Diplômes 2026

Face aux défis contemporains qui transforment les métiers créatifs, l’ECAL s’engage à former ses étudiant·e·s aux enjeux de leur époque et à anticiper ceux de demain. Cette exigence, transmise aussi bien au corps enseignant qu’aux étudiant·e·s, va de pair avec une myriade de projets, de collaborations, de voyages d’étude, d’expositions et de rencontres qui caractérise les formations proposées par l’ECAL.

Les projets des diplômé·e·s de Bachelor et Master réunis dans ce Yearbook témoignent de cette dynamique, ainsi que des aspirations personnelles et de la sensibilité de chaque étudiant·e. Ils reflètent des parcours où se conjuguent innovation, rigueur, expérimentation et engagement. Au fil de leurs études, nos diplômé·e·s ont constitué une communauté, développé un réseau, affiné leur regard sur le monde et trouvé leur propre voie. Tant d’expériences qui font d’eux de compétent·e·s et ingénieux·se·s alumni, en passe de prolonger leurs parcours dans le monde professionnel avec enthousiasme.

Nous nous réjouissons de voir nos diplômé·e·s s’épanouir dans leur pratique créative avec curiosité et ambition, ainsi que de découvrir les projets que qu’ils et elles porteront demain.

Bachelor

BA Arts Visuels

Tous les diplômes

ARTS VISUELS

Malou Martinelli – À peine déplacé

par Malou Martinelli

À peine déplacé est une installation composée d'une sculpture en bois et d'une vidéo. Elle se déploie autour d'une cimaise choisie avec soin, qui devient un point d'ancrage spatial et narratif. Dans une approche à la fois intime et spéculative, l'installation interroge la notion de maison – et plus largement l'environnement bâti – comme un lieu de projection, de mémoire, de transformation et de malaise. Les récits qui la traversent apparaissent fragmentés, parfois discontinus, à l'image des souvenirs qui les constituent. Le corps y est contraint, mis en tension, pris dans des espaces qui oscillent entre familiarité et étrangeté. De cette friction émergent des expériences ambiguës, proches du rêve, où le familier se dérobe peu à peu, instaurant un sentiment de déséquilibre diffus.

ARTS VISUELS

Niki Loroch – Marching band

par Niki Loroch

« Heterosexuals can't understand camp because everything they do is camp. » – Charles Ludlam, « Ridiculous Theatre : Scourge of Human Folly », 1992 Marching band est un ensemble d'actions performatives déployées et activées ponctuellement dans un espace d'exposition. Conçu comme une fanfare et via des incarnations tropologiques, les différents personnages qui la composent s'activent pour – entre autres – tenter de mettre en rogne les quelques contrats tacites qui régulent les champs de monstration. En bref : prenez vos mouchoirs.

ARTS VISUELS

Celia Cusanno – Waiting for the White Rabbit

par Celia Cusanno

Le temps est pris pour recouvrir minutieusement formes et matières. Coller, décoller, plier, tapisser, découper, tamponner, chauffer et refroidir, jusqu'à ce qu'elles frôlent l'inutilité. Libérées de ce pour quoi elles ont été pensées, elles finissent par exister sans plus chercher à satisfaire. À travers un acte de soin, une manière de panser formes et matières, le travail s'attache à les retenir sur un seuil qui s'étire. Elles s'échappent alors du mouvement général et ralentissent jusqu'à l'immobilité. Elles restent posées là, loin du vacarme des attentes. Entre l'élan et la retenue, l'ouverture et le repli, elles respirent. Plus tard, peut-être que certaines d'entre elles s'en iront. Ou peut-être pas.

ARTS VISUELS

Eloïse Llanca Bolivar – La Llorona / Las chismosas / Cha Cha Gitano

par Eloïse Llanca Bolivar

« J'ai entendu la dernière pièce de monnaie tomber dans la panse du téléphone public, un bruit de feuilles, de vent soulevant des feuilles sèches, un bruit comme de câbles s'entortillant et se désentortillant puis se défaisant dans le néant. Misère poétique. Tu te souviens que je voulais te raconter quelque chose et qu'à la fin je ne te l'ai pas raconté ? Sa voix a sonné parfaitement normale. Quand ? me suis-je entendu dire stupidement. Il y a longtemps, […] » – Roberto Bolaño, « Les Détectives sauvages », 1998

ARTS VISUELS

Arthur Troisfontaine – Piezo

par Arthur Troisfontaine

Piezo est une installation sonore interactive activée par les déplacements du public. Dissimulés sous un tapis, des microphones piézoélectriques captent les pressions, vibrations et mouvements des visiteurs. Ces informations sont transmises à un synthétiseur modulaire qui les transforme en matière sonore, diffusée par quatre points d'écoute indépendants. Pensée comme une œuvre adaptable à différents contextes architecturaux et acoustiques, l'installation se reconfigure selon l'espace qui l'accueille. Entièrement réutilisable et sans production de déchets, Piezo propose une expérience où le corps devient à la fois interface, instrument et générateur de paysage sonore.

ARTS VISUELS

Armine Salifu – Let it fly!

par Armine Salifu

Le plus ancien édifice et comptoir du trafique triangulaire construit en Afrique subsaharienne est un fort blanc sur la côte d'Elmina, au Ghana, bâti en 1482 par les Portugais et appelé le château Saint-Georges. Sur un fond rose, Let it fly! représente un fort blanc se dressant sur la côte en flammes. À côté, un Dragon crache du feu, célébrant avec deux de ses amis. Ce drapeau est une réinterprétation du mythe de saint Georges et du dragon. Les différentes techniques et matériaux utilisés pour la confection de cette image, qui a été minutieusement assemblée et peinte à la main, sont pleinement visibles. Le verso n'est ni couvert ni dissimulé ; il fait partie intégrante du récit, mettant en lumière la relation complexe entre le mythe et la réalité matérielle dont il s'inspire.

ARTS VISUELS

Nathan Pidoux – Reste

par Nathan Pidoux

Reste ne raconte pas une histoire. Ce projet expose les traces d'un passage, les résidus d'une action déjà terminée. Entre déchet, relique et fiction, les formes occupent l'espace comme des présences obstinées : bancales, vulnérables, irréductibles. Les branches vides imitent le bois sans en posséder la densité. Elles sont des peaux, des tubes, des simulacres. Leur présence oscille entre le décor et le débris, entre la construction et l'effondrement. Les chaussures et le sac à dos, quant à eux, évoquent un corps absent, une marche interrompue, la possibilité d'un départ ou d'un abandon. Dans cette installation, l'espace d'exposition est considéré comme un lieu où les objets peuvent négocier entre eux. Les formes s'y heurtent, s'y soutiennent et s'y rencontrent parfois.

ARTS VISUELS

Kathleen Pickavance – La Senteuse

par Kathleen Pickavance

Dans le film La Senteuse, l'artiste incarne un personnage qui peine à marcher dans un champ en talons hauts. Afin d'atteindre sa destination désirée, elle transporte une longue échelle, rapprochant le spectateur de son corps à travers la lentille d'un œil anonyme.

ARTS VISUELS

Kathleen Pickavance – The Mannequin Behind the Curtain

par Kathleen Pickavance

Le film The Mannequin Behind the Curtain est présenté dans une boîte en satin bleu comportant deux judas. Il met en scène un décor sombre dans lequel un mannequin et une personne sont scrutés à la lueur d'une lampe de poche en mouvement. La vidéo contient des images de mannequins observés durant la nuit derrière la vitrine d'un magasin. Ce film s'inspire d'une nouvelle de Sadegh Hedayat dans laquelle un homme devient obsédé par un mannequin qu'il ne peut quitter des yeux.

ARTS VISUELS

Romane Persoz – Home sweet home !!

par Romane Persoz

La femme devenue « Wife », se trouve entravée dans ses gants de ménage et de cuisine. La femme devenue « Mom », se trouve dans un espace colonisé et envahi d'insectes aux comportements insidieux. La femme se trouve dans un refuge jusqu'à ce que les murs cèdent sous ses écoulements. Home sweet home !!

ARTS VISUELS

Ielyzaveta Okhrimchuk – Marevo

par Ielyzaveta Okhrimchuk

Marevo est un phénomène par lequel l'air semble vibrer ou se dissoudre, rendant la perception instable. En ukrainien, le mot désigne aussi un état d'entre-deux. C'est précisément ce que ce projet explore : une série de photographies réalisées lors du retour de l'artiste à Kyiv, sa ville natale, en mars 2026, qui documente comment les gens vivent dans un état de suspension permanente, entre destruction et quotidien, entre avant et après, entre savoir et ne pas savoir. L'installation présente deux échelles d'images : des photographies plus petites montrant les traces de la guerre, de plus grandes illustrant la vie qui continue. Non pas comme des opposés, mais comme deux réalités simultanées.

ARTS VISUELS

Félicie Morel – Rêve, trésor rêve.

par Félicie Morel

Peut-être est-ce un point d'interrogation ou des détails insidieux qui se glissent dans ces pierres ? Rêve, trésor rêve. interroge les formes qui conditionnent l'imaginaire collectif dès l'enfance. À travers le pouvoir attractif de l'esthétique, à travers des couleurs vives ou adoucies, des angles arrondis, des échelles enjoliveuses et quelques notes douces sur de la vaisselle cassée. Les jouets sont souvent des symboles des problématiques du monde contemporain. Ils rejouent les dynamiques qui ont conduit les générations passées aux crises actuelles. Ils permettent de donner une forme innocente à la violence, de la rendre normale, car héroïne de nos histoires d'enfance.

ARTS VISUELS

Jonas Ruchti – La colombe, La ménagerie, La noisette, L'éléphant

par Jonas Ruchti

Les éléphants ont peur des souris.

ARTS VISUELS

Virginie Emonet – That's all folks!

par Virginie Emonet

That's all folks! interroge différentes notions, telles que l'image de soi en tant que femme, les stéréotypes sexistes, ainsi que le poids et les stratégies des images publicitaires ou cinématographiques. Elles sont abordées à travers la figure de Marilyn Monroe, personnage médiatique complexe. Sa personnalité a de multiples facettes, et elle incarne à la fois la matrice de la société du spectacle et d'Hollywood. Les fins de ses films sont supposées être heureuses; toutefois elles se résument au fait que Monroe trouve refuge auprès de personnages masculins misogynes et abusifs. En créant de nouvelles narrations, That's all folks! lui redonne, ou plutôt lui redessine, des scènes finales joyeuses et émancipatrices, s'éloignant des clichés réducteurs de son époque.

ARTS VISUELS

Avril Hélard – I Tell A Fly

par Avril Hélard

I Tell A Fly est une installation dans laquelle la notion d'énigme façonne la cohabitation des pièces entre elles, dans l'idée de représenter un espace latent dans lequel le sens se construit sans jamais se fixer. Différentes formes de structures modulaires, liées au décor, à l'écriture, à la mémoire et à la répétition, agissent comme autant de stratégies visant à faire exister le récit à travers une déambulation dans l'espace d'exposition.

ARTS VISUELS

Livia de Goumoëns – A Horse collection from or for Vanessa Rossetto / A Sound recollection

par Livia de Goumoëns

A Horse collection from or for Vanessa Rossetto Six images pour et par V. Rossetto : une artiste qui fait de la musique ou plutôt qui assemble des bouts de choses pour faire de la musique. Cette collection est un hommage et une démonstration de mon amour pour elle, la vie, les images, le son. A Sound recollection : une sélection de 25 collages sonores faits avec mon ami M.B., diffusés sur cinq plateformes de gare ferroviaire. On colle des choses qu'on aime et des choses qu'on fait. Le son se déclenche toutes les 13 minutes pendant environ une minute. Ils donnent un rythme et ils donnent un silence. Casser le rythme pour faire apparaître. Et ceci ne marche probablement que quand on donne un rythme. L'arythmie ne naît pas du vide, mais de sa présence dans une partition qui l'exclut.

BA Cinéma

Tous les diplômes

CINEMA

Morgane Beslay – Le Mur (Réalisation) – 2026

par Morgane Beslay

À la suite de leur séparation mal digérée, Eliane et Laure doivent repeindre un mur de la maison qu’elles quittent, autant chargé de leur histoire que de celle d’autres avant elles.

CINEMA

Charlyne Genoud – Respirer une fois sur trois – 2026

par Charlyne Genoud

Des cours collectifs de musculation où on respire quotidiennement en cœur. Charlyne y soulève des haltères avec trois retraitées qui adorent chanter. Et si un fitness pimpant pouvait se révéler être le lieu où contrer nos malédictions ?

CINEMA

Maéna Hirt – Pauvre Pauvre Timothy – 2026

par Maéna Hirt

Timothy disparaît. Puis les amies d’Astride et bientôt, toute la ville semble s’effacer sans explication.

CINEMA

Robin Kaufmann – Sous ma peau

par Robin Kaufmann

Le soir où Gabriel fête la condamnation de son abuseur, il se heurte à la tendresse de Lucien.

CINEMA

Jann Kessler – Se métamorphoser ? – 2026

par Jann Kessler

Comment vivre des relations saines, d’égal·e·x à égal·e·x ? Une recherche entre thérapie et cinéma.

CINEMA

Mathys Nouspikel – Capriccio – 2026

par Mathys Nouspikel

Arsène s'enfuit avant de jouer pour son grand-père mourant, mais une rencontre l'aide à revenir.

CINEMA

Pauline Pichard – GLORYLAND – 2026

par Pauline Pichard

Au printemps dernier, des lumières inconnues sont apparues dans le ciel lausannois. Dans un jardin, dernier fragment d’un Éden ordinaire, les récits se mêlent aux rumeurs après d’étranges disparitions.

CINEMA

Floriane Roulin – Petites Bouées – 2026

par Floriane Roulin

Lors des préparatifs du mariage de leur père, Sophie et Mila font face à leurs souvenirs d’enfance.

CINEMA

Nafi Touré – Le Mur (Image) – 2026

par Nafi Touré

À la suite de leur séparation mal digérée, Eliane et Laure doivent repeindre un mur de la maison qu’elles quittent, autant chargé de leur histoire que de celle d’autres avant elles.

BA Design graphique

Tous les diplômes

DESIGN GRAPHIQUE

Clara Besson – L'Or du Transvaal / L'Or des DuBois

par Clara Besson

L'Or du Transvaal / L'Or des DuBois est le premier volume de la collection Recto / Verso, dont le but est d'encourager les Suisse·x·s, et surtout les jeunes, à questionner l'histoire de leur pays. Ce volume explore comment la Suisse a été et reste impérialiste, au travers de la famille DuBois du Locle, partie exploiter l'or au Transvaal au XIXème siècle. Chaque double page met en miroir deux réalités simultanées : le récit impérialiste à gauche et sa critique multidimensionnelle à droite. Les mêmes événements abordés depuis des points de vue radicalement différents, par des entités qui coexistent sans jamais interagir directement. Dans un contexte de montée de l'extrême droite, L'Or du Transvaal / L'Or des DuBois aspire à lutter par la transmission des savoirs en-dehors du milieu universitaire.

DESIGN GRAPHIQUE

Joe Bionda – FINGERS CROSSED WHEN YOU HAVE NO CHOICE

par Joe Bionda

Mexico City repose sur un fantôme. Construite sur les eaux de l'ancien lac Texcoco, site de Tenochtitlán, la ville s'enfonce de 20 à 40 cm par an. Les bâtiments penchent, les fissures se multiplient, les structures deviennent instables : la ville glisse. À travers la scène créative locale, le magazine FINGERS CROSSED WHEN YOU HAVE NO CHOICE imagine un Mexico City post-apocalyptique non comme une fiction lointaine, mais comme le prolongement sensible du présent. Un territoire où anxiété, désir et cauchemars coexistent, où insécurité et violence façonnent corps et regards. Ce projet réunit recherche, direction éditoriale et artistique, design graphique et impression artisanale. Il propose une lecture située de la ville, envisagée comme un palimpseste vivant en transformation permanente.

DESIGN GRAPHIQUE

Alexandre Carruzzo – CH38

par Alexandre Carruzzo

CH38 est une proposition d'identité visuelle pour les futurs Jeux Olympiques d'hiver 2038 en Suisse. Ce projet vise à remédier au manque d'unité visuelle entre les informations analytiques présentent sur les overlay TV lors des transmissions en direct des épreuves olympiques et l'esthétique globale des Jeux. Afin de correspondre aux différentes formes d'information à l'écran, CH38 propose une police de caractères dédiée aux utilisations digitales, Swinter. Grâce à ses trois axes variables, elle apporte un dynamisme à l'overlay, correspondant ainsi aux valeurs sportives des Jeux. De plus, sa construction géométrique reflète les valeurs suisses de rigueur et de précision.

DESIGN GRAPHIQUE

Maeva Chanson – RIPOST(er)

par Maeva Chanson

RIPOST(er) est une édition entre archive et manifeste autour des zones autonomes temporaires, à travers le prisme des freeparties. Cette publication s'intéresse à ces espaces éphémères où des individu·e·s se réunissent pour danser, vibrer, créer et s'organiser hors des cadres imposés par le système. Dans le contexte politique français actuel, où les dispositifs de surveillance, de répression et de pénalisation s'intensifient, ces formes collectives deviennent des cibles. Ce projet interroge ce qui dérange réellement : non pas la fête, mais l'existence temporaire d'espaces qui échappent aux logiques de contrôle, de normalisation et de marchandisation. RIPOST(er) expose la possibilité, même brève, d'autres manières de créer et de vivre ensemble.

DESIGN GRAPHIQUE

Simon Cossy – Openground

par Simon Cossy

Le projet d'identité visuelle Openground est né d'observations faites par le designer graphique en tant qu'entraîneur de basket pour des jeunes de 14 ans. Premièrement, la pratique du sport en club nécessite des moyens, une organisation et un cadre auxquels quantité de jeunes n'ont pas accès. Beaucoup quittent donc leur club, et certains continuent à pratiquer le sport qu'ils aiment sur des terrains publics extérieurs. Deuxièmement, un language visuel impactant est un puissant levier pour créer de l'enthousiasme, de la motivation et un sentiment d'appartenance pour ces jeunes. Comment, donc, activer ce levier dans le cadre du basket amateur en extérieur, pour que ceux qui n'ont pas la possibilité de rejoindre un club continuent à se sentir concernés par le basket et légitimes d'y jouer ?

DESIGN GRAPHIQUE

Carolina Crivelli – Gossip

par Carolina Crivelli

Gossip est un magazine qui explore la perception de la féminité à travers les activités historiquement – mais encore aujourd'hui – associées aux femmes, comme le tricot, la broderie et la cuisine. Chaque aspect du magazine vise à se réapproprier la méthode de transmission féminine, restée jusqu'à présent en marge de l'histoire, de manière politique et féministe : de la hiérarchie entre texte et image, en passant par l'horizontalité des voix, jusqu'à l'impression dans laquelle le blanc, qui n'est normalement jamais mis en valeur, est imprimé et mis au premier plan. À une époque marquée par la résurgence de la misogynie, du patriarcat et du concept de « trad wife », Gossip est un espace de redécouverte de l'histoire des femmes et de discussion sur le rôle de nos activités dans la société.

DESIGN GRAPHIQUE

Da Silva Romão Caroline – Ce qui nos fica

par Da Silva Romão Caroline

L'ouvrage Ce qui nos fica rassemble le frantugais, une langue hybride franco-portugaise née dans les familles issues de l'immigration portugaise en Suisse francophone. À travers des mots jamais écrits mais transmis oralement, il capture une mémoire à la fois collective et personnelle : celle d'un entre-deux linguistique, culturel et familial. L'ouvrage propose ainsi une photographie de ce langage, figée dans le temps, dans son état en 2026. Ce qu'il nous reste, ce sont non seulement ces mots et expressions, mais aussi les souvenirs des trajets annuels entre la Suisse et le Portugal : les longs voyages en voiture ou en autocar, qui sont eux aussi, comme nous, un entre-deux pays. Este livro reúne o frantuguês, uma língua híbrida franco-portuguesa nascida nas famílias da imigração portuguesa na Suíça (França). Através de palavras nunca escritas, mas transmitidas oralmente, ele capta uma memória ao mesmo tempo coletiva e pessoal: a de um entre-dois linguístico, cultural e familiar. A obra propõe assim uma fotografia desta linguagem, fixada no tempo, no seu estado de 2026. O que nos fica são essas palavras, mas também as memórias das viagens anuais entre a Suíça e Portugal: as longas viagens de carro ou de autocarro, que são também elas, como nós, um entre-dois países.

DESIGN GRAPHIQUE

Siméon Dubuis – UNFOLDING TOPOGRAPHIES

par Siméon Dubuis

Ces dernières années, les montagnes s'effritent spectaculairement et, avec elles, différents mythes. Loin des images idylliques de cartes postales, des vallées et des villages sont coupés du monde, dans le pire des cas ils sont rayés de la carte. Dans ce contexte, UNFOLDING TOPOGRAPHIES remobilise les poncifs de la représentation alpine pour proposer de nouvelles narrations visuelles. Ce projet de recherche graphique intervient au cœur même de la matrice de production où les images sont créées, en détournant à la fois des techniques de production industrielle comme l'impression offset et des méthodes plus ancestrales comme la gravure sur cuivre. UNFOLDING TOPOGRAPHIES s'interroge sur comment nos représentations façonnent notre environnement et influence nos interactions avec lui.

DESIGN GRAPHIQUE

Clea Dunand – Il faut se perdre pour se retrouver

par Clea Dunand

Il faut se perdre pour se retrouver est un court-métrage d'animation qui retrace un voyage intérieur : le cheminement sensible vers la guérison d'une dépression. Entièrement réalisé à l'aquarelle, le concept utilise la fluidité et les fusions de l'eau pour traduire visuellement l'évolution des états d'âme, de la sombre stagnation vers la reconnexion à la lumière. Ce projet constitue un défi de développement personnel majeur, transformant une expérience intime en une œuvre universelle. Sa particularité réside dans l'expérimentation de cette technique traditionnelle exigeante, où chaque frame peinte à la main apporte une texture vibrante et organique. Une quête artistique et thérapeutique menée de bout en bout.

DESIGN GRAPHIQUE

Alice Gillioz – A Landscape of Consciousness

par Alice Gillioz

A Landscape of Consciousness matérialise les théories contemporaines de la conscience en une exploration immersive. Au fil d'un parcours narratif non linéaire, les visiteur·euse·s évoluent dans un campus virtuel dont les axes conceptuels prennent la forme de rues et de structures urbaines. A Landscape of Consciousness se déploie également sous la forme d'un festival dont la topographie reprend cette organisation, permettant aux théories voisines de coexister et d'entrer en dialogue. Inspiré du Landscape of Consciousness de Robert Lawrence Kuhn, une ressource conçue pour les chercheur·euse·s, ce projet établit des passerelles entre spécialistes et non-initié·e·s.

DESIGN GRAPHIQUE

Clara Hoya – Monumentum post inferna

par Clara Hoya

Monumentum post inferna est un hommage à la place qu'occupe la musique dans la vie de la designer graphique. Depuis l'enfance, la musique façonne son rapport au monde et, à l'adolescence, le black metal lui ouvre les portes d'un univers dont le centre de gravité semble se trouver à Oslo, dans un lieu devenu légendaire : Neseblod, anciennement Helvete. Derrière les disques et les vitrines subsiste la présence persistante du passé de cette boutique qui a marqué l'histoire du black metal, devenue un lieu de mémoire et de pèlerinage collectif. Livre conçu comme un scénario de film, Monumentum post inferna, présente les objets, les récits et les mythes qui continuent d'y faire résonner l'histoire du black metal afin de souligner leur importance et leur caractère démesuré.

DESIGN GRAPHIQUE

Noa Jetzer – Alula

par Noa Jetzer

Né d'une curiosité pour l'animation, le digital et les questions d'accessibilité, Alula est un projet développé en collaboration avec l'ergothérapeute Romain Savioz. Il explore la question suivante : à quoi pourrait ressembler un environnement numérique conçu pour encourager l'autonomie dans l'autorégulation émotionnelle chez les jeunes ? Pensé comme un espace de ressources en parallèle de la thérapie, le projet imagine son univers visuel à travers une animation en stop motion, des illustrations à la plume et des prototypes interactifs. Ensemble, ils esquissent un jardin digital évolutif où chaque geste participe à la construction d'un paysage singulier. En mêlant techniques analogiques et design interactif, Alula développe une approche sensible, narrative et accessible du graphisme numérique.

DESIGN GRAPHIQUE

Darina Komm – Threads

par Darina Komm

Pendant des siècles, le savoir de la broderie s'est transmis de génération en génération parmi les femmes, devenant progressivement une tradition et une composante essentielle de la culture. Threads propose un regard contemporain sur la broderie en l'explorant comme une forme de communication visuelle. Les ornements y sont considérés comme un langage structuré, porteur d'idées de protection, d'identité et de lien. Ancré dans les traditions de l'Ukraine centrale de la fin du XIXᵉ siècle au début du XXᵉ siècle, Threads associe recherche et interprétation en offrant non seulement un aperçu historique, mais aussi une démarche personnelle visant à renouer avec la mémoire culturelle à travers la photographie, les motifs et le récit.

DESIGN GRAPHIQUE

Mattias Koskinen – SKRÅ - Mind in Finland

par Mattias Koskinen

SKRÅ est une marque de vêtements qui puise directement son inspiration en Finlande. Destinée à révéler ce que les autres ne percevront pas, elle ouvre de nouveaux chemins d'exploration. Le terme Skrå, issu du suédois, désigne quelque chose d'oblique ou d'incliné. Cette première pré-capsule, "Mind in Finland", a pour but de montrer l'essence même de la marque. La collection met de côté les codes ordinaires pour mettre en avant une nouvelle vision. Il s'agit de laisser place à l'opacité, aux textures, aux silhouettes organiques et aux formes élancées que l'on perçoit lorsque les paysages sont submergés par la lumière et les ombres qu'elle crée. Ce sont ces principes que l'on retrouve tout au long de ce travail, qui forgent l'identité et le fil rouge de la collection.

DESIGN GRAPHIQUE

Nadia Laprés – Partysound

par Nadia Laprés

Partysound est un jeu musical destiné aux enfants. À l'aide de cartes disposées sur une table, les participants construisent une partition à interpréter collectivement en se déplaçant autour du jeu. Trois couleurs correspondent à trois timbres sonores : les mains, la percussion et la voix. Chaque joueur est associé à une couleur et interprète les symboles correspondants lorsqu'ils apparaissent dans la partition. La musique se construit par l'alternance entre les interventions et l'écoute. Présenté dans une boîte contenant plusieurs situations de jeu pour accompagner la découverte des règles, le projet encourage l'expérimentation et le plaisir d'être et de jouer ensemble. Né d'une réflexion sur les méthodes d'apprentissage musical, Partysound propose une approche plus libre et accessible de la musique.

DESIGN GRAPHIQUE

Amélie Matthey – révolte urgence, douceur collective

par Amélie Matthey

révolte urgence, douceur collective est un manifeste. Imprimé en 140 exemplaires. Imprimé uniquement avec de la récupération de papier. Imprimé avec des crédits d'impressions donnés. Imprimé en offset manuelle. Imprimé en lithographie. Imprimé de débrouilles et d'astuces. Le manifeste du pirate. Pirate parce qu'il faut agir. Pirate parce qu'il faut qu'on continue à se raconter des histoires. Pirate comme inspiration politique. Pirate parce que immense incendie ou petit feux, ce sera la révolution. Pirate comme des légendes vivantes de la manière dont les sociétés pouvaient être organisées autrement. Pirate comme liberté pour tout le monde. Pirate parce que c'est plus « toc, toc, toc, qui est là ? » mais « toc, toc, toc, nous sommes là ». Pirate est une bouteille à la mer.

DESIGN GRAPHIQUE

Joanna Metz – Galerie Nationale

par Joanna Metz

Galerie Nationale offre un regard sur le monde de la jeune scène photographique dakaroise. En collaborant avec cinq photographes sénégalais, l'artiste a organisé l'exposition Li Nu Boole, Ce qui nous relie, qui a culminé par un vernissage en mai 2026 à la Galerie Nationale de Dakar. Ce livre documente la préparation de l'événement, l'environnement, les artistes et leurs œuvres, ainsi que les spectateurs prenant la place d'acteurs lors du vernissage. Par le biais de discussions et de textes, les artistes exposent leurs parcours, leurs visions de ce qui nous relie, ainsi que leurs ressentis face au projet. Au cours de ce projet, l'artiste endosse les rôles de directrice artistique, curatrice, et graphiste, tout en vivant une expérience artistique et humaine dans son pays d'enfance.

DESIGN GRAPHIQUE

Eliott Mouissat – Face Z

par Eliott Mouissat

Face Z est une publication consacrée au festival du même nom, dédié à la découverte musicale et à la mise en lumière d'artistes émergent·e·s. Réalisée à partir d'archives, d'entretiens et de témoignages, cette publication cherche à retranscrire l'identité du festival ainsi que les valeurs qui le traversent : horizontalité, échange et ouverture à la diversité des pratiques musicales. Le projet s'appuie également sur une démarche de fabrication artisanale utilisant une ancienne imprimante Riso, dont les contraintes techniques ont défini la mise en page. Pensée comme une archive évolutive, cette édition conserve une trace de l'histoire, des souvenirs et des relations qui ont façonné Face Z.

DESIGN GRAPHIQUE

Gabriel Polgar – Tenir la rue, imprimer la rue

par Gabriel Polgar

Dans un contexte marqué par le recul des acquis sociaux et la réapparition de discours d'extrême droite, les manifestations sont des espaces où les voix se rassemblent et s'amplifient. De ces rassemblements naît une énergie collective rare : les paroles se délient, la solidarité se renforce et un élan commun se fait sentir. Pourtant, cette force se dissipe et s'efface souvent beaucoup trop vite. Tenir la rue, imprimer la rue a pour ambition, au travers d'un outil de création web basé sur l'aléatoire, de capter et de prolonger ces moments dans notre quotidien. Ce projet permet, grâce à du contenu récolté et alimenté collectivement, à chacun·e de composer et d'imprimer, en pleine rue, sa propre affiche.

DESIGN GRAPHIQUE

Adam Saragoussi – La Soupe

par Adam Saragoussi

Comment faire émerger de nouvelles mécaniques narratives dans la bande dessinée ? La Soupe suit le voyage surréaliste de Clarence et Ludwig dans leur quête vers le Noyau du monde. Bien qu'ils partagent les mêmes pages, les deux personnages évoluent dans des réalités parallèles distinctes, chacune associée à une couche d'impression différente. Développé comme un espace de recherche narrative, le projet explore les possibilités offertes par la coexistence de plusieurs récits et niveaux de lecture au sein d'une même page. Les images, mêlant dessins à la main et décors en 3D, construisent un univers oscillant entre science-fiction et rêve. Entièrement imprimée en risographie, La Soupe déploie différents dispositifs narratifs où les réalités se croisent, se contaminent et évoluent au fil du récit.

DESIGN GRAPHIQUE

Korakot Unasit – Close stranger

par Korakot Unasit

Tout part d'une amitié – née du hasard, au fil de moments partagés dans des espaces virtuels. Sans jamais se rencontrer physiquement, une relation s'est tissée. Ce paradoxe soulève une question : que signifie vraiment être présent pour quelqu'un ? De cette expérience naît Close Stranger, un projet d'images en mouvement ancré dans l'univers vidéoludique, qui explore la manière dont un lien peut évoluer dans un environnement dématérialisé, où la présence se définit autrement. Le trailer donne corps à ces liens immatériels qui habitent un monde partagé mais jamais totalement accessible.

DESIGN GRAPHIQUE

Léa Verboux – In Other Words

par Léa Verboux

Treize millions d'œuvres publiées gratuitement, sans éditeur ni reconnaissance institutionnelle, mais lues et réécrites par des millions de lecteurs. In Other Words est une anthologie consacrée à la Fanfiction qui documente cette pratique sous ses différents aspects : ses codes, ses communautés et la masse de productions qui circulent en ligne. Cette publication rassemble également des textes qui témoignent de la liberté qu'offre cette littérature parallèle, où les œuvres existantes deviennent une matière à transformer, prolonger, corriger ou réinterpréter. En confrontant les codes du livre traditionnel à ceux de la culture numérique, In Other Words interroge les frontières entre œuvre originale et réécriture et propose de lui offrir une légitimité, un espace et une matérialité.

DESIGN GRAPHIQUE

Arnaud Wenger – How You Read, How You Know

par Arnaud Wenger

Notre perception du changement climatique dépend de ce que nous lisons. How You Read, How You Know est une enquête sur l’architecture invisible de l’information. Quand un incendie brûle, les faits sont les mêmes : les hectares, le vent, les vies déplacées. Mais le récit que l’on en fait ne l’est jamais vraiment. Il change selon qui écrit, d’où, et pour qui. Ce projet analyse la couverture médiatique de deux incendies de 2025 : les feux de Los Angeles en janvier, et les feux de Corbières, dans le sud de la France, en août.

DESIGN GRAPHIQUE

David Zwicker – Typeable Images

par David Zwicker

Que se passe-t-il lorsqu'une typographie sort des limites du vecteur ? Typeable Images est un projet de création et de recherche typographique qui explore cette question à travers la technologie des fontes emoji, un médium permettant de construire des caractères à partir de pixels plutôt que de tracés. A travers des processus analogiques et numériques, le projet réinterprète une même fonte à travers différents styles artistiques, produisant des caractères basés sur l'image qui peuvent être tapés, combinés et superposés. Typeable Images propose une nouvelle interaction homme-machine ainsi qu'une nouvelle dimension pour le design typographique.

BA Design Industriel

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DESIGN INDUSTRIEL

Archibald Simon – Séjour

par Archibald Simon

Si le mot « séjour » désigne d'une part le fait de résider quelque part, il définit également la pièce à vivre d'une habitation. C'est précisément dans cette polysémie que s'inscrit le projet Séjour, un canapé-lit conçu pour l'hospitalité sous toutes ses formes ; partage et convivialité avec l'invité·e, puis confort et intimité dans son utilisation comme lit d'appoint. Au moment de la transition du canapé en lit double, son dossier se transforme en paravent et offre un espace propre à son occupant·e, le coupant de l'excitation du séjour pour qu'iel se sente comme à la maison.

DESIGN INDUSTRIEL

Matthieu Rigelo – Doll Museum

par Matthieu Rigelo

Plusieurs villes suisses réservent désormais leurs espaces publicitaires exclusivement à la culture, au sport et aux initiatives locales. Doll Museum est une vitrine urbaine dédiée à la promotion des musées locaux. Alternative tridimensionnelle à l'affiche traditionnelle, elle présente des objets issus d'expositions en cours, offrant ainsi un aperçu plus immersif pour susciter la curiosité et inviter aux musées. Sa structure en acier inoxydable à double paroi et son double vitrage de sécurité permettent de conserver les pièces exposées, tout en rendant la culture plus accessible.

DESIGN INDUSTRIEL

Romain Ricci – Rooster

par Romain Ricci

Rooster est un poulailler modulaire en kit flat-pack, conçu pour favoriser l'autonomie et la production alimentaire locale. Son concept repose sur la modularité : un module de base pour deux poules, extensible jusqu'à six poules. Pensé pour les personnes sans expérience en bricolage, il utilise des panneaux d'épicéa à trois plis usinés à la commande numérique. L'assemblage se fait simplement à la visseuse grâce à un système d'inserts. Le bois est traité à l'huile de lin pour garantir sa longévité en extérieur. Cette approche transparente valorise la réparabilité, chaque pièce pouvant être facilement remplacée. À l'intérieur, l'aménagement intègre un perchoir et un pondoir.

DESIGN INDUSTRIEL

Flavia Renaud – Soft Room

par Flavia Renaud

Soft Room est un objet hybride qui relie canapé et tapis pour créer un espace de rencontre et de partage entre amis, en famille ou entre colocataires. Il crée presque une petite pièce dessinée par le tapis, où l'on se retrouve pour tout faire ou ne rien faire ensemble. Le canapé bas et le tapis prolongent la surface de repos : assis ou allongés, tous se trouvent au même niveau. La structure en bois, entièrement recouverte de mousse, offre plusieurs angles pour se sentir confortable, enveloppé, et trouver sa place préférée. Le textile Kvadrat, librement drapé, forme des plis qui remplacent les coussins et ajoutent du confort. Une frange lourde contrôle le tombé du tissu et le maintient en place, tout en renforçant le caractère de l'ensemble.

DESIGN INDUSTRIEL

Mathilda Zubek – VANTA DT-1

par Mathilda Zubek

VEKTA-DT1 est une tente à double terrain conçue pour les aventuriers en solo. Combinant les fonctionnalités d'une tente au sol et d'une tente hamac suspendue, elle s'adapte à différents environnements sans nécessiter d'équipement supplémentaire. Les mâts structurels centraux ont deux fonctions : positionnés verticalement, ils assurent le soutien de la tente en version au sol, repositionnés horizontalement, ils deviennent des barres d'écartement structurelles qui stabilisent l'abri suspendu entre deux arbres. Ce système à double usage permet une adaptation rapide aux terrains irréguliers, rocheux, humides ou autrement inadaptés au camping traditionnel. Légère, compacte et polyvalente, VEKTA-DT1 offre une solution fiable, quelles que soient les conditions rencontrées au cours de l'aventure.

DESIGN INDUSTRIEL

Léa Perrelet – LOBI

par Léa Perrelet

LOBI est une collection de cinq lampes réalisées à partir d'éléments disponibles dans le magasin de bricolage suisse OBI. Ce projet explore la possibilité de rendre le design plus accessible en proposant des objets que chacun peut fabriquer soi-même. Tous les composants nécessaires peuvent être achetés dans un seul et même lieu, puis assemblés facilement à domicile, sans compétences techniques particulières. En valorisant l'autonomie et la pratique du bricolage, cette démarche questionne également l'usage des objets industriels à travers le détournement de pièces conçues pour d'autres fonctions. LOBI révèle ainsi le potentiel créatif caché dans des éléments ordinaires du quotidien en les transformant en de nouveaux objets.

DESIGN INDUSTRIEL

Anouk Quillet – Poucet

par Anouk Quillet

« Personne ne connaît ton corps mieux que toi. Poucet t'aide simplement à l'écouter. » Poucet est un objet connecté qui ramène le suivi du cycle menstruel au sein du corps de l'utilisateur·trice : il enregistre un symptôme par la pression exercée sur un galet en silicone. Plus la pression est forte, plus l'intensité est élevée. Le geste est instinctif, prend trois secondes et transforme le suivi en rituel plutôt qu'en contrainte. Une application compagnon enregistre l'historique, révèle les tendances et permet à l'utilisateur·trice de maîtriser ses données. Chaque symptôme, chaque paramètre du cycle est personnalisable : Poucet s'adapte à tout profil, toute réalité.

DESIGN INDUSTRIEL

Leo Niksch – Tonno

par Leo Niksch

Chaque hiver, l'actualité viticole suisse est régulièrement marquée par l'arrachage croissant de vignes. Ce phénomène, dû aux problèmes économiques auxquels font face les vignerons, laisse la terre nue et son bois prêt à être brûlé sans aucune valorisation de sa combustion. Surtout dans le Lavaux, une région géographique particulièrement marquée par des pentes variées, des terrassements et des ruisseaux. Dans ce contexte, Tonno propose une structure éphémère permettant la transformation d'un déchet en revenu d'appoint. Adaptée à n'importe quelle parcelle du Lavaux, elle profite de la source de chaleur produite par la combustion du bois pour accueillir les amateur·trice·s de vin dans des eaux chaleureuses pendant la saison creuse.

DESIGN INDUSTRIEL

Melchior Myard – Zeste

par Melchior Myard

Zeste est une série de cinq objets hybrides associant mobilier et activité physique. Conçu pour les étudiants et jeunes actifs vivant dans de petits espaces, le projet répond au manque de place et à la sédentarité. Loin de toute logique de performance, Zeste favorise un mode de vie plus actif grâce à de courtes interactions intégrées aux usages quotidiens. Chaque objet combine une fonction de meuble et une invitation naturelle au mouvement. Répartis dans le logement, ils créent un parcours qui transforme les objets du quotidien en occasions de bouger. L'association du liège, de la laine et du métal aux teintes douces crée une ambiance chaleureuse et apaisante, plaçant le bien-être au cœur de l'expérience plutôt que la performance.

DESIGN INDUSTRIEL

Arthur Moreillon – Buisson

par Arthur Moreillon

Apprendre dehors, ça s'organise. Les cours en extérieur se multiplient dans les écoles suisses et, avec eux, le besoin d'un équipement pensé pour la nature. Buisson naît de cette réalité et accompagne les élèves et les enseignant·e·s dans leurs sorties régulières, du matériel de cours au repas en passant par tous les imprévus du quotidien, sans compromis sur le confort ni sur la durabilité. Fabriqué en laine suisse et en tissu ripstop Etaproof, ce sac est pensé pour toutes les météos. Mais au-delà de la résistance, il invite à la curiosité. Ranger une pierre, glisser une feuille, conserver un bout de mousse. Le sac devient un espace de collecte autant que de transport, un compagnon de terrain qui grandit avec chaque sortie. Parce qu'apprendre en extérieur ne devrait pas être compliqué.

DESIGN INDUSTRIEL

Arthur Németh – Sofra

par Arthur Németh

Sofra est un canapé dans lequel on s'enfonce en fin de journée. Mais quand les personnes que l'on aime arrivent et que la table doit s'agrandir, il se transforme. Les matelas qui le composent se soulèvent et se réarrangent en une surface accueillante, transformant un salon en vrai lieu de rassemblement. Son nom vient de « Supra », la nappe communautaire déployée en Géorgie, autour de laquelle familles et amis s'assoient côte à côte pour partager un repas. Ce terme a toujours signifié plus que manger. Il désigne le soin, la proximité, et la chaleur d'être véritablement accueilli à la table de quelqu'un. Sofra porte la même idée. Un canapé dans ses moments silencieux, une table quand ça compte. Conçu pour gagner de l'espace, mais vraiment conçu pour rapprocher les gens.

DESIGN INDUSTRIEL

Séraphin Monnard – Selah

par Séraphin Monnard

Selah est une installation scénographique invitant le public à déambuler dans la Cathédrale de Lausanne pour en écouter l'histoire. Trois haut-parleurs sculpturaux y incarnent les grandes étapes du lieu : les origines, les mutations et les ouvertures. Ils diffusent six créations sonores retraçant son évolution : l'initiation, la construction, l'âge d'or, la réforme, les restaurations et le patrimoine vivant. Aboutissement de ses recherches en design acoustique, Selah résonne par ailleurs intimement avec l'héritage protestant du designer.

DESIGN INDUSTRIEL

Jonas Meynet – Latzoum

par Jonas Meynet

Latzoum est un refuge d'urgence compact conçu pour protéger deux personnes des conditions météorologiques difficiles en milieu alpin isolé. Il offre l'espace minimal nécessaire pour permettre à deux occupants de survivre en sécurité pendant une période pouvant aller jusqu'à 72 heures. Fermé lorsqu'il n'est pas utilisé, il se déploie lorsqu'il est occupé. Les détails rose vif servent de repères visuels dans le paysage montagneux, rendant l'abri plus facile à identifier à distance. Léger et facile à héliporter, le refuge peut être installé dans des sites isolés et s'adapter à des terrains irréguliers. Conçu pour fonctionner de manière autonome avec un minimum de maintenance, Latzoum constitue une solution fiable et durable pour la protection d'urgence en montagne.

DESIGN INDUSTRIEL

Valentin Meghit – Axe X

par Valentin Meghit

Axe X est un mobilier hybride conçu pour les musées, les halls d'accueil et les espaces publics polyvalents. Grâce à une rotation autour de son axe, l'objet passe simplement d'une assise à une table haute, permettant d'adapter rapidement un espace à différents usages : attente, discussion, conférence, vernissage ou atelier. Pensé pour accompagner la flexibilité croissante des lieux culturels et professionnels, il réunit plusieurs fonctions au sein d'un même objet tout en limitant l'encombrement. Réalisé en métal, contreplaqué compact et textile, Axe X adopte une conception durable où chaque élément est démontable afin de faciliter la maintenance, le réemploi et le recyclage des matériaux.

DESIGN INDUSTRIEL

Dona Levy – PRELUDE

par Dona Levy

PRELUDE réinterprète la coiffeuse traditionnelle pour répondre aux modes de vie contemporains et à la réduction des espaces domestiques. Conçue comme un objet mural compact, elle recrée un espace dédié au rituel de la préparation de soi. Son ouverture constitue l'élément central du projet : la rotation du miroir de l'horizontale à la verticale déverrouille l'objet et révèle les produits qu'il contient, transformant le rangement en présentoir. Intégré derrière le miroir, un système lumineux éclaire directement le visage à travers la partie sablée du miroir. À l'intérieur, des compartiments métalliques amovibles peuvent être déplacés librement afin que chacun compose son propre rangement selon ses habitudes, ses produits et ses besoins.

DESIGN INDUSTRIEL

Gabrielle Lefèvre – Anina

par Gabrielle Lefèvre

Anina est une cabane pour enfants qui se suspend au plafond et invite à l'aventure. Les enfants ont besoin de couleurs, de contrastes et de formes pour s'éveiller au monde, mais il est parfois difficile de les intégrer quand on tient à un intérieur neutre. Anina résout ce dilemme avec élégance : discrète vue de l'extérieur, elle révèle à l'intérieur un univers graphique riche et stimulant, développé en collaboration avec la graphiste Candice Aepli, spécialisée dans la création pour les tout-petits. Quand l'heure de l'aventure est passée, quelques cordons suffisent à remonter le tissu : la cabane se replie et disparaît dans la pièce. Anina peut également accueillir une douille de plafonnier et fonctionner comme abat-jour.

DESIGN INDUSTRIEL

Chloé Hamel – Tilt – 2026

par Chloé Hamel

Tilt est une chaise à bascule conçue pour la salle d'attente du service d'antalgie de l'hôpital. Attendre sans bouger peut s'avérer difficile, en particulier pour les patients qui souffrent de douleurs physiques chez qui l'immobilisme accentue la douleur. Grâce aux quatre amortisseurs en caoutchouc placés sous l'assise, Tilt offre un balancement doux et silencieux permettant d'améliorer le confort et la patience des utilisateurs en activant le système nerveux parasympathique, responsable de la relaxation et du bien-être. De plus, le balancement facilite la transition entre la position assise et debout : en se penchant en avant, l'assise accueille et accompagne le bas du corps. Les différentes parties composant Tilt peuvent être démontées et remplacées, assurant ainsi sa durabilité.

DESIGN INDUSTRIEL

Zoé Letoucque – Vagabond

par Zoé Letoucque

Vagabond est un sac pensé pour des voyages de quelques jours, né d'un constat simple : en déplacement, on accumule souvent plusieurs sacs ; un pour transporter, un autre pour utiliser sur place. Ce projet cherche à réunir ces usages en un seul objet. Grâce à son tissu rendu élastique, le sac peut varier de 35L à 3L et s'adapter aux besoins, passant d'un volume de transport à une forme plus compacte. Des sangles en velcro permettent d'en modifier la configuration, tandis que différents zips offrent plusieurs types d'ouvertures. Il peut ainsi devenir sacoche, tote bag ou sac à dos. Le projet s'appuie sur une recherche autour de la couture au fil élastique, comme moyen de générer à la fois forme et fonction.

DESIGN INDUSTRIEL

Benjamin Claus – UKS

par Benjamin Claus

UKS (Urban Keep Safe) est un système de rangement urbain pensé pour les municipalités et les organisateurs d'évènements. Conçu pour des déploiements temporaires, festivals, marathons ou installations saisonnières, il offre une infrastructure simple permettant aux utilisateurs de garder leurs effets personnels en sécurité. Les casiers flexibles sont constitués d'une poche de tissu imperméable combinée à un maillage en acier inoxydable, offrant ainsi une solution plus légère et plus compacte que les casiers traditionnels, tout en restant résistants aux intempéries et dissuasifs contre les vols. Une fois démonté, UKS tient sur une palette standard, prêt à être stocké et réutilisé lors du prochain évènement urbain.

DESIGN INDUSTRIEL

Damien Barman – Terrasse en place

par Damien Barman

Terrasse de parking modulaire. Conçue pour les restaurants qui occupent temporairement des places de stationnement durant l'été, cette terrasse modulaire propose une alternative standardisée aux aménagements souvent réalisés sur mesure. Une solution pouvant être réutiliser pour d'autre lieux et agrandit si besoin. Composée de modules d'une demi-place de parking qui s'assemble les uns aux autres pour s'adapter à un nombre variable de place de parking. Elle est pourvue d'un toit en tissu, déployable en accordéon sur rails à l'aide d'une corde qui permet de l'ouvrir et de le fermer depuis l'extrémité de la terrasse sans gêner les usagers. Entièrement démontable pour faciliter son stockage hivernal, la structure est en acier galvanisé et le sol en panneau de pin maritime.

DESIGN INDUSTRIEL

Mélissa Da Silva Nicolet – No Wings

par Mélissa Da Silva Nicolet

Une personne vit seule et veut être un oiseau. On ne sait pas pourquoi elle ne sort plus. On ne sait pas non plus pourquoi elle a décidé de devenir un oiseau. C'est arrivé progressivement. L'appartement se transforme en silence, dans une étrangeté calme et lumineuse. À partir de ce script, trois objets ont été conçus, liés à trois scènes du quotidien de ce personnage : un perchoir, un objet pour se laver, et un objet pour dormir. Chacun répond à un besoin humain, traduit à travers la logique de la vie d'un oiseau. Le projet prend la forme d'un set construit autour de ces objets, une ambiance, le fragment de vie d'un personnage qui a choisi, à sa façon, de vivre autrement.

DESIGN INDUSTRIEL

Laura Cipriano – Roll3

par Laura Cipriano

Roll3 est une paire de lunettes 3D qui explore une nouvelle manière d'habiter la vision. Flexible, enroulable et monomatière, elle s'adapte aux différentes morphologies du visage ainsi qu'au port de lunettes de vue. Elle remplace les branches traditionnelles par un système de maintien reposant sur une légère pression aux tempes, permettant une mise en place rapide et intuitive, directement sur le visage ou par-dessus des lunettes. Dans un contexte où environ 640'000 paires de lunettes 3D ont été utilisées en Suisse en 2025 et où 81 % de la population porte une aide visuelle, le projet questionne la capacité des objets optiques à répondre à la diversité des corps, des besoins et des situations d'usage.

DESIGN INDUSTRIEL

Gion Luginbühl – FURNITURE FOR PRISON ENVIRONMENT

par Gion Luginbühl

FURNITURE FOR PRISON ENVIRONMENT propose une approche plus humaine de l'aménagement carcéral. Conçu comme une structure modulaire fixée directement au mur, il réunit rangements, surfaces de travail, éclairage, assises et séparation des espaces dans un ensemble cohérent. Sa conception répond aux contraintes spécifiques du milieu pénitentiaire : robustesse, sécurité, facilité d'entretien et possibilité de fabrication dans les ateliers des prisons. L'association de hêtre stratifié, de mélèze, de plexiglas et de textiles ignifugés apporte chaleur et diversité à l'espace. En renforçant le lien entre l'espace de vie et la fenêtre, ce projet cherche à améliorer le confort quotidien et à introduire une forme de normalité au sein de la cellule.

DESIGN INDUSTRIEL

Nicola Gut – Smash

par Nicola Gut

Smash est un filet sportif urbain conçu pour rendre le volley-ball et le badminton accessibles dans l'espace public grâce à une structure unique et adaptable. Les installations existantes sont souvent encombrantes, nécessitent du temps de mise en place et un entretien régulier, limitant leur présence en ville. Smash répond à ce problème avec un filet rétractable qui s'enroule dans son boîtier lorsqu'il n'est pas utilisé, réduisant ainsi l'encombrement et facilitant son déploiement. Une poignée permet d'ajuster rapidement la hauteur du filet pour passer du volley-ball au badminton. Destiné aux parcs, places et espaces sportifs urbains, Smash encourage une pratique spontanée et flexible du sport.

DESIGN INDUSTRIEL

Damien Gabriel – Niv'o

par Damien Gabriel

Le climat transforme peu à peu le paysage alpin. Les glaciers reculent, les rivières changent de tracé et certains lacs s'assèchent. Dans ce contexte, les refuges de montagne deviennent particulièrement vulnérables, notamment face aux épisodes de sécheresse. D'ici 2050, 40% des refuges touristiques pourraient manquer d'eau. Niv'o est un récupérateur d'eau de pluie pensé pour les petits refuges, là où l'eau doit être stockée avec soin, avec des solutions simples, durables et accessibles. Sa structure en gabion se remplit de pierres trouvées autour du site, sans installation lourde ni transformation du lieu. Cette masse minérale protège la cuve en inox, ralentit le gel en hiver et conserve la fraîcheur en été. Niv'o devient ainsi une réserve discrète, précieuse et adaptée à son environnement.

DESIGN INDUSTRIEL

Matheo Dusong – NEX-1

par Matheo Dusong

Que devient un ordinateur fixe après usage ? À l'ère du télétravail, cette question s'invite au cœur de nos foyers. Conçu pour ceux qui travaillent à domicile, l'ordinateur s'impose souvent comme un rectangle noir intrusif dans notre espace de vie une fois la journée finie. NEX-1 propose une alternative : un ordinateur doté d'un écran flexible qui s'enroule dans sa base. En passant d'outil informatique à élément de mobilier discret, l'objet libère l'espace visuel et permet de mieux dissocier vie personnelle et professionnelle. En redéfinissant cette typologie, et alors que l'IA s'infiltre partout dans la domotique, NEX-1 choisit une approche inverse : une technologie avancée capable de disparaître de notre quotidien.

DESIGN INDUSTRIEL

Anouck Morlon – Multiples

par Anouck Morlon

Composé de six panneaux modulaires, le système de vitrines flat-pack Multiples génère une grande variété de configurations de présentation et d'agencements spatiaux. Conçu comme un outil flexible, il peut être assemblé, démonté, transporté et reconfiguré afin de s'adapter à différents contextes. Le projet explore le rôle du dispositif de présentation et interroge la manière dont les modes de mise en scène influencent la perception des œuvres et des objets. En remettant en question l'idée du dispositif comme support neutre, il met en lumière son influence sur la relation entre l'objet, l'espace et le visiteur. À la croisée du design d'exposition et du design industriel, Multiples envisage la présentation comme une composante active de l'expérience de visite.

DESIGN INDUSTRIEL

Aurélie Richard – Marquise

par Aurélie Richard

Inspirée par le mouvement des rideaux, la série de lampes textiles Marquise explore la manière dont la lumière peut être modulée par la matière. Chaque pièce se compose d'une surface de tissu derrière laquelle une source lumineuse peut être déplacée à l'aide d'une ficelle. Ce déplacement crée un plissé qui transforme la diffusion de la lumière et fait varier les effets lumineux produits. À travers différents formats, ces lampes s'inscrivent dans l'espace comme des présences textiles et lumineuses, invitant à une interaction simple qui révèle les qualités sensibles du tissu et de la lumière. Projet réalisé avec le soutien de Création Baumann

DESIGN INDUSTRIEL

Clara Uzunovic – Les Javelles

par Clara Uzunovic

Née de la rencontre avec Jean-Luc Rodot, producteur de paille de seigle, Les Javelles réunit cinq objets issus d'une recherche menée autour de ce matériau. Traditionnellement utilisée pour le rempaillage de chaises, les toitures en chaume ou encore la marqueterie, la paille de seigle devient ici un élément structurel à part entière. Inspiré par les gestes et procédés de sa récolte, ce projet explore de nouvelles mises en œuvre afin de révéler ses qualités matérielles et esthétiques. À travers une démarche expérimentale mêlant artisanat et travail de la matière, Les Javelles interroge ainsi le potentiel d'un matériau séculaire et renouvelle son champ d'application.

DESIGN INDUSTRIEL

Thaïs Matty – Mousseline

par Thaïs Matty

Habiller nos fenêtres, avant que la chaleur ne nous déshabille. Une solution aux intérieurs trop chauds existe depuis des millénaires, suspendue, silencieuse, dans les maisons de Mossoul. C'est dans cette ville mésopotamienne qui a donné son nom au tissu, qu'on accrochait des draps humides aux fenêtres pour traverser l'été. Mousseline revisite ce geste ancestral: un rideau qui se place dans l'encadrement extérieur de la fenêtre grâce à des barres ajustables. Une réserve d'eau vient coiffer le rideau: on l'accroche, la remplit, la remonte et l'eau descend lentement, imprégnant les fibres. L'eau, en s'évaporant, absorbe les quelques degrés en trop de la pièce. Dès que la chaleur se dissipe, il suffit d'écarter le rideau pour que la vue se dévoile.

BA Media & Interaction Design

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MEDIA & INTERACTION DESIGN

Teo Grajqevci – reform

par Teo Grajqevci

reform s'inscrit dans un contexte où les designers sont progressivement dépossédés de leurs outils : les logiciels de création deviennent plus automatisés, fermés et dépendants du cloud. Aujourd'hui, les IA génératives permettent de produire facilement des formes en 3D, mais au prix d'une perte de contrôle, de compréhension et d'appropriation du geste créatif. reform propose une autre voie : rendre la modélisation 3D plus simple, alors qu'elle est habituellement complexe et difficile à maîtriser. Le projet prend la forme d'un logiciel libre, avec une interface simplifiée, des interactions naturelles et des guides accompagnant l'apprentissage de ces outils. Ces démonstrations et exercices didactiques redonnent aux designers l'envie et les moyens de modéliser eux-mêmes.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Steve Bouillant – Re:soil

par Steve Bouillant

Le smartphone a transformé la sortie en montagne en exercice de documentation. On photographie, on géolocalise, on publie : la nature devient un contenu avant d'être un moment de reconnexion avec son environnement. Re:soil propose un dispositif compact outdoor dont les outils se déploient pour capter en continu l'humidité, la lumière et les transitions entre les milieux traversés. Sa sonde, plantée dans le sol, mesure la chaleur de la terre et la compare à celle de la main de l'utilisateur·trice. Son micro capture la texture sonore du lieu. Re:soil transmet ces relations par vibration et lumière, sans écran, sans performance et sans téléphone. Au retour, une application liée génère un journal éphémère mêlant interprétations sensibles, géologie du lieu, faune et flore potentielles.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Jonathan Vögele – Siphonophores

par Jonathan Vögele

Siphonophores est une expérience immersive où deux participant·e·s apprennent à habiter un même corps virtuel. Le siphonophore, cet animal marin qui semble n'être qu'une seule créature gélatineuse, est en réalité une colonie d'organismes. Nous qui nous croyons séparés, sommes déjà des multiplicités et nous formons ensemble des corps plus vastes encore. Reliés par un dispositif qui capte et synchronise leurs mouvements, les participant·e·s sentent leurs gestes se chercher, se rejoindre, parfois se contrarier. Un bras se lève sans qu'on sache tout à fait qui l'a voulu. Jusqu'où pouvons-nous nous sentir prolongés, déplacés, partagés ?

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Yann Müller – Trame Noire

par Yann Müller

À mesure que les villes s'illuminent, la nuit disparaît de notre regard. Trame Noire est une application mobile d'exploration nocturne qui sensibilise le grand public aux effets de la pollution lumineuse sur la faune et la flore active à la tombée de la nuit. À la croisée de l'expérience immersive et de la science participative, le projet propose une nouvelle manière d'observer et de comprendre notre cohabitation avec le vivant. Au fil des saisons et des cycles naturels, l'application invite à parcourir l'environnement urbain et à capter, lieu après lieu, l'empreinte lumineuse propre à chaque endroit. À travers ces explorations, Trame Noire construit une cartographie sensible de la nuit mettant en lumière ce que l'éclairage artificiel altère dans les comportements du vivant nocturne.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Shana Meinecke – She Kept Playing

par Shana Meinecke

Alors que les femmes composent la moitié des joueur·euse·s de jeux vidéo en Europe, elles ne représentent que 7 % des participant·e·s aux compétitions d'e-sport. Le projet VR She Kept Playing explore les causes de cette disparité. Bien que l'e-sport soit un secteur relativement jeune, les stéréotypes de genre et la misogynie y persistent. À travers l'écoute de courts récits issus de témoignages de joueuses professionnelles, les participant·e·s découvrent concrètement les obstacles systémiques auxquels elles sont confrontées. Portés par des joueuses influentes comme Kayane et Loupiote, ces femmes servent de modèles pour que la prochaine génération de joueuses puisse faire sa place dans ce milieu sans se préoccuper de questions de genre.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Daniel Rocha – HOMAZON

par Daniel Rocha

Dans ce jeu vidéo, l'utilisateur·ice incarne un agent d'assistance chez HOMAZON dont la mission est d'assurer le confort d'une famille dans leur maison connectée. Chaque action a pour but de rendre le quotidien de la famille plus simple, pratique et confortable. Le·la joueur·euse exécute des actions au cours du jeu qui semblent à première vue anodines. Pourtant, elles finiront par raconter un autre récit. Derrière ces gestes, les objets connectés ont en effet récolté de nombreuses données sur le mode de vie de la famille. HOMAZON ne cherche pas à révéler l'existence de la collecte de données, réalité déjà connue du grand public, mais vise à éveiller un public adolescent et jeune adulte à ce qui se joue derrière l'usage d'objets connectés, en apparence anodins et pratiques.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Charlotte Waridel – Bloom

par Charlotte Waridel

Bloom est une installation interactive plongeant dans la réalité opaque de l'extraction minière du nickel, pilier de la transition énergétique. En 1975, le biologiste Alan Baker découvre, dans une mine à ciel ouvert, une plante dont les feuilles contiennent des concentrations de nickel mille fois supérieures à la normale, Noccaea caerulescens. Il publie sa découverte, qui passe inaperçue. Aujourd'hui, l'industrie minière s'intéresse à ces plantes hyperaccumulatrices et développe le phytomining, une alternative aux méthodes d'extraction habituelles. Bloom explore la dualité entre la réalité scientifique et un discours pro-industrie qui le présente comme la solution verte de demain, en naviguant entre l'extraordinaire adaptation de ces plantes à leur milieu et les mécanismes du greenwashing.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Laurine Gigandet – CLAWS

par Laurine Gigandet

CLAWS propose une série d'accessoires d'interaction pour une communauté connectée. Portés au bout des doigts, ils permettent d'affirmer sa présence et d'interagir avec son environnement selon les choix des utilisateur·ice·s. À la frontière entre prothèse et nail art augmenté, le projet explore la manière dont un ornement peut transformer le corps en interface avec le monde physique, numérique et social. Chaque CLAW peut être personnalisée : texture, couleur, motifs deviennent des signes d'appartenance. Inspiré des imaginaires afrofuturistes, le projet s'inscrit dans une réflexion autour d'une forme de "marronnage numérique" : des technologies fugitives et auto-organisées. CLAWS devient une extension politique et culturelle qui résiste à la standardisation des technologies contemporaines.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Nyria Graber – Haptobiosis

par Nyria Graber

Haptobiosis révèle le microbiome de notre bureau, ce monde vivant et invisible que nos gestes façonnent. L'installation s'articule autour de trois objets hybrides : un clavier, une souris et son tapis, redessinés entre le technologique et l'organique. Dans une société qui aseptise ses espaces et où l'on combat les micro-organismes, comment renouer avec ce vivant imperceptible ? En interagissant avec ces objets, on découvre des bactéries, leur forme, leur présence, la vie silencieuse qui se déroule sous nos doigts, sur nos surfaces, et qui évolue avec nous. Chaque geste fait se développer ce microbiome derrière l'écran, l'endroit le plus aseptisé de tous, là où aucun organisme ne devrait pourtant exister. Le toucher devient le vecteur d'interaction entre nos gestes et cet écosystème.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Brikeld Hoxha – Compliant

par Brikeld Hoxha

Bienvenue dans Compliant, le premier réseau social entièrement construit autour de vous ! Pas autour de ce que vous voulez montrer, mais de ce que vous êtes vraiment. Pendant la phase de configuration, nous vous montrons exactement ce que nous collectons sur vous, sans filtre. Votre profil est généré automatiquement. Vos premières publications, vos comportements et vos interactions alimentent votre contenu. Puis, heure après heure, Compliant se met à jour, pour vous, sans que vous ayez à intervenir. Votre place dans la communauté est établie. Comparez-vous à vos pairs et montez dans les classements. Pour la première fois, les autres vous voient tel que vous êtes. Vous n'avez plus à chercher quoi dire, nous connaissons déjà les réponses.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Dalia Spichtig – Breaking the Narrative

par Dalia Spichtig

Breaking the Narrative est un web documentaire interactif et pédagogique consacré aux discours de la manosphère. Structuré en trois parties, il décortique trois médias privilégiés par ces communautés : la vidéo, l'écrit et l'audio, afin d'analyser leurs stratégies de communication et de diffusion. À travers différentes interactions ludiques, le projet cherche à sensibiliser et informer sur les mécanismes de séduction employés par la manosphère, tout en révélant la réalité systémique et idéologique que ces discours tendent à dissimuler. Destiné principalement aux jeunes garçons ainsi qu'à leurs parents, tuteur·trice·s et personnes encadrantes, Breaking the Narrative vise à fournir des outils de compréhension, d'analyse critique et d'éducation face à ces problématiques contemporaines.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Andreas Abbaszadeh – KIN

par Andreas Abbaszadeh

Le streaming a rendu la musique infinie et sans poids : tout écouter, ne rien posséder. Cette dynamique a détérioré le lien entre les artistes et celles et ceux qui les écoutent. KIN rematérialise l'écoute. C'est un lecteur portable sur lequel on charge une poignée de morceaux, comme une mixtape. Ses connecteurs magnétiques permettent à deux appareils de se toucher pour échanger leur musique, de main en main : partager redevient un geste entre deux personnes. Construit autour de la rareté et du rituel, avec une électronique sur mesure, un corps translucide, des commandes physiques et un écran qui réfléchit la lumière plutôt que de l'émettre, KIN ralentit la circulation de la musique pour lui rendre sa valeur et sa charge humaine.

BA Photographie

Tous les diplômes

PHOTOGRAPHIE

Salomé Billato – Grosse

par Salomé Billato

Grosse est un livre photographique qui mêle autoportraits, images documentaires et images fictionnelles autour du corps contemporain. En se réappropriant le mot « grosse », un terme marqué par la honte et la stigmatisation, ce projet interroge les normes de beauté et leur emprise sur notre rapport au corps. Il s'appuie sur l'expérience personnelle de l'artiste du Wegovy, un traitement de perte de poids ayant intensifié une surveillance constante de son corps. Grosse explore une contradiction centrale : la critique de ces normes tout en y participant. Le livre questionne jusqu'où nous sommes prêtes à remodeler notre corps pour répondre à des idéaux socialement construits.

PHOTOGRAPHIE

Lee Eggenschwiler – Standard Values

par Lee Eggenschwiler

Standard Values explore l'économie opaque des pierres de couleur à Bangkok. Conçu comme une enquête visuelle, ce projet s'intéresse aux zones grises de ce secteur, capturant le moment précis où les mécanismes de confiance et les flux mondiaux transforment un simple caillou en un idéal de luxe standardisé. Le livre confronte la matérialité brute des gemmes à l'espace urbain, faisant dialoguer les facettes des cristaux avec l'architecture des gratte-ciels pour en révéler la similitude et les inclusions. Pourtant, les images révèlent aussi une forme de solitude face à une opulence illusoire, entre boutiques vides et corps anonymes.

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Vittorio Franzolini – Still still

par Vittorio Franzolini

Still still explore l'héritage des architectures construites durant la période fasciste en Italie. Inspiré des « parole in libertà » futuristes, le titre naît de la répétition d'un même mot, générant une ambiguïté entre immobilité et mouvement. Réalisé entre Milan et Rome en argentique, le projet cherche à désacraliser ces bâtiments à travers des points de vue rapprochés et décentrés, s'éloignant de leur représentation monumentale et célébrative. Murs et surfaces apparaissent comme une peau marquée par l'érosion, la poussière et les traces du temps, transformant des symboles de pouvoir en corps fragiles et vulnérables. Still still interroge la persistance de certaines esthétiques de l'autorité dans le présent et prend la forme d'un livre et d'une installation imprimés en Comcolor.

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Antoine Genoud – Galé j'armayi

par Antoine Genoud

Galé j'armayi s'intéresse à la manière dont la figure du paysan est représentée en Suisse, où elle est fortement liée à l'identité nationale. Plus largement, le projet invite les spectateur·trice·s à questionner leur rapport à un passé idéalisé et exploité ainsi qu'aux traditions auxquelles ils·elles sont attaché·e·s de manière à se les réapproprier. Plastiquement, cela prend la forme d'une pièce vidéo ainsi que d'une série d'autoportraits où la pose, l'habillement et les objets concourent à recréer l'imagerie paysanne traditionnelle tout en y intégrant un certain décalage dans le but de la questionner. De plus, les rôles d'hommes et de femmes sont interprétés par l'artiste lui-même, remettant en question une certaine idée du genre et des valeurs traditionnelles et conservatrices.

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Morea Gërxhaliu – Petti Toes Grande

par Morea Gërxhaliu

Petti Toes Grande est un film expérimental et une installation. Quatre animaux se retrouvent autour d'un thé : un chien, un cerf, un rat et un cochon. Chacun incarne une sous-personnalité et transforme un monologue intérieur en conversation. Nourrie par la culture Internet, la culture furry, les archétypes animaux et la charge émotionnelle projetée sur certaines espèces, l'œuvre utilise le symbolisme animal pour explorer différentes versions du soi. Sur trois écrans encadrés de rideaux de scène, téléréalité et théâtre fusionnent dans un spectacle où performance et authenticité deviennent difficiles à distinguer. La hiérarchie de la scène reste instable, oscillant entre celles qui servent, celles qui performent, celles qui regardent et celles qui sont reléguées à l'arrière-plan.

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Rose Graf – EVERYTHING FALLS QUIET

par Rose Graf

Il y a des moments que personne ne voit. Pas parce qu'ils n'existent pas, mais parce que personne ne regarde vraiment. EVERYTHING FALLS QUIET est né d'une mémoire intime, celle du harcèlement scolaire. Des lieux familiers traversés par une obscurité qui n'est pas naturelle, des corps qui coexistent sans se voir, une tension qui pèse sans jamais éclater. Entre souvenir et mise en scène, entre réel et onirique, c'est une façon de reprendre le pouvoir sur ce qui a été subi. De mettre sur pause ces instants invisibles pour leur donner enfin une présence, un visage.

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Léa Isoard – Almost Marble

par Léa Isoard

Almost Marble observe la circulation des corps féminins contemporains dans un paysage visuel et culturel façonné par des représentations héritées. Prenant pour référence les Cariatides de l'Acropole, ce projet s'intéresse à la persistance d'idéaux construits par un regard masculin, ainsi qu'aux possibilités de leur déplacement. Dans le labyrinthe athénien, portraits et fragments architecturaux composent alors une lecture sensible d'une ville stratifiée. Les figures photographiées peuvent être envisagées comme des « cariatides déplacées » : non plus des corps assignés à soutenir un monument, mais des présences vivantes qui habitent la ville et la constituent de l'intérieur.

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Maël Le Guével – Liberté, Liberté ! C'est où ça ?

par Maël Le Guével

Liberté, Liberté ! C'est où ça ? est une enquête vidéo au cœur des gbakas, ces minibus collectifs qui sillonnent Abidjan du matin au soir. Couverts de slogans religieux et de couleurs vives, ils forment un marqueur visuel fort de la ville. À leur bord, les apprentis racolent, collectent la monnaie et négocient dans une atmosphère de désordre et de violence codifiée. S'imposer, c'est survivre. Le film suit Kenzo, 32 ans, apprenti depuis dix ans à la gare d'Adjamé Liberté. En caméra embarquée, on le suit dans son quotidien. Il s'active, s'époumone pour charger le bus au plus vite. Une fois lancé vers Yopougon, le calme retombe sur les passagers et seul le bruit du trafic résonne. Ce projet est un portrait d'un théâtre urbain où virilité, débrouille et chaos sont des formes de résistance.

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Farah Mirzayeva – ANOMALIES

par Farah Mirzayeva

Inspiré par une formation en chimie, ANOMALIES explore la frontière entre l'imagerie scientifique et la construction visuelle. Après avoir photographié des machines qui traitent ou stockent des données dans les laboratoires de l'EPFL, les images sont modifiées en utilisant le scan comme outil de transformation pour les altérer, les glitcher et les déformer. Le processus imite les machines elles-mêmes : les images codifiées sont systématiquement rescanées pour acquérir une nouvelle matérialité et deviennent texturées, instables et, paradoxalement, analogiques. ANOMALIES se compose d'une installation recréant le squelette d'un microscope de laboratoire, ainsi que d'un livre qui reflète le traitement des données afin de révéler l'immatérialité et l'abstraction de la recherche scientifique.

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Auriane Nicollier – Everything Will Remain Except the House

par Auriane Nicollier

Everything Will Remain Except the House est une série documentaire qui suit les habitant·e·s d'un bâtiment squatté pendant près d'un an. Après leur expulsion, certain·e·s ont trouvé un nouveau lieu de vie, tandis que d'autres se sont retrouvés à la rue. Le projet interroge la manière dont l'intimité se construit dans des espaces temporaires, collectifs et précaires. Chaque lieu occupé doit être aménagé, partagé et réinventé. Dans cette instabilité, le chez-soi se définit plus par les relations qu'il accueille que par l'espace qu'il occupe. Présenté sous la forme d'une édition réunissant photographies et témoignages, Everything Will Remain Except the House préserve la mémoire d'un lieu disparu et propose une réflexion sur la précarité du logement, la vie collective et l'entraide.

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Colas Ravey – Un goût salé m'est resté en bouche

par Colas Ravey

La plage, dans les jeux vidéo comme dans la vie, est un lieu cher à l'artiste. C'est un espace qui mélange personnes, sensations et instants de vie. Un endroit où l'identité et la sexualité des gens sont à la merci du soleil et de la chaleur. Un goût salé m'est resté en bouche est une réminiscence de l'enfance, une période où les jeux vidéo sont des mondes pixelisés où tout semble possible, dépourvus de questionnements sur l'image de soi et l'amour. En s'inspirant de l'esthétique low-poly, le projet parle d'un instant suspendu où voyeurisme, bronzage et drague coexistent. Un moment où l'artiste devient l'avatar d'un jeu à multiples buts, naviguant entre désir et liberté, intime et public, à la recherche de quelque chose qui pourrait ressembler à de l'amour.

PHOTOGRAPHIE

Aline Savioz – I feel slightly off

par Aline Savioz

Né d'une période introspective, I feel slightly off transforme des ressentis invisibles comme l'angoisse et la perte de sens en mises en scène construites. À travers des portraits, des scènes de groupe et des natures mortes, des situations familières basculent subtilement vers l'étrange. Inspirées par les notions d'inquiétante étrangeté (Sigmund Freud) et de vallée de l'étrange (Masahiro Mori), les images jouent sur de légers décalages qui créent une tension entre le quotidien et l'inquiétant. Réunissant neuf photographies grand format et une image imprimée sur un tapis au sol, l'installation propose une réflexion sur le rapport au contrôle, à l'angoisse et à la perception de la réalité, tout en cherchant à rendre visibles des expériences intimes souvent partagées mais rarement exprimées.

PHOTOGRAPHIE

Ashley Schneiter – AMUL RAGAL

par Ashley Schneiter

AMUL RAGAL est un projet photographique documentaire consacré au lamb, pratique profondément ancrée dans les traditions culturelles, sociales et spirituelles du Sénégal. À travers ce travail, l'artiste interroge la représentation photographique du corps masculin noir et les imaginaires qui lui sont associés. La lutte sénégalaise offre un terrain où se croisent rites, croyances et culture contemporaine. En tant que femme évoluant dans un environnement presque exclusivement masculin, l'artiste a développé un regard sensible aux gestes, aux nuances, aux moments d'attente ou de vulnérabilité qui échappent au spectacle. L'utilisation d'une faible profondeur de champ fait du flou un outil narratif traduisant la frontière incertaine entre réalité, croyance et représentation.

PHOTOGRAPHIE

Louise Tapponnier – Ce qu'elles partagent

par Louise Tapponnier

Ce qu'elles partagent explore la photographie comme un processus relationnel et collaboratif autour de la notion de sororité. À travers un dispositif fondé sur la répétition et l'uniformisation, l'artiste photographie des femmes dans un cadre partagé afin d'observer ce qui émerge au-delà des singularités. Le regard se déplace vers les gestes, les attitudes et les formes de présence. Les échanges lors des prises de vue font émerger des réflexions sur les habitudes corporelles, les postures apprises et les manières de se présenter ou d'occuper l'espace. L'édition prolonge cette recherche en rassemblant les corps dans un flux continu où les figures s'unissent et se répondent. Les images composent progressivement une forme de « nous », fondé sur l'expérience partagée.

PHOTOGRAPHIE

Shiny Vallenas – The Money Shot Always Tastes Like Bunnies And Donuts

par Shiny Vallenas

Les codes de la pornographie ont recomposé en profondeur la représentation des femmes au sein de l'image contemporaine. Du porno chic des années 2000 à l'esthétique des clean girl des réseaux sociaux, il s'agit des mêmes gros plans et des mêmes corps fragmentés qui circulent. Le désir, inhérent à l'image, prend aujourd'hui différentes formes déguisées dues à la censure et se transforme en tendances virales. Ce projet croise la mise en scène et l'image générée par intelligence artificielle afin de reconstruire des dispositifs empruntés au casting porno, à OnlyFans, au vocabulaire publicitaire et trace ainsi des correspondances formelles entre le corps, l'animal et l'objectification pour rendre visible ce qu'un flux permanent d'images nous apprend à ne plus voir.

Master

MA Arts Visuels

Tous les diplômes

ARTS VISUELS

Hugo Baud – ALCOVE

par Hugo Baud

ALCOVE est une installation située dans le hall de l'ECAL, qui propose une réflexion autour de cet espace d'exposition. Elle est composée de cimaises de l'école mesurant chacune 2,06 m sur 2,80 m. La structure, faisant 6,18 m de long, 4,12 m de large et 2,80 m de haut, forme un rectangle au sol de 25,46 m². Peint à l'extérieur en S 1502-R, couleur officielle des murs du bâtiment de l'école, et à l'intérieur en RAL 9016, définie pour les espaces d'exposition. Le nom ALCOVE reprend celui des canapés emblématiques du hall d'entrée de l'ECAL.

ARTS VISUELS

Iulia Bucuresteanu – Somewhere in Draculaland

par Iulia Bucuresteanu

Somewhere in Draculaland analyse comment la figure de Dracula a façonné la vision occidentale de l'Europe de l'Est à travers des cadres impérialistes et néo-gothiques. Elle montre que ces récits persistent aujourd'hui via des images pseudo-folkloriques diffusées par Hollywood, qui renforcent des hiérarchies culturelles. En mobilisant la figure du vampire, liée à la contagion, à l'altérité et à l'invasion, ce projet retrace leur origine dans les angoisses de la fin du XIXe siècle et leur circulation actuelle. Somewhere in Draculaland met en lumière leur détachement des sources littéraires et leur transformation en « vérités » folklorisées, créant une boucle où l'identité se réduit à la reconnaissabilité, au profit de l'autorité culturelle occidentale.

ARTS VISUELS

Hugo Cuenot – A strip of fruitful land of our own (Tereska Torres / Karim Kattan / Hugo Cuenot)

par Hugo Cuenot

Alliant son et sculpture, A strip of fruitful land of our own est une installation composée de trois fenêtres en papier accompagnées de textes dédiés que l'on peut entendre à leurs côtés. Réalisées dans un délicat papier Xuan, ces fenêtres frêles sont une reproduction des fenêtres de la maison de l'artiste, faisant ainsi entrer sa perception fragile dans l'espace. Les trois textes, issus de trois époques distinctes et lus par trois voix différentes, tissent des récits de déplacement, de guerre, de désir et de queerness, offrant une vision du monde à voir et à entendre à travers le voile fin de ces fenêtres suisses. Alors que la fragilité de notre perception du monde est constamment remise en question par les histoires que l'on nous raconte, le moment est venu de les écouter.

ARTS VISUELS

Gaia Del Santo – nothing happens in the absence of repetition

par Gaia Del Santo

nothing happens in the absence of repetition est une série d'œuvres créées à partir de citations tirées de communiqués de presse des expositions vues par l'artiste au cours de sa formation Master. Cette série s'inscrit dans la continuité de recherches sur la façon dont l'impératif du branding au cœur du capitalisme des plateformes tend à uniformiser les modes d'expression personnelle. Ce projet s'intéresse à la manière dont ce phénomène se manifeste dans le champ de l'art, où les liens commerciaux avec cet outil sont dénoncés et niés. La sélection de citations explore une double contrainte : celle, indéniable, de l'originalité du travail de l'artiste, ainsi que de sa nécessité de se situer dans une filiation lisible.

ARTS VISUELS

Olive Godlee – Me and Other People's Children

par Olive Godlee

Me and Other People's Children est un triptyque, réalisé par transfert de graphite sur toile brute. Les images sources sont des photographies prises par l'artiste, avec les enfants dont iel s'occupe et les représentant. En bas à droite apparaît une bulle de message texte, envoyée par l'artiste/nounou à la mère des enfants. Cette œuvre s'inscrit dans la continuité d'un corpus de travaux qui explore la relation triangulaire entre nounou, mère et enfant.

ARTS VISUELS

Taleb Lachheb – FRANCE FIST: EXPORAMA

par Taleb Lachheb

FRANCE FIST: EXPORAMA est une installation composée de sculptures en carton et d'un texte diffusé par une enceinte. Ce projet traite le langage comme une matière instable, épuisée par la performativité. Les phrases produisent des rapprochements inattendus entre des sujets éloignés comme le corps, la famille, le travail, la sexualité, la société et le futur. Le sens n'est pas démonstratif : il apparaît par collisions successives et décalages. L'ensemble propose une lecture fragmentaire, proche d'une forme de lecture paranoïaque, où les liens entre les éléments restent instables et paradoxaux.

ARTS VISUELS

Asia Lapai – ICI UNE PLANTE A ÉTÉ VOLÉE PAR UNE PERSONNE SANS SCRUPULE ET SANS RESPECT POUR NOTRE COLLECTION

par Asia Lapai

« ICI UNE PLANTE A ÉTÉ VOLÉE PAR UNE PERSONNE SANS SCRUPULE ET SANS RESPECT POUR NOTRE COLLECTION » est une phrase issue des panneaux de la serre du Jardin botanique de Genève, ajoutée lors de la disparition d'une plante. Elle ouvre une réflexion sur l'exotisme comme production de récits et de rapports de pouvoir, fondés sur l'opposition entre « ici » et « ailleurs ». Little Chewy est une rencontre avec un travailleur des docks de Liverpool, ancien port majeur du commerce triangulaire. Ces fragments font émerger des narrations contradictoires ou révisées, maintenues dans l'opacité. Ce projet interroge désir, pouvoir et représentation, ainsi que le façonnement colonial des espaces et ses effets sur le vivant, dans l'hypothèse d'un régime nécroesthétique.

ARTS VISUELS

Charly Mirambeau – There Is No Memorial

par Charly Mirambeau

Sièges du cinéma érotique Le Moderne, cimaise, trou de 5,6 mm, photographie aimantée sur plaque d'acier avec cadre en chêne. There is no memorial for the person killed or for the two people injured in the far-right homophobic terrorist attack that took place on February 19, 2002, at the erotic cinema Le Moderne, located on Avenue William-Fraisse 2 in Lausanne, Switzerland.

ARTS VISUELS

Marta Morandini – Sponde

par Marta Morandini

Sponde est un film qui s'attarde sur le passage entre la fin de l'enfance et le début de l'adolescence de trois amies au cours d'une journée d'été. Les jeunes filles se séparent de leurs amis et de la plage bondée et entreprennent une marche le long des rives du fleuve. Le paysage s'élargit peu à peu, les voix humaines laissent place aux sons de la nature et des animaux qui habitent le fleuve. Dans ce silence s'ouvre la vision d'une métamorphose des corps et du paysage, dans une symbiose unique. A la tombée du soir, l'une d'elles est saisie d'un mouvement de l'âme inexplicable et rebrousse chemin, sans prévenir ses amies endormies sur les rochers. Les deux autres, à leur réveil, reprennent leur marche en direction de l'eau, devenant de petites figures perdues à l'horizon.

ARTS VISUELS

Matteo Pizzolante – make room for the miracle

par Matteo Pizzolante

Basé sur la réitération et le développement de combinaisons et d'altérations apparemment simples, make room for the miracle explore des réalités quotidiennes, des techniques traditionnelles et des objets recyclés issus d'actions ordinaires. Poussés au-delà de leur forme, ces éléments rythment une production traversée par un flux esthétique contradictoire et omniprésent, qui refuse toute fixation définitive et reste exposé à des déviations constantes. Des éléments provenant de multiples directions se superposent et s'hybrident. Plutôt qu'une synthèse, les œuvres mettent en scène une tension entre le désir d'habiter plusieurs mondes à la fois et l'impossibilité d'appartenir pleinement à un seul. C'est dans cette friction que l'espace se transforme et se fissure.

ARTS VISUELS

Matthias Reclus – Z to A & A to Z

par Matthias Reclus

"they send you home with a bag full of yarn it's good therapy they say make something out of it months later when the ice breaks up in the bay and you reopen the sun porch it turns out to be a soft woollen purple and black thing a thing to wrap around you when you're cold when you're trying to warm up to the fact that this has got to stop the crocheting the crochety behavior hooking unravelling" "Vanity Shades", Mary Howes, 1990

ARTS VISUELS

Daniel Walcher – Familiar Structures

par Daniel Walcher

Le cœur de Familiar Structures est une série de quatre peintures à l'huile représentant des réseaux financiers. L'artiste a peint des environnements simulés complets autour des œuvres – murs de galerie, caisses d'expédition. Ces couches imbriquées révèlent une mise en abîme : la peinture physique abrite une représentation simulée de son propre espace. Ce projet anticipe sa propre « vie après la mort » : documentées numériquement, les toiles retournent aux données et aux réseaux algorithmiques dont elles sont issues. Le « miroir numérique », un graphe interactif, permet de retracer les chemins algorithmiques qui ont matérialisé ces structures. Ainsi, Familiar Structures explore les réseaux invisibles que nous héritons, habitons et reproduisons.

MA Cinéma

Tous les diplômes

CINEMA

Tabarak Allah Abbas – Spring Fugue (Production) – 2026

par Tabarak Allah Abbas

Spring Fugue est un court métrage qui suit une adolescente géorgienne de 13 ans vivant en Suisse. Le temps d'une journée, le film traverse les silences familiaux, le déplacement culturel et les tensions politiques héritées du monde des adultes. En déconstruisant les schémas dramaturgiques classiques, Spring Fugue cherche à placer le spectateur dans la même position que la mère de l'enfant : observer, interpréter et douter. Dans la contrainte d'un format de dix minutes, le film construit sa tension à travers les gestes, les regards et le mouvement plutôt que par le dialogue ou l'explication.

CINEMA

Gabrielle Amapakabo – One Fine Evening In Santa Paura (Scénario)

par Gabrielle Amapakabo

One Fine Evening in Santa Paura est une première version d'un scénario de long métrage de fiction, mêlant récit initiatique et épopée fantastique. Le film suit Craig Melville, jeune Américain de 10 ans, qui rejoint sa grande sœur Théo dans un petit village du Tessin, le temps d'un été. Alors que le petit garçon rêve que son père Charles, un businessman aux abonnés absents, le remarque, il se lie d'amitié avec Otto, le jardinier muet de la villa dans laquelle ils résident, qui lui fait découvrir la beauté de la nature. Mais les plans de Charles pour la vallée pourraient venir entacher leur amitié naissante. Ce projet cherche à explorer la mise en scène du silence, de l'enfance et des lieux en tant que langage narratif à part entière.

CINEMA

Mariam Bitsadze – Spring Fugue (Réalisation) – 2026

par Mariam Bitsadze

CINEMA

Romane Demidoff – Ada s'en va (Scénario)

par Romane Demidoff

Le soir du 1er août, alors que toute sa famille s'apprête à célébrer la fête nationale, Ada, 20 ans, apprend une nouvelle bouleversante : elle est enceinte. Désemparée, elle fuit un foyer étouffant. Alors qu'elle attend un bus qui ne viendra jamais, une voiture s'arrête. Au volant se trouve un jeune homme, Merlin, persuadé de reconnaître son premier amour disparu, Sandra. D'abord surprise, Ada reprend rapidement ses esprits et se fait passer pour elle. Ensemble, ils prennent la route vers Montreux. Mais leur trajet nocturne bascule lorsqu'ils découvrent une petite fille cachée à l'arrière du véhicule. Au bord du lac Léman, ce trio improbable improvise une famille fragile et éphémère, tandis qu'Ada tente de composer avec une identité en mouvement qu'elle peine elle-même à définir.

CINEMA

Jacob Detwiler – Toilet (Montage) – 2026

par Jacob Detwiler

Toilet raconte l'histoire de deux femmes après la fin du monde. La plus âgée construit des toilettes en empilant des pierres, presque comme un rituel, tandis que la plus jeune est attirée par ses gestes et le rythme de son travail. Le film explore les formes d'humanité qui pourraient subsister dans un tel contexte, en observant comment les habitudes et les sensations d'une personne peuvent se transmettre à une autre. Avec très peu de dialogues, le film retrace le passage de l'hostilité à l'intimité à travers les gestes, les regards et le son plutôt que par le langage. Le son, en particulier, est un élément important : il révèle les émotions et les changements relationnels que les personnages n'expriment pas par les mots, et soutient les moments les plus délicats du film.

CINEMA

Michael Girod – Verseau Révolution (Son) – 2026

par Michael Girod

Verseau Révolution est un documentaire hybride mêlant film de famille, enquête et autofiction. Face à la perte progressive de mémoire de sa grand-mère, ancienne astrologue, la réalisatrice reconstitue les archives et l'univers médiatique d'Élisabeth Teissier, astrologue de renom de la même génération, dans l'espoir de raviver des souvenirs et de rouvrir un dialogue familial. À travers des entretiens et des reconstitutions d'archives réalisées en studio, le film brouille les frontières entre documentaire et fiction. Cette recherche explore la transmission, la mémoire et les récits que nous construisons pour donner sens à nos vies. Ce projet a été développé en collaboration avec les départements Image et Set Design de la ZHdK.

CINEMA

Michael Girod – In Between (Son) – 2026

par Michael Girod

In Between est un court-métrage de fiction qui explore l'expérience migratoire à travers un regard intime et sensible. À une époque marquée par les déplacements, l'exil et la recherche d'un avenir meilleur, ce projet interroge les sentiments de déracinement, de nostalgie et de non-appartenance qui accompagnent souvent le fait de partir. Le film suit une jeune danseuse péruvienne installée en Suisse, partagée entre ses attentes, ses doutes et son désir de trouver sa place. À travers un travail sur le contraste visuel, le son et le corps en mouvement, In Between expérimente différentes formes narratives pour traduire cet état d'« entre-deux » et questionne ce que signifie réellement se sentir chez soi.

CINEMA

Michael Girod – Toilet (Son) – 2026

par Michael Girod

CINEMA

Alejandra Gomez Pinilla – In Between (Réalisation) – 2026

par Alejandra Gomez Pinilla

CINEMA

Eunhyoung Ju – Toilet (Réalisation) – 2026

par Eunhyoung Ju

CINEMA

Millan Kiptum – Keeper (Réalisation) – 2026

par Millan Kiptum

Keeper est un court métrage de fantasy urbaine qui raconte les derniers instants partagés par deux amis. L'un est un fantôme, l'autre un gardien de but sur le point de rentrer chez lui en Afrique. À travers le football et des rituels d'adieu, ils dérivent entre le chez-soi et l'ailleurs, entre la vie et la mort. Keeper est une réflexion sur l'idée du foyer au-delà d'un simple lieu. Ce film montre que, même lorsque l'on vit loin de chez soi, on trouve toujours des façons de vivre, d'aimer et de prendre soin les uns des autres.

CINEMA

Maël Mubalegh – Spring Fugue (Montage) – 2026

par Maël Mubalegh

CINEMA

Johanna Pataud – Pétrel (Scénario)

par Johanna Pataud

Pétrel est un long-métrage de fiction à la lisière du fantastique, qui explore la question du deuil en interrogeant la frontière entre l'homme et l'animal. Ouessant. Île battue par les vents et couronnée d'oiseaux. C'est là que travaille Morgane, 28 ans, naturaliste dans un organisme de protection de la nature, lorsque son petit frère Robin, 26 ans, vient la voir après des années de silence mutuel. Mais le lien qu'ils s'efforcent de reconstruire se brise : pendant une randonnée sur les falaises noyées de brume, Robin disparaît. Suicide, accident ? Pour Morgane, le deuil est impossible. Son île familière a changé de visage et pour survivre, Morgane doit partir sur la trace de son frère. Changer de monde, changer de peau, au risque de se perdre.

CINEMA

Miguel Rodriguez-Viloria – Keeper (Montage) – 2026

par Miguel Rodriguez-Viloria

CINEMA

Lévana Schütz – Verseau Révolution (Réalisation) – 2026

par Lévana Schütz

MA Design de produit

Tous les diplômes

DESIGN DE PRODUIT

Omar Bassil – Esplanade

par Omar Bassil

Esplanade est une exploration de la manière dont une pièce de cuir découpée à plat peut être transformée en chaussure par pliage, enroulement et assemblage minimal à l'aide d'outils simples. Réduisant la fabrication de chaussures en cuir à ses éléments essentiels, la forme émerge par la tension et l'usure. Le projet fait référence à la carbatine, une typologie de chaussure romaine réalisée à partir d'une seule pièce de cuir, adaptant son principe de patronage à une chaussure contemporaine. Bien que la construction soit ramenée à sa plus simple expression, sa fabrication repose sur l'expertise des artisans du cuir et sur des techniques propres à leur savoir-faire. Cette approche donne naissance à un objet simple, souple et durable, reflétant l'artisanat et la matérialité du cuir.

DESIGN DE PRODUIT

Ehrat Lee – Lightworks

par Ehrat Lee

Lightworks est un système d'éclairage qui donne aux images une place fixe dans la maison. Photographies, graphismes et dessins sont sans cesse accumulés, mais restent le plus souvent cachés sur les téléphones, dans des livres ou des tiroirs. Le système repose sur des procédés industriels existants : une seule feuille de papier imprimée en UV forme l'abat-jour courbé, maintenu par une structure légère en aluminium et assemblé par des aimants. La lampe se démonte à plat et se transporte dans son propre tube d'impression, l'image enroulée. Disponible en trois tailles, elle transforme chaque tirage en objet lumineux. Les tirages se changent en quelques secondes, de l'image personnelle à la commande.

DESIGN DE PRODUIT

Moritz Engel – CALYX

par Moritz Engel

CALYX est une sandale d'escalade minimaliste. Conçue pour une hygiène et un entretien optimaux, elle réduit le chausson d'escalade classique, composé de matériaux mixtes, à un exosquelette dépourvu de textile. Elle est construite autour d'un noyau en caoutchouc durable, associé à des semelles Vibram remplaçables munies d'un indicateur d'usure et intègre un adhésif « Debond-on-Demand » (décollage à la demande). Celui-ci permet un ressemelage facilité en cours d'utilisation et une séparation nette des matériaux pour le downcycling en fin de vie. Grâce à sa conception pliable et compacte, CALYX est idéale pour le grimpeur puriste en quête d'un maximum de sensations et de retour tactile, avec un poids minimal.

DESIGN DE PRODUIT

Carl Johan Jacobsen – Vaev

par Carl Johan Jacobsen

Vaev est une chaise composée d'une structure rigide et simple soutenant un filet réalisé sur mesure. Habituellement utilisé pour les clôtures, ce filet se transforme ici en assise confortable, tout en préservant une esthétique légère et aérée. L'association de ces éléments crée une chaise à la fois visuellement aérienne et structurellement bien définie, laissant circuler librement la lumière, l'air et la pluie. Suffisamment robuste pour une utilisation extérieure, Vaev s'intègre aussi parfaitement aux espaces intérieurs.

DESIGN DE PRODUIT

Carolien Janssens – Alpen

par Carolien Janssens

Alpen est un gilet de trail running conçu pour les coureuses ayant une poitrine. Les gilets de trail permettent de transporter eau, nutrition et équipement tout en restant ajustés au corps. Alors que la plupart sont encore conçus pour une morphologie à torse plat – même les modèles féminins ne sont souvent que des versions réduites des modèles masculins, ce qui crée des points de pression au niveau de la poitrine –, ce projet part de la géométrie du corps féminin. Conçu à l'aide d'expérimentations en modélisation papier et avec le logiciel de patronnage 3D CLO, Alpen propose un panneau frontal générant du volume, un système de fermeture double pour un ajustement indépendant au-dessus et au-dessous de la poitrine, ainsi qu'un système de tailles combinant tour de torse et volume de poitrine.

DESIGN DE PRODUIT

Finn Johnson – Draft

par Finn Johnson

Draft est un cadre de vélo en tôle d'aluminium, développé en collaboration avec le Geometric Computing Laboratory de l'EPFL. Le cadre est découpé à plat et assemblé à partir de six pièces d'aluminium découpées au laser. La forme est créée grâce à un outil de calcul géométrique qui génère des géométries complexes à partir de feuilles plates. Le vélo est un médium pour mettre en valeur cette méthode, réalisée la première fois sous forme d'objet fonctionnel.

DESIGN DE PRODUIT

Gunnar Kähler – Meadow Furniture

par Gunnar Kähler

Les meubles Meadow Furniture s'intègrent directement dans le jardin, se fondant dans la verdure sauvage environnante. Au milieu des hautes herbes et des fleurs, les objets appartiennent au paysage. Le soleil, l'air et la pluie les traversent, réduisant leur impact sur le sol et sur les plantes en dessous. L'assemblage soudé de tiges d'acier crée une structure légère et résistante, facile à déplacer ou à laisser à son endroit préféré pour la saison. Afin de ranger les pièces pendant l'hiver, les chaises et la table s'empilent les unes sur les autres pour un encombrement minimal. Meadow Furniture propose une interface pour le jardin sauvage, où une présence humaine discrète est bienvenue dans un paysage laissé à lui-même.

DESIGN DE PRODUIT

Wouter Kellens – SETA

par Wouter Kellens

Alors que les soins de santé quittent progressivement l'hôpital pour s'installer à domicile, les patients doivent intégrer des équipements médicaux complexes dans leur quotidien. Développé avec la technique de NextKidney, SETA est un appareil d'hémodialyse à domicile qui repense la relation entre traitement et environnement domestique. Lorsqu'il n'est pas utilisé, il prend la forme d'une table d'appoint discrète ; pendant le traitement, il se déploie pour révéler une station de dialyse complète dont tous les composants sont intégrés dans une architecture compacte et organisée. En réduisant l'encombrement visuel et en créant une présence plus familière le salon, SETA cherche à rendre les traitements de longue durée moins cliniques et plus compatibles avec la vie quotidienne.

DESIGN DE PRODUIT

Xose Lois Piñeira – Stay Still

par Xose Lois Piñeira

La fatigue est devenue un phénomène omniprésent dans la vie contemporaine. Bien que nos espaces de travail tolèrent le repos, ils le rendent impossible par le manque d'espace ou d'objet dédié. Stay Still est une chaise basse conçue pour des siestes de vingt minutes en milieu productif. Moulée par injection, elle s'inscrit sous la ligne d'horizon du mobilier de bureau standard, maintient le corps dans une position calibrée pour un repos bref et conscient, et s'empile à plat. Elle est peu coûteuse, accessible et efficace. Sa géométrie est délibérée, assez précise pour être intentionnelle, assez générique pour n'appartenir à aucun travailleur en particulier. Stay Still suppose qu'une culture du repos et de la procrastination productive se forme, et propose en retour un objet honnête.

DESIGN DE PRODUIT

Paul Quentin – Drapé

par Paul Quentin

Les canapés convertibles se transforment d'un espace d'assise en un espace de couchage au sein d'une pièce à vivre. Bien que le meuble change de fonction, la pièce en elle-même reste inchangée, ce qui donne souvent aux invités le sentiment d'être à la fois exposés et intrusifs. Drapé répond à cette tension en réimaginant le dossier du canapé comme un élément spatial plutôt que comme un simple composant structurel. Lorsque le canapé est déplié, le dossier pivote vers le haut pour devenir une tringle pour un séparateur textile. Le couvre-lit, habituellement utilisé comme literie, est détourné en un rideau qui se déploie depuis le dossier, créant ainsi une cloison souple entre l'invité et la pièce à vivre environnante.

DESIGN DE PRODUIT

Cody Ramseyer – 1/2 Round

par Cody Ramseyer

1/2 Round est une exploration guidée par le matériau, développée à partir d'un unique profilé en bois standard du commerce : une demi-rondelle de 8 cm de diamètre et de 5 m de longueur. Par un processus de découpe, d'assemblage, d'équilibrage et de répétition, ce matériau de construction ordinaire se transforme en une série d'objets situés à la frontière entre l'outil, le mobilier et la sculpture. Inspiré par la logique directe et pragmatique des structures agricoles et d'atelier, le projet explore la capacité d'un seul élément à générer une grande diversité de formes tout en conservant un langage formel cohérent. Plutôt que d'imposer une fonction précise, les objets suggèrent des actions telles que soutenir, contenir, transporter ou délimiter.

DESIGN DE PRODUIT

Luc Reinacher – Feltform

par Luc Reinacher

Feltform est une série de meubles rembourrés qui explore le feutre de laine, un matériau dont les origines remontent aux plus anciennes traditions textiles connues. S'inspirant d'une méthode de feutrage humide pratiquée par les bergers turcs pour confectionner des manteaux à partir de fibres de laine en vrac, ce projet transpose un artisanat ancestral dans une pratique du design contemporain. La laine en vrac est feutrée autour de pochoirs plats, créant des cavités qui permettent au tissu d'envelopper des volumes sans aucune découpe ni couture. Les coussins ainsi obtenus présentent des formes et des surfaces difficiles à réaliser avec les techniques d'ameublement conventionnelles.

DESIGN DE PRODUIT

Julia Siebert Cáceres – abril

par Julia Siebert Cáceres

abril est un imperméable transformable en combinaison intégrale pour les cyclistes urbains. Porté par des motifs écologiques et économiques, le vélo en ville est en plein essor, mais la météo imprévisible reste un obstacle. Les pantalons de pluie traditionnels sont encombrants, complexes à enfiler en public et inadaptés au milieu professionnel. Conçu en coton naturel Ventile, abril intègre une extension de jambe cachée à l'arrière et une structure double couche qui protège les coutures critiques tout en libérant le mouvement. abril allie imperméabilité fonctionnelle et esthétique élégante, agissant comme un abri personnel qui s'intègre visuellement et socialement à la vie citadine quotidienne.

DESIGN DE PRODUIT

Diego Soria – Plano

par Diego Soria

Plano est un ensemble de deux meubles explorant comment des gestes simples et manuels peuvent changer la fonction d'un objet. Réalisé en Valchromat avec des détails en aluminium et en acier, le projet se compose d'une étagère et d'une chaise qui se transforment via des mécanismes basiques. Les meubles peuvent être utilisés de différentes manières : soit traditionnellement comme une étagère classique et une chaise longue, soit reconfigurés en un petit bureau pour le travail léger, avec une table et une chaise de travail. Plano propose des pièces simples et adaptables pour adapter facilement l'utilisation de son espace.

DESIGN DE PRODUIT

Hugo Von Hofsten – The Office Lamp

par Hugo Von Hofsten

Et si, assis à un bureau, vous deviez fabriquer une lampe à partir de ce qui vous entoure ? The Office Lamp s'inspire des objets de bureau que l'on trouve sur sa table de travail. Elle est fabriquée à partir d'une tige en acier de 3 mm, dont la forme s'inspire d'un trombone, reliée par une gomme. L'ampoule est suspendue librement à l'intérieur, maintenue par des élastiques qui épousent la structure métallique et se connectent à une douille inspirée d'un rouleau de scotch. The Office Lamp est livrée dans une enveloppe et s'assemble facilement.

DESIGN DE PRODUIT

Timothy Widmer – Soft Response

par Timothy Widmer

Soft Response explore le potentiel émotionnel et tactile des matériaux souples à travers une série d'objets en silicone remplis de liquide, inspirés de l'esthétique de la robotique souple. Partant d'une fascination pour la douceur et de l'essor des fidget toys, le designer interroge la manière dont des objets tactiles pourraient favoriser le calme plutôt que la stimulation permanente. Grâce à une recherche expérimentale sur les matériaux, ce projet propose une collection de formes souples et déformables réagissant lentement à la pression et au mouvement. Soft Response étudie comment la douceur, la fluidité et la réaction différée peuvent générer des expériences sensorielles apaisantes.

DESIGN DE PRODUIT

Motong Yang – Terms of Trade

par Motong Yang

Du thé du XVIIe siècle aux chaînes d'approvisionnement modernes et aux réseaux sociaux, la Chine se construit à travers des objets qui circulent globalement et qui, loin de se contenter pas de refléter ce pays, en façonnent aussi la perception. Terms of Trade se compose de boîtes en carton laquées, ornées de peintures d'exportation, d'affiches de propagande et de médias contemporains. En transformant des emballages jetables avec la laque – symbole historique de permanence, de préciosité et de décoration – le projet relie artisanat traditionnel et flux contemporains. Terms of Trade interroge ainsi la production, la consommation et la reconstruction constante des images de la Chine.

MA Photographie

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PHOTOGRAPHIE

Lóa Fenzy – Remy

par Lóa Fenzy

Remy est un court-métrage hybride qui oscille entre documentaire construit et performance de longue durée, utilisant le casting et les répétitions comme méthodologie et structure narrative. Partant de la question « Que se passerait-il si j'engageais des acteurs pour jouer le rôle de mon père ? », le film suit huit hommes d'âge mature qui auditionnent pour le rôle de mon père absent, puis trois d'entre eux sont invités à participer à des répétitions de plus en plus intimes et à des mises en scène. Ce qui ressemble au départ à un processus de casting classique se transforme peu à peu en un espace où la masculinité, l'autorité, la tendresse et l'attention sont mises en scène entre des inconnus. À travers la répétition, la mise en scène, l'improvisation et la négociation émotionnelle, le film dévoile progressivement sa propre construction, brouillant la frontière entre sincérité et performance.

PHOTOGRAPHIE

Xiao Fu – The Surrogate

par Xiao Fu

The Surrogate est un projet multimédia alliant installation vidéo et images matérialisées. Ces œuvres, inspirées par les parallèles entre la vie reproductive contrôlée du panda géant et les expériences queer chinoise face à la pression sociale, explorent la complexité de la construction identitaire à travers des images synthétiques et des surfaces tactiles. Utilisant un panda en images de synthèse comme avatar numérique, The Surrogate tisse un récit à la fois absurde et émouvant. Des matériaux corporels tentent de déconstruire physiquement l'image du panda tout en introduisant des sensations queer liées à la douceur, à l'érotisme et au malaise qui transcendent l'expérience purement visuelle. Plutôt qu'une vérité stable sur l'identité, le corps de substitution reste dans un état de transformation perpétuel tout en conservant une attitude critique.

PHOTOGRAPHIE

Elisa Hampe – Through My Hands, Broken into Fingers

par Elisa Hampe

Through My Hands, Broken into Fingers est un projet créé avec à l'aide d'un smartphone et qui explore comment les écrans provoquent un détachement de la réalité, du point de vue d'une jeune adulte. L'artiste créé des images picturales en capturant des objets, des corps et des espaces à l'aide de photogrammétries réalisées avec un smartphone, puis en les réassemblant en scènes plus complexes à l'aide d'un logiciel 3D. Les images représentent des figures dans des intérieurs domestiques, suspendues dans des états d'attente, d'épuisement et d'immobilité. Du fait du processus de numérisation, les surfaces et les textures se transforment : les couvertures perdent leur douceur et se transforment en coques rigides, les corps semblent creux et fragiles, et les intérieurs familiers s'effondrent pour laisser place à des environnements instables et oppressants. En parallèle aux images murales, une sculpture en aluminium imprimé réintroduit les corps médiatisés dans l'espace.

PHOTOGRAPHIE

Binyu Lin – Still Cruising

par Binyu Lin

Still Cruising rejoue les scènes qui ont façonné le désir de l'artiste. Ces désirs se construisent par l'accumulation d'une imagerie queer masculine particulière : un corps exposé, travaillé, performé. À force d'être consommées, ces images glissent peu à peu vers un état d'épuisement. Par la photographie mise en scène, le projet tente de réentrer dans cette imagerie. À travers l'objectif, entre la visée et la mise au point, le corps désiré se trouve étayé, suspendu ou révélé dans des états de fatigue. Au fil de la dérive du regard, l'attention se déplace progressivement de l'objet du désir vers soi. Dans ce mouvement répété de reconstruction et de retour, Still Cruising cherche à négocier un espace entre l'obsession et la subjectivité, un espace à habiter.

PHOTOGRAPHIE

Zhiyue Liu – Crossing the River by Feeling the Stones

par Zhiyue Liu

Crossing the River by Feeling the Stones naît d'une expérience d'enfance longtemps enfouie et se déploie en une exploration du désir, de la sexualité et du fantasme façonnés par la migration. Reprenant une métaphore chinoise qui consiste à avancer dans l'incertitude grâce à l'instinct et au toucher, ce projet traduit un état de curiosité, de confusion et de quête. À travers des mises en scène, l'artiste invite des amies à accomplir des gestes ordinaires du quotidien : actions domestiques, corporelles ou ludiques, entre soin, routine, intimité et rituels qui donnent vie au foyer. Nourries de fantasmes et de désirs entravés dans le contexte culturel chinois, ces images interrogent les représentations du corps féminin, entre érotisme saphique, dévoilement, curiosité et étrangeté.

PHOTOGRAPHIE

Andrey Lopatin – Flies

par Andrey Lopatin

Flies est un court-métrage construit autour de l'image d'un crash d'avion. Il mêle des scènes domestiques générées par IA et des paysages hallucinatoires habités par des marionnettes avec des archives du Controlled Impact Demonstration de la NASA en 1984, en suivant un garçon-mannequin obsédé par les catastrophes aériennes. Ses deux registres fonctionnent comme des métaphores d'un monde saturé d'images de désastre où réalité et simulation deviennent indistinguables. Les marionnettes paraissent humaines et vulnérables, mais sont à la fois des corps artificiels manipulés de l'extérieur. Entre pilote, passagers, enfant et des points de vue oniriques, le film laisse simulation, mémoire, fantasme et documentation se fondre. La mouche dérive à travers ces réalités en témoin fragile et persistant.

PHOTOGRAPHIE

Thomas Martin – To Dream a Night, Gently, Through a Glass, Darkly

par Thomas Martin

To Dream a Night, Gently, Through a Glass, Darkly explore la peur de perdre la vue, ancrée dans un risque personnel, comme métaphore d'une perte plus large de clarté, de croyance et d'imagination. À travers des images générées par IA et l'appropriation d'images de désinformation médiatique créées par IA, l'œuvre prend la forme d'un livre et d'une installation vidéo. Elle met en scène un monde instable où regarder ne garantit plus de comprendre, et examine comment les médias neuronaux, l'anxiété politique et les récits apocalyptiques façonnent ce que nous voyons, croyons et imaginons. Ce projet demande si la cécité peut devenir une protection, et ce que signifie continuer à regarder quand l'avenir lui-même semble s'effondrer, s'obscurcir et devenir hallucinatoire.

PHOTOGRAPHIE

Gaia Pierobon – Sara

par Gaia Pierobon

Sara est un projet photographique développé par l'artiste avec sa cousine. Ayant grandi ensemble avant que la distance ne les sépare, la photographie est devenue un moyen de reconstruire leur relation. Ce projet suit une jeune femme dont le monde s'est progressivement réduit à l'espace de sa chambre, où les écrans, les dessins, les chansons et les mondes imaginaires semblent plus rassurants que le monde extérieur. Au cœur du projet se trouvent les thèmes de l'isolement, de l'imagination, du handicap et de l'entrée dans l'âge adulte. En envisageant la photographie comme un espace de soin et de collaboration, ce travail est devenu une lettre d'amour à Sara, une tentative de lui montrer la beauté, la profondeur et la tendresse que l'artiste voit en elle.

PHOTOGRAPHIE

Clara Stote – My Favorite Place on Earth Was Huntington, Long Island

par Clara Stote

My Favorite Place on Earth Was Huntington, Long Island est un projet né d'un conflit personnel et identitaire. D'origine belge et américaine, l'artiste est née et fut élevée en France. Enfant, elle admirait ses cousines américaines, mais au fil du temps, des valeurs radicalement opposées les ont éloignées. Plusieurs membres de sa famille s'alignent à une politique chrétienne d'extrême droite. Cet éloignement est au coeur du projet : si l'artiste avait grandi aux États-Unis, serait-elle devenue comme elles ? Entre nostalgie, fascination et réalité, ce projet tend vers quelque chose de plus vaste. Dans le paysage politique américain actuel, la réalité est devenue un instrument à manier et à déformer. My Favorite Place on Earth Was Huntington, Long Island s'inscrit dans ce malaise : Qu'est-ce qui est réel ? À quoi peut-on se fier lorsque la vérité est devenue un outil ?

PHOTOGRAPHIE

Julieta Tarraubella – Archaeology of Birth

par Julieta Tarraubella

L'artiste est née en 1991 à Tacna, dans le sud du Pérou, au cœur du désert d'Atacama. À vingt kilomètres de là se trouve Miculla, une vallée de pétroglyphes datant du Ve au XVe siècle. Une semaine après sa naissance, sa mère l'y a baptisée et a offert sa vie à l'univers. Archaeology of Birth prend pour point de départ l'archive photographique de Miculla réalisée par la mère de l'artiste. Ces images ont servi à entraîner une IA qui réinvente ce que les voyageurs ont observé et gravé dans la pierre. À travers des représentations médiées par la technologie, le projet se déploie sous forme d'installation mêlant fiction audiovisuelle, sculptures-pétroglyphes vibrantes et panorama immersif des Andes. En donnant une agentivité aux éléments du désert, Archaeology of Birth recompose un paysage à la fois historique, hérité et imaginé.

MA Type Design

Tous les diplômes

TYPE DESIGN

Ruslan Abasov – Sekular

par Ruslan Abasov

Sekular est un caractère display variable, ancré dans la cursive gothique, écriture tardo-médiévale des marchands, notaires, comptables et chancelleries. Plutôt que d'en proposer une réactivation historique, le projet en transpose la logique dans le présent : une époque de milliardaires, de plateformes, d'extraction de rentes et d'infrastructures techno-féodales. À travers le dessin de lettres, l'interpolation, la recherche typographique et la conception d'un spécimen sous forme de journal, Sekular relie une écriture née de l'affaiblissement du monopole féodal sur la lecture et l'écriture aux nouvelles formes d'enclosure économique. Ce n'est pas un revival, mais une réflexion sur le pouvoir, l'écriture et la transition.

TYPE DESIGN

Kriszta Bolcsik – Type Between Resolutions

par Kriszta Bolcsik

Le langage graphique des imprimantes matricielles à grille de 9 points n'est pas obsolète, mais irrésolu. TYPE BETWEEN RESOLUTIONS utilise la logique mécanique, la structure et le comportement de l'impression en mode draft (SSL) comme base pour une police de caractères. Ce projet explore la manière dont ces formes à basse résolution peuvent nourrir la création typographique contemporaine. Il combine recherche historique et expérimentation pratique, incluant le développement d'outils spécifiques de création et d'impression de glyphes. À travers ce processus, TYPE BETWEEN RESOLUTIONS interroge les questions de lisibilité, de rythme et de système graphique. Il en résulte une fonte qui traduit les contraintes de technologies obsolètes en un langage typographique contemporain.

TYPE DESIGN

Orlando Brunner – Kadenz Grotesk

par Orlando Brunner

Kadenz Grotesk explore la notion de rythme dans le texte et son influence sur la perception d'une police de caractères. Issu d'une recherche développée à partir du travail de mémoire, ce projet examine différentes interprétations du rythme typographique et les met en perspective afin de comprendre leur impact sur l'apparence du texte et sur les choix de conception d'une police. À partir du style grotesque, ces réflexions sont traduites dans la pratique du design à travers la création d'une famille typographique composée de quatre styles : Optical, Metric, Syncope et Mono. Chacun incarne une approche différente du rythme et constitue une exploration de ses effets sur la forme et la structure du texte.

TYPE DESIGN

Yannick de Kalbermatten – Verso

par Yannick de Kalbermatten

Verso est une famille de caractères composée de trois styles romains : Gauche, Droite et Ambidextre, et d'un axe d'obliques allant de l'oblique inversé à l'oblique. Le projet vient d'une étude sur l'écriture des gauchers et leur adaptation à un système pensé pour les droitiers. Cela entraîne souvent des positions d'écriture particulières, avec des changements d'angle du poignet, de rotation de la feuille et du geste. Basé sur un sondage auprès d'une cinquantaine de personnes, dont vingt et un gauchers, Verso met en avant des stratégies courantes comme des directions de tracé inversées et des postures adaptées. Plutôt que d'opposer écriture gauchère et droitière, Verso crée un espace continu entre les deux, où le geste, la direction et la forme évoluent dans une même famille.

TYPE DESIGN

Katarzyna Friedrich – Material Type

par Katarzyna Friedrich

Material Type est un projet de recherche à l'intersection de plusieurs disciplines du design, qui explore la matérialité de la typographie. Il examine les caractères à travers différents matériaux et procédés de fabrication, du marquage sur métal au moulage par injection. Cette recherche analyse leur préparation, leurs contraintes, leurs processus de production, leurs impacts environnementaux et leurs résultats visuels, chaque technique influençant les formes typographiques de manière unique. Face à des connaissances fragmentées, Material Type propose un échantillon de taxonomie technologique-typographique afin de faciliter les choix de conception, améliorer la collaboration, réduire le prototypage et encourager des pratiques plus durables.

TYPE DESIGN

Chantal Hochuli – Campo

par Chantal Hochuli

Campo est une fonte variable optimisée pour la composition des textes d'exposition. Développée pour des textes muraux, des cartels et des légendes, elle s'adapte aux contraintes de format et aux variations de longueur grâce à une gamme de chasse contrôlée. Le projet aborde un problème récurrent du graphisme d'exposition : faire entrer le texte dans un espace limité sans recourir à une compression artificielle ni multiplier les ajustements manuels. Les axes de graisse et d'italique étendent les possibilités de hiérarchie textuelle. Dans cette recherche, différents supports sont comparés afin d'évaluer l'influence de la chasse, de l'approche et de la modulation du trait sur les blocs de texte. Campo réunit ces observations dans une Sans Serif variable aux terminaisons légèrement évasées.

TYPE DESIGN

Lina Kaltenberg – Hypotax

par Lina Kaltenberg

Hypotax est une famille de caractères multi-italique composée de quatre variantes : Roman, Slant, Cursive et Extracursive. Le projet explore la manière dont la typographie peut révéler des relations au sein d'un texte et faciliter la compréhension visuelle de systèmes de référence. Chaque style est associé à une fonction relationnelle spécifique, comme l'indication des niveaux de citation, des informations contextuelles ou des exergues. En intégrant directement ces informations dans la typographie, Hypotax propose une hiérarchie typographique alternative qui rend les connexions textuelles perceptibles d'un seul regard.

TYPE DESIGN

Jahn Koutrios – Drafting

par Jahn Koutrios

Draft est à la fois une police de caractères, une application et une méthode : une surface infinie où la pensée peut se déployer de façon non linéaire. Les idées peuvent s'étendre, s'arrêter, se rassembler, se relier, s'encadrer mutuellement et se déplacer à mesure que la pensée évolue. La police transmet le rythme de l'application, passant d'une structure à chasse fixe pour penser librement sur la grille à un style proportionnel pour une réflexion plus lente et plus délibérée. L'application et la police évoluent en binôme, explorant la prise de notes comme une pratique spatiale : une manière de travailler où une ligne peut devenir texte, chemin, limite, geste ou simple forme.

TYPE DESIGN

Odin Lowsley – Voyant

par Odin Lowsley

Née de la fonction, Voyant interroge les modalités actuelles du dessin typographique destinées à différents contextes de taille. Appuyée sur des recherches en reconnaissance des lettres et affinée par une expérimentation personnelle, sa structure a été entièrement redessinée pour trois plages de tailles distinctes, chacune tenant compte de son contexte propre. Les formes radicalement exagérées, qui sont requises pour assurer la reconnaissance dans les plus petits corps, deviennent une nouvelle source à partir de laquelle sont dessinées les tailles plus grandes. Il en résulte des formes inattendues, en équilibre entre simplification brutale et traces calligraphiques de la main humaine.

TYPE DESIGN

Mara Nolze – Mutual

par Mara Nolze

Mutual explore la manière dont deux catégories typographiques apparemment opposées – Sans et Serif – peuvent coexister. Son point de départ est le mouvement français Graphie Latine. En réaction à la domination croissante des caractères linéales grotesques suisses, les designers français défendaient un renouvellement de la tradition en préservant la présence du corps humain dans les lettres. Mutual interroge la façon dont la typographie peut conserver des traces de ce mouvement, sans pour autant rejeter le progrès technologique. La famille se compose de trois styles : Display, Sans, Serif. Sur le plan conceptuel, le projet peut être compris comme une forme de mutualisme : une interaction entre différentes espèces au sein d'un système partagé, dont toutes les parties peuvent tirer profit.

TYPE DESIGN

Marie Schuster – Pinto

par Marie Schuster

L'écriture n'existe presque jamais en dehors de la technologie. Que nous écrivions avec un pinceau, un crayon ou un clavier, elle est toujours moderée par des outils. Mais une note écrite à la main porte souvent une charge émotionnelle qu'un message frappé n'a pas, même lorsque les mots sont identiques. Pinto est une police à chasse fixe explorant l'espace entre mouvement de la main et construction typographique. S'inspirant des esquisses de W. A. Dwiggins pour la machine à écrire Underwood et de modèles d'écriture du XVIe siècle à nos jours, elle instaure un dialogue entre expression et standardisation, conservant un caractère ludique et remettant en question les constructions conventionnelles.

TYPE DESIGN

Jacob Tegel – Syndikat

par Jacob Tegel

Animée par la volonté de créer une superfamille de caractères à chasse fixe (duplexée/multiplexée), Syndikat s'inspire de la riche histoire de la création typographique allemande du milieu du siècle dernier. Conçue pour le labeur, cette famille de polices comprend des styles Sans et Serif, déclinés en cinq graisses avec leurs italiques correspondants, le tout harmonisé par des largeurs de caractères et des dimensions identiques. Cette police offre une grande flexibilité dans les systèmes typographiques complexes, permettant d'utiliser librement et de manière interchangeable n'importe lequel des styles sans jamais altérer la mise en page.

TYPE DESIGN

Mim Tejapaibul – Laisen

par Mim Tejapaibul

Laisen est une fonte de titrage thaï-latine inspirée de la signalétique vernaculaire de Bangkok. Elle explore l'harmonie de deux styles complémentaires conçus pour fonctionner aussi bien séparément qu'ensemble dans divers contextes. Le style Casual s'inspire de l'écriture au marqueur : rapide, expressif, il capture les qualités qui émergent de l'écriture manuelle. Le style Poster évolue directement du style Casual vers une police Sans Serif chaleureuse, aux contre-formes ouvertes et proportions étroites, disponible en plusieurs graisses. Les deux styles expriment des voix contrastées : expressive et personnelle d'une part, informative et objective de l'autre. Laisen forme toutefois une voix unifiée qui couvre un large éventail de typographies visibles dans le paysage urbain de Bangkok.