L’ECAL présente "The ECAL Manual of Style – How to best teach design today?" – un livre et une exposition révélant la fascinante méthodologie d'enseignement de l'institution suisse de design, à travers les témoignages de designers reconnnu·e·s et une collection de ses projets d’étudiant·e·s les plus innovants.
Evénement
Fondée en 1821, l'ECAL est largement considérée comme l'une des meilleures institutions d'art et de design au monde, décrite par It's Nice That comme « L’Oxbridge, le Harvard ou le MIT du monde du design ». Dans The ECAL Manual of Style, la pédagogie du design à l'ECAL est présentée par le biais d'une question centrale posée aux designers, critiques et écrivain·e·s de renommée internationale lié·e·s à l'ECAL: « Comment enseigner au mieux le design aujourd'hui? ». Leurs réponses mettent en évidence les nombreuses approches en matière d'enseignement, dans lesquelles le style individuel n'est pas seulement encouragé, mais rigoureusement poussé à se développer pour atteindre sa forme professionnelle la plus cohérente.
Organisée par le célèbre designer Jonathan Olivares et le directeur de l'ECAL Alexis Georgacopoulos, l'exposition passe en revue une sélection de projets novateurs et anticonformistes, issus de méthodes d'enseignement fascinantes. Réalisés par des étudiant·e·s et leurs tuteur·rice·s, ces objets non conventionnels révèlent une méthodologie créative au cœur de l’action, nécessaire pour répondre aux besoins du futur.
L'exposition présente une sélection de ces projets emblématiques et retrace leur processus de conception à travers un contexte historique. En d'autres termes, elle pose la question : « Comment enseigner au mieux le design aujourd'hui ? ».
Une question à laquelle Max Bill et Ettore Sottsass ont tenté de répondre en 1983 dans le cadre de l'exposition Design Since 1945 au Philadelphia Museum of Art. Leur réponse ? Chacun en donna une à son image : le premier mit en avant le pragmatisme et la praticité du design. Le second, son caractère utopique et métaphorique. Deux lignes de pensées qui se retrouvent au cœur de l'exposition de par sa scénographie. Du verre excentrique et coloré à la structure en bois fonctionnelle et sobre, l'exposition répond d’elle-même à la question : il n'y a pas une mais une multitude de manières d'enseigner le design.
Outre l'exposition, les résultats sont également présentés dans une publication, publiée par Phaidon et éditée par Jonathan Olivares et Alexis Georgacopoulos.
Johanna Agerman Ross – Yves Béhar – Camille Blin – Erwan Bouroullec – Ronan Bouroullec – Pierre Charpin – Kim Colin – Alexandra Cunningham Cameron – Konstantin Grcic – Marva Griffin – Stéphane Halmaï-Voisard – Mette Hay – Jaime Hayon – Anniina Koivu – Nicolas Le Moigne – Sabine Marcelis – Ravi Naidoo – Hans Ulrich Obrist – Eugenio Perazza – Alice Rawsthorn – Deyan Sudjic – Patricia Urquiola
Ini Archibong – Thilo Alex Brunner – BIG-GAME – Michel Charlot – Jung-You Choi – Christophe Guberan – Moises Hernandez – Maria Jeglinska – Fiona Krüger – Carolien Niebling – Léa Pereyre – Julie Richoz – Adrien Rovero – Brynjar Sigurðarson – Francisco Torres – Alexis Tourron (Panter&Tourron) & Stefano Panterotto (Panter&Tourron) – Hongchao Wang – Giorgia Zanellato & Daniele Bortotto
La scénographie est basée sur un concept de Maxine Granzin , Paula Mühlena et Yohanna Rieckhoff - étudiant·e·s en Master Design de Produit) - suite à un atelier d'une semaine dirigé par Jonathan Olivares , en étroite collaboration avec Glas Italia.
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