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2006 2024
Sara De Brito Faustino – Toute petite et vilaine

PHOTOGRAPHIE

Sara De Brito Faustino – Toute petite et vilaine

par Sara De Brito Faustino

« Il s’agit d’un foyer, un lieu où étrangeté et familiarité de l’ordinaire se côtoient. Espace intime, il se devrait d’être ressourçant et sécurisant. Pourtant, il a été le théâtre de scènes douloureuses. Aujourd’hui cette maison m’apparait comme menaçante. Inconfortable, dysfonctionnelle, elle témoigne des cicatrices du passé. Dans mes photographies, je revisite mes souvenirs et me réapproprie mon corps. Mes maquettes minuscules expriment un idéal de fillette confronté à mes fêlures actuelles. Déconstruire, reconstruire, les objets deviennent corps : je me sens difforme et pétrifiée. Toute petite et vilaine suscite une tension antagoniste entre esthétique séduisante et éléments inquiétants. »

Céline Witzke – From Fabric to Glass: Capturing the Movement of Textiles in Experimental Glassmaking

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Céline Witzke – From Fabric to Glass: Capturing the Movement of Textiles in Experimental Glassmaking

par Céline Witzke

Ce projet puise son inspiration dans le monde de la mode, plus précisément dans les mouvements organiques, les volumes et les textures que l’on trouve dans les textiles, et explore comment ces éléments créent d’une façon naturelle des formes douces. En collaboration avec le fabricant de verre suisse Niesenglass, une collection d’objets en verre polyvalents est créée, mettant en avant l’artisanat d’un point de vue innovant.

Shan Yu Kuan – BASUANN

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Shan Yu Kuan – BASUANN

par Shan Yu Kuan

« BASUANN » puise son inspiration dans l’image des chaises asiatiques traditionnelles en rotin et en bambou. Son nom fait écho à la prononciation taiwanaise signifiant « attacher avec des cordes ». Composé de sept pièces de conduits en spirale, « BASUANN » est assemblé à l’aide de joints à mortaise et à tenon pour relier la partie assise à la partie des pieds. Il est en outre renforcé par des cordes qui relient solidement le tabouret. « BASUANN » fusionne harmonieusement le design contemporain de meubles et les images évocatrices de l’artisanat traditionnel asiatique, mettant en valeur l’esthétique du design minimaliste.

Marine Col – ROPY

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Marine Col – ROPY

par Marine Col

« Ropy » est un tabouret sérieusement ludique, qui se joue du temps passé. Conçu en un trait, tout en légèreté, cet objet puise son charme dans un réemploi de la matière. Les anciennes cordes navales du port de Lausanne, aux couleurs ternies par le temps, lui servent de matière première et deviennent matière précieuse une fois l’objet réalisé.

Charitini Gkritzali – Topology of a Body

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Charitini Gkritzali – Topology of a Body

par Charitini Gkritzali

Inspirée des appareils orthopédiques du XXe siècle, « Topology of a Body » est une série de bijoux corporels qui se conforme à l’anatomie humaine et ressemble aux éléments structurels du corps. Chaque pièce est composée de formes géométriques solides et de courbes organiques créées à l’aide de fils d’argent ou d’acier. L’épaisseur du fil est modifiée selon un rythme dynamique, soulignant la morphologie du corps. Cette structure métallique, soigneusement conçue pour envelopper la figure humaine, prend une forme sculpturale. Comme les appareils orthopédiques, les bijoux sont construits pour permettre au corps de bouger, alors qu’ils semblent le maintenir dans un état d’immobilité constante. Ce paradoxe soulève une question : ces objets permettent-ils le mouvement du corps ou le retiennent-ils ?

Anaïs Sulmoni – IVORIA

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Anaïs Sulmoni – IVORIA

par Anaïs Sulmoni

Autrefois vénéré et choyé, l’os est aujourd’hui rejeté et dissimulé. Pourtant, il est omniprésent, prisé des industries cosmétique et alimentaire. Il m’interpelle depuis de nombreuses années par l’aspect vivant de cette matière alors même qu’elle représente la mort. En m’appuyant sur l’abondance de ce déchet organique, j’ai cherché à recréer le prestige de l’ivoire. J’ai découvert le potentiel de l’os en tant que colle et poudre appliquée sur différents supports: bois massif, copeaux de bois et tissus. Le journal de bord et maquettes met en lumière l’os qui présente de nouvelles possibilités esthétiques et structurelles et agit comme le premier pas vers la réconciliation avec ce précieux matériau.

Thomas Neyroud – Yours to Play and Win

DESIGN GRAPHIQUE

Thomas Neyroud – Yours to Play and Win

avec Jonathan Hares, Aurèle Sack

« Yours to Play and Win » est un projet de promotion typographique sous le thème du jeu d’échecs. Les lettres, comme les pièces du jeu, sont des symboles qui se chargent de sens quand ils sont activés par l’activité abstraite humaine, la pensée. En référence aux propos de Duchamp, les représentations idéographiques d’un cheminement cognitif montrent leur réel potentiel, qui dépasse la simple organisation visuelle. Le caractère s’inscrit dans la famille des polices de caractères égyptiennes, qui reflètent le mécanisme moderne, en rappelant l’artisanat grâce aux empattements. Les proportions monocases s’adaptent aux modules du jeu et les contours arrondis ajoutent un caractère organique afin de rappeler la pensée humaine. Le texte va imager les idées afin de démontrer le propos du projet.

Louis Roh – Les chemins perdus

DESIGN GRAPHIQUE

Louis Roh – Les chemins perdus

avec Guy Meldem, Diego Bontognali

Il y a des millénaires de cela, l’humain découvrait l’électricité. Il ne cessa de l’exploiter, de la réinventer, sans se soucier, considérant cette ressource comme infinie. Cet ouvrage, « Les chemins perdus », ouvre de nouveaux horizons, entre rêve et fiction, à travers des notions réalistes et poétiques. Et si tout s’éteignait ? Il stimule l’imaginaire et offre aux lectrices et lecteurs une spéculation légère et enfantine. L’intérêt pour l’illustration, la narration et les techniques d’impression donne vie à ce conte graphique. Ce voyage de couleurs et d’images s’adresse à un public multigénérationnel, mettant à contribution le potentiel présent dans les livres pour enfants en ces temps de tension et de confusion.

Ekaterina Bliznyuk – Photosensitivity warning: following content may cause seizures

DESIGN GRAPHIQUE

Ekaterina Bliznyuk – Photosensitivity warning: following content may cause seizures

avec Diego Bontognali, Jonathan Hares

L’épilepsie photosensible est une variante de l’épilepsie dans laquelle la personne affectée produit des réactions particulières à la lumière et à certains motifs statiques. En raison d’un manque de sensibilisation à ce trouble, notre environnement contient un grand nombre de déclencheurs visuels qui mettent en danger la vie quotidienne d’une personne photosensible. Dans ce projet, je reproduis en réalité virtuelle les lieux et les éléments les plus nocifs pour une personne photosensible, en illustrant plusieurs de ces variantes. Étant à la fois graphiste et photosensible, j’ai voulu mettre en évidence la méconnaissance de cette maladie, qui conduit à l’exclusion visuelle. Celle-ci est menée par l’idée que je ne pourrai jamais voir mon projet dans sa forme complète.

Alexis Gargaloni – Varia

DESIGN GRAPHIQUE

Alexis Gargaloni – Varia

avec Aurèle Sack, Gilles Gavillet

Influencé par l’arrivée du métavers, « Varia » est une métaphore de l’absurdité et de l’échec prématuré de cette technologie, ainsi qu’une recherche sur les formes en typographie. En s’inspirant du phénomène d’optimisation géométrique en 3D Level of Detail, « Varia » évolue sur un axe du même nom et se compose en trois cut : 0, 4, 8. Alors que le niveau 0 semble plus proche de la typographie traditionnelle, il s’agit en réalité d’une version « lissée » des cut précédents qui tentent déjà de synthétiser les lettres jusqu’à leurs formes les plus rudimentaires. De la rigidité des formes, les contraintes existentielles que pose la recherche illustrent la vision rétrograde et dystopique du métavers, tout en proposant le reflet rassurant d’une transition géométrique future de nos corps.

Laeticia Jakob – Sabina?

DESIGN GRAPHIQUE

Laeticia Jakob – Sabina?

avec Nicole Udry, Guy Meldem

La population de « Neovertebra » ne cesse de diminuer, décimée par les températures élevées et la pénurie alimentaire. Plus rien ne pousse en dehors des serres. Pour remédier aux attaques qui menacent les plantations, Sabina et Greg élaborent un engrais à base de pissenlits. « Sabina? » est un roman graphique en réponse à l’effondrement possible de la civilisation. Face à un certain sentiment d’impuissance et de passivité, la technique du collage manuel apparaît comme un palimpseste à travers lequel l’histoire peut assumer de nouvelles perspectives. Images récoltées et créations personnelles s’accumulent puis se dégradent au fil de cette dystopie, encourageant la projection du lecteur et l’assimilation de ces informations.

Romain Oederlin – Archetype

DESIGN GRAPHIQUE

Romain Oederlin – Archetype

avec Diego Bontognali, Aurèle Sack

Ce que l’on voit est-il réel ou subjectif ? L’interprétation est en permanence le résultat d’une appréhension individuelle. C’est pour cette raison que l’espace peut être manipulé et exacerber des relations désirées. En lien avec la perception de notre environnement, ce travail étudie le principe d’anamorphose engendré par des caractères typographiques conçus en trois dimensions. Fluctuantes entre lettres et abstraction, ces structures visuelles proposent différents degrés de lisibilité en fonction du point de vue adopté.

Aude Gunzinger – Les Résidences nomades

DESIGN GRAPHIQUE

Aude Gunzinger – Les Résidences nomades

avec Guy Meldem, Nicole Udry

Lorsque sont repoussées les limites usuelles de l’édition, nos sens sont perturbés. Nous faisons alors face à de nouvelles perspectives. « Les Résidences nomades » engagent le lecteur à s’immiscer dans un récit par le geste et le corps dans un langage pictural de 9 mètres. Y est dépeint un lieu particulier et les coutumes de ceux qui le fréquente. Pas à pas, nous découvrons une réflexion subtile entre fantasme, variation de la perception et limite du langage.

Sam Lombardo – The Table of the Future

DESIGN INDUSTRIEL

Sam Lombardo – The Table of the Future

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

De manière générale, on constate que la pièce dans laquelle nous cuisinons se trouve à l’écart de la salle à manger et, par conséquent, lorsque nous préparons un repas, nous sommes séparés du reste de la famille ou de nos convives. Sous son plateau en céramique, cette table à manger cache un système à induction. Elle offre ainsi la possibilité de préparer des plats de table sans équipements supplémentaires ou celle d’être simplement utilisée comme table de cuisson. En effet, qui de nous pourrait renoncer à la possibilité de pouvoir cuisiner tout en surveillant ses enfants, de travailler en préparant un café ou un thé, de cuisiner un plat entouré de ses amis, de garder les plats au chaud ou encore de pouvoir cuire sa raclette directement sur la table ?

Robin Luginbühl – Disassembly Lab

DESIGN INDUSTRIEL

Robin Luginbühl – Disassembly Lab

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

Le « Disassembly Lab » est une étude conceptuelle et formelle visant à créer des chaussures intégrées à un système de commercialisation durable. Le désassemblage permet de prolonger la durée de vie d’une chaussure, la rendant réparable, restaurable, remplaçable et recyclable. L’objectif est de repenser et de redéfinir la manière dont nous construisons et assemblons des baskets. Cette recherche s’inspire de diverses références et explore plusieurs concepts distincts. Chaque concept évolue au fil de la recherche, aboutissant à trois chaussures, offrant des solutions fonctionnelles et esthétiques variées. Ces chaussures, dotées de semelles en TPU et d’une tige en tricot 3D, sont réduites à l’essentiel, ce qui permet une production et un assemblage simples et rapides et une recyclabilité facile.

Coline Besson – Girlz – They Gave Us Pink Let Us Make It Powerful

TYPE DESIGN

Coline Besson – Girlz – They Gave Us Pink Let Us Make It Powerful

avec Kai Bernau, Julia Born

Réinterpréter les stéréotypes de la féminité et se les réapproprier consciemment : ce projet est un acte de revendication, de subversion et d’émancipation. En tant que femme, être dissonante, présumée vulgaire ou girly devient un moyen de briser et de remettre en question l’ordre établi et les normes sociales. Pensé comme une exposition, cet objet éditorial regroupe l’œuvre de femmes engagées pour cette cause. Les textes sont composés en Courtesy, un caractère en trois styles : une display « néo-kitsch » questionne les proportions et la cohérence stylistique ; une Regular se concentre sur le confort de lecture en petite taille, tout en conservant une identité propre. Enfin, une Monospace est utilisée là où traditionnellement l’italique serait de rigueur.

Michelle Zadio Villarroel – Nativo+Latino

DESIGN GRAPHIQUE

Michelle Zadio Villarroel – Nativo+Latino

avec Gilles Gavillet, Jonathan Hares

« Nativo+Latino » réinvente l’héritage et le syncrétisme du continent sud-américain. Longtemps modelées par l’évangélisation du peuple indigène, les conséquences de ce mélange identitaire témoignent d’une aliénation culturelle et religieuse des latinos. Progressivement, la prise de conscience sur la condition indigène pousse leur descendance à honorer et faire revivre leur culte. Ce projet est un lieu de rapprochement, de confrontation et d’expression personnelle des communautés latine qui revendique leur patrimoine jusqu’alors considéré comme des croyances païennes. « Nativo » se matérialise à travers des souvenirs ancestraux et un imaginaire collectif qui reflète une réinterprétation de la pratique du catholicisme en Amérique latine afin de remettre du pouvoir dans une vision identitaire hybride.

Elena Baranowski – Speira

TYPE DESIGN

Elena Baranowski – Speira

avec Julia Born, Radim Peško

Cette publication rapproche mode et typographie en présentant simultanément le projet de couture « Russian Doll » (automne / hiver 1999) et la famille de caractères variables Speira. Le projet juxtapose des éléments photographiques et typographiques et visualise des approches similaires autour de formes, de proportions et de superpositions. Conçue avec une attention particulière pour l’interaction entre les différentes graisses, la famille de caractères évolue et se transforme en influençant l’expression du caractère. Cette exploration typographique comprend cinq styles avec italiques (Thin, Light, Regular, Medium et Bold) et propose de multiples possibilités de composition.

Tickie Bindner – Sazen City

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Tickie Bindner – Sazen City

par Tickie Bindner

« Sazen City » propose une immersion dans le paysage collectif de nos souvenirs. Chaque participant·e prend part à l’expérience en explorant un territoire, avant d’adresser des cartes postales qui génèrent une cartographie imaginaire et dynamique. À la différence des photos de panoramas ou de villes, ces cartes digitales illustrent des souvenirs, des moments et des émotions universels en dévoilant une nouvelle forme d’échange épistolaire adapté à nos espaces digitaux. S’inspirant des « Villes invisibles » d’Italo Calvino, « Sazen City » s’appuie sur le machine learning pour cocréer un territoire collectif. Au fur et à mesure de sa construction, ce paysage partagé interroge l’individualité de nos souvenirs et le rôle de l’imaginaire artificiel dans nos environnements numériques.

Antonin Maudry – Coemeter

DESIGN GRAPHIQUE

Antonin Maudry – Coemeter

avec Aurèle Sack, Jonathan Hares

Ce travail propose une réinterprétation de la police de caractères Trajan, trouvant sa place sur un espace numérique. Cette police est riche d’histoire : des pierres romaines dont elle découle à ses multiples itérations en gravure lapidaire contemporaine, principalement sur des monuments funéraires en Occident. Ce travail typographique se déploie sur un site web. Un cimetière numérique vous y attend, où vous pourrez graver votre pierre tombale et personnaliser votre espace de deuil. « Coemeter » joue avec les dualités, entre sacré et profane, histoire et anachronisme, matière et conscience. Cette expérience à la fois décomplexée et poétique invite à repenser notre lien à la pierre, à la mémoire et à la perte.

Vera Gonzalez Ponce – Starlight

DESIGN GRAPHIQUE

Vera Gonzalez Ponce – Starlight

avec Guy Meldem, Nicole Udry

« Starlight » est un magazine qui célèbre l’inclusion, les diversités socio-culturelles et les sexualités à travers le reggaeton. C’est un outil conçut pour donner la voix à des personnes souvent marginalisé·e·x·s afin de mettre en avant les invisibilités de notre société. Ce numéro offre des clés de compréhension et des pistes de réflexion en vue d’une société plus équitable. Le désir se manifeste à travers les images et celles-ci ont toujours une intention première. Elles sont principalement dominées par le « male gaze ». En prenant les choses en main cela peut changer. Il est possible d’inverser les perspectives ainsi que les dynamiques de pouvoir. Soyez les protagoniste·x·s de vos désirs. Soyez fier·ère·x·s de vos corps. Soyez les stars de vos propres fantasmes et de vos vies.

Agathe Bourrée – Informal Pictures

DESIGN GRAPHIQUE

Agathe Bourrée – Informal Pictures

avec Gilles Gavillet, Nicole Udry

Chaque année, les membre du G7 se rassemblent pour un weekend préparé par l’un des états membres afin de discuter des affaires internationales. « Informal Pictures » est une investigation qui tente de recréer l’atmosphère de ces réunions où d’importantes décisions sont prises. Il s’agit d’une recherche autour de l’influence de la presse dans la construction d’un imaginaire collectif lors de ces évènement politiques. Pour se faire, le projet articule des sources journalistiques grand publique avec les outils du graphisme afin de recréer une image qui n’a jamais existé, une image manquante de ces diners politiques. Ces images informelles sont générées dans MidJourney, à partir du langage de ces journaux.

Aramis Rüdisühli – Aplo

DESIGN INDUSTRIEL

Aramis Rüdisühli – Aplo

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

Le vélo est devenu un moyen de livraison établi ces dernières années, mais, même si ce dernier évolue pour répondre à la demande croissante, l’utilisateur reste exposé aux inconforts inhérents au vélo. « Aplo », issu d’une collaboration avec la start-up suisse Shematic pour leur vélo cargo « Yakbike », facilite son utilisation quotidienne en intégrant des éléments de protection optimisés et de rangements. « Aplo » dispose également d’une bulle additionnelle pliable et légère en cas d’intempéries. Sa construction est adaptée aux demandes de durabilité et de simplicité tout en intégrant des éléments essentiels du vélo.

Mattia Cook – 1000ppm

DESIGN INDUSTRIEL

Mattia Cook – 1000ppm

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

Inspiré de la projection la plus alarmante du GIEC et de nombreux rapports, je vous invite à imaginer un avenir où la concentration de carbone atteint 1000 ppm d’ici la fin du siècle. À quoi ressemblerait ce monde ? Pour saisir cette vision, j’ai imaginé trois objets distincts, chacun faisant partie de récits uniques enracinés dans mon scénario hypothétique. Tout d’abord, une gourde « low-tech » isolée pour affronter les défis de la migration climatique. Ensuite, une technique de réparation conçue pour renforcer et imperméabiliser des chaussures usées, incarnant l’ingéniosité face à la pénurie de certaines ressources. Finalement, un dispositif nasal doté d’une technologie de pointe capable de filtrer et purifier l’air pollué, protégeant de la menace imminente de la contamination atmosphérique.

Sven Odermatt – ColorBath

DESIGN INDUSTRIEL

Sven Odermatt – ColorBath

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

Mon projet est le fruit de mon questionnement autour de l’automatisation et la robotisation grandissante de l’industrie. L’homme a-t-il encore sa place dans ce processus industrialisé ? N’y a-t-il pas des étapes où son apport puisse concurrencer les machines ? Mon projet consiste en des modules à facettes en tôle d’aluminium. Chacune d’entre elles ont été trempées manuellement dans des bains de couleur. En résulte des surfaces avec des teintes variantes, des coulures et autres défauts qui procurent des résultats imprévisibles et hautement expressifs.

Aude Meyer de Stadelhofen – Pearly skin, Summer hit, Vanished by the wind

DESIGN GRAPHIQUE

Aude Meyer de Stadelhofen – Pearly skin, Summer hit, Vanished by the wind

avec Diego Bontognali, Guy Meldem

La plage, un espace contradictoire. À la fois romantique et dérisoire, un arrêt dans le temps et une urgence, un fantasme du vide et un rivage bondé, un lieu affranchi et une frontière. « Pearly skin, Summer hit, vanished by the wind » est une trace, une métaphore des représentations de la plage aujourd’hui dans l’imaginaire collectif, avant sa disparition. Le journal, divisé en trois thématiques (anthropologie, climat et migration), juxtapose images oniriques, dépêches factuelles, textes impératifs et publicités futiles. Ces différents langages soulignent la complexité paradoxale du lieu. Par le cyanotype, la feuille devient peau et l’impression devient bronzage. Le va-et-vient des vagues marque les pages, parsemées de grains de sable et de crème solaire.

Ella Paleni – Trait de caractère

DESIGN GRAPHIQUE

Ella Paleni – Trait de caractère

avec Guy Meldem, Gilles Gavillet

La place du graphiste à l’ère des avancées technologiques : le monde d’aujourd’hui est en constante évolution technologique, ce qui soulève des questions sur la place et le rôle du graphiste. Dans ce travail de diplôme, j’ai entrepris d’explorer cette problématique en adoptant une approche résolument manuelle et artisanale. J’ai créé un livre de A à Z en utilisant des techniques traditionnelles de fabrication, de l’élaboration du papier à la reliure finale. En m’éloignant de la digitalisation omniprésente, j’ai souhaité exprimer un besoin de revenir à l’essence même du métier de graphiste. Ce projet met en lumière les avantages d’une approche artisanale dans un monde de plus en plus numérique. Il encourage la réflexion sur les compétences spécifiques que les graphistes peuvent apporter.

Laeticia Schwendi – +212 magazine

DESIGN GRAPHIQUE

Laeticia Schwendi – +212 magazine

avec Diego Bontognali, Nicole Udry

Marrakech, surnommée la « ville rouge », offre une atmosphère vibrante et des parfums enivrants. C’est une ville empreinte de contrastes, où les jeunes artistes émergent avec audace et une passion contagieuse. « +212 magazine » propose un voyage à la découverte de ces artistes et de leur univers. Ce travail réside dans l’échange, le dialogue et la collaboration avec tous les participants. Il s’agit de créer une connexion authentique, d’explorer les interconnexions entre les cultures et de témoigner de la beauté et de la diversité artistique qui émerge. Ainsi, revêtant mes différentes casquettes, j’ai créé ce magazine, jonglant entre direction artistique, rédaction, interviews et simples échanges. Et ce n’est, je l’espère, qu’une étape initiale d’un voyage long et riche en découvertes.

Tessa Roy – Digital Feminist Manifesto

DESIGN GRAPHIQUE

Tessa Roy – Digital Feminist Manifesto

avec Guy Meldem, Tessa Roy

Le site web « Digital Feminist Manifesto » a pour but de présenter un ensemble de principes de représentation du corps et de ses absences de limite dans les espaces numériques, prenant en compte des principes tels que l’inclusivité, le spectre des genres et l’intersectionnalité. Le site se compose d’une partie textuelle (le manifeste et ses enjeux) et d’avatars. Ces derniers illustrent l’une des nombreuses interprétations possibles dans la façon d’interpréter le corps. N’étant ni linéaires, ni hiérarchiques, les avatars s’organisent de manière évolutive et arborescente. Ainsi, en entrant dans le site, on se retrouve en un point central, ce qui nous permet par la suite d’explorer le site dans toutes les directions et de découvrir ses possibilités.

Bogdan Nastase – FULCRUM

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Bogdan Nastase – FULCRUM

par Bogdan Nastase

Ciblant le monde du photojournalisme, « FULCRUM » pose la question de la confidentialité des photographies publiées. Alors que de nombreux photojournalistes sont d’avis que la censure des visages altère des faits historiques importants, la protection des sujets reste un principe journalistique fondamental. Étant donné l’omniprésence du data-scraping et la reconnaissance faciale, la législation visant à atténuer les abus potentiels reste dépassée par le progrès rapide de la technologie. « FULCRUM » est une solution contemporaine au débat éthique entre les photojournalistes et le public. En masquant les visages des sujets avec des visages générés par IA, « FULCRUM » assure une anonymisation non destructive, qui protège l’identité des personnes représentées ainsi que la qualité photographique de l’image.

Minjong Kim – Amateur

TYPE DESIGN

Minjong Kim – Amateur

avec Kai Bernau, Matthieu Cortat

Amateur est une police de caractère à empattement qui synthétise des caractéristiques calligraphiques issues de recherches historiques. Il évoque un sanctuaire de niche pour un genre oublié, dégageant une impression d’élégance. Inspiré par les formes de lettres des premiers modèles antiques allemands, Amateur joue astucieusement avec une horizontalité distinctive, révélant à la fois des gestes farouches et des détails méticuleusement élaborés. Les styles « texte », uniformisés, apportent des textures harmonisées et robustes pour une lecture optimale, tandis que les styles « display » amplifient à l’extrême les qualités expressives de chaque lettre, embrassant sans crainte une imperfection délibérée qui brouille les systèmes typographiques traditionnels et offre une esthétique captivante.

Niklas Herrmann – Kyū Maru Gothic

TYPE DESIGN

Niklas Herrmann – Kyū Maru Gothic

avec Kai Bernau, Alice Savoie

Kyū Maru Gothic trouve sa source dans les lettrages peints des stations de train japonaises de la fin des années 1950. Elle vise à interpréter et rendre hommage à cet héritage, tout en proposant une famille de caractères multiscripts latins et japonais. C’est une linéale arrondie, qui conserve l’individualité chaleureuse du pinceau du lettreur, tout en intégrant le design dans une structure cohérente, apte aux usages typographiques contemporains. Au-delà de son modèle, elle se développe sur un axe de largeur qui lui donne une grande flexibilité d’usage dans le domaine pour lequel elle a été conçue : les grands corps.

Marco Renna – LEFT(L)OVER

DESIGN INDUSTRIEL

Marco Renna – LEFT(L)OVER

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

Dans les usines de préfabrication de béton, du béton excédentaire est préparé pour éviter les pénuries lors des opérations de coulage. Toutefois, cet excédent, qui représente environ une à quatre tonnes par jour, est généralement mis au rebut. L’usine produit alors de gros blocs, transportés vers une décharge où ils deviennent du gravier. L’objectif de « LEFT(L)OVER » est de réutiliser ces excédents pour créer du mobilier urbain. Des moules sont alors fournis aux entreprises pour remplacer leurs blocs. Cette collaboration établit un échange mutuellement bénéfique. Les moules s’intègrent parfaitement aux habitudes et à la logistique de l’usine. Ils se composent de deux parties détachables avec la place nécessaire pour un déchargement efficace du béton et l’optimisation du processus.

Annick Persechini – Spirulicious

DESIGN INDUSTRIEL

Annick Persechini – Spirulicious

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

Le projet « Spirulicious » vise à promouvoir la spiruline de qualité produite en Suisse en proposant des alternatives innovantes pour sa consommation. Souvent associée à un complément alimentaire sous forme de pilule, comme un médicament, la spiruline est en fait un superaliment riche en protéines et en fer, offrant de nombreux avantages nutritionnels et environnementaux. « Spirulicious » présente deux snacks : « SPIRA », une barre croquante, et « SPIRU », une crème glacée. Destinés aux adultes, ces produits sont à la fois végétaliens et diététiques, offrant une manière savoureuse de consommer de la spiruline tout en conservant ses qualités nutritionnelles. « SPIRA » est conçu pour être produit à petite échelle par une ferme locale, tandis que « SPIRU » est adapté à une production à plus grande échelle.

Bruno Pauli Caldas – Personenwagen 6+2

DESIGN INDUSTRIEL

Bruno Pauli Caldas – Personenwagen 6+2

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

« Personenwagen 6+2 » est un taxi électrique spécialement conçu pour les trajets courts dans les zones urbaines, avec un accent sur la production locale. Il a été développé en collaboration avec STIMBO, une entreprise familiale qui produit des taxis électriques et des véhicules commerciaux dans la vallée de Zermatt depuis 1980. Il est conçu comme un élément mobile de l’espace public, plutôt que comme une marchandise privée. Dépouillé au maximum, le design privilégie la simplicité et offre une expérience immersive aux passagers.

Aleksandra Nazarova – Uyut

DESIGN INDUSTRIEL

Aleksandra Nazarova – Uyut

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

Face à la baisse des réserves mondiales d’énergie, le défi de chauffer les maisons, surtout les plus anciennes et les plus mal isolées, est grandissant. Le chanvre, aux atouts notables tels que l’isolation, la purification de l’air, la résistance aux bactéries et l’absorption de CO2, fait un retour marqué. Son faible besoin en eau pour la culture accentue son attrait. Les modules « Uyut », incorporant des poches de fibres de chanvre, empêchent l’air froid d’entrer et l’air chaud de sortir, créant des espaces chauds dans de grandes pièces et isolant efficacement fenêtres, murs et portes. Leur flexibilité fait d’eux une solution pratique et durable vers des maisons écoénergétiques.

Lirjeta Maxhuni – Gynecare

DESIGN INDUSTRIEL

Lirjeta Maxhuni – Gynecare

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

« GYNECARE » est une tenue gynécologique innovante qui vise à protéger et apporter aux personnes une plus grande sécurité et une vulnérabilité réduite lors des examens médicaux. Ce projet répond à un réel besoin en offrant une alternative plus confortable et humaine aux personnes, tout en améliorant la qualité des soins gynécologiques. « Gynecare » serait la première tenue officielle dans le domaine gynécologique, conçue précisément pour ces examens. La tenue est fabriquée en tissu de chanvre, qui bénéficie de propriétés uniques idéales dans le monde médical. Pour le respect et l’amour de notre corps à tout·e·x·s.

Alexandre Margueron – La Tsemenâ

DESIGN INDUSTRIEL

Alexandre Margueron – La Tsemenâ

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

« Tsemenâ » est un mobilier urbain qui permet de manger la fondue en ville de Bulle. La table haute possède un réchaud qui fonctionne avec une barquette de gel inflammable. Les deux outils qui l’accompagnent permettent de réguler l’intensité de la flamme ou de l’éteindre. Il est possible de les localiser sur Google Maps et de se ravitailler en fondue à tout moment auprès d’un automate à fromage d’un artisan local. Le mobilier est fabriqué à base de tôle et de profilés conventionnels en acier et acier inox afin de minimiser le coût de production pour la ville. Elle permet autant aux locaux qu’aux touristes de s’approprier et de jouir d’un bout d’espace public le temps d’un repas.

Camila Hidalgo – Wood Works Swiss Edition

DESIGN INDUSTRIEL

Camila Hidalgo – Wood Works Swiss Edition

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

« Wood Works Swiss Edition » est une investigation sur l’industrie du bois et le savoir-faire que l’on trouve dans différentes parties du monde. Dans cette première édition, l’accent est mis sur la Suisse. Pour explorer un univers aussi vaste, la recherche prend la forme d’un site web, où les visiteur·euse·s peuvent découvrir les différentes façons de travailler le bois selon les catégories suivantes : essence, région, métier, produit, outil et fabricant·e. Le site web propose une boîte à échantillons qui donne un aperçu de l’expertise et des processus méticuleux impliqués dans la fabrication d’un produit en bois suisse.

Hugo Duport – Rails

DESIGN INDUSTRIEL

Hugo Duport – Rails

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

L’origine de ce projet remonte à ma rencontre avec une artisane-encadreuse professionnelle spécialisée dans la création de cadres sur-mesure. Elle m’a fait part de son constat concernant le manque d’innovation dans le design des baguettes proposées par son catalogue, ainsi que des nouvelles attentes de sa clientèle. C’est ainsi qu’est venu l’idée de concevoir de nouvelles baguettes. Ce projet consiste en la création de cadres, composés d’une gamme de cinq profils paramétriques, répondant à divers types d’encadrement : muraux, posés ou sur pied. Leur capacité à se combiner offre des possibilités étendues, ouvrant ainsi de nouvelles perspectives visuelles. Cette gamme élargie permettra aux encadreurs de proposer un choix plus vaste, en offrant une personnalisation plus singulière à leurs clients.

Léo Crespin – FOLD

DESIGN INDUSTRIEL

Léo Crespin – FOLD

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

« Fold » est un canapé convertible en bois qui se déploie à l’aide d’une charnière flexible en tissu. De cette manière, « Fold » réduit la quantité de matériel nécessaire, tout en restant fonctionnel : il suffit de tirer sur la partie avant pour déplier les coussins, puis de la repousser pour revenir à sa position initiale.

Inès Aznar – Fragmented bathroom

DESIGN INDUSTRIEL

Inès Aznar – Fragmented bathroom

avec Stephane Halmai-Voisard, Christian Spiess, Carolien Niebling

Mon projet est une réflexion sur l’espace sanitaire, son agencement spatial, son utilisation et sa forme. Dans le contexte de la réhabilitation, ma proposition vise à transformer l’espace de la salle de bain en un objet autonome. Ce principe de base m’incite à concevoir une nouvelle typologie : la salle de bain fragmentée.

Jeanne Weber – Dusky Large Blue

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Jeanne Weber – Dusky Large Blue

par Jeanne Weber

« Dusky Large Blue » est une expérience web qui permet de sensibiliser le public aux conséquences des activités humaines sur les espèces menacées. Ce projet s’inscrit dans le contexte de la réserve de la Grande Cariçaie avec qui je collabore pour sa réalisation. Une promenade fictive conduit le visiteur par cinq postes qui abordent chacun une espèce menacée. « Dusky Large Blue » est un prototype qui présente un cas précis : le cycle de vie de l’azuré des paluds, une espèce de papillon. Le visiteur découvre également quels problèmes sont liés à son cycle de vie dans la réserve et en-dehors. Ce projet me permet à la fois de développer un sujet qui me tient à cœur et de proposer une version alternative d’un environnement précis en superposant une approche visuelle et auditive personnelles à la réalité.

Ignacio Pérez – Èvokâ

DRDI (EPFL+ECAL Lab)

Ignacio Pérez – Èvokâ

par Ignacio Pérez

Créée en partenariat avec la Bibliothèque cantonale et universitaire de Fribourg, Èvokâ est une installation interactive qui explore comment les archives conservées à la Bibliothèque peuvent redevenir une partie vivante de l'identité du canton. Le projet s’intéresse aux techniques de traçage, reliant les identités personnelles, collectives et culturelles aux archives historiques. En entremêlant des éléments autobiographiques et des récits assistés par logiciel, Èvokâ vise à raviver le sentiment d'appartenance au canton de Fribourg. Basé sur les concepts de mémoires artificielles et de récits personnels, Èvokâ crée une expérience à la fois individuelle et partagée entre les utilisateur·rice·s, mais qui reflète également les valeurs et l'histoire du canton. A travers des études d'utilisateur·rice·s, le projet a marqué une première étape dans la définition des expériences dans le contexte des identités collectives et cantonales.

Edouard Bérard – Sita

TYPE DESIGN

Edouard Bérard – Sita

avec Kai Bernau, Alice Savoie

Sita est une famille de caractères sans et serif qui prend source dans le style Scotch Roman. Sita Serif est une interprétation contemporaine du Double Pica Roman de Miller et Richard (1822). Sita Sans est quant à elle influencée par le style des premières fontes grotesques britanniques. Sita Sans et Sita Serif sont ajustées optiquement pour une harmonie optimale lorsqu’elles sont composées côte à côte. Partageant la même construction, elles se complètent et conservent cependant leurs caractéristiques propres. La texture et les détails raffinés de cette famille lui permettent de s’adapter aux petits comme aux grands corps. Chaque style est disponible en cinq graisses avec leurs italiques correspondantes. Une variante supplémentaire, Sans Black Condensed, complète la famille.

Noam Benatar – Ktura

TYPE DESIGN

Noam Benatar – Ktura

avec Julia Born, Alice Savoie

Ktura est une mécane humanistique, un caractère de texte et de titrage, qui couvre les alphabets hébreux et latins. La famille comporte neuf styles dans les deux écritures, dont quatre italiques de textes, ainsi qu’un style dédié au titrage. Elle a été dessinée suite à des recherches sur les interactions entre des systèmes d’écriture – dans ce cas le latin et l’hébreux – et la façon dont l’arrière-plan culturel de chaque système est essentiel à la création de caractères multi-scripts. En expérimentant avec des notions de contraste, de proportion, ou encore d’espace blanc, le design de cette famille a pu intégrer des éléments qui la rendent particulièrement adaptée aux contextes où les deux écritures apparaissent conjointement.

Feng Juan Jun – Solux

TYPE DESIGN

Feng Juan Jun – Solux

avec Kai Bernau, Radim Peško

La police de caractères Solux découle de l’étude d’un genre délaissé – les mécanes. Avec sa construction stable et ses détails minutieux, son objectif est d’être endurante, fonctionnelle, intemporelle plutôt qu’à la mode. Solux Italic, en revanche, est plus étroit et calligraphique, élargissant le spectre des applications possibles. Prenant source dans les mécanes de logos tels que ceux de la marque automobile Honda, qui souvent font preuve d’une remarquable stabilité et solidité, Solux ambitionne d’offrir une contribution contemporaine à la typographie imprimée et au domaine de la signalétique.

Ambre Louineau – Helix

DESIGN GRAPHIQUE

Ambre Louineau – Helix

avec Jonathan Hares, Gilles Gavillet

« Helix » est un projet de vulgarisation scientifique, qui s’inspire de la thèse d’Isabella Maria Pasqualini, intitulée « Espace incarné dans l’architecture, les neurosciences cognitives et la réalité virtuelle », réalisée au département architecture de l’EPFL. Ce livre s’intéresse aux liens du corps humain entre architecture et neurosciences, offrant une interprétation et une appropriation de la thèse. Pour ce faire, le livre explore la représentation vectorielle des quatre chapitres, alternant avec des fragments photographiques illustrant l’intégration du corps humain dans l’architecture de l’ouvrage.

Sebastien Rück – Jeanne’s Promdress

ARTS VISUELS

Sebastien Rück – Jeanne’s Promdress

par Sebastien Rück

Mon projet consiste en une réflexion sur la manière de montrer une série de dessins. « Jeanne’s promdress » a été créé avec la même énergie que j’aurais voulu mettre dans la confection de ma propre robe de promo. J’ai voulu créer un espace, un cocon pour mes dessins. Un lieu qui oblige les visiteur·euse·s à s’attarder, prendre un moment, guigner l’intérieur de la pièce et découvrir une sélection de dessins qui résultent d’une production d’un carnet intime de dessins. Dans l’espace de vie qu’est la chambre. J’ai utilisé différents matériaux, tels que la tulle d’une moustiquaire, un bout de tissu en mousseline (polyester 100%), du fil de fer, un cercle métallique et une tringle à vêtements… Et j’ai tout cousu moi-même, d’où le titre « promdress ».

Tara Ulmann – Thank You for Everything (I Feel Better Now)

ARTS VISUELS

Tara Ulmann – Thank You for Everything (I Feel Better Now)

par Tara Ulmann

« Thank You for Everything (I Feel Better Now) » est une retranscription sincère et décousue d’un recueil de textes poético-théoriques queer qui retrace, à la façon d’un journal de bord, les états d’âmes traversés dans les failles d’une rupture. Adieu l’image. Ici, il n’y aura que les maux qui feront foi. S’il y a eu de l’amour, c’est qu’il y a eu de la haine et vice versa. Si je peux définir la rupture, c’est que je suis en mesure de réparer. La performance pour enfin parler, mais surtout dire. Parler plus fort et penser plus loin que la photographie.

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