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Clara Stote – My Favorite Place on Earth Was Huntington, Long Island

par Clara Stote

My Favorite Place on Earth Was Huntington, Long Island est un projet né d'un conflit personnel et identitaire. D'origine belge et américaine, l'artiste est née et fut élevée en France. Enfant, elle admirait ses cousines américaines, mais au fil du temps, des valeurs radicalement opposées les ont éloignées. Plusieurs membres de sa famille s'alignent à une politique chrétienne d'extrême droite. Cet éloignement est au coeur du projet : si l'artiste avait grandi aux États-Unis, serait-elle devenue comme elles ? Entre nostalgie, fascination et réalité, ce projet tend vers quelque chose de plus vaste. Dans le paysage politique américain actuel, la réalité est devenue un instrument à manier et à déformer. My Favorite Place on Earth Was Huntington, Long Island s'inscrit dans ce malaise : Qu'est-ce qui est réel ? À quoi peut-on se fier lorsque la vérité est devenue un outil ?

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Binyu Lin – Still Cruising

par Binyu Lin

Still Cruising rejoue les scènes qui ont façonné le désir de l'artiste. Ces désirs se construisent par l'accumulation d'une imagerie queer masculine particulière : un corps exposé, travaillé, performé. À force d'être consommées, ces images glissent peu à peu vers un état d'épuisement. Par la photographie mise en scène, le projet tente de réentrer dans cette imagerie. À travers l'objectif, entre la visée et la mise au point, le corps désiré se trouve étayé, suspendu ou révélé dans des états de fatigue. Au fil de la dérive du regard, l'attention se déplace progressivement de l'objet du désir vers soi. Dans ce mouvement répété de reconstruction et de retour, Still Cruising cherche à négocier un espace entre l'obsession et la subjectivité, un espace à habiter.

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Thomas Martin – To Dream a Night, Gently, Through a Glass, Darkly

par Thomas Martin

To Dream a Night, Gently, Through a Glass, Darkly explore la peur de perdre la vue, ancrée dans un risque personnel, comme métaphore d'une perte plus large de clarté, de croyance et d'imagination. À travers des images générées par IA et l'appropriation d'images de désinformation médiatique créées par IA, l'œuvre prend la forme d'un livre et d'une installation vidéo. Elle met en scène un monde instable où regarder ne garantit plus de comprendre, et examine comment les médias neuronaux, l'anxiété politique et les récits apocalyptiques façonnent ce que nous voyons, croyons et imaginons. Ce projet demande si la cécité peut devenir une protection, et ce que signifie continuer à regarder quand l'avenir lui-même semble s'effondrer, s'obscurcir et devenir hallucinatoire.

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Lóa Fenzy – Remy

par Lóa Fenzy

Remy est un court-métrage hybride qui oscille entre documentaire construit et performance de longue durée, utilisant le casting et les répétitions comme méthodologie et structure narrative. Partant de la question « Que se passerait-il si j'engageais des acteurs pour jouer le rôle de mon père ? », le film suit huit hommes d'âge mature qui auditionnent pour le rôle de mon père absent, puis trois d'entre eux sont invités à participer à des répétitions de plus en plus intimes et à des mises en scène. Ce qui ressemble au départ à un processus de casting classique se transforme peu à peu en un espace où la masculinité, l'autorité, la tendresse et l'attention sont mises en scène entre des inconnus. À travers la répétition, la mise en scène, l'improvisation et la négociation émotionnelle, le film dévoile progressivement sa propre construction, brouillant la frontière entre sincérité et performance.

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Elisa Hampe – Through My Hands, Broken into Fingers

par Elisa Hampe

Through My Hands, Broken into Fingers est un projet créé avec à l'aide d'un smartphone et qui explore comment les écrans provoquent un détachement de la réalité, du point de vue d'une jeune adulte. L'artiste créé des images picturales en capturant des objets, des corps et des espaces à l'aide de photogrammétries réalisées avec un smartphone, puis en les réassemblant en scènes plus complexes à l'aide d'un logiciel 3D. Les images représentent des figures dans des intérieurs domestiques, suspendues dans des états d'attente, d'épuisement et d'immobilité. Du fait du processus de numérisation, les surfaces et les textures se transforment : les couvertures perdent leur douceur et se transforment en coques rigides, les corps semblent creux et fragiles, et les intérieurs familiers s'effondrent pour laisser place à des environnements instables et oppressants. En parallèle aux images murales, une sculpture en aluminium imprimé réintroduit les corps médiatisés dans l'espace.

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Xiao Fu – The Surrogate

par Xiao Fu

The Surrogate est un projet multimédia alliant installation vidéo et images matérialisées. Ces œuvres, inspirées par les parallèles entre la vie reproductive contrôlée du panda géant et les expériences queer chinoise face à la pression sociale, explorent la complexité de la construction identitaire à travers des images synthétiques et des surfaces tactiles. Utilisant un panda en images de synthèse comme avatar numérique, The Surrogate tisse un récit à la fois absurde et émouvant. Des matériaux corporels tentent de déconstruire physiquement l'image du panda tout en introduisant des sensations queer liées à la douceur, à l'érotisme et au malaise qui transcendent l'expérience purement visuelle. Plutôt qu'une vérité stable sur l'identité, le corps de substitution reste dans un état de transformation perpétuel tout en conservant une attitude critique.

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Julieta Tarraubella – Archaeology of Birth

par Julieta Tarraubella

L'artiste est née en 1991 à Tacna, dans le sud du Pérou, au cœur du désert d'Atacama. À vingt kilomètres de là se trouve Miculla, une vallée de pétroglyphes datant du Ve au XVe siècle. Une semaine après sa naissance, sa mère l'y a baptisée et a offert sa vie à l'univers. Archaeology of Birth prend pour point de départ l'archive photographique de Miculla réalisée par la mère de l'artiste. Ces images ont servi à entraîner une IA qui réinvente ce que les voyageurs ont observé et gravé dans la pierre. À travers des représentations médiées par la technologie, le projet se déploie sous forme d'installation mêlant fiction audiovisuelle, sculptures-pétroglyphes vibrantes et panorama immersif des Andes. En donnant une agentivité aux éléments du désert, Archaeology of Birth recompose un paysage à la fois historique, hérité et imaginé.

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Andrey Lopatin – Flies

par Andrey Lopatin

Flies est un court-métrage construit autour de l'image d'un crash d'avion. Il mêle des scènes domestiques générées par IA et des paysages hallucinatoires habités par des marionnettes avec des archives du Controlled Impact Demonstration de la NASA en 1984, en suivant un garçon-mannequin obsédé par les catastrophes aériennes. Ses deux registres fonctionnent comme des métaphores d'un monde saturé d'images de désastre où réalité et simulation deviennent indistinguables. Les marionnettes paraissent humaines et vulnérables, mais sont à la fois des corps artificiels manipulés de l'extérieur. Entre pilote, passagers, enfant et des points de vue oniriques, le film laisse simulation, mémoire, fantasme et documentation se fondre. La mouche dérive à travers ces réalités en témoin fragile et persistant.

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Zhiyue Liu – Crossing the River by Feeling the Stones

par Zhiyue Liu

Crossing the River by Feeling the Stones naît d'une expérience d'enfance longtemps enfouie et se déploie en une exploration du désir, de la sexualité et du fantasme façonnés par la migration. Reprenant une métaphore chinoise qui consiste à avancer dans l'incertitude grâce à l'instinct et au toucher, ce projet traduit un état de curiosité, de confusion et de quête. À travers des mises en scène, l'artiste invite des amies à accomplir des gestes ordinaires du quotidien : actions domestiques, corporelles ou ludiques, entre soin, routine, intimité et rituels qui donnent vie au foyer. Nourries de fantasmes et de désirs entravés dans le contexte culturel chinois, ces images interrogent les représentations du corps féminin, entre érotisme saphique, dévoilement, curiosité et étrangeté.

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Gaia Pierobon – Sara

par Gaia Pierobon

Sara est un projet photographique développé par l'artiste avec sa cousine. Ayant grandi ensemble avant que la distance ne les sépare, la photographie est devenue un moyen de reconstruire leur relation. Ce projet suit une jeune femme dont le monde s'est progressivement réduit à l'espace de sa chambre, où les écrans, les dessins, les chansons et les mondes imaginaires semblent plus rassurants que le monde extérieur. Au cœur du projet se trouvent les thèmes de l'isolement, de l'imagination, du handicap et de l'entrée dans l'âge adulte. En envisageant la photographie comme un espace de soin et de collaboration, ce travail est devenu une lettre d'amour à Sara, une tentative de lui montrer la beauté, la profondeur et la tendresse que l'artiste voit en elle.

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Workshop - Rachel de Joode - 2026

avec Rachel de Joode, Clément Lambelet

Pour cet atelier, ECAL a invité Rachel de Joode, artiste basée à Berlin dont la pratique explore les relations entre photographie, sculpture et images numériques. Au cours de la semaine, les étudiant·e·s ont expérimenté la transformation d’images photographiques en formes tridimensionnelles. À partir de concepts simples, ils et elles ont produit ou rassemblé du matériel visuel destiné à l’impression, en considérant les images comme des surfaces à découper, plier, superposer et assembler pour créer des objets sculpturaux. À travers des tests rapides et des expérimentations matérielles, l’atelier a encouragé les étudiant·e·s à naviguer constamment entre image, surface, objet et documentation. En travaillant avec l’impression, l’échelle et la mise en espace, ils et elles ont exploré comment les images photographiques peuvent acquérir une présence physique et occuper l’espace au-delà de l’écran.

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Self-Initiated Project - Automne 2025 - MAP2

avec Elisa Medde

Ce module aide les étudiants à développer un travail finalisé dans le cadre d'un projet qui approfondit leurs intérêts et leurs recherches. Le module donne l'opportunité de prendre certaines des idées, des compétences et des thèmes explorés au cours du premier semestre et d'en faire un tout nouveau travail qui peut prendre toutes les formes possibles : un livre, une installation, un projet en ligne, une performance.

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Soft Photography - Automne 2025 - MAP2

avec Marco De Mutiis

Le cours, dirigé par Marco De Mutiis, a exploré la manière dont les émotions sont exploitées et transformées par les pratiques et l'esthétique des médias sociaux (par exemple, la photographie d'influence et les images de synthèse, la beauté opérationnelle et la gentillesse militarisée), ainsi que par les récentes technologies de l'image (par exemple, les plateformes d'IA générative et les services de conversion du texte en image).

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Materialized Photography - Automne 2025 - MAP2

avec Mazaccio & Drowilal

L'objectif de ce cours est d'examiner les relations entre la photographie - dans un contexte marqué par le numérique - et ses différents modes de diffusion. Les étudiants devront considérer ce qu'une photographie peut être matériellement et explorer comment le sens d'une image est dérivé à la fois de son mode de distribution et de la forme matérielle qu'elle prend. Bien que le résultat final doive inclure la photographie dans une troisième dimension (installation), les projets peuvent utiliser et combiner des pratiques basées sur l'image telles que la photographie numérique, le collage, les images de synthèse, la projection, la gravure, la sculpture, les objets ou la performance, afin d'encourager une approche élargie de la pratique photographique. L'idée est de remettre en question les différents types d'engagement possibles avec les images aujourd'hui.

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Self-Initiated Project - Automne 2025 - MAP1

avec Milo Keller

Le cours est une plateforme pour le développement de projets personnels qui naissent du désir et de la curiosité de chaque étudiant. Le concept de base du travail doit être pertinent dans le domaine des images photographiques contemporaines. Chaque projet peut prendre une forme différente en fonction des spécificités, des contenus et des inclinations de chaque participant. Du livre à l'installation multimédia, de la performance à l'image de synthèse, les discussions de groupe permettront d'articuler une vision plurielle des applications de la photographie aujourd'hui.

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Workshop - Simone C Niquille - 2025

avec Simone Niquille, Milo Keller, Clément Lambelet

Pour cet atelier, ECAL a invité Simone C Niquille, designer et chercheuse suisse basée à Amsterdam, dont la pratique interroge la manière dont les images numériques, la vision par ordinateur et les technologies 3D façonnent la représentation des corps et des objets dans la culture visuelle contemporaine. À travers sa plateforme de recherche Technoflesh, Niquille examine les infrastructures qui sous-tendent l’imagerie numérique (des banques d’images et bibliothèques d’objets 3D aux systèmes de vision automatisée) ainsi que les présupposés culturels qui y sont intégrés. Son travail met en évidence comment les jeux de données, les logiciels de rendu et les standards visuels influencent la manière dont les corps, les matériaux et les environnements sont modélisés et compris.

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Applied Photography - Automne 2025 - MAP1

avec Charles Negre, Milo Keller

Le cours se concentre sur le développement de la capacité à répondre à une commande dans le cadre de sa propre pratique artistique, à travers une introduction à la photographie de studio et à la construction d’images. Avec un accent particulier sur la nature morte, les étudiant·e·s affinent leur sensibilité à la photographie et à l’interprétation des objets. Les exercices consistent à transformer des objets du quotidien en objets de désir, en utilisant les outils de la photographie commerciale et de produit. À travers le stylisme, la lumière et la narration visuelle, les étudiant·e·s explorent comment recontextualiser l’ordinaire pour le rendre attractif, en travaillant aussi bien dans des dispositifs de studio traditionnels qu’improvisés.

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Contemporary Photography - Automne 2025 - MAP1

avec Clothilde Morette

Le cours explore l’histoire de la photographie et des médias associés à travers une approche qui brouille les frontières entre culture académique et populaire, ainsi qu’entre photographie et autres pratiques artistiques. En s’appuyant sur des références issues de la science, de la science-fiction, de la littérature, du cinéma et des arts visuels, les étudiant·e·s abordent une histoire élargie des images, du début du XXe siècle à aujourd’hui. Fondé sur des expositions historiques initiées par l’Independent Group, le cours propose des thématiques ouvertes telles que la technologie, le mouvement ou les mondes imaginés. À travers la recherche, l’appropriation et l’élaboration d’une mind-map accompagnée d’un texte théorique, les étudiant·e·s sont invité·e·s à établir des liens entre disciplines et à développer une réflexion sur les dimensions conceptuelles et narratives de leur pratique.

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Workshop - CGI WITH AREA OF WORK – 2025

avec Area Of Work

Ce workshop est une introduction aux logiciels de création 3D qui permettent de réaliser des images aux qualités photographiques qui ne sont pas des photographies.

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L'ECAL à OFFPRINT Paris 2025

avec Bruno Ceschel, Nicolas Polli, Milo Keller, Clément Lambelet

Durant Paris Photo 2025, l'ECAL présente une sélection de ses livres à l'occasion de OFFPRINT Paris. Le Master Photographie de l’ECAL a le plaisir de présenter une sélection de livres réalisés par ses étudiant·e·s de deuxième année. Cet événement sera l’occasion d’échanger en direct avec les jeunes photographes autour de la genèse de leurs projets et des histoires qui se cachent derrière chacun de ces ouvrages.

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ECAL x PAPERBOY

avec Charles Negre, Milo Keller, Clément Lambelet, Tanguy Morvan

Paperboy ECAL est le fruit d'une étroite collaboration entre Paperboy Magazine et les étudiant·e·s de première année du Master Photographie de l'ECAL. Sous la houlette du photographe Charles Negre , ils·elles ont exploré le potentiel des objets du quotidien pour créer des natures mortes mystérieuses et ludiques.

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Nabarun Gogoi – The Swan

par Nabarun Gogoi

Dans ce court métrage, un avatar en images de synthèse est utilisé pour aborder et interroger les notions contemporaines de masculinité ainsi que la relation complexe qu'elle entretient avec l'amour. Inspiré par les propres appréhensions de la photographe, liées à la connexion avec d'autres hommes, The Swan dévoile l'endoctrinement subtil mais puissant des perceptions masculines. Elles entrent en conflit violent avec la vulnérabilité inhérente à l'amour et aux émotions, condamnant ainsi les hommes à une prison intérieure faite de honte et d’auto-trahison. Réalisé à l'aide d’un moteur de rendu de jeu vidéo, le film cherche à confronter ce dilemme et suggère la nécessité d’adopter une version plus nuancée de la masculinité – une version où le soi n’est plus sacrifié pour répondre aux insécurités du plus grand nombre.

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Mirielle Alina Rohr – Girls Manufactured

par Mirielle Alina Rohr

Girls Manufactured, est une série de cinq vases en céramique, chacun représentant une identité esthétique dictée par les réseaux sociaux, comme la Tradwife, la Coconut Girl ou la Femme Fatale. Ces identités réifient la féminité à travers des codes visuels et de style de vie stricts, souvent tournés vers des idéaux conservateurs et le regard masculin. La photographe généré des images avec l’IA à partir de données liées à chaque identité, en y intégrant son propre visage pour refléter son double rôle de spectatrice et de cible. Les images ont été transférées sur les vases grâce à une technique fusionnant image et argile. Leur forme, inspirée des amphores panathénaïques, relie symboles patriarcaux antiques et idéaux féminins contemporains.

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Jose Martin Martinez – L’Eternité Reste

par Jose Martin Martinez

Peu après avoir quitté mon pays, le photographe a rencontré ses premiers amis, Serhii et Yelyzaveta, deux adolescents ukrainiens, anciens amants, contraints de fuir ensemble l'occupation russe de l'Ukraine. Ainsi commença un voyage de deux ans, ponctué d'épreuves et de tribulations. L'Eternité Reste est un récit, tantôt abstrait, tantôt littéraire, souvent cinématographique, de cette histoire. Un passage à l'âge adulte sans complexe, libéré des récits idéalisés, fantastiques et vulgaires véhiculés par Hollywood et les réseaux sociaux. Ce livre fonctionne comme une sorte de « monnaie d'échange » contre l'appareil social déformé de la « réalité ». De plus, il prétend laisser une trace indélébile de cette « histoire d'amour », inextricablement liée à un conflit historique contemporain.

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Eva Manuela Rivas Bao – An Italian Story

par Eva Manuela Rivas Bao

À partir du procès de l'ex-président italien Berlusconi, An Italian Story examine le modèle italo-marocain Imane Fadil. Ayant assisté aux fêtes de l'ex-président, elle fut une témoin clé, avouant des abus de pouvoir et de la prostitution enfantine à Arcore, près de Milan. En 2019, elle décède à 34 ans mystérieusement. Berlusconi a réduit la représentation des femmes en Italie à quelques pixels. Le livre manipule les "restes photographiques" et les images de la maison milanaise d’Imane avec IA, visant à recréer les images manquantes partagées par Fadil au tribunal. Déconstruire "una storia italiana" - zine de propagande de l'ex-président - pour reconstruire une autre histoire italienne, une mémoire collective née des ruines du "Me Too raté italien".

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Doyoung Kim – Flattened Roughness

par Doyoung Kim

L’œuvre Flattened Roughness explore la consommation d’images de guerre et la culpabilité qui en découle. Le photographe collecte et imprime des images de mort, puis les lèche et les absorbe physiquement, affrontant la distance émotionnelle et physique créée par les médias. Les caméras des drones-suicides mesurent sans cesse la distance aux humains pour détruire. Dans ce processus, la distance entre les humains est oubliée. Pour surmonter cette distance, il introduit ces images dans son corps. Cet acte, où l’intimité et la brutalité coexistent, transforme le voyeurisme en deuil et en soin, confrontant son humanité perdue. Par la performance sensorielle, il réduit l’écart entre lui-même et la mort médiatisée, explorant le conflit entre émotion émoussée et sensation.

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Min Dai – Rate My Cake

par Min Dai

Rate My Cake est un projet sur la faim — celle du sucre, de l’attention, de l’amour. C’est une tentative de rester avec ce désir, de le laisser parler – non pas en mots, mais en images. Le projet est réalisé avec une intelligence artificielle, même si le mot “réalisé” semble ici trop simple. La machine et la photographe ont coexisté, se reflétant l’une l’autre. C’était comme murmurer des secrets dans un puits sombre et voir apparaître des formes étranges et sucrées. Les gâteaux dans les images ne sont pas réels. Ils sont trop mous, trop brillants, trop imparfaits de la bonne manière. Ils sont surexposés, mal cuits, en train de fondre. Eux aussi semblent attendre quelque chose – une approbation, de l’attention, peut-être de l’amour.

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Francesca Bergamini – Pretty in Pink

par Francesca Bergamini

Lorsque le désir masculin se transforme en violence, cela commence souvent par l’objectification du corps féminin. Pretty in Pink réapproprie ces corps : des images basse résolution de modèles 3D de femmes nues — idéalisées et passives, créées par des designers hommes pour la pornographie numérique — sont modifiées à l’aide des mêmes outils qui les ont façonnées. Les courbes cessent de séduire. Elles sont hostiles, menaçantes. Imprimées en 3D à taille réelle, ces figures se dressent comme des anti-monuments, exposant des rapports de pouvoir obsolètes. L’installation guide le spectateur à travers le désir, la déformation et la peur. Ce qui était consommé virtuellement par le regard masculin devient une présence physique non censurée, une résistance affirmée.

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Eriko Miyata – Chronicle Void

par Eriko Miyata

Chronicle Void explore comment la culture pop japonaise dépeint les femmes et influence les attitudes sociales, notamment autour de la normalisation du harcèlement sexuel. Grandir en tant que femme au Japon, puis s’installer en Europe, a révélé à la photographe l’ampleur des biais implicites présents à travers les cultures. Cette installation vidéo mêle souvenirs personnels et symboles publics comme les affiches contre le harcèlement. En appliquant des filtres biaisés d’IA sur ses photos d’enfance, elle révèle comment la mémoire et l’identité sont façonnées par les normes sociales. Faisant référence à la culture japonaise du selfie, le photographe expérimente avec l’IA et la vidéo pour critiquer l’identité, la mémoire et l’influence culturelle.

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Visvaldas Morkevicius – Ergot

par Visvaldas Morkevicius

Ergot est un champignon toxique utilisé comme métaphore de l’intoxication numérique. S’appuyant sur les notions de psychopolitique, simulacres et techno-féodalisme, cette œuvre explore la déformation de l’identité, du plaisir et du pouvoir sous le capitalisme des plateformes. Elle construit un monde pixelisé d’avatars hypermasculins, de violences stylisées et d’objets dopaminergiques via l’IA, la CGI, la photogrammétrie et le glitch. Cigarettes électroniques, cristaux et compléments alimentaires incarnent le désir marchandisé, tandis que des policiers dansants et armes personnalisées dévoilent la violence devenue ludique. Réalisée en triptyque de trois panneaux plexiglas de 110 par 250 cm, l’œuvre reflète la toxicité séduisante qu’elle critique.

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Daniel Martinez – A River Has No Shore

par Daniel Martinez

Du glacier alpin à la Méditerranée, le Rhône traverse grottes de glace, forêts, villes et zones industrielles. Il soutient des écosystèmes, relie des cultures et façonne des territoires. Mais les eaux du monde charrient aujourd’hui des récits de crise et de désastre. Le changement climatique affecte aussi notre vie émotionnelle, nourrissant l’éco-anxiété et la solastalgie. A River Has No Shore explore cette détresse en suivant l’eau du Rhône, dans ses formes multiples, comme reflet des bouleversements contemporains.

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Elisa Azevedo – Daydream

par Elisa Azevedo

Daydream est une exploration intime de la sexualité et de la quête de connexion dans un monde de plus en plus façonné par la consommation. La série photographique a commencé par une enquête sur des espaces fortement sexualisés — des lieux où le corps apparaît souvent fragmenté, réduit à une simple image. Présent mais absent, il ne subsiste que comme une trace du désir. En rejouant certains de ces gestes elle-même, la photographe incarne un rôle et une attente qu'elle ne peut naturellement pas satisfaire. Ce processus performatif révèle la dissonance entre les idéaux imposés et la réalité personnelle. À travers la photographie, elle affronte des sentiments de solitude et de vulnérabilité, mais aussi la recherche d’un rapport plus sincère à son corps et à son intimité.

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Riccardo Androni – Exhaustion

par Riccardo Androni

Exhaustion est une réponse critique et ironique à la société de la performance dans laquelle vit le photographe — un monde qui exige un mouvement constant, de la visibilité et de la productivité. À travers des gestes absurdes et in situ dans des espaces publics, il confronte, avec une résistance délibérée, des machines conçues pour l’efficacité et l’élévation. Il monte à contresens sur un escalator, bloque une porte automatique avec ma tête ou se plie pour rester dans le cadre. Ces actes vains suivent un protocole strict et révèlent le vide tragique de l’auto-performance incessante. Avec un humour sec et une endurance physique, Exhaustion cherche à démasquer un système qui récompense la conformité et efface le sens — jusqu’à ce qu’il ne reste que l’épuisement.

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Soft Photography

avec Salomé Chatriot, Charlie Engman, Simon Lehner Milo Keller, Marco De Mutiis, Claus Gunti, Clément Lambelet, Giulia Bini, Simone Niquille

Soft Photography est un projet de recherche mené par le Master Photographie de l'ECAL/Ecole cantonale d'art de Lausanne avec le soutien de la HES-SO. Il vise à mettre en lumière le rôle des émotions humaines dans la perception et dans la conception des images réalisées à l'aide de l'Intelligence Artificielle (IA) générative ou de l'imagerie générée par ordinateur (CGI).

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Contemporary Photography - Printemps 2025 - MAP1

avec Kim Knoppers

Do Not Disturb - Curating in Progress Le cours Do Not Disturb - Curating in Progress est conçu pour donner aux étudiants un aperçu du métier de commissaire d'exposition du point de vue d'un commissaire indépendant (anciennement à Foam, Amsterdam 2011-2021). Le cours enseigne à aborder les questions historiques, théoriques et pratiques de la conservation d'une exposition de photographie, avec des questions concernant le désir désespéré de l'humanité d'exposer des objets, l'exposition de photographie à l'ère numérique, le mélange de la photographie avec d'autres disciplines dans un espace physique, Imaging the Anthropocene et Photography in Times of Radical Change (imagerie de l'Anthropocène et photographie en période de changement radical). Les étudiants ont été invités à créer une exposition de groupe avec une maquette physique et une exposition solo en ligne avec leur propre travail.

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Self-Initiated Project - Printemps 2025 - MAP1

avec Bruno Ceschel

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Materialized Photography - Printemps 2025 - MAP1

avec Felicity Hammond

Dans ce module, nous explorerons le potentiel de l'image photographique en tant que toile de fond, objet et accessoire. Nous produirons des images à la fois dans le but d'être réimaginées et pour leurs possibilités sculpturales, pour aboutir à un travail qui étudie le potentiel d'un cycle sans fin d'images et d'objets. Nous prendrons en compte la mise en scène de l'œuvre, ainsi que le site conceptuel et physique auquel elle est destinée.

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Applied Photography - Printemps 2025 - MAP1

avec Charlie Engman

Ce cours explore la contradiction, l'ambiguïté et la paternité de la signification photographique, ainsi que le rôle de l'esthétique dans le façonnement de la fonction d'une image à travers les contextes. La photographie opère dans un espace complexe où le style visuel, le contexte et les attentes du public interagissent pour produire du sens. Ce cours demande aux étudiants d'examiner comment l'esthétique photographique influence l'interprétation et comment la fonction d'une image change lorsqu'elle est adaptée à différents cadres de photographie appliquée. Ce cours explore la contradiction et l'ambiguïté dans la signification photographique et le rôle des conventions esthétiques dans le façonnement de la fonction d'une image à travers les contextes. Tout au long du cours, les étudiants devront développer une série cohérente d'au moins 10 images qui appliquent un traitement ou une esthétique distincte à un sujet ou à un récit multi-image qui n'est pas typiquement représenté dans ce style ou cette esthétique. À travers ce processus, les étudiants examineront comment les codes visuels, les changements de contexte et les stratégies esthétiques influencent l'interprétation.

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Workshop - Simon Lehner

avec Simon Lehner, Milo Keller, Clément Lambelet

Pour cet atelier, l’ECAL a invité Simon Lehner, un artiste visuel basé à Vienne, dont la pratique interdisciplinaire englobe la photographie, le rendu 3D, les images générées par intelligence artificielle, les peintures basées sur l’image et les sculptures. Les algorithmes des réseaux sociaux manipulent la mémoire et les émotions en enfermant les utilisateurs dans des chambres d’écho, où des images et idées répétitives se succèdent. Ces cycles visuels exploitent les processus mémoriels, déclenchant des réponses émotionnelles—telles que la peur, l’envie ou le désir—qui renforcent certains schémas comportementaux. Les entreprises utilisent ces images photographiques pour cibler les insécurités, activant des instincts primaires afin de stimuler la consommation et l’engagement. Avant l'atelier, les élèves ont été invités à réfléchir à leurs chambres d'écho personnelles - rencontrées sur leurs fils d'actualité des médias sociaux. Il leur a été demandé de réfléchir aux points suivants: • Quelles tendances ou niches vous ont été suggérées? • Quelles émotions ont joué un rôle dans ces tendances? • Quelles réponses émotionnelles ces contenus ont-ils déclenchées chez vous? En analysant ces schémas, les étudiants ont acquis une compréhension de la manière dont les images photographiques et les algorithmes influencent la mémoire, les émotions et les comportements. Cette prise de conscience critique a servi de base pour explorer les implications sociétales plus larges des médias visuels.

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We Do The Rest – ATELIER DE PERFORMANCE & EXPOSITION

avec Augustin Lignier, Milo Keller, Clément Lambelet

De la prise d'image à la diffusion, « We do the Rest » explore les notions d'effort et de contrainte corporelle dans la mécanique photographique contemporaine. A travers une série de per-formances spectaculaires et trompeuses, les étudiants du Master en Photographie de l'ECAL/Université d'Art et de Design de Lausanne traduisent avec humour et absurdité les gestes et les actions de la fabrication visuelle. Le projet, dirigé par Augustin Lignier, rappelle les performances radicales des années 60, revisitées à l'ère du numérique, où les publics sont essentiellement virtuels, et les relations réduites à des pixels. En quête d'une validation permanente, nous évoluons dans un théâtre numérique régi par des caméras, des écrans et des algorithmes. Nous vous invitons à plonger dans ces simulations, pour de vrai. Et c'est à vous d'appuyer sur le déclencheur... Le projet « We do the Rest » a été créé sous forme d'atelier au cours du second semestre et a été développé en Italie, où il a été présenté pour la première fois à la Biennale dell'Immagine di Chiasso. Le projet, constamment réimaginé, a ensuite été présenté au festival de photographie Rencontres d'Arles 2024, où il a trouvé un large public. La troisième et dernière édition a été présentée à l'ECAL en septembre 2024, bouclant ainsi la boucle et illustrant le processus de développement dynamique.

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Self-Initiated Project - Automne 2024 - MAP2

avec Katy Hundertmark

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Materialized Photography - Automne – 2024

avec Alix Marie

Ce cours dirigé par Alix Marie a exploré la création et l'invention de langages visuels pour des objets photographiques basés sur la lentille, en mettant l'accent sur la transformation des images en formes matérialisées. Les étudiants ont étudié les pratiques d'artistes contemporains tels que Katja Novitskova, Thomas Ruff, Seth Price et d'autres, et ont appris comment des technologies comme la CGI et la photogrammétrie influencent l'expression artistique. Les étudiants ont exploré l'interaction entre les espaces numériques et physiques et ont développé des approches uniques pour créer des objets photographiques. Le cours s'est concentré sur la compréhension des tendances historiques et contemporaines, l'analyse d'études de cas d'artistes et la création d'œuvres matérialisées, y compris des images uniques, des objets 3D, des installations et des médias immersifs tels que la réalité augmentée (AR) et la réalité virtuelle (VR). À travers la recherche et la pratique, les étudiants ont conceptualisé et matérialisé des projets qu'ils ont présentés sous forme d'installations ou d'objets physiques. Ils ont développé la capacité d'articuler le sens de leurs créations, de critiquer et de collaborer avec leurs collègues pour enrichir leur pratique artistique.

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ECAL x AREA OF WORK - CO-EXISTENCE

avec Area Of Work, Milo Keller

Lors de Paris Photo, du 7 au 9 novembre 2024, l’ECAL/Ecole cantonale d’art de Lausanne s’associe au studio parisien Area of Work pour présenter CO-EXISTENCE, une installation immersive monumentale au cœur du 11e arrondissement de Paris. Dans une grande métropole, un petit appartement à l’apparence vide révèle des traces discrètes de présence humaine. A une autre échelle, une population conquérante se manifeste. Battements d’ailes, traces de bave, frémissements d’antennes... Dans le décor industriel de l’ancien Garage République du 11e arrondissement de Paris, CO-EXISTENCE amène le public à découvrir une co-habitation vivante, par une séquence d’images artificielles créées en CGI (Computer Generated Imagery). Photo-réalistes, ces projections à la fois specta- culaires et intimes mettent en lumière l’imperceptible, l’inframince, l’invisible créant un flottement de tailles : micro-macro. Développé lors de trois séries de workshops menées de 2023 à l’automne 2024 par Area of Work, CO-EXISTENCE témoigne des compétences techniques et artistiques développées au sein du Master Photographie de l’ECAL. Ces ateliers ont permis aux étudiant·e·s de transposer leurs compétences photographiques dans l’espace virtuel de la 3D afin de comprendre les enjeux temporels, artistiques et commerciaux liés à la création d’images de synthèse (CGI). « Cette collaboration a offert aux étudiant·e·s de l’ECAL une initiation aux outils et aux possibilités du médium 3D, explorant son intégration dans les processus de création d’images photoréalistes et hyperréalistes, tout en mettant en avant l’importance de la dimension artistique et cinématographique qui sont au cœur de notre identité » – Amine Ghorab & Scott Renau, Area of Work, Paris. Fondé à Paris en 2018 par les artistes et réalisateurs Amine Ghorab et Scott Renau, Area of Work se caractérise par ses récits visuels contemporains distinctifs, mêlant cadrage graphique et direction photographique rigoureuse. Spécialisé dans les domaines de la mode, du luxe et de la technologie, le studio créatif est devenu un acteur majeur de la narration visuelle contemporaine.

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Self-Initiated Project - Automne 2024 - MAP1

avec Milo Keller

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Applied Photography - Automne – 2024

avec Charles Negre

Ce cours se concentre sur la capacité à répondre à une commande dans le cadre de sa propre pratique artistique, en guidant les étudiants vers une compréhension plus approfondie de la photographie de studio, des défis de la construction d'images et des processus impliqués. En mettant l'accent sur la photographie de natures mortes, ce cours de photographie appliquée vise à aiguiser la sensibilité des étudiants à la photographie et à l'interprétation d'objets. Pour ce semestre, le groupe d'étudiants va conceptualiser, photographier et concevoir un numéro alternatif du magazine Paperboy. Fondé par David McKendrick il y a trois ans, Paperboy servira de plateforme créative pour ce projet.

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Photobook - Automne 2024 - MAP1

avec Bruno Ceschel

Ce module dédié au livre de photographie, introduit les étudiants à l’histoire du livre de photographie ainsi que le livre d’artiste, pour les amener à réfléchir sur différentes stratégies et approches de la production contemporaine d’un livre. Au premier semestre les étudiants ont conceptualisé une publication qui a été ensuite designer, imprimer et distribuer.

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Fabienne Watzke – Lately I’ve been dreaming in pink and blue

par Fabienne Watzke

Enfant, les gens supposaient que j'aimais le rose et non le bleu. Dans l'imaginaire d'aujourd'hui, le rose est féminin, mais c'était autrefois une couleur masculine. Lately I've been dreaming in pink and blue montre comment nos stéréotypes et représentations visuelles du genre poussent les femmes dans des rôles prédéfinis et projettent sur elles des attentes qui manifestent l'inégalité. Dans mon travail, je défie ces normes de genre en m'appropriant des symboles masculins comme l'armure de chevalier et en la déconstruisant avec divers symboles et codes de genre. L'armure de chevalier symbolise le patriarcat dans lequel nous vivons, une coquille pour un type de corps spécifique. À travers des ponts symboliques, je montre comment la mentalité du « chevalier » moderne est encore profondément enracinée aujourd'hui.

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Bor Cvetko – TRIBE’S STARLINK HOOKUP RESULTS IN PORN ADDICTION!!!

par Bor Cvetko

Le projet explore l’angoisse existentielle de la consommation passive des médias numériques. Nous sommes bombardés de nouvelles, vidéos, moments heureux, de mort, de publications d’amis et de célébrités. Ce flux provoque la déconnexion, l’engourdissement, et l’épuisement. Une chaise en plastique blanc, symbole de détente, devient le support perdu. J’incorpore des éléments archéologiques pour réfléchir au présent en décomposition et au futur incertain. Les images sont montées sur des plaques métalliques, formant une grille de 24 carrés, support de photos transposées, assemblées et déchirées. Le projet utilise le même titre qu’un article de TMZ qui décrit l’impact d’Internet sur une tribu amazonienne isolée.

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Sunny Attias – Rotten Reverie

par Sunny Attias

Rotten Reverie est une série qui s'intéresse à l'apparition apparemment aléatoire d'images dans les flux de contenus recommandés par les réseaux sociaux, grâce à l'utilisation d'algorithmes personnalisés. Ayant souvent recours aux contenus recommandés et les trouvant aussi fascinants que parfois inquiétants, j'ai choisi d'analyser les motifs visuels récurrents et les groupes de sujets, de formes et d'images présents dans mon flux de contenus recommandés. Les images témoignent d'un certain modèle de contenu, éphémère par nature, qui flottait autrefois dans un océan de recommandations. Il s'agit d'une tentative d'application d'une approche humaine à une logique machinale, et spécifiquement une analyse d'un phénomène qui semble comprendre certains de nos processus de pensée mieux que nous.

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Florian Hilt – BSoD

par Florian Hilt

BSoD (Écran Bleu de la Mort) est une série de vues stagnantes d'un poste de travail émergeant de la dualité entre fascination et peur des espaces de bureau. Entre ennui et anxiété, le désir de fantaisie se transforme en une quête métaphorique d'un moment de repos durant une journée bruyante et répétitive. Le temps qui file dehors et stagne à l'intérieur, l'esprit qui divague perce l'identité corporative. Les pensées intrusives envahissent l'espace de travail en cas de burnout. L'attention se perde dans une monotonie fantastique. Appuyez sur le bouton d'alarme, brisez la vitre et laissez vos sens s'éloigner avant de revenir à la corvée. Le silence et le bruit se dissocient, reflétant le paradoxe du travail numérique où artiste et outil doivent rester invisibles pour prétendre la perfection.

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Savoir-faire

Années

Clara Stote – My Favorite Place on Earth Was Huntington, Long Island

Binyu Lin – Still Cruising

Thomas Martin – To Dream a Night, Gently, Through a Glass, Darkly

Lóa Fenzy – Remy

Elisa Hampe – Through My Hands, Broken into Fingers

Xiao Fu – The Surrogate

Julieta Tarraubella – Archaeology of Birth

Andrey Lopatin – Flies

Zhiyue Liu – Crossing the River by Feeling the Stones

Gaia Pierobon – Sara

Workshop - Rachel de Joode - 2026

Self-Initiated Project - Automne 2025 - MAP2

Soft Photography - Automne 2025 - MAP2

Materialized Photography - Automne 2025 - MAP2

Self-Initiated Project - Automne 2025 - MAP1

Workshop - Simone C Niquille - 2025

Applied Photography - Automne 2025 - MAP1

Contemporary Photography - Automne 2025 - MAP1

Workshop - CGI WITH AREA OF WORK – 2025

L'ECAL à OFFPRINT Paris 2025

ECAL x PAPERBOY

Nabarun Gogoi – The Swan

Mirielle Alina Rohr – Girls Manufactured

Jose Martin Martinez – L’Eternité Reste

Eva Manuela Rivas Bao – An Italian Story

Doyoung Kim – Flattened Roughness

Min Dai – Rate My Cake

Francesca Bergamini – Pretty in Pink

Eriko Miyata – Chronicle Void

Visvaldas Morkevicius – Ergot

Daniel Martinez – A River Has No Shore

Elisa Azevedo – Daydream

Riccardo Androni – Exhaustion

Soft Photography

Contemporary Photography - Printemps 2025 - MAP1

Self-Initiated Project - Printemps 2025 - MAP1

Materialized Photography - Printemps 2025 - MAP1

Applied Photography - Printemps 2025 - MAP1

Workshop - Simon Lehner

We Do The Rest – ATELIER DE PERFORMANCE & EXPOSITION

Self-Initiated Project - Automne 2024 - MAP2

Materialized Photography - Automne – 2024

ECAL x AREA OF WORK - CO-EXISTENCE

Self-Initiated Project - Automne 2024 - MAP1

Applied Photography - Automne – 2024

Photobook - Automne 2024 - MAP1

Fabienne Watzke – Lately I’ve been dreaming in pink and blue

Bor Cvetko – TRIBE’S STARLINK HOOKUP RESULTS IN PORN ADDICTION!!!

Sunny Attias – Rotten Reverie

Florian Hilt – BSoD