêmes. Le projet prend la forme d’une édition. Le lectorat découvre les réponses au fil des pages ainsi que les images qui se confrontent sous la forme de collages chimériques.
DESIGN GRAPHIQUE
par Benjamin Huerta
Beyond Prism explore la dualité entre nature et technologie, l’unique et le multiple au travers de l’émotion, la sensibilité propre au profondément humain. Dans un contexte optimiste, la technologie serait-elle capable d’analyser les comportements humains jusqu’à pouvoir ressentir des émotions, être en mesure de comprendre ce qu’est la nature, mesurer ce qui n’est pas quantifiable ? Composé en quatre actes, ce court-métrage réalisé en CGI illustre les concepts de coexistence entre chacun des éléments constitutifs de notre monde, l’humain étant le prisme, le lien entre la nature et le monde digital. En référence aux écrits de Jacques Ellul, ce projet montre de manière symbolique comment la technicité du monde que nous construisons peut être utilisée de manière éthique et vertueuse
DESIGN GRAPHIQUE
par Anaelle Iglesias Carballo
In Order to Bloom est un projet documentaire retraçant l’histoire de quatre personnes dans leur parcours pour combattre les troubles du comportement alimentaire (TCA). Ces derniers étant souvent associés à de fausses croyances, le projet souhaite les déconstruire en donnant la parole aux personnes touchées. La retranscription des discussions recrée l’intimité de chaque rencontre. Des pages de citations viennent se glisser à travers le récit, les propos se mélangent jusqu’à nous immerger dans la tête d’une personne concernée par les TCA.
DESIGN GRAPHIQUE
par Raphaël Carruzzo
Remote est une typographie variable née de la volonté de recréer le lien entre le mouvement et la lettre. Inspirée du corps et de la notation chorégraphique, cette police de caractères a été pensée pour les supports numériques. Elle permet d’interagir sur le contenu graphique grâce au mouvement. Face à un corps animé, Remote interagit et transforme les formes typographiques en suivant les variations de mouvement. Passant aisément d’une typographie de texte à une typographie abstraite, cette police variable permet, grâce à une multitude d’instances possibles, de lier mouvement et compositions typographique.
DESIGN GRAPHIQUE
par Aurore Huberty
Latence est une édition qui retrace l’histoire de Chavalon, une centrale thermique située dans la commune de Vouvry, abandonnée depuis 1999. Cette recherche dresse un état des lieux de la réhabilitation des friches industrielles délaissés. Dans une perspective de permettre une réutilisation future des terrains et de corriger l’urbanisme local afin d’aboutir à un développement territorial durable. Une analyse typomorphologique dévoilant les problématiques de l’étalement urbain et des destructions des zones vertes qui a atteint ses limites en Suisse. L’objectif de ce travail est d’utiliser à la fois graphisme et langage allégorique comme outils de discussion pour éveiller les consciences et une invitation à nous questionner sur notre relation avec ces espaces.
DESIGN GRAPHIQUE
par Marion Marquet
Moving from Trisha propose, à l’image d’une police de caractères un répertoire de 10 signes chorégraphiques générés sur la base d’une adaptation de la pièce Glacial Decoy de Trisha Brown. Les mouvements de l’interprète servent d’appui aux dessins des caractères. La profondeur verticale des gestes définit l’épaisseur des traits. Ces signes dessinent la trajectoire d’une des mains des danseuses vue du dessus. Leurs pieds se situent physiquement au centre de chaque signe, libre d’être interprété selon une orientation voulue et par la main souhaitée. Le répertoire pouvant être constamment développé constitue une méthodologie. Un système de notation chorégraphique bidimensionnel et créé un lien applicable vers une interprétation tridimensionnelle performative.
DESIGN GRAPHIQUE
par Samuel Bregnard
L’électro n’est pas un style musical à proprement parler. Ce mot désigne l’ensemble des musiques produites de manière digitale. Souvent utilisée pour faciliter la compréhension lors des discussions, l’électro reste un terme de surface. Electro est un projet visant à répertorier et décomposer les sous-genres de la musique électronique à travers plusieurs chemins d’analyse. Le site offre une expérience sonore et permet de se familiariser avec cet univers, afin d’en comprendre les principes et les fondements.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Maddalena Casadei
Potential Objects est un projet sous forme de jeux vidéo/outil numérique en réalité virtuelle. Le jeu invite l’utilisateur·rice à un univers fictif dans lequel il peut se mouvoir et concevoir des objets à partir d’une bibliothèque d’éléments à imbriquer. Pour que le résultat des objets produits soit plus varié, ces éléments pourront être intégrés par d’autres utilisateur·rice·s.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Maddalena Casadei
Newo est un kit pour nouveau-nés fabriqué en laine suisse. Ce produit est inspiré du Finnish Baby Box, un kit subventionné par l’Etat qui vient en aide aux jeunes mères dans le besoin. A travers ce produit, le but est de revalorisé la laine suisse, en crise depuis plusieurs années après la perte de son principal client, l’armée suisse. Ce matériau a besoin d’une nouvelle demande régulière, qui pourrait être satisfaite en offrant Newo par l’Etat suisse.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Maddalena Casadei
Jabal est une collection de vestes de montagne sans plastique, réparables et recyclables. Elle se compose d’une veste et d’une doudoune. Les fermetures ont été repensées par un système de pli, sans fermeture éclair. Elles permettent aussi d’ajuster la largeur de la veste en fonction du nombre de couches portées. Jabal est entièrement composée de matériaux durables : coton tissé à haute densité, cordons cirés et fermoirs en aluminium. Les coutures sont thermo-soudées avec un adhésif naturel. La doudoune est remplie d’Asclepiade, une plante aussi légère que la plume, mais deux fois plus isolante. Sa production ne nécessite ni produits chimiques, ni arrosage. Les matériaux sont séparables afin d’en faciliter le recyclage. Des patches imprégnés de résine sont fournis pour réparer les accrocs.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Maddalena Casadei
Evoluant comme une parure ou comme des accessoires indépendants, le projet Résilience réunit les quatre éléments du bijou. L’essentiel de la recherche s’articule autour du fermoir, en valorisant un élément représentant le seul aspect fonctionnel du bijou. Cet attrait pour les éléments connecteurs résulte du travail qui m’a vu rallier les pratiques matérialisant mon quotidien : le design et la bijouterie. Ce récit d’alliages et de connexions, c’est aussi le récit physique de contrastes entre les propriétés froides et résistantes de l’acier qui le composent – lesquelles sont atténuées par les zones destinées à la préhension des bijoux et fabriquées en céramique techniques. Des contrastes visuels et sensoriels devenant ainsi les témoins d’interventions industrielles généralement étrangères à l’univers du bijou.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Maddalena Casadei
Mon projet de diplôme est un écouteur démontable, conçu pour accéder à tous les composants internes afin de pouvoir les remplacer et les désassembler pour les recycler. Il existe des centaines d’écouteurs dans le monde, de toutes les tailles et de tous les designs, mais ils ne sont pas réparables et, à la fin de leur vie, ils ne sont pas recyclés. Le design de ces écouteurs est directement lié au monde de la désassemblabilité afin que les consommateur·rice·s puissent changer les pièces si elles se cassent et ne pas avoir à acheter un nouveau produit. A la fin de la vie du produit, tous les matériaux peuvent être recyclés grâce à la facilité de démontage. Ces considérations, qui sont le résultat de décisions prises lors de la conception du produit, justifient mon approche du design.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Maddalena Casadei
Chaque jour, 1800 radiosondes sont envoyées dans l’atmosphère afin de collecter des données et d’établir des prévisions météorologiques. Mais seulement 20% des instruments sont récupérés à travers le monde. R2Home est une solution développée par Yohan Hadjil, étudiant à l’EPFL pour contrer ce problème. C’est un robot parapente entièrement autonome qui se dirige vers un point d’atterrissage précis. Plus d'informations sur www.r2ho.me. Mon projet est une coque pour protéger ce mécanisme. J’ai donc utilisé des matériaux recyclables tels que le polypropylène expansé qui protège le système du froid, de la pluie et des chutes. La coque est composée de deux parties qui s’assemblent grâce à des pièces en PET. Design intuitif, pièces facilement remplaçables, écologiques car réutilisables, R2Home est la nouvelle génération de radiosondes.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Maddalena Casadei
Lors d’une visite d’observation au CHUV, j’ai remarqué qu’il n’y avait pas de vaisselle spécifique pour les petits enfants. Les parents doivent le plus souvent apporter leurs propres verres ou couverts. C’est pourquoi j’ai créé Yum, un ensemble d’accessoires de vaisselle destinés au repas de l’enfant hospitalisé. L’ensemble en silicone comprend un rebord d’assiette pour les enfants ne pouvant utiliser qu’un seul bras, un support pour les pots en verre, ainsi que des manches à glisser sur les couverts et qui permettent d’améliorer la prise en main par l’enfant. Avec Yum, l’enfant est plus autonome et le repas devient plus ludique grâce aux couleurs et aux formes. Il devient un moment de convivialité avec les manches de couverts qui deviennent des compagnons de repas !
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Maddalena Casadei
Eventa est un agenda adapté, indispensable à une personne âgée atteinte de troubles cognitifs, de la mémoire en particulier. Cet objet lui permet de rester autonome à la maison en toute sérénité. Sur la tablette de son choix, la personne âgée utilise une application digitale qui lui permet de contacter ses proches par SMS ou appels, et lui offre un agenda avec rappels sonores de ses événements quotidiens. Le clavier simplifié et adapté aux troubles de mémoire est intégré dans la coque de la tablette. Il permet une navigation dans l’application, de façon directe et non tactile. Le dispositif évolue en fonction de l’aggravation de la maladie. De plus les soignant·e·s et les proches peuvent interagir facilement avec Eventa par SMS ou en rajoutant des évènements pour un suivi constant du proche.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Maddalena Casadei
Deky est un habit avec une sensation de plaid pour les personnes âgées ayant souvent froid. Sa forme ample et enveloppante permet aux ainé·e·s de se retrouver au chaud et de s’habiller sans effort à l’aide de velcro et de codes couleurs. Il est également idéal pour les ainé·e·s ne pouvant que faiblement bouger : les aides-soignant·e·s peuvent défaire les boutons arrière pour habiller la personne facilement. L’arrière plus court que l’avant, permet de porter Deky en position assise sans contrecoup et sans déranger les actions journalières. Le matelassage est composé d’une mousse polyester légère et chaude recouverte d’une gabardine douce et souple. Deky est un compagnon de tous les jours pour faciliter le quotidien de la personne en se réchauffant et en créant un sentiment de sécurité et de confort.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Maddalena Casadei, Stephane Halmai-Voisard
Chaque année, plus de 30 millions de matelas sont jetés en Europe. Malgré la mise en place de centre de démantèlement, seulement la moitié de ces matelas est recyclée. Ceux dont les matériaux n’ont pu être séparés finissent à l’incinération. L’usage excessif de colle et le mélange des différentes matières en sont la cause. Matalàs propose une alternative à cette problématique en prenant en compte son recyclage dès sa conception. Conçu en trois parties, il facilite l’extraction de la laine et des ressorts le composant. Il s’inscrit ainsi dans une économie circulaire.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Maddalena Casadei
Brise est une chaise lounge en bois et en tissu perforé permettant une meilleure circulation de l’air. De nos jours, les canicules sont des phénomènes de plus en plus fréquents. Les premières personnes qui en souffrent sont les personnes âgées pour qui il est plus dur de réguler leur chaleur corporelle. Puisqu’elles passent la majorité de leurs journées assises, j’ai décidé de retravailler leur fauteuil en mettant l’accent sur le rafraîchissement. En remplaçant la mousse et les différentes couches traditionnelles par du tissu perforé, je diminue le contact de la matière avec la peau. Ainsi, l’air peut circuler et garantir plus de fraîcheur.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Maddalena Casadei
Les objets sont fabriqués avec des pneus recyclés – ce matériau est généralement brûlé et non réutilisé car on ne sait pas comment le réutiliser. Il permet de protéger le vélo et le mobilier existant. En été, de nombreuses personnes utilisent un vélo et l’espace devient rapidement saturé. LL Rack est un système alternatif. Il permet de créer des emplacements pour vélos sur le mobilier urbain, comme les poteaux ou les lampadaires. Cette série de trois objets peut être utilisée sur des diamètres plus ou moins grands. Les pneus sont glissés comme une chaussette sur une pièce en acier inoxydable pour rendre difficile le vol des vélos.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Maddalena Casadei
Plusieurs problèmes m’ont été rapportés par des vendeur·euse·s sur les marchés : il y a trop de pièces différentes, le temps d’installation est trop long, le stand est souvent trop coûteux, le transport n’est pas pratique et parfois, les parasols s’envolent et se gorgent d’eau. OneStall est un stand de marché. Facilement montable et démontable, il comprend un toit en textile et des plateaux pour présenter sa marchandise. Tout-en-un, sa structure est légère grâce aux profilés en aluminium qui se manchonnent et se vissent. Afin de ne pas les égarer, les vis sont maintenues par des circlips. Le stand peut être mis à niveau sur un sol en pente au moyen de pieds réglables. Enfin, le textile perlé protège les vendeur·euse·s, la marchandise et les consommateur·rice·s du soleil et de la pluie.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Maddalena Casadei
Durant mon Bachelor en microtechnique, ma curiosité pour la technicité de la production a été affutée, en particulier pour l’élasticité des différents matériaux. Lari est issu d’une recherche sur les mécanismes flexibles, c’est-à-dire des mécanismes qui utilisent cette élasticité pour effectuer un mouvement, réduisant ainsi le nombre de pièces, simplifiant la production et facilitant le recyclage. Cette balance de cuisine, entièrement réalisée en plastique, est composée de deux pièces. L’élément pesé est disposé sur le plateau qui est relié à la base par deux lames flexibles parallèles. Ceci permet au plateau de rester à niveau. L’autre pièce est à la fois un indicateur flexible actionné par le mouvement du plateau, et permet l’étalonnage à zéro par son coulissement dans la base.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Maddalena Casadei
Nous connaissons toutes et tous le fléau des déchets plastiques dans nos océans, mais saviez-vous qu’il y en a davantage dans nos sols ? C’est ce que dévoile le dernier rapport de la FAO (Food and Agriculture Organisation of the United Nations). En effet, avec ses pots, ses filets, et ses divers films, le plastique est omniprésent dans le secteur de l’agroalimentaire et nos terres agricoles sont polluées par les microparticules. Line est une alternative réutilisable et 100% naturelle aux films et toiles de paillage plastique. Faite de lin huilé à l’huile de lin, elle est très résistante et ne libère aucune microparticule chimique dans le sol. Ses systèmes de bandes tissées ou repliables lui offrent une grande souplesse d’utilisation pour diverses sortes de plantations avec des espacements variables.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Maddalena Casadei
Cette douche publique, située sur les plages, utilise de l’eau désalinisée, directement pompée depuis la mer. Le système de dessalement, alimenté par énergie solaire, produit 60L d’eau claire par heure. L’assise abrite un caisson métallique qui protège l’ensemble des composants. Une fois dessalée, l’eau est stockée dans un réservoir de 1000L. Une pression sur le robinet enclenche un écoulement de 10 secondes. La volonté de ce projet est de populariser le principe de dessalement en l’introduisant dans notre quotidien. L’exposition des éléments permet de communiquer son fonctionnement au public.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Maddalena Casadei
Sileo est un projet de social design, basé sur le principe de housing first qui a pour but de donner un toit à une personne sans abri pour qu’elle puisse se réintégrer à la société. Partant d’une base de cabane sur châssis existante, le challenge fut d’aménager l’intérieur de 10m2 pour que le lieu soit agréable à vivre et à moindre coût. Le projet rassemble quatre cabanes individuelles contenant un lit avec rangements, un dressing, un miroir, un bureau amovible, une chaise et des étagères. Tous ces éléments ont été designés en bois d’épicéa suisse et sont disposés dans la cabane de manière à prendre le moins d’espace possible. Deux autres cabanes servent pour l’une de cuisine commune et pour l’autre de sanitaires communs. Ce lieu serait encadré par une association genevoise d’aide aux SDF.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Maddalena Casadei
Il nous est arrivé à toutes et tous un jour d’aller un rendez-vous dans un café, une terrasse, et de réaliser que la table à laquelle on est assis est bancale où penchée. Parfois le problème se règle facilement en la déplaçant, mais parfois il faut s’armer de patience, au risque de gâcher le rendez-vous. C’est dans le but de résoudre ce problème que j’ai créé Zénith : une table de café qui a la particularité de pouvoir orienter son pied à la pente grâce à une rotule afin que le plateau reste parfaitement horizontal. Ce problème se réglant en un clic, permet à Zénith de se faire oublier et ainsi de profiter de l’instant présent.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Maddalena Casadei
L’acoustique a une grande influence sur notre bien-être. Les restaurants doivent souvent prendre des mesures pour l’améliorer. Noe est une table qui remplit cette fonction. Grâce à sa structure, elle absorbe le son. Elle est construite à la manière d’un bateau pour créer un espace vide dans le plateau. L’effet Helmholtz joue un rôle dans l’absorption : le son pénètre par les ouvertures, résonne dans l’espace vide et se transforme en chaleur. Il n’est donc pas nécessaire d’ajouter des matériaux poreux tels que des mousses et la table reste hygiénique. Elle est entièrement en bois, avec un plateau en contreplaqué et des fines lamelles en dessous. Grâce à cette construction, la table reste légère physiquement – mais aussi visuellement – et s’intègre donc bien dans différents restaurants.
DESIGN INDUSTRIEL
avec Stephane Halmai-Voisard, Maddalena Casadei
MBK est un bookshop mobile qui se déplace pour promouvoir et vendre des livres facilement. Ce bookshop peut être utilisé pour un événement temporaire à l’intérieur ou en extérieur tel qu’un salon du livre, une exposition, ou une design week. Sa structure compacte, sur roulettes, permet de le transporter et de le déplacer facilement. MBK est composé d’un présentoir pour les livres qui se déploie sur l’un des côtés et de l’autre une assise qui se déploie aussi afin de les consulter. Au centre de la structure sont placés des tiroirs qui permettent de stocker les livres. Un parasol peut être intégré au centre pour être abrité du soleil.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
avec Alain Bellet, Christophe Guignard, Gaël Hugo, Laura Nieder, Pauline Saglio
Aujourd’hui, pour beaucoup, les souvenirs qui demeurent ne sont plus que ceux d’images prises par des appareils numériques. Par ces récents stockage, nous nous délestons de ces instants par confiance en ces sauvegardes instantanées. MEMOGRAM remet en question cette délégation en proposant une capsule temporelle sous la forme de tickets, accompagnant nos souvenirs d’indices et descriptions textuelles. www.memogram.ch
MEDIA & INTERACTION DESIGN
avec Alain Bellet, Christophe Guignard, Gaël Hugo, Laura Nieder, Pauline Saglio
Dans un environnement où la frontière entre digital et tangible se fait de plus en plus fine, exister dans des espaces immatériels implique le façonnement et l’entretien d’un avatar souvent créé à son image. Habiter dans ces mondes en fusion conduit inévitablement à tisser un lien plus ou moins fort avec ses propres représentations numériques. C’est notamment le cas de mon avatar, avec qui je partage plus qu’un style vestimentaire bien défini. Dans Mirror Me-rror, elle et moi ne faisons qu’une. En utilisant mes données physiques et numériques pour influencer les capacités de mon alter ego, nous nous retrouvons alors constamment connectées. Avec ce projet, je questionne la relation que chacun entretient avec ses identités numériques et propose une perspective gamifiée de sa propre vie.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
avec Alain Bellet, Christophe Guignard, Gaël Hugo, Laura Nieder, Pauline Saglio
Le système de conversation en miroir des messageries instantanées sous-entend la disponibilité présumée de l’interlocuteur·rice. Pourtant, dans l’attente d’une réponse, certaines questions deviennent récurrentes : « Alex est en ligne, pourquoi ne me répond-il·elle pas ? Que fait-il ? » Latent* est une application de chat permettant de converser avec ses ami·e·s en développant le contexte de la discussion et ce qui n’y est pas dit. A la manière du théâtre, elle nourrit la conversation en ajoutant des didascalies générées en fonction des données récoltées (temps de réponse, localisation). En mettant en avant les non-dits d’un échange, le mode de lecture généré enrichit la discussion, crée une tension poétique, et permet aux interlocuteur·rice·s de devenir les personnages de leur propre pièce. www.melaniefontaine.ch
MEDIA & INTERACTION DESIGN
avec Alain Bellet, Christophe Guignard, Gaël Hugo, Laura Nieder, Pauline Saglio
Comment un·e artiste/designer pourrait partager et enrichir sa pratique dans un contexte où la visioconférence devient l’un des supports privilégiés de diffusion de contenu. Sous la forme de mini-conférence web, Public Lectures consiste à présenter succinctement le travail de personnes actives dans le domaine de la culture à travers un contenu audiovisuel. Encourageant l’interaction, par le biais de commentaires et d’échanges de contenu, Public Lectures cherche à effacer les frontières habituelles entre présentateur·rice et spectateur·rice. Une horizontalité née ainsi au sein de la plateforme, invitant chacun·e à apporter sa contribution afin de faire émerger des formes novatrices de dialogues, tentant de relever les défis de ce nouveau contexte de communication.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
avec Alain Bellet, Christophe Guignard, Gaël Hugo, Laura Nieder, Pauline Saglio
Digital DNA est une plateforme de visualisation 3D présentant une analyse du contenu qui m’est proposé sur Instagram. L’interface met en regard la dualité existante entre ma perception et celle de l’algorithme. Il en résulte un espace virtuel représentant un génome digital que le visiteur est invité à explorer. Il y découvre alors les subtilités de la rencontre entre la perspective humaine et algorithmique. En me penchant sur ces systèmes « intelligents », je me suis aperçue que leur capacité d’analyse n’est pas sans poser problèmes. En effet, certaines catégories m’étant attribuées s’avèrent être surprenantes : elles ne correspondent pas aux visuels présentés. Ainsi, Digital DNA met en avant l’écart créé par cette non-correspondance entre « catégories » et « visuels » proposés. Essayer l'expérience
MEDIA & INTERACTION DESIGN
avec Alain Bellet, Christophe Guignard, Gaël Hugo, Laura Nieder, Pauline Saglio
Spectacle·s Museum s’intéresse à la photographie des spectateur·rice·s au sein de l’espace muséal. Au travers d’un atlas web, ce projet dresse une série de portraits autour d’un des musées les plus photographiés : le Louvre. En reprenant des images publiées sur Instagram, mon projet classifie et regroupe celles-ci selon leurs spécificités formelles et spatiales. Au travers de Spectacle·s Museum, j’aborde le thème de la mise en scène de soi, en particulier dans l’espace muséal.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
avec Alain Bellet, Christophe Guignard, Gaël Hugo, Laura Nieder, Pauline Saglio
Phone Archaeology est une installation interactive retraçant l’évolution des téléphones mobiles au travers de ma propre expérience. Le projet permet d’y découvrir une vie privée digitalisée, spéculée et récupérée, telles les traces d’un passé. Cette mémoire gravée dans le silicium qui tend à être obsolète est le récit de souvenirs laissés derrière nous, à chaque changement de téléphone. La recherche autour de Phone Archaeology met en lumière une réflexion sur nos données. La question de la récupération est intrinsèquement liée à l’archivage numérique et l’obsolescence programmée. Alors que l’abstraction d’un fichier numérique peut sembler intemporelle, le danger imminent de perdre encore plus de souvenirs nous oblige à réfléchir sur notre façon de les archiver. phonearchaeology.com
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avec Alain Bellet, Christophe Guignard, Gaël Hugo, Laura Nieder, Pauline Saglio
The Last Forest propose une forêt, accessible par navigateur, contenant des informations spatialisées sur l’effondrement en général. Les internautes sont invité·e·s à s’y promener, et ils·elles y trouvent des messages de la communauté reddit r/collapse sous forme d’arbres. Catégorisation et index permettent une navigation structurée des informations contenues dans les arbres. The Last Forest a pour but de sensibiliser au changement climatique et à son potentiel de mettre fin à la civilisation mondialisée et consumériste telle que nous la connaissons.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
avec Alain Bellet, Christophe Guignard, Gaël Hugo, Laura Nieder, Pauline Saglio
« Mon projet cherche à démystifier la synthèse FM, ainsi qu’à proposer une approche nouvelle de sa programmation. Après une analyse de différents synthétiseurs FM et de leur interface, deux problèmes majeurs ont été identifiés : - la difficulté de comprendre leur fonctionnement - la complexité de l’exploration sonore Mon projet propose deux objets pour remédier à ces problèmes. Un guide, utilisant les textes de FM Theory & Applications, permet à l’utilisateur·rice de comprendre la synthèse FM de manière théorique. Ce livre est accompagné d’un synthétiseur qui permet d’explorer les bases la synthèse de manière pratique grâce à une interface proposant tous les contrôles sans menu diving. Ces deux objets nous offrent une recette idéale pour initier tout un chacun à la musique électronique. »
MEDIA & INTERACTION DESIGN
avec Alain Bellet, Christophe Guignard, Gaël Hugo, Laura Nieder, Pauline Saglio
Per Aspera Ad Astra est un web-documentaire retraçant l’histoire de cinq femmes astronomes ayant été en charge de découvrir, calculer, classifier et cartographier le cosmos entre 1879 et 1979. Ce projet entend réhabiliter l’importante contribution des femmes dans le développement des technosciences. Avant que le mot computer ne désigne une machine, il décrivait les femmes qui effectuaient calculs et observations astronomiques à la main. Les « ordinatrices de Harvard » ont grandement contribué à la science en découvrant nombre de galaxies et en établissant le système de classification stellaire encore utilisé de nos jours. Aujourd’hui pourtant, nous ne parlons que très peu de ces cinq femmes ; leur travail reste méconnu et leurs découvertes ont souvent été attribuées aux hommes qui les employaient. per-aspera-ad-astra.vercel.app
MEDIA & INTERACTION DESIGN
avec Alain Bellet, Christophe Guignard, Gaël Hugo, Laura Nieder, Pauline Saglio
Twist s’inscrit dans le contexte de la prochaine exposition du mudac - Musée cantonal de design et d’arts appliqués contemporains, consacrée au design de produit. L’objectif de ce projet est de susciter la curiosité du jeune public envers le design, alors même que l’idée de visiter un musée est souvent, pour lui, synonyme d’ennui et d’interdits. Comment encourager une découverte stimulante des objets exposés ? En s’emparant d’un objet de l’exposition, la chaise Bold, du studio Big-Game, ce projet transforme cette dernière en installation interactive. Guidés par un personnage à l’écran, les enfants sont invités à interagir avec certaines parties de la chaise : s’asseoir, pincer, tourner, etc. Ces interactions déclenchent des jeux et informations présentées de manière ludique, les sensibilisant au design.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
avec Alain Bellet, Christophe Guignard, Gaël Hugo, Laura Nieder, Pauline Saglio
Alter met à disposition de son utilisateur une plateforme permettant de prendre le contrôle d’un alter-ego, dont l’identité virtuelle est basée sur des archétypes observés sur Instagram. L’intention première du projet est d’explorer la possibilité que les réseaux sociaux offrent de vivre des expériences qui ne sont pas les nôtres. Ainsi, Alter met en lumière les profils types qui ont été instaurés sur Instagram au fil des ans. Ces différents archétypes incorporent diverses façons de se montrer, de se mettre en scène ou de communiquer. Ces archétypes influencent malgré nous, notre façon d’utiliser certains réseaux. Le projet se regroupe en deux parties distinctes. D’un côté, l’observation et l’étude de ces différents archétypes, de l’autre, leur utilisation dans une web-app.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
avec Alain Bellet, Christophe Guignard, Gaël Hugo, Laura Nieder, Pauline Saglio
A l’heure où la musique n’a jamais été aussi accessible, peu importe l’endroit, comment compose-t-on un album interactif et évolutif qui tiendrait compte de son environnement? Dans une ode à la déambulation dans Lausanne, l’auditeur·rice découvre un orchestre polyphonique en parcourant les lieux phares de la ville. Le téléphone devient outil d’une composition où différentes couches sonores se révèlent lors de la marche, rendant les musiques non plus soumises à une durée préétablie, mais au rythme de la découverte des lieux. Par sa géolocalisation, l’auditeur·rice-compositeur·rice enclenche de nouvelles pistes musicales au fur et à mesure de son avancée. Une écoute plus organique se fait jour, où boussole et sons binauraux révèlent la matière abstraite et numérique qui flotte autour de nous.
PHOTOGRAPHIE
par Lisa Mazenauer
Quels liens se tissent entre les désirs incarnés et les spirales des mines à ciel ouvert ? Copper Tales est une installation qui aborde l’opération minière par les corps sensibles qui y sont impliqués. Basé sur le site des mines de Rio Tinto (Espagne) traversé par un fleuve acide, le projet met en relation différent·e·x·s acteur·ice·x·s participant à l’extraction de matières premières. Les traces – archéologiques, géologiques, humaines, bactériennes – marquées sur les sols se projettent ensemble dans un récit à venir.
PHOTOGRAPHIE
avec RVB Books/Matthieu Charon & Rémi Faucheux
« Mon travail porte sur la construction de la ville et aborde ma propre position critique au sein du vaste tissu social produit par la ville. Inspiré par le « smooth space » de Deleuze et Guattari – qui signifie ouverture, fluidité, multi-dimensionnalité – ce travail analyse et relie les processus d’urbanisation dans différentes villes d’Europe occidentale. Des fragments de bâtiments préfabriqués, d’immeubles de bureaux et de rues s’agrègent de manière chaotique. En déformant davantage leur aspect à travers l’appareil photographique, leur chaos est accentué, générant ainsi une atmosphère de doute. Le collage en post-production pousse la distorsion jusqu’à créer une énigme entre illusion optique et réalité construite.»
PHOTOGRAPHIE
par Basil Pérot
Ce court-métrage cherche à exprimer cette incapacité à faire corps avec la réalité lors d’évènements traumatiques. Pour parvenir à cette osmose, on cherche alors à observer, à ressentir, à écouter aussi intensément que l’on peut. C’est ainsi que le personnage de Pola tente de s’agripper au réel, sombrant malgré tout lentement dans une folie entre crise identitaire et paranoïa. Le projet se place en tant que retranscription du point de vue de Pola et des sensations qu’elle éprouve. Un livre compilera les pensées qu’elle écrit au long du film dans un élan de lucidité au travers duquel elle tente elle-même de se convaincre que ce qu’elle vit est bien réel.
PHOTOGRAPHIE
par Florian Hilt
« New Order génère une série de rencontres et d’interactions entre des éléments distants par le biais d’approches multiples dans les domaines visuel, numérique et installatif. Par ces échanges, je donne accès à ma nature secrète : à mes pulsions, mes peurs, mes rêves. En les explorant comme des espaces infinis aux multiples niveaux d’information, passé, présent, futur se mélangent pour révéler de nouveaux assemblages. Ma collection est constituée de fragments contrastés : archives web et images de smartphones, artefacts aux allures anciennes et jeux vidéo. L’installation agit comme un autoportrait chaotique et permet au spectateur d’emprunter son propre chemin pour se questionner. En reliant les éléments qui la composent, chaque expérience sera la résultante d’un nouvel ordre.» - Florian Hilt
PHOTOGRAPHIE
par Julie Corday
« Il s’agit d’un trauma physique et psychologique qui a eu lieu dans mon enfance. A 9 ans, une pierre de la taille d’une mandarine a percuté mon œil gauche. Aujourd’hui je cherche par la photographie à reconnecter la femme que je suis et la petite fille qui a failli perdre la vue il y a 20 ans. Plusieurs interventions chirurgicales et une perte importante de la vision feront naître des peurs et des angoisses entre aveuglement et défiguration. En tissant des liens entre mon histoire personnelle, des images mentales et la perception du monde qui m’entoure, je propose un récit composé de mes mots d’enfant et de métaphores visuelles pour raconter cet accident.» - Julie Corday
PHOTOGRAPHIE
par Angèle Marignac-Serra
« Au moment où tout se régénère, je déambule sur l’île de mes ancêtres. Ce livre capture la rencontre avec les âmes de ce lieu et l’invisible. Je me confronte à un monde géologique rude et confidentiel. Plus aucun membre de ma famille proche n’y réside. Les différents protagonistes constituent des indices, des traces arborant les trois règnes du vivant. Ils deviennent mon clan. Je deviens une archéologue de ce territoire. Animée par les croyances ancestrales vernaculaires, les paysages s’anthropomorphisent. C’est un hommage à la nature secrète, à l’imperceptible, à la recherche d’un visage dans la pierre, les arbres, le ciel. Je laisse place à mon imaginaire et fantasme des ruines modernes telles des signes posthumes. La frontière avec la mort devient de plus en plus tangible.»
PHOTOGRAPHIE
par Ludivine Keller
« Girovago sulla risacca cercandoti est le récit d’une errance onirique vécue suite à la perte d’un proche. Ce projet regroupe plusieurs symboles devenus pour moi obsessionnels au cours de ces dernières années, qui évoluent par des allers-retours, comme un ressac émotif. Il découle de plusieurs périples effectués en Italie, moments en suspension et apnées salvatrices. L’eau sert ici de pont temporel aux projections fabriquées par l’absence et une creatura-musa nous guide dans ce monde des songes. L’édition traduit les sensations ambivalentes et fluctuantes de cette errance, alors que les sculptures-collages mettent en tension ce désir de recréer des amalgames pour combler un manque.»
PHOTOGRAPHIE
par Yolane Rais
« Nagual est le mot utilisé par les chamans pour définir le monde de l’invisible. Ce projet est présenté sous la forme d’une installation sensorielle dans un univers mystérieux et spirituel. Une exploration à la frontière entre le monde du vivant et celui de l’invisible, une tentative de matérialiser l’immatériel qui tente de montrer d’autres formes de corps. Ce projet s’articule sur le sacré et les croyances à travers l’expérience d’un autre type de réalité. C’est un travail introspectif où je retranscris mes visions vécues lors de différents voyages faits en présence de chamanes. Avec les différents éléments que je présente, je veux remettre en avant notre lien à la nature, au vivant, le but étant de montrer une autre vision, une autre relation possible à la perception de notre monde.»
PHOTOGRAPHIE
par Marvin Merkel
« Kuh Vache Mucca est une installation à travers laquelle je questionne ma relation à l’identité nationale suisse. N’ayant ni le passeport, ni famille ou racine en Suisse je me suis depuis toujours identifié comme un ressortissant suisse. Les images et sculptures qui constituent ce projet témoignent de mes tentatives de réconciliation avec la patrie et l’identité qu’elle projette. Ces tentatives maladroites, voire ratées, proposent une nouvelle approche de l’identité nationale. Leur facture rend comiques et absurdes les traditions, coutumes, figures et monuments que chaque citoyen·ne·e a appris à encenser et remet ainsi en cause leur existence. Est-il aujourd’hui encore nécessaire et légitime d’entretenir l’identité nationale d’un pays ?»
PHOTOGRAPHIE
par Samara Krähenbühl
« Au moment charnière du passage à l’âge adulte, l’enfance et ses souvenirs refont surface plus que jamais. Par le biais d’un court-métrage à la limite de la vidéo d’art, je me questionne sur comment surmonter ses traumas et se réapproprier son vécu et ses zones d’ombre. De par son caractère onirique, le film prend une teinte surréaliste. Entre métaphores visuelles et imagerie mentale, j’exorcise un épisode intime et douloureux de mon enfance.»
ARTS VISUELS
par Peilian Li
Je me suis endormie avec l’impression que je venais d’avoir un accident de voiture contre un mirage. Le lendemain, alors que je quittais ma maison pour aller à l’école, les buissons du jardin étaient taillés par les jardiniers, les plis de ma jupe plissée étaient soigneusement repassés, le soleil s’était levé sur les collines de l’Est, les feux de signalisation dédiés structuraient les routes, le petit bébé était nourri, et le propriétaire de la maison du dessert avait sorti les premières tartes aux œufs fraîchement cuites au petit matin, Il n’y avait aucun signe d’agonies abyssales ou de perplexités laissées dans la perspicacité.
ARTS VISUELS
par Sunna Margrét Þórisdóttir
Five Songs for Swimming est un projet d’installation en trois parties : disque vinyle, livre et performance. Le vinyle se compose de cinq chansons inspirées par Unnur Ágústsdóttir, une championne de natation des années 40 qui a grandi sur une île isolée de l’Atlantique. Le livre, intitulé An Insufficient Guide to Writing a Lullaby, parle de musique et des chansons de l’album, de berceuses et de rêves éveillés. Un rideau de velours brillant marque l’espace où la performance a lieu.
ARTS VISUELS
par Filippo Bisagni
L’installation Un jardin d’Egypte met en relation deux sujets opposés sur le plan du contenu et du message, mais qui ont des aspects similaires au niveau de leur composition figurative : Un Jardin d’Hiver de Marcel Broodthaers (1974) et la dénommée Salle égyptienne de la Villa San Martino, résidence d’été de Napoléon Ier pendant son exil à l’Ile d’Elbe. Leur point commun consiste en un petit groupe d’éléments végétaux disposés en cercle. L’installation de Broodthaers expose des plantes de palmier qui représentent une réflexion critique sur le colonialisme. La salle de la Villa San Martino expose des plantes de papyrus qui représentent un message nostalgique et apologétique faisant référence à la Campagne d’Egypte. Papyrus ou palmiers Qu’on sème Qui naissent Un jardin d’Egypte ?
ARTS VISUELS
par Christian Schulz
test test test test test test processus de réactivation du corps émotionnel tu m’entends maintenant dans le langage et la mort alors que nous arrivons à la fin de la diffusion réduite à une fonction opératoire ma transmission d’adieu la recherche dans les protocoles n’importe qui dans le son de ma voix procédures de reconnaissance vocale cinquante mille watts de puissance l’excès de sensualité qui explose dans les circuits ce microphone transforme le son en électricité de la communication sociale et des ouvertures jeu infini d’interprétation désir tu m’entends maintenant transition glissante infinie le dernier watt quitte l’émetteur désert de sens Une désensualisation du langage
ARTS VISUELS
par Mayara Yamada
That Night Marara Kelly Played in My Town est une apparition visuelle périphérique à la série de performances Marara Kelly Art Show dans laquelle Mayara Yamada est en train de créer une auto-mythologie où elle cherche Marara Kelly, son entité personnelle de la fête, l’entité gardienne de ses rêves d’enfance dans une soirée divisée en cinq chapitres. Le projet présente une série de photographies qui commencent en Amazonie brésilienne et finissent vers le Lac Léman. Aussi bien qu’une banderole typique en Amazonie brésilienne, qu’ici annonce une fête d’autre monde, le monde où transite Marara est magique, il désorganise la réalité établie. Là-bas, on pourrait imaginer une soirée où l’entrée s’est faite lors de la plongée dans le fleuve et l’after commence à l’émersion au Lac Léman.
ARTS VISUELS
par Luca Frati
Prayer Is Whatever You Say on Your Knees est une performance qui, à travers la fiction, met en scène le désir d’être une popstar. La célébrité et la gloire sont pris comme une métaphore de la liberté créative, et aussi comme une réflexion sur la richesse. L’œuvre réfléchit au désir par le biais de la prière, une action qui implique la foi. La foi est entendue ici comme une confiance profonde en sa propre capacité, la capacité de se façonner dans la forme désirée. Une forme qui, dans ce cas, est influencée par des modèles hyper féminins, mais vue d’une perspective non conforme au genre, ce qui place mon corps dans la tension de l’identification du genre. Le cadre de la performance implique l’utilisation d’une sculpture dont le rôle est de donner un sentiment d’intimité aux spectateur·rice·s.
ARTS VISUELS
par Valentina Parati
Le lieu devient le temps L’espace devient le mien D’une part, nous avons le réel, une délicate analyse du lieu de l’observation, un lieu de rencontre pour les passionné·e·s, mais aussi pour les enfants qui ont le plaisir de rêver et de regarder l’avion ; d’autre part, nous avons une partie magique, transformatrice : un aéroport qui s’anime et produit de la musique avec l’absence de personnes. En combinant ces deux caractéristiques, j’ai décidé de transformer le lieu de l’aéroport, non plus en un lieu d’observation et d’attente, mais d’écoute, un lieu pour apprécier les répétitions. Spotter est une invitation à écouter avec les yeux et à regarder avec les oreilles.
ARTS VISUELS
par Benjamin Fanni
Cette installation regroupe deux types de projets. D’un côté une série de sculptures hybrides qui mettent en scène des corps spectraux dans un contexte de bord de mer crépusculaire. Elles puisent une partie de leur vocabulaire dans le monothéisme abrahamique — icône, suaire, chasuble, hidjab — et la tradition de la peinture abstraite. A travers ce travail, j’ai cherché à rejouer les motifs qui distinguent les cultures iconoclastes et iconophiles. Abstraction et figuration se débattent l’une contre l’autre. De l’autre un piano mécanique, aussi bien automate-instrument, que machine performative. La musique qu’il produit s’inspire des modes de composition qui caractérisent Nord et Sud de la Méditerranée.
ARTS VISUELS
par Lorenzo Benzoni
I Sit Here and I Cry part d’une chanson hyper pop interprétée par moi-même et produite par @nightclub20xx intitulée Ghostin the Castle. Le sujet principal de ma recherche est l’analyse du capitalisme du point de vue de la Gen Z et, comme je le fais habituellement dans ma pratique, je construis des images et joue avec des éléments que je crée et que je traduis entre différents médias. J’ai décidé de jouer avec les décors des romans gothiques, en particulier avec l’image du château et du vampire, dans le moment historique de la transition du féodalisme vers une économie capitaliste. Il y a une sculpture du château faite en pâte à sel, un dessin qui montre ce qui se passe à l’intérieur des murs, une marionnette fantôme et la vidéo de la chanson, en référence au travail de Mark Fisher.
ARTS VISUELS
par Salomé Chatriot
En 2018, un turbo alternateur tentaculaire s’est éveillé sous les caresses de Salomé Chatriot lorsqu’elle l’aidait à sortir de sa léthargie avec un ensemble de systèmes médicaux. Elles ont fusionné afin de créer un espace-temps destiné à être fragmenté et réassemblé au sein de la matrice fertile de la Machine : Fragile Ecosystem. Dans cet univers, la fusion d’éléments technologiques et organiques permet l’émergence de sculptures et d’environnements virtuels. Des processus physiques, comme la respiration de Chatriot, activent des systèmes électroniques, entraînant une symbiose entre le corps humain et ses dispositifs technologiques. Dans cette nymphose, elles échangent enzymes, hormones et protéines tout en infectant leurs systèmes de souffle vital, désirs charnels et d’énergie empathique.
ARTS VISUELS
par Djellza Azemi
Tant de choses sont miroitées, tant de choses restent exactement les mêmes.
ARTS VISUELS
par Stefan Tanase
I Feel so Vacation Today… est une machine à remonter le temps qui amène une scène existante de 2019 dans le présent continu, à savoir la séquence atypique de l’exposition A vendre qui s’est déroulée à Berne à Ballostar Mobile, où Ștefan Tănase a simulé son propre accident en conduisant une voiture à travers la fenêtre de la galerie. Pour réussir, l’artiste a lui-même utilisé une masse avec laquelle il a brisé la fenêtre. L’accumulation d’idées a inévitablement pris son envol grâce à la technique de la boule de neige, roulant et grandissant de plus en plus. Ștefan Tănase parvient à trouver la formule humoristique entre l’esthétique post-communiste et l’économie occidentale, comme l’illustre le slogan communiste « nous travaillons, nous ne pensons pas ! ».
ARTS VISUELS
par Leonardo Pellicanò
Les pièces de l’exposition présentent un large éventail d’expressions picturales, oscillant entre figuration narrative et abstraction. Elles jouent avec des archétypes issus du mythe et du folklore, qui remontent à la surface dans un langage intime d’apparitions fragiles. Sans titre et Crooked Thoughts Along the Crooked Path sont des œuvres sur bois non préparé de petit format, qui illustrent la présence de récits fantomatiques et étranges. Entre les deux, il y a la grande toile carrée Lilac Unseen, apparemment un monochrome sur lin brut, qui, après un examen plus attentif, se révèle avoir de nombreuses nuances de couleurs, fonctionnant presque comme une expansion macro des petites œuvres, le fragment d’un paysage raréfié.
ARTS VISUELS
par Maryam Ghasemi
Ce travail est basé sur les lieux et les géographies que j’ai jusqu’à présent appelés chez moi, en utilisant des archives de mes photos de famille. Les pixels et les glitchs sont utilisés ici comme des outils. Je m’intéresse à un espace liminal entre public et privé, présent et absent. C’est le reflet de mes propres expériences personnelles en tant que personne qui se trouve dans une sorte d’entre-deux. L’installation de ces espaces privés déballés offre une dérive possible aux spectateurs et un sentiment d’entre-deux.
ARTS VISUELS
par Tudor Ciurescu
La sculpture rotative présentée dans cette exposition, nommée The Dream I Still Have, est une reproduction de la balançoire d’enfance de l’artiste, une balançoire post-soviétique rouillée qui renferme un personnage oublié. Le personnage s’inspire de Glenn/Shiftace, l’animatronique non genré avec un complexe freudien du film hollywoodien Chucky qui a été tourné en Roumanie. Le mouvement continu de la balançoire, activé par la présence humaine, souhaite transposer le spectateur dans un état de réflexion. Mouvement qui est lié au swipe des vidéos sur TikTok et au sujet du livre de Guy Debord, La société du spectacle. A l’instar d’un parc d’attractions, l’art devient un lieu où l’on peut ressentir la peur sans en subir les conséquences.
ARTS VISUELS
par Julie Magnenat
terre, coquillages, porcelaine En même temps ancrée et alien, cette sculpture nous invite à nous connecter au divin en nous, à celui de la terre et du corps même.
CINEMA
avec Stéphane Batut
Trois jeunes en quête d'un avenir meilleur sur une île sont confrontés à la catastrophe climatique.
CINEMA
avec Nathalie Vidal
L'idylle de l'été est perturbée par des bruits récurrents tandis qu’un village de montagne perd ses fondations.
CINEMA
avec Nathalie Vidal
Ramboy a été la chance pour moi de m’occuper de toute la chaîne sonore d’un film. De la prise de son, à la musique, au montage jusqu’au mixage. Ce fut une véritable aventure.
CINEMA
avec Stéphane Batut
Laurence, une quinquagénaire parisienne, vient passer quelques jours dans un gîte isolé dans le Sud de la France. Là-bas elle rencontre Antoine, le jeune propriétaire des lieux. Ce dernier, un peu rustre et macho, tente de la séduire maladroitement. Mais Laurence est là dans un but précis: lui remettre une lettre renfermant un secret.
CINEMA
avec Nadine Lamari, Alice Winocour, Michel Spinoza
Mon projet de diplôme est une version 1 d’un scénario de long-métrage sur la vie d’Aline Sitoé Diatta. Aline est une héroïne de la résistance sénégalaise et particulièrement de la Casamance contre la colonisation française dans les années 1920-40.
CINEMA
avec Nadine Lamari, Alice Winocour, Michel Spinoza
Première version de scénario de long-métrage, écrite sur les deux ans de Master.
CINEMA
avec Nathalie Vidal
Mon travail a consisté en la création de la bande sonore de ce film, de la prise de son au mixage en passant par le montage.
CINEMA
avec Nathalie Vidal
J’ai travaillé sur le son du film de diplôme de Michail Galanopoulos, Le défilé. Je suis parti sur le tournage du film en Grèce qui s’est déroulé au mois de novembre 2021. J’ai ensuite travaillé sur la post production du film, réalisant le travail de montage son et de mixage.
CINEMA
avec Gion Reto Killias
Sur l’île d’Achill, tout à l’ouest de la côte irlandaise, Cian espère passer ses vacances d’été à jouer au football avec ses amis. Mais pour son grand-père Martin, le moment est venu de l’initier aux travaux de la ferme afin de transmettre un métier d’une génération à l’autre.
CINEMA
avec Gion Reto Killias
Le montage de ce film était un jeu de funambule minutieux, consistant moins à une recherche de coupes propres et sophistiquées qu’à retrouver pour chaque scène la brutalité, la puissance, le tournoiement troublé des émois qui habitent cette fuite d’un groupe d’adolescents à travers les rues d’Athènes.
CINEMA
avec Jacqueline Zünd
L'idylle de l'été est perturbée par des bruits récurrents tandis qu’un village de montagne perd ses fondations.
CINEMA
avec Stéphane Batut
Une journée dans la vie d'un groupe de lycéens à Athènes, en Grèce, pendant le jour du défilé militaire national.
CINEMA
avec Alice Winocour, Nadine Lamari, Michel Spinoza
A travers le point de vue de Caillou, In Vitro nous permet de regarder le monde comme à travers un miroir cassé. A quel reflet se fier ?
CINEMA
avec Gion Reto Killias
Laurence, une quinquagénaire parisienne, vient passer quelques jours dans un gîte isolé dans le Sud de la France. Là-bas elle rencontre Antoine, le jeune propriétaire des lieux. Ce dernier, un peu rustre et macho, tente de la séduire maladroitement. Mais Laurence est là dans un but précis: lui remettre une lettre renfermant un secret.
CINEMA
avec Jacqueline Zünd
Court-métrage documentaire de 30 minutes, Ramboy est le fruit d’un travail mené avec une famille d’éleveurs de brebis sur une île irlandaise. L’immersion durant plusieurs mois au sein de cette île m’a permis d’y tisser des liens forts et de proposer un documentaire qui condense à la fois des problématiques liées à l’adolescence d’un jeune garçon, aussi qu’à la dure réalité sociale et économique d’un métier dont les traditions ont du mal à perdurer.
DESIGN DE PRODUIT
avec Augustin Scott de Martinville, Camille Blin
L’épilepsie est l’un des troubles neurologiques les plus courants, touchant plus de 50 millions de personnes dans le monde. Les crises qu’elle provoque limitent l’autonomie des personnes concernées, qui ne peuvent souvent pas conduire ou s’aventurer seules. Grâce à un dispositif muni d’électrodes, il est possible de prédire les crises d’épilepsie avant qu’elles ne se produisent. Bien que ceux-ci puissent sauver des vies, la majorité de ces personnes refusent de les porter en raison de leur aspect stigmatisant. J’ai donc conçu une casquette tricotée en 3D, incluant toute la technologie nécessaire pour prédire les crises en toute sécurité. Le produit, par son esthétique subtile, invite les personnes épileptiques à porter un tel dispositif, leur permettant de retrouver une forme de liberté.
DESIGN DE PRODUIT
avec Augustin Scott de Martinville, Camille Blin
L’infirmité motrice cérébrale (IMC) est l’une des maladies les plus répandues dans le monde. Malgré leur handicap, les personnes atteintes de paralysie cérébrale souhaiteraient être plus actives physiquement. Pour ces personnes, les chaussures de sports sont très souvent mal adaptées. Le simple fait d’enfiler ces chaussures ainsi que de les lacer présentent souvent un défi pour l’utilisateur·rice. Ma chaussure Zest peut être enfilée simplement, à une seule main. De plus, celle-ci peut être personnalisée en fonction de la capacité physique personnelle grâce à la technologie de tricotage et d’impression en 3D. Ce projet a été rendu possible grâce aux retours d’athlètes professionnel·le·s atteint·e·s de PC ainsi que d’un test dans le laboratoire de la marque suisse de sport On.
DESIGN DE PRODUIT
avec Augustin Scott de Martinville, Camille Blin
A un moment où il est difficile de compter sur les producteur·rice·s conventionnel·le·s en raison des changements constants des chaînes d’approvisionnement et du marché, il est engageant pour les concepteur·rice·s de rechercher des alternatives qui permettent un intérêt créatif et une production en dehors de l’industrialisation. Dans mon projet, j’explore une méthode d’autoproduction d’une petite série de lampes portables d’une manière qui sort de la discipline traditionnelle du design et des processus standardisés de production de masse. Toutes les lampes sont assemblées à la main et fabriquées à l’aide de matériaux, de techniques et de composants électroniques disponibles immédiatement.
DESIGN DE PRODUIT
avec Augustin Scott de Martinville, Camille Blin
Selon l’OMS, les combustibles fossiles limités utilisés pour la cuisson et la pollution de l’air intérieur qui en résulte causent chaque année 3,8 millions de décès dans les pays en voie de développement. Développée en collaboration avec le Laboratoire de recherche sur les énergies renouvelables de l’EPFL et Softpower, une startup camerounaise, HydrogenCooker est une station de cuisson verte fonctionnant à l’hydrogène. Produit localement par l’énergie solaire, l’hydrogène est utilisé comme substitut aux cuisinières actuelles à feu ouvert ou au gaz naturel et ne produit que de la vapeur d’eau pendant la cuisson. La production locale ainsi que les différentes habitudes de cuisson découvertes lors d’un voyage de recherche au Cameroun ont été les paramètres qui nous ont guidés pour la conception.
DESIGN DE PRODUIT
avec Augustin Scott de Martinville, Camille Blin
In Fill Out est un nouveau procédé de fabrication qui permet de gonfler un objet imprimé en 3D en chauffant l’air à l’intérieur. Afin d’utiliser au mieux l’air activé, j’ai conçu la semelle de la chaussure de manière à tirer parti de sa fonction de rembourrage avec du TPU. Le TPU est un matériau flexible, recyclable et largement utilisé dans l’industrie de la chaussure. Le résultat introduit de nouvelles possibilités pour la fabrication numérique : moins de matériaux, légèreté, zéro déchet, recyclabilité, temps d’impression court, moins de post-traitement, personnalisation en fonction du pied, et bien plus encore.
DESIGN DE PRODUIT
avec Augustin Scott de Martinville, Camille Blin
Les cadres photo sont des objets développés depuis l’Antiquité pour présenter des images. En tant que designer et illustrateur, j’ai conçu un système unique qui peut être facilement produit et personnalisé. Un cadre photo est un objet simple, mais il combine tout de même de nombreux matériaux, coûte cher à produire et n’offre pas de choix de couleurs ou de motifs. En revanche, lorsqu’il est fabriqué avec une imprimante 3D, vous pouvez facilement produire des couleurs, des motifs et des formes adaptés à vos illustrations et à votre humeur. Elle permet également de produire des formes allongées et des cadres circulaires qui, auparavant, devaient être fabriqués sur mesure.
DESIGN DE PRODUIT
avec Augustin Scott de Martinville, Camille Blin
Voie est un banc modulaire sans barrière pour les quais des CFF, destiné à améliorer la qualité du séjour dans les gares et à faciliter les déplacements des personnes à mobilité réduite et des malvoyant·e·s. Sa conception ouverte et modulaire permet une variété de configurations et vise à inviter les visiteur·euse·s à se reposer et à faire des rencontres spontanées. Pour permettre plus de verdure, des pots servent de lien entre les modules. Le bois de frêne produit localement et traité de manière écologiquement durable constitue une surface d’assise confortable et robuste. Voie a été développé en collaboration avec les CFF.
DESIGN DE PRODUIT
avec Camille Blin, Augustin Scott de Martinville
Bing! est un outil de composition musicale qui permet à chacun·e de composer visuellement et de créer des mélodies de manière analogique. Des tiges d’aluminium colorées, accordées sur différentes notes, peuvent être disposées librement et jouées par une bille métallique coulissante. La simplification de l’idée de rythme en séquence et la possibilité d’intervertir les notes permet de créer intuitivement – surtout pour les personnes sans formation musicale préalable. Le projet découle de ma thèse de Master sur la façon dont nous – même en tant qu’adultes – avons besoin de jouer pour apprendre, ainsi que de ma passion personnelle pour les instruments de musique.
DESIGN DE PRODUIT
avec Augustin Scott de Martinville, Camille Blin
Le syndrome du canal carpien est souvent causé par le mouvement répétitif des tendons du poignet. Ce trouble affecte principalement les personnes de l’industrie manufacturière ainsi que celles qui passent de longues heures devant leur écran. Environ 3 à 6 % de la population adulte en souffre. Dipolo est un appareil qui permet de soulager et de traiter les douleurs causées par le syndrome du canal carpien. Il se compose d’une unité d’électrostimulation attachée au bras et d’une stressball faite d’un matériau conducteur. En créant un champ électrique entre les deux unités, il est possible de stimuler le nerf du poignet, ce qui est bénéfique pour l’utilisateur. La personne peut contribuer activement à la thérapie en faisant des exercices avec une balle conçue sur mesure.
DESIGN DE PRODUIT
avec Augustin Scott de Martinville, Camille Blin
L’investissement dans la peinture d’art est un énorme marché opaque, l’authentification de l’art est cruciale. L’imagerie multispectrale qui révèle les signatures et les dessins effacés, fournissant l’histoire et l’identification et les informations de fabrication des œuvres d’art. Il existe une demande pour une caméra multi-spectrale portable, fournissant des résultats instantanément lisibles et rendant l’étude comparative plus efficace. En collaboration avec la start-up MATIS et le CSEM (Centre suisse d’électronique et de microtechnique), j’ai conçu une caméra multi-spectrale en tenant compte de la facilité d’installation et de la convivialité pour l’utilisateur lors de la photographie du tableau. La structure a été développée sur la base d’une production par impression 3D en petits lots.
DESIGN DE PRODUIT
avec Augustin Scott de Martinville, Camille Blin
Il existe plus de 1000 races de moutons dans le monde, qui produisent des fibres différentes, mais seule la laine mérinos convient à l’industrie textile. Comme la laine européenne n’atteint pas ces normes élevées, de grandes quantités de laine brute sont passées d’une source de revenus à un déchet. Avec l’intérêt croissant pour l’utilisation durable des ressources naturelles, la laine devrait être reconsidérée comme une ressource renouvelable, sous-estimée et sous-utilisée, qui mérite d’être mieux explorée. Ce projet étudie les possibilités de cette laine en explorant un nouveau processus de production : le feutrage automatique. La veste illustre le potentiel de cette technologie et tire parti des propriétés naturelles de la laine, la transformant d’un déchet en une matière première de valeur.
DESIGN DE PRODUIT
avec Augustin Scott de Martinville, Camille Blin
Changer de posture pendant les tâches de bureau n’est pas que bénéfique pour notre santé physique et mentale, mais augmente également la productivité et la concentration. Contrairement aux bureaux du passé, qui se centraient sur des espaces cloisonnés, le bureau du futur sera un espace qui facilitera l’interaction et la collaboration. Nimble est un siège de travail dont la forme accueillante et le mécanisme adaptatif encouragent des changements de posture et une assise dynamique. Son esthétique minimaliste et ses matériaux soigneusement choisis rompent avec la chaise de bureau classique. Cette chaise simple mais polyvalente est un compagnon utile qui répond aux nouvelles tendances au bureau et à de nombreux scénarios contemporains, tels que les espaces de travail en commun ou à domicile.
DESIGN DE PRODUIT
avec Augustin Scott de Martinville, Camille Blin
TEXTure est une empreinte digitale pour les objets physiques qui intègre des informations par des textures sur surface. Elle convertit les textes en ces textures assignées lisibles par machine, qui étaient plutôt arbitraires. Inspirée du modèle de Turing, un système qui décrit comment la nature confère un caractère unique à chaque création, TEXTure peut évoluer automatiquement et individualiser chaque produit au moyen des processus de fabrication tels que l’impression 3D. Une empreinte digitale intégrée peut permettre aux produits industriels de se rapprocher de la traçabilité du cycle de vie complet. Elle offre un potentiel élevé en matière d’accessibilité par téléphone, de lutte contre la contrefaçon, de responsabilité élargie des producteur·rice·s, de recyclage, de marchés antiques, etc.
DESIGN DE PRODUIT
avec Augustin Scott de Martinville, Camille Blin
Futuristic Objects est une collection d’accessoires représentant des scènes quotidiennes causées par les problèmes environnementaux contemporains. Les objets existants sont adaptés aux changements projetés causés par la détérioration de l’environnement. Le changement de comportement qui en résulte est représenté par l’imagerie et la vidéo. Le discours actuel sur le changement climatique et les questions environnementales semble être répétitif et figé dans un dilemme entre les faits scientifiques, qui appellent au changement, et les systèmes établis inébranlables. Le projet fournit un outil de communication alternatif aux longs articles scientifiques ou à la législation, dans le but de rétablir notre lien émotionnel avec ces questions urgentes.
DESIGN DE PRODUIT
avec Augustin Scott de Martinville, Camille Blin
Nous les connaissons toutes et tous, les nouilles instantanées qui fournissent un menu complet en quelques minutes. Et nous savons que cela ne peut pas être sain ! De plus, les pâtes sont généralement fabriquées à partir de blé dur importé. C’est exactement ce fait que j’ai interrogé, en regardant quel grain pousse le mieux dans ma région et si vous pouvez en faire des pâtes. Le résultat : des pâtes instantanées de blé entier à base d’amidonnier, qui atteignent une profondeur de saveur grâce à deux techniques de fermentation. Les délicats légumes séchés et les épices ne sont pas emballés dans un sac en plastique comme d’habitude, mais sont enfermés dans les pâtes. De cette façon, nous pouvons complètement nous passer de plastique dans l’emballage. Sans plastique, sain, local et végan !
DESIGN DE PRODUIT
avec Augustin Scott de Martinville, Camille Blin
A Soup a Day est un concept de soupe populaire mobile développé en étroite collaboration avec Canisibus, Vienne. Canisibus est un projet social qui sert jusqu’à 400 soupes par jour aux personnes affamées dans la rue. Le concept de design est basé sur l’idée d’une reproduction bon marché et d’un nettoyage facile. Il est construit sur une remorque standard de Hinterher et adapté aux boîtes Euronorm et à un conteneur Rieber thermal. Une bâche couvre et protège les marchandises et peut être facilement retirée pour le nettoyage et le remplacement.
DESIGN DE PRODUIT
avec Augustin Scott de Martinville, Camille Blin
Le bijou est un produit, résultat d’un savoir-faire, soulevant des interrogations relatives à ses matériaux, ses techniques de fabrication, son esthétique, etc. De la haute joaillerie à la bijouterie fantaisie, en passant par les prises de position du bijou contemporain, le secteur de la bijouterie – qu’il relève des métiers d’art, de l’art ou du design – a trouvé son chemin dans les innovations et la créativité. Lemanne est une collection de bijoux s’inspirant de l’Arc lémanique et fait ainsi usage de ses savoir-faire traditionnels. L’alliance raffinée de perles, construites à base de guanine pure d’écailles de poisson du Lac Léman mêlées aux processus de fabrication et techniques de pêche, génère dans son intégralité, l’ADN et le caractère du projet.
PHOTOGRAPHIE
par Hikaru Hori
Slowpoke est une série de collages sculpturaux. Prises dans mon environnement, les images d’objets de la vie quotidienne sont accumulées et superposées pour transformer des expériences multi-sensorielles. Dans le contexte de cette série, j’ai particulièrement travaillé sur l’idée d’un « mélange de perceptions physiques et numériques » pour la présentation du diplôme à venir. En réponse à ce contexte contemporain où la représentation et le représenté affectent simultanément notre cognition, Slowpoke invite les spectateur·rice·s à faire l’expérience de la construction cachée de l’image à travers les collages sculpturaux.
PHOTOGRAPHIE
par Sophie Schreurs
Fed Underbelly of Silicon Valley est une installation immersive qui rend physique et corporelle les tensions sociales et politiques des réseaux sociaux. Le pouvoir des réseaux sociaux est apparent parce qu’ils possèdent l’archive de notre culture, mais surtout parce qu’ils décident de la visibilité des contenus. D’apparence démocratique, il est cependant clair que, de nos jours, certaines voix sont amplifiées tandis que d’autres sont réduites au silence par la modération de contenus. Je fais un parallèle entre les mécanismes cachés derrière les réseaux sociaux et le fonctionnement du corps humain. J’imagine le corps comme porteur de souvenirs et d’émotions qui s’infiltrent et s’accrochent aux parois de nos entrailles. Tout comme les organes, ces plateformes filtrent et circulent.
PHOTOGRAPHIE
par Mahalia Taje Giotto
Mon diplôme est le résultat de plusieurs années d’obsession liées à mon corps et le genre qui m’a été attribué à la naissance. J’ai commencé ma transition hormonale le 13 novembre 2020 et vit depuis une nouvelle relation avec mon corps que j’ai attendue pendant presque 30 ans. Le livre photo réalisé dans le cadre du diplôme représente ces deux dernières années, les obsessions qui m’habitent, liées à mon corps, son apparence, les relations qu’il me permet d’avoir avec autrui, des désirs qui me consument et comment tout se chaos s’articule au quotidien. L’utilisation de textes, d’images concrètes, abstraites et étranges comme outil afin d’illustrer les changements que j’ai fait subir à mon corps toutes ces années. L’approche sculpturale du livre comme reflet des modifications corporelles.
PHOTOGRAPHIE
par Nikolai Frerichs
Le film Carrie Ann questionne la standardisation. Est-il possible de parler d’amour dans un monde synthétiquement contrôlé ? L’amour romantique existe-t-il encore ou n’est-il plus qu’une construction idéologique ? L’individualité et la liberté semblent impossibles à atteindre dans ces environnements digitaux normalisés. Néanmoins, les créateurs de logiciels essaient constamment de créer de nouveaux outils et de nouvelles possibilités pour simuler notre monde de la manière la plus réaliste possible et ainsi brouiller ces limites. Mais on s’aperçoit que ces représentations sont pleines de stéréotypes. Y a-t-il quelque chose de plus grand, ne serait-ce qu’une projection de notre imaginaire sur la définition d’une vie idéale ? L’amour a-t-il le pouvoir de nous sauver de notre standardisation ?
PHOTOGRAPHIE
par Clemens Fischer
Conçue comme un laboratoire, cette œuvre consiste en des installations de caméras qui spéculent sur un avenir où l’imagerie est créée et consommée sans que nous soyons présents. La caméra devient un acteur indépendant qui devra apprendre par lui-même à travailler, à échouer et à interpréter. Equipées d’un matériel et de tâches minimales, les machines créées sont lancées dans l’existence pour découvrir leur but et leur lien avec le monde qui les entoure. Gaffeuses, naïves mais en même temps fortement chargées de notre héritage nostalgique, ces installations sont une invitation à réfléchir sur un état temporaire et improvisé de la photographie et sur l’importance de nous-mêmes en tant que créateurs.
PHOTOGRAPHIE
par Alexey Chernikov
Ce projet met l’accent sur la fragilité de notre existence, le pouvoir de la surveillance et l’incertitude de notre avenir. Le projet utilise le vocabulaire visuel des drones militaires. Une caméra thermique est montée sur un drone imitant l’imagerie militaire. Le médium lui-même a un rôle essentiel car il transmet l’aspect esthétique de l’œuvre. Une grande quantité d’images des champs de bataille sont prises depuis le ciel. Ces images se terminent pour la plupart par un explosion. Dans Above Everything, une réalité parallèle est créée où la fin de chaque vidéo est imprévisible. Les séquences vidéo ainsi que le son déformé des hélices créent le sentiment d’une menace constante, illustrant la tension causée par la guerre en Ukraine qui se déroule à des milliers de kilomètres.
PHOTOGRAPHIE
par Yang Su
Cloud and Beyond the Infinite est une installation vidéo avec une simulation en temps réel. Grâce à des moteurs de rendu améliorés et à des représentations visuelles de plus haute définition, l’ère du Metaverse, environnement virtuel numérique immersif, arrive à grands pas. Pourtant, derrière les images éblouissantes et réalistes de celui-ci se cachent des centres de données en constante expansion, une augmentation du traitement GPU et de la consommation d’énergie, ainsi que la chaleur et les émissions de carbone qui en découlent. Alors que le Metaverse s’améliore et devient plus vivable, notre environnement physique se détériore progressivement. L’artiste a choisi l’élément « Cloud » pour dépeindre un monde virtuel immersif, montrant une circulation d’une infinité de « nuages ».
PHOTOGRAPHIE
par Emma Bedos
Comment continuer à exister dans les lieux que nous avons quittés, à travers la mémoire de ceux qui y restent ? Ce projet illustre le sentiment d’éloignement et la manière dont la technologie tente de le combler. J’ai demandé à mes proches resté·e·s sur mon île d’origine de saisir des images de souvenirs communs. Retranscrites en photogrammétrie pour les matérialiser, l’association de la communication au travail de mémoire crée un nouvel environnement commun. Mais le résultat met en évidence l’omniprésence du vide. L’installation matérialise ce contact à distance, comme le négatif de lui-même, par des découpes dans de la soie flottante et insaisissable. L’imaginaire vient compléter la mémoire avec des images fantasmées d’un idéal lointain, où résonne la présence-absence.
PHOTOGRAPHIE
par Alisa Strub
My Grind Bears Fruit est une série d’autoportraits projetés, combinés à des textes peints. Ces tableaux tracent un territoire dans l’engagement avec identitaire et la mise en scène de soi dans notre culture médiatisée ; explorant la tension entre la vie publique et privée. Ce besoin de nous raconter et d’épier. Cette ligne floue entre la documentation de l’intime et la construction d’identités. Ces situations dans lesquelles je joue pour la caméra sont influencées par la perception de ce que je consomme quotidiennement en ligne. Elles sont combinées et confrontées par l’utilisation intuitive, mais délibérément scénarisée de mots tirés des réseaux sociaux, créant ainsi un contrepoint qui invite le spectateur à confronter l’image et le texte à ses propres expériences.
PHOTOGRAPHIE
par Augustin Lignier
Container est un projet sur l’aliénation. À la caméra, la machine, l’espace, aux images, au medium et à une idée. Par la photographie et de la performance, je construis des règles pour expérimenter la relation à l’apparatus. En poussant mon corps dans ses limites, j’expérimente sur la caméra et le corps comme une boîte noire dans un white cube. Les règles sont les entrées et les images les sorties. En étudiant la réaction d’une action répétitive sur les vidéos. Et en se concentrant sur l’obsession d’appuyer sur le déclencheur sur les images. Utilisant cette action comme solution. Pour voir les images, les spectateur·rice·s doivent faire la même action que les performeur·rice·s. Les expériences donnent le pouvoir à la machine. Produire des images, performer, enregistrer et exposer sont une chose.
TYPE DESIGN
avec Kai Bernau, Marie Lusa
Le livre Neureal est une exploration d’un logiciel d’IA qui colorise des photographies noir et blanc. Les « erreurs » et autres résidus du logiciel révèlent son fonctionnement de réseau neuronal, produisant un matériel visuel qui questionne la façon dont notre vie quotidienne est influencée par la technologie – en contraste avec une iconographie florale et naturelle. Cet usage du logiciel aboutit à la création d’une réalité alternative. Neureal Display est un caractère au contraste inversé, accompagné d’une version à chasse fixe, pour petits corps. Un logiciel a ici servi à extrapoler des formes à partir d’une série de dessins, les formules mathématiques générant formes et idées nouvelles. La police de caractères finale est le résultat de ces allers-retours expérimentaux.
TYPE DESIGN
avec Kai Bernau, Alice Savoie
Aligna est une police de caractères qui vise à améliorer la composition typographique des pages web, grâce à une combinaison d’axes variables qui jouent sur les espaces blancs. Elle permet ainsi un équilibre entre les deux écueils que sont la distorsion des caractères et la composition irrégulière, permettant d’obtenir un gris de texte régulier. Aligna peut être combinée avec un algorithme qui distribue l’espace vide de la ligne. Lors des recherches sur ce projet, une fonte paramétrique a été créée afin d’évaluer l’influence respective de différents aspects du dessin de caractères. Aligna réunit et combine la valeur idéale, pour chaque élément, combinée sur un axe de fonte variable.
TYPE DESIGN
avec Kai Bernau, Alice Savoie
La famille de caractères Rivale se développe à travers deux personnalités, Rivale Serif et Rivale Grotesk, conçues pour cohabiter sur le même espace tout en gardant leur individualité. Leur structure n’est pas basée sur la même construction mathématique, mais leur similarité visuelle est toujours présente, et reflète le concept de ce système : homogènes et indépendantes autant que possible. Lors de leur dessin, les deux styles se sont constamment influencés mutuellement, comme deux organismes interdépendants. Les versions Serif et Grotesk sont chacun déclinés en cinq graisses – Light, Regular, Medium, Bold, Dark – avec leurs italiques correspondants. Elles sont présentées dans un dialogue avec le travail de peinture de leur auteur.
TYPE DESIGN
avec Kai Bernau, Alice Savoie
Entro : une famille de caractères typographiques pour affiches et écrans, combinant les technologies numériques contemporaines tout en rendant hommage aux techniques d’impression traditionnelles aux caractères en bois. Entro Press : un système modulaire de modules en bois pour impression typographique, apportant la variabilité du numérique vers l’analogique. Entro Text : une fonte latine, grecque et cyrillique aux formes douces et arrondies, disponibles au format variable dans des graisses allant du Light au Bold. Entro Brutal : caractère géométrique sans corrections optiques – le charme du texte brut. Entro Py : série de fontes variables expérimentales inspirées par les caractéristiques de l’entropie. Créée à la main et générée par codage, en Python.
TYPE DESIGN
avec Alice Savoie, Matthieu Cortat
Radiolar s’inspire de la Jost Mediaeval (1927) de Heinrich Jost, témoin d’un moment charnière de la typographie. En effet, des caractères sans empattement construits géométriquement apparaissent : Erbar (1926), Kabel (1927), puis Futura est publiée sous la direction de Jost lui-même chez Bauer. La Jost Mediaeval semble être le premier caractère à empattement à se diriger vers cette voie utopique de la typographie élémentaire. Comment synthétiser le géométrique et l’organique en typographie ? Radiolar, dont le nom vient des micro-organismes marins sphériques dont le squelette est constitué de spicules très détaillés, tente d’y répondre. Ses formes possèdent la chaleur intense de la calligraphie et l’utopie de la rationalité par la géométrie, oscillant alors entre complexité et simplicité.
TYPE DESIGN
avec Matthieu Cortat, Irene Vlachou
Une partition graphique est une forme de notation musicale qui utilise des symboles non conventionnels pour indiquer la manière dont doit être interprété un morceau de musique. La « musique oculaire » est apparue sous sa forme moderne dans les années 1950, lorsque la notation a été de plus en plus influencée par un dialogue avec la peinture, les installations et la performativité. Quarto se présente comme une interprétation contemporaine de ce que pourrait être une notation musicale, en associant le monde typographique avec celui de l’univers sonore. Ce mélange devient possible grâce aux nouvelles technologies MIDI et des fontes variables.
TYPE DESIGN
avec Kai Bernau, Alice Savoie
Equilibrée et pondérée, la famille de caractères Lyga est disponible en six graisses, accompagnées de styles italiques conçus pour mettre en évidence des mots, de courts paragraphes, ou des titres qui accrochent l’œil. Caractère de labeur, il est particulièrement adapté aux petits corps, qui laissent s’exprimer sa couleur harmonieuse et régulière. Lyga puise son dessin dans un caractère en plomb de la fin du XIXe siècle, l’Elzévir Turlot, trouvé dans un spécimen des Caractères de Labeurs de l’Imprimerie A. Rey, et réinterprété avec soin pour obtenir une fonte adaptée aux usages contemporains.
TYPE DESIGN
avec Matthieu Cortat, Alice Savoie
Phaedon est une famille de caractères distinguée dont le dessin est basé sur Ancien Romain, un caractère elzévirien produit par la fonderie française Deberny & Cie entre 1880 et 1890. Avec la volonté de conserver l’élégance et la fragilité de la source originale, les graisses les plus légères de Phaedon sont des interprétations fidèles d’Ancien Romain, tandis que les gras sont des projections personnelles. Un style de texte complète la famille. Avec ses quatre graisses de titrages, ses italiques et son style de texte, Phaedon aspire à un usage contemporain grâce à ses attributs délicats : un contraste élevé, une chasse légèrement condensée et des détails harmonieux.
TYPE DESIGN
avec Alice Savoie, Matthieu Cortat
La famille de caractères Remo & Rhea est basée sur les proportions des capitales romaines monumentales visibles sur une inscription du IIe siècle après J.-C., la tombe gravée des enfants de Sextus Pompeius Justus, sur la Via Appia, près de Rome. Liées par cette origine commune – une esquisse apocryphe du développement de la lettre romaine – Remo Sans et Rhea Serif ont gardé des liens, tout en s’émancipant de leur source, élargissant la notion traditionnelle de famille de caractères. Complétée par un complément de lettres « machine à écrire », elle est optimisée pour des environnements typographiques complexes, permettant une large palette de compositions requises par les besoins contemporains.
TYPE DESIGN
avec Irene Vlachou, Alice Savoie
Inspirée par des archives et la culture graphique de la fin des années 60 et du début des années 70, Mirai Toshi (La cité avenir) est une expérimentation visuelle qui a donné naissance à deux polices de caractère, Nisego et Metago. Issue de l’architecture modulaire du mouvement Métaboliste, Metago est un caractère de titre dont les formes rappellent des pixels, mais dont les éléments se lient entre eux ; une structure géométrique qui conserve des atours organiques. A ses côtés se trouve Nisego, conçue dans l’esprit des grotesk japonaises des années 70, aux formes rationalisées mais toujours calligraphiques. Sa version latine est composée de trois graisses de texte, dont une italique. A celles-ci s’ajoutent six graisses plus polyvalentes, d’un Medium plus discret à un Black très expressif.
TYPE DESIGN
avec Kai Bernau, Alice Savoie
Europa est une typographie multi-script qui s’appuie sur l’histoire des typographies Grotesques européennes. Ses formes sont héritées de l’Akzidenz Grotesk, mais se développent à travers un contraste plus subtil, le caractère est stable, contemporain. Appliqués à un projet utopique, la création d’un nouveau réseau autoroutier pan-européen né sous l’accord de l’ensemble des pays du continent, les trois scripts qui composent Europa ont été dessinés conjointement. Le design de chaque script jouant une importance et une influence quant au design des autres. Envisagé comme une solution supplémentaire ou alternative à la signalétique autoroutière européenne, le système typographique se complète par un corps signalétique moins contrasté, plus condensé et rationalisé.
TYPE DESIGN
avec Alice Savoie, Irene Vlachou
Alors que le monde devient de plus en plus connecté, le besoin de familles multi-script augmente. Yameen est une police multi-script comprenant l’arabe et le latin. Conçues pour le texte, ses grasses varient du régulier au gras. L’arabe s’inspire de la calligraphie Naskh retenant les formes du Qalam dans son dessin. Les formes latines présentent le même trait tranchant du stylo parallèle exposant une interprétation calligraphique des caractères à l’ancienne. Créée pour une composition bilingue équilibrée, elle préserve l’authenticité des scripts. Meel est une police arabe display inspirée de sources variées ; des albums de musique d’époque au type vernaculaire de Beyrouth. Explorant le style Ruqaa, sa graisse excelle dans les grands formats et son caractère liquide réunit l’outil et le digital.
TYPE DESIGN
avec Kai Bernau, Alice Savoie
Parallel I–IV est un caractère de labeur en quatre styles – texte, italique, cursif, et contre-italique – dessiné en priorité pour l’imprimé, puis complété par un style adapté à l’affichage sur écran, ce qui lui permet de jeux de hiérarchies typographiques à l’intérieur d’une graisse unique ; un nouveau moyen d’enluminer les environnements textuels, sur la page imprimée comme la page web. Le projet est venu du désir de dessiner une fonte au caractère affirmé dans la lecture de textes courants. Résolument contemporaine, elle s’inspire néanmoins des caractères transitionnels ainsi que de multiples références tant baroques que modernes. Fonctionnelle en petits corps, elle conserve sa personnalité propre dans les corps de titrage également.
DRDI (EPFL+ECAL Lab)
par André Andrade
Poster World est un projet de recherche en design en collaboration avec le Museum für Gestaltung Zürich. En utilisant la collection d’affiches du musée, l’une des plus grandes et importantes au monde, le projet propose une nouvelle façon d’engager le public avec le patrimoine numérisé. Le projet se matérialise par une installation interactive et propose des associations automatisées d’affiches en combinant métadonnées et intelligence artificielle. Les caractéristiques visuelles fortes sont isolées et illustrées graphiquement afin d’expliciter les associations. Le projet ouvre des perspectives sur la façon de représenter le patrimoine numérisé et de susciter l’intérêt du public. En collaboration avec: Computer Vision Laboratory (CVLab, EPFL), Digital Humanities Laboratory (DHLAB, EPFL)
DRDI (EPFL+ECAL Lab)
par Valentin Calame
Jean Starobinski. Relations critiques est un projet de recherche sur la curation d’artefacts littéraires numérisés. Initié par la Bibliothèque nationale suisse, il s’articule autour d’une exposition en ligne conçue à partir du fonds d’archives de Jean Starobinski, éminent critique. Au travers de ce projet, j’ai exploré comment tirer parti des technologies émergentes afin de créer des expériences alternatives pour le public. Autour de concepts tels que l’« Aura » d’artefacts digitalisés, la « Tangialité » ou encore les espaces adaptatifs, j’ai pu définir des paramètres visant à augmenter le gain cognitif, l’engagement du visiteur et sa relation émotionnelle avec des objets numérisés. La connaissance générée par cette première exposition servira de modèle pour de futures itérations. En collaboration avec: Bibliothèque nationale suisse (BN), Apptitude SA
DRDI (EPFL+ECAL Lab)
par Romain Talou
Future Heritage explore comment rendre tangibles les technologies de stockage de l’information sur le très long terme. Ce projet permet aux institutions culturelles de protéger leurs archives en utilisant le stockage de données numériques dans de l’ADN synthétique. A travers une recherche par le design, le projet Future Heritage a exploré comment rendre ce stockage synthétique de l’ADN pertinent pour les institutions dès aujourd’hui et pour les prochaines générations. L’objet de stockage qui en résulte est conçu pour résister aux changements environnementaux et sociétaux au cours des deux mille prochaines années. Grâce à la nano gravure sur disque de nickel et à une approche sémiologique, l’objet donne des indices tangibles et des aperçus du vaste contenu qu’il renferme. En collaboration avec: Claude Nobs Fondation, Bibliothèque nationale suisse (BN)
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Caterina Valletta
Depuis l’Antiquité, les couverts accompagnent nos moments de partage et de légèreté autour de la table. Cependant, ils ont toujours été considérés comme des objets purement fonctionnels, conçus pour savourer et apprécier les plats, oubliant surtout leur importance d’un point de vue esthétique. Très souvent relégués au second plan, contrairement aux assiettes et aux verres. Up & Down propose de revisiter les couverts en créant un ensemble non traditionnel au caractère affirmé. En partant d’une découpe 2D sur une plaque d’acier, un petit détail permet de surélever le couvert afin qu’il ne touche pas la surface, résolvant ainsi une problématique à la fois fonctionnelle et esthétique.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Alexis Perron-Corriveau
Un projet qui cherche à explorer le monde des lunettes solaires et les accessoires de mode s’y rattachant. Les protections latérales utilisées sur les lunettes d’alpinisme, combinées au style unique de la casquette de vélo se veulent les inspirations principales de cette recherche. La réinterprétation de ces éléments confère à cette paire de lunettes un look sport-chic distinctif ; un accessoire tendance incontournable. La facilité d’ajouter la visière, grâce à son attache magnétique, permet au porteur d’être prêt à l’action, sans toutefois négliger son look. Une façon de combiner des éléments de style classique pour créer un objet unique, fonctionnel et infusé du monde de l’alpinisme et du cyclisme.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par JiYeong Kim
Epiphany fait référence à la perception d’éternité qui est soudainement ressentie dans des objets ordinaires. Je voulais créer un objet de méditation présent dans la vie quotidienne qui attire la curiosité et nous incite à nous immerger dans un voyage méditatif, car je crois au dicton « l’inconscient détermine notre destin ». Le monde de l’inconscient humain est un monde inconnu que beaucoup de gens essaient d’atteindre en méditant, si vous méditez un peu dans votre vie quotidienne, vous pouvez alors ressentir une paix profonde, seulement nous ne pouvons pas le faire autant que les moines. S’inspirant de phénomènes naturels surprenants comme le feu, l’eau et le brouillard, ce projet vise à aider votre esprit à s’arrêter le temps d’un instant et ainsi explorer son subconscient.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Gala Espel
A quoi ressembleront les découvertes archéologiques futures ? Quel sens donneront-elles à notre époque à travers les objets qui auront été déterrés ? Archéologie du futur est un projet d’anticipation où une série d’artefacts donne une représentation prospective de notre empreinte matérielle. Ce projet utilise un nouvel outil : la photogrammétrie, afin de scanner des objets existants et de créer, recomposer, imaginer à partir d’eux un scénario possible. Une plante enveloppe un contenant usé par le temps. Un coquillage se fossilise autour d’une tige métallique. Cet ensemble évoque un avenir où les formes industrielles seraient réinvesties par la nature. A terme, cette collection digitale se matérialise en pièces d’argenterie et bijoux issus de cette technologie appliquée au design.
Assistante réalisatrice, actrice, Paris
Jury BA Cinéma
1/4
Editrice photo, Milan
Jury MA Photographie
1/5
Designer, écrivaine, Londres
Jury MA Type Design
1/5
Directeur artistique, Zurich
Jury BA Design Industriel
1/7
Directeur créatif, FREITAG, Zurich
Jury BA Design Industriel
1/4
Directrice communication Hermès, Genève
Jury MAS Design for Luxury & Craftsmanship
1/4
Creative coder, architecte, designer, Londres
Jury BA Media & Interaction Design
1/5
Industrial designer Logitech, Lausanne
Jury BA Design Industriel
1/4
Designer industriel, Londres
Jury BA Design Industriel
1/11
Directrice artistique, Paris
Jury BA Communication Visuelle (Photographie, Design Graphique, Media & Interaction Design)
1/6
Artiste, Genève
Jury BA Arts Visuels
1/6
Directrice artistique/fondatrice Hammer, Zurich
Jury BA Design Graphique
Directeur créatif, Londres
Jury BA Design Graphique
Dario Aguet
Ömer Akkas
Al-Saghir Masen
Snær Andrason Hlynur
Charlotte Angéloz
Elodie Anglade
Djellza Azemi
Rokhaya Balde
Angelo Barbattini
Giacomo Bastianelli
Beat Baumgartner
Emma Bedos
Lorenzo Benzoni
Léa Célestine Bernasconi
Adrien Beroud
Clara Bertière
Fanny Bichet
Filippo Bisagni
Dominik Bissem
Marine Bouvard
Samuel Bregnard
Loris Briguet
Alexandre Brunisholz
Frederik Buchmann
Morgane Cachin
Danpeng Cai
Olivia Calcaterra
Soraya Camina
Paul Carluy
Raphaël Carruzzo
Emma Casella
Ali Chatila
Salomé Chatriot
Marie Chemin
Alexey Chernikov
Yuoning Chien
Hsinhung Chou
Yin Chow Cheuk
Roxane Christinet
Yann Cistac
Yan Ciszewski
Tudor Ciurescu
Alexis Colin
Victor Comte
Antoine Contreras Salazar
Julie Corday
Zsófia Csocsán Laura
Pierre Daendliker
Marine Dang
Giacomo De Paoli
Karima Deghayli
Massimo Del Gaudio
Roxanne Del Val
Charly Derouault
Alexandre Desarzens
Sippanon Detanan
Selin Dettwiler
Samuel Dumez
Camille Dutoit
Oriane Emery
Salomé Engel
Gala Espel
Maria Esteves
Sam Fagnart
Benjamin Fanni
Nora Fatehi
Léon Félix
Clemens Fischer
Stefan Fitze
Antoine Flahaut
Mélanie Fontaine
Luca Frati
Nikolai Frerichs
Michail Galanopoulos
Amélie Gallay
Chloé Geinoz
Léna Gelsomino
Maryam Ghasemi
Mahalia Taje Giotto
Kévin Goury
Alice Graff
Martial Grin
Soren Gunzinger
Raphaela Häfliger
Gabriel Hafner
Leopold Helbich Frey
Jamy Herrmann
Lucie Herter
Florian Hilt
Hikaru Hori
Jiahui Huang
Aurore Huberty
Benjamin Huerta
Anaelle Iglesias Carballo
Antoine Jacquat
Matthias Joulaud
Laurine Joyeux
Nima Kaufmann
Ludivine Keller
JiYeong Kim
Yoosung Kim
Lisa Kishtoo
Balthus Kiss
Reo Koda
Tsubasa Koshide
Samara Krähenbühl
Briac Laforge
Hugo Le Corre
Clementine Le Guerec
Seungmok Lee
Anaïs Lehmann
Timothée Lehmann
Alexandre Lescieux
Peilian Li
Augustin Lignier
Kim Lissy
Lukas Lüttgen
Julie Magnenat
Thomas Manil
Alexandre Margueron
Angèle Marignac-Serra
Marion Marquet
Achille Masson
Mika Matikainen
Assadour Matthey
Alice Denyse Matthey-Jonais
Marine Maye
Lisa Mazenauer
Solène Mercier
Marvin Merkel
Stéphane Mischler
Iris Moine
Alice Monguzzi
Agnes Murmann
Clemens Neureiter
Alex Nguyen
Emily Orlet
Valentina Parati
Julie Pavia
Leonardo Pellicanò
Basil Pérot
Alexis Perron-Corriveau
Line Petitguyot
Tania Praz
Yolane Rais
Sergei Rasskazov
Paul Rees
Jillian Reichlin
Jorge Reis
Marion Reymond
Antonin Ricou
Mathilde Rietsch
Anaïs Rochat
Milagros Rodríguez
Yatoni Roy
Carolin Schelkle
Samira Schneuwly
Sophie Schreurs
Christian Schulz
Valentina Shasivari
Sergei Silkov
Theodore Simon
Joana Siniavskaja
Noémie Soriano
Camille Spiller
Iacopo Spini
Manuel Steffan
Alisa Strub
Yang Su
Borja Suqué
Stefan Tanase
Loris Theurillat
Michaela Theus
Constance Thiessoz
Sunna Margrét Thórisdóttir
Célia Tourette
Samantha Trinkler
Stefan Troendle
Aurélien Uberti
Fiona Valais
Caterina Valletta
Sophie van der Bij
Léonard Vazquez Vila
Cristina Veltri
Nathanaël Vianin
Charlotte Viglino
Flavio Visalli
Manon Vouga
Loris Wahler
Laure Wasser
Dario Willommet
Mara Wohlfahrt
Mayara Yamada
Lara Zettl
1/7
Prix BNP Double Clap – CHF 10'000.-
Marion Reymond – BA Cinéma
Un prix qui met en avant les jeunes talents du cinéma issus de l'ECAL et contribue à la réalisation d'un film de diplôme Bachelor. Remis par Mme Isabelle Pezzoni, Company Engagement Event manager chez BNP Paribas
Prix Pierre Keller – CHF 5'000.-
Morgane Cachin – BA Design Graphique
En mémoire de Pierre Keller, directeur de l'ECAL de 1995 à 2011. Un prix décerné pour un travail de diplôme particulièrement engagé. Remis par M. Alexis Georgacopoulos, directeur de l’ECAL et M. Vincent Jacquier, responsable du Département Communication Visuelle à l’ECAL
Prix La Foncière – CHF 3'000.-
Lisa Mazenauer – BA Photographie
Un prix décerné par la Foncière, un fonds de placement immobilier, à un·e étudiant·e méritant·e pour le travail accompli durant l’année en Photographie. Remis par M. Thomas Vonaesch, directeur à la Foncière
Prix d’excellence du domaine Design et Arts Visuels de la HES-SO – CHF 2'500.-
Yan Ciszewski – BA Cinéma
Un prix décerné à un·e étudiant·e de l'ECAL qui s’est distingué·e par l'excellence de son travail de diplôme. Remis par M. Gaetano Massa, adjoint scientifique Domaine Design et Arts visuels de la HES-SO
Prix Ernest Manganel – CHF 4’000.-
Salomé Engel – BA Arts Visuels
Un prix décerné par le jury de la Fondation Ernest Manganel à des étudiant·e·s diplômé·e·s en Arts Visuels, pour récompenser la pertinence de leurs recherches et la qualité très professionnelle de leur travail de diplôme. Remis par Mme Catherine Othenin-Girard, membre du Conseil de la Fondation Manganel.
BG Ingénieurs Conseils Award – CHF 1’500.-
Lara Zettl – BA Design Graphique
Un prix décerné à un·e étudiant·e diplômé·e, auteur·e d'un projet qui prend en compte le développement durable, en particulier ses aspects économiques, environnementaux et sociaux. Remis par Mme Anne-Claire Pliska, Directrice de la Planification Stratégique et de l'Innovation de la société BG Ingénieurs Conseils SA
Prix de l’ECAL – CHF 1’500.-
Alex Nguyen – BA Design Industriel
Un prix décerné à un·e étudiant·e diplômé·e qui s’est distingué·e par l’excellence de son travail tout au long de son cursus à l’ECAL. Remis par M. Stéphane Halmaï–Voisard, responsable du Bachelor Design Industriel
Prix METAA – CHF 1’000.-
Samuel Dumez – BA Media & Interaction Design
Un prix décerné à un·e étudiant·e diplômé·e en Media & Interaction Design qui s'est distingué·e par une approche prospective et expérimentale lors de son travail de diplôme. Remis par Mme Joëlle Aeschlimann, présidente de l’association METAA: Media Experiments in Technology and Art Association
Prix du Risque – CHF 1’000.-
Maria Esteves – BA Arts Visuels
Un prix décerné à un·e étudiant·e particulièrement talentueux·euse dans le domaine des Arts Visuels. Remis par M. Stéphane Kropf, responsable du Bachelor Arts Visuels.
Prix BCV – CHF 2’000.-
Nora Fatehi – BA Design Graphique
Un prix decerné à un·e étudiant·e diplômé·e en Media & Interaction Design qui s'est distingué·e par la qualité d'ensemble de son travail. Remis par Mme Pauline Saglio, responsable du Bachelor Media & Interaction Design
Prix EXECAL - CHF 1,000.-
Mara Wohlfahrt – BA Design Graphique
Un prix décerné à un·e étudiant·e diplômé·e qui s’est distingué·e par la qualité de son mémoire de Bachelor. Remis par Mme Catherine Othenin-Girard, Présidente EXECAL
Prix Visarte Vaud - CHF 1,000.-
Roxane Christinet – BA Arts Visuels
Un prix décerné à un·e étudiant·e diplômé·e en Arts Visuels qui s'est distingué·e par l'excellence de son travail. Remis par Mme Patricia Glave, présidente de Visarte Vaud
Prix Profot – Elinchrom One Dual Flash Kit avec trépieds et parapluies d’une valeur de CHF 3'000
Florian Hilt – BA Photographie
Un prix destiné à un·e étudiant·e diplômé·e en Bachelor Photographie qui a réalisé un excellent travail de diplôme. Remis par M. Sandro Bizzarro, conseiller Digital Imaging chez Profot SA.
Prix Jacqueline Veuve – CHF 1’000.-
Solène Mercier – BA Cinéma
Un prix décerné à un·e étudiant·e en cinéma qui s'est distingué·e au cours de l'année par la qualité de ses réalisations ou de son travail technique. Ce prix rend hommage à Jacqueline Veuve, grande documentariste suisse décédée en 2013. Remis par M. Lionel Baier, Professeur au département cinéma à l'ECAL, réalisateur
Prix Plateforme10 x ECAL – Exposition présentée à Plateforme 10 en collaboration avec l’ECAL + CHF 5'000.-
Mélanie Fontaine – BA Media & Interaction Design
Un prix destiné à récompenser un·e étudiant·e diplômé·e en Bachelor Media & Interaction Design qui s’est distingué·e par une utilisation prospective et poétique de nouvelles technologies. Avec Latent, Mélanie Fontaine scénarise nos échanges par messagerie instantanée en invitant le contexte des utilisateurs·trices dans les conversations. Ce prix permettra entre autres le développement du projet en vue d'une première visibilité publique à travers une exposition de le·la lauréat·e, tout en renforçant les liens entre l'ECAL et Plateforme10. Remis par M. Patrick Gyger, directeur général Plateforme 10
Prix Freestudios de l’Image – Bon pour l’étalonnage complet d’un court-métrage professionnel dans les locaux de Freestudios à Genève, d’une valeur de CHF 15'000.-
Dario Willommet – BA Cinéma
Un prix décerné à un·e étudiant·e en spécialisation Image qui s’est distingué·e par la qualité de son travail aussi bien au niveau artistique que technique. Ce prix souligne le passage vertueux entre le monde académique et professionnel à travers l’étroite collaboration entre Freestudios et le Département Cinéma. Remis par M. Boris Rabusseau, représentant FreeStudios
Bon pour l’étalonnage complet d’un court-métrage professionnel dans les locaux de Freestudios, d’une valeur de CHF 15’000.- (Spécialisation Image. Décerné par David Chizallet, Chef opérateur)
SDA Bachelor Award 2022 – Membre SDA durant 3 ans + coaching entrepreneurial individuel pour le développement de son projet de diplôme
Anaïs Lehmann – BA Design Industriel
Un prix qui récompense un·e étudiant·e Bachelor pour l’excellence de son travail de diplôme. Le SDA Bachelor Award offre au lauréat·e la possibilité de devenir membre SDA durant trois ans ainsi qu’un coaching entrepreneurial individuel pour le développement de son projet de diplôme. Remis par Mme Géraldine Morand, membre de la SDA : Swiss Design Association
Prix Images Vevey x ECAL
Augustin Lignier - MA Photographie
Un prix offrant l'opportunité d'une première visibilité publique à travers une exposition à un·e diplômé·e du Bachelor ou du Master en Photographie de l'ECAL, tout en renforçant les liens existants entre l'ECAL et Images Vevey. Remis par Alexis Georgacopoulos, au nom de Images Vevey.
Exposition monographique à Vevey, présentée par Images Vevey en collaboration avec l’ECAL
Stage FLOKK (6 mois au siège de FLOKK à Oslo)
HsinHung Chou – MA Product Design
Programme de stage de six mois au siège de FLOKK à Oslo, en Norvège, pour un·e diplômé·e du Master Design de Produit. Flokk est le leader du marché du design, du développement et de la production de mobilier de place de travail en Europe. Présenté par M. Camille Blin, responsable du Master Design de Produit, au nom de FLOKK
Prix Eyes on Talents (support professionnel)
Raphaela Häfliger
– MA Type Design
Carolin Schelkle
– MA Design de Produit
Trois prix décernés par l'agence parisienne Eyes On Talents à des projets de jeunes diplômé·e·s à fort potentiel en termes de durabilité, d'impact social ou d'intégration technologique. Les lauréat·e·s bénéficieront d'un accompagnement professionnel et d'un suivi médiatique ainsi que d'une visibilité accrue auprès du réseau de partenaires de l'agence. Remis par M. Youwie Roes, représentante de Eyes on Talents
Prix De Bethune – CHF 6'000.-
Camille Dutoit – MAS in Design for Luxury & Craftsmanship – CHF 6'000.-
Un prix décerné à un·e étudiant·e diplômé·e du Master of Advanced Studies in Design for Luxury & Craftsmanship pour la qualité de son travail. Remis par M. Denis Flageollet, maître horloger et fondateur de la De Bethune
Prix d'excellence dans le domaine du design et des arts visuels de la HES-SO – CHF 2'500.-
Luca Frati – MA Fine Arts – CHF 2’500.-
Un prix décerné à un·e étudiant·e de l'ECAL qui s’est distingué·e par l'excellence de son travail de diplôme. Remis par M. Gaetano Massa, Assistant scientifique Design et Arts Visuels HES-SO
Prix BG Ingénieurs Conseils – CHF 1’500.-
Paul Rees – MA Design de Produit – CHF 1'500.-
Un prix décerné à un·e étudiant·e diplômé·e auteur·e d’un projet s’inscrivant dans la prise en compte du développement durable, notamment par ses aspects économiques, environnementaux et sociaux. Remis par M. Camille Blin, Responsable du Master Product Design, au nom de BG Consulting Engineers
Prix David Rust – CHF 1’000.-
Karima Deghayli – MA Type Design – CHF 1'000.-
Un prix décerné par In Rust We Trust à un étudian·e diplômé·e qui s'est distingué·e par la qualité de son travail typographique. Le/la gagnant·e se voit offrir la possibilité de publier un visuel qui sera utilisé pour collecter des dons pour l'action Design against Cancer (menée par l'association). Remis par M. Angelo Benedetto, membre fondateur de l'association Rust We Trust
Soma Summer Mexico 2022 – Résidence artistique d’un mois au Mexique
Valentina Parati – MA Arts Visuels
Juri Bizzotto – MA Arts Visuels
Prix décerné à deux étudiant·e·s en Arts Visuels, sélectionné·e·s pour une résidence artistique d'un mois au Mexique, à l'Hacienda Santa María Xalostoc, près Tlaxco, dans l'État de Tlaxcala (à 2h30 de route de Mexico). Remis par Stéphanie Moisdon, Responsible du Master Arts
Masé Studios Sound Award - Bon pour le mixage complet d'un court-métrage professionnel dans les locaux de Masé Studios à Genève, d’une valeur de CHF 8'000.-
Yatoni Roy Cantu – MA Cinéma
Un prix décerné à un·e étudiant·e en spécialisation Son qui s'est distingué·e par la qualité de son travail, tant sur le plan artistique que technique. Ce prix souligne le passage vertueux entre le monde académique et professionnel à travers l’étroite collaboration entre Masé Studios et le département de Cinéma. Remis par Ivan Ruet, représentant Masé Studios.
Bon pour le mixage complet d'un court-métrage professionnel dans les locaux de Masé Studios à Genève, d’une valeur de CHF 8'000.- (Pour son travail sur le film RAMBOY de Matthias Joulaud)
Prix EXECAL – CHF 1’000.-
Amélie Gallay – MA Type Design – CHF 1'000.-
Un prix décerné à un·e étudiant·e diplômé·e qui s'est distingué·e par la qualité de son mémoire de Master. Remis par Mme Yoo-Mi Steffen, Secrétaire EXECAL
Bourse Nestlé-ECAL – CHF 10'000.- x2
Raphaela Häfliger – MA Type Design
Danpeng Cai – MA Design de Produit
Deux bourses Nestlé d’une valeur de CHF 10'000. - attribuées à des étudiant·e·s de 2ème année MADP, MAP et MATD qui se sont distingué·e·s par la recherche et la qualité de leur projet de diplôme, en particulier - mais pas exclusivement - en relation avec des thèmes actuels tels que l'innovation technologique ou sociale, la durabilité ou la santé. Remis par M. René Ciocca, Head of Corporate Identity & Design, Marketing and Consumer Communication of Nestlé
PPF: Prix Pangram Finesse – 2500$CAD équivalent en CHF)
Joana Siniavskaja – MA Type Design
Un prix décerné à un·e étudiant·e diplômé·e, qui s'est distingué·e par l'acuité de son souci du détail, ainsi que par un concept global qui s'inscrit dans les tendances actuelles du design graphique. Remis par M. Matthieu Cortat, Responsable du Master Type Design, au nom de Pangram Pangram
Bourses Fondation Casino Barrière de Montreux – CHF 8'000.- (Bachelor)
Antonin Maudry – 2e année BA Design Graphique – CHF 8'000.-
Deux bourses décernées à des étudiant·e·s sur le point d’accomplir leur année de diplôme. Le choix a été effectué en fonction de leur talent et de leur sens de la créativité. Remise par M. Jakob Hlasek, président de la Fondation Casino Barrière de Montreux.
Bourses Fondation Casino Barrière de Montreux – CHF 8'000.- (Master)
Carla Rossi – 2e année BA Design Graphique – CHF 8'000.-
Deux bourses décernées à des étudiant·e·s sur le point d’accomplir leur année de diplôme. Le choix a été effectué en fonction de leur talent et de leur sens de la créativité. Remises par M. Jakob Hlasek, président de la Fondation Casino Barrière de Montreux et M. Alexis Georgacopoulos, membre de la Fondation Casino Barrière de Montreux
Bourses Fondation Walter + Eve Kent (Bachelor) – CHF 5'000.-
Nolan Lucidi – 2e année BA Arts Visuels – CHF 5'000.-
Mathilde Hansen – 2e année BA Arts Visuels – CHF 5'000.-
Deux bourses décernées à des étudiant-e-s particulièrement talentueux-euses dans le domaine de la peinture et de la sculpture. Remises par M. Stéphane Kropf, responsable du Bachelor Arts Visuels au nom de la Fondation Walter + Eve Kent
Bourses Fondation Walter + Eve Kent (Master) – CHF 5'000.-
Clara Sipf – 1re année MA Arts Visuels – CHF 5'000.-
Sofia Fresey Angelopoulou – 1re année MA Arts Visuels – CHF 5'000.-
Deux bourses décernées à des étudiant-e-s particulièrement talentueux-euses dans le domaine de la peinture et de la sculpture. Remises par M. Alexis Georgacopoulos, membre du Conseil de la Fondation Walter + Eve Kent
Prix de la Ville de Renens – CHF 2'000.- x2
Lea Sblandano – 2e année BA Photographie – CHF 2’000.-
Luis Rodriguez – 1re année MA Design de Produit – CHF 2’000.-
Un prix d’encouragement décerné à un·e étudiant·e qui s'est distingué·e par la qualité de son travail. La possibilité est offerte à le·la lauréat·e· d’exposer son travail à la Ferme des Tilleuls à Renens. Remis par Mm. Nathalie Jaccard, Conseillère municipale en charge de la Direction Culture-Jeunesse-Affaire scolaire à la Ville de Renens
Prix de l’Année Propédeutique – CHF 500.- x3
Gaia Vitali – Option Design Industriel – CHF 500.-
Eliot Dubi – Option Design Graphique – CHF 500.-
Inès Riber – Option Design Graphique – CHF 500.-
Un prix décerné à trois étudiant·e·s de l’Année Propédeutique de l’ECAL qui se sont distingué·e·s par l'excellence de leur travail et qui ont obtenu les meilleurs résultats de leur volée. Remis par M. David Monnet, responsable de l’Année Propédeutique.
EXPOSITIONS
Le mercredi 2 novembre, l’ECAL présente les films de diplômes de Bachelor et Master Cinéma à la cinémathèque suisse. Puis, du 4 au 28 novembre - vernissage le jeudi 3 novembre de 18h à 20h, les projets de diplômes seront exposés à l’ECAL, dans son bâtiment à Renens.
PRIX & DISTINCTIONS
Trois diplômé·e·s de l'ECAL – Yoosung Kim en Master Design de Produit, Anaïs Lehmann et Lucie Herter en Bachelor Design Industriel – remportent le James Dyson Award 2022 grâce à leurs projets de diplômes.