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DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Yin Sheng – Montre à Tact – A Tactile Reading of Time

par Yin Sheng

Inspiré de la montre à tact historique et de la culture des montres de poche en Europe, Montre à Tact – A Tactile Reading of Time explore une manière plus intime de lire le temps par le toucher plutôt que par la vue. Historiquement, consulter l'heure en société pouvait être considéré comme impoli ; une impression qui persiste dans la vie sociale contemporaine, favorisant une lecture tactile et discrète du temps. La montre se compose d'un cadran supérieur fermé et d'un anneau tactile central serti d'un diamant. Le cadran supérieur protège le mouvement, alors que l'anneau tactile peut être tourné jusqu'à une légère résistance indiquant l'heure approximative. Le diamant est à la fois un matériau précieux et un point d'ancrage tactile, créant une relation discrète et personnelle avec le temps.

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Nayun Kwon – Crème Chantilly

par Nayun Kwon

Crème Chantilly s'inspire d'une tradition japonaise de travail de la cire vieille de 1 300 ans. Composé de cire d'abeille et de résine de pin, ce matériau réagit à la chaleur de la main : il est étiré, plié et tordu plutôt que sculpté. Ses stries organiques apparaissent au gré des mouvements, laissant derrière elles les traces du geste et du temps. Poursuivant cette logique matérielle, ce projet développe un procédé d'extrusion qui façonne la cire par compression, à la manière d'une poche à douille. Ce qui reste n'est pas simplement une forme, mais l'empreinte d'un mouvement. En préservant les qualités fluides et visqueuses de la cire au sein d'un matériau rigide, Crème Chantilly questionne les notions conventionnelles du métal et propose une approche alternative de la création de bijoux.

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Jaekyoung Kim – Lines of Support

par Jaekyoung Kim

Lines of Support s'inspire des cordes, des filets et des structures de conteneurs présents dans les ports et les zones côtières. Les cordes et les filets servent à relier et soutenir des objets, tandis que les conteneurs sont conçus pour les protéger et les transporter. Ce projet explore comment ces systèmes de connexion deviennent un langage sculptural. En utilisant la corde et la couture comme outils, il étudie comment des lignes et points de liaison sur une surface peuvent se développer en formes et en volumes tridimensionnels. La couture est utilisée comme une méthode structurelle reliant les cordes et soutenant l'ensemble. Par la répétition, elle devient une technique de construction et un langage visuel, tandis que les méthodes de connexion évoluent vers un textile structurel.

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Chiara Corno – Acolyte

par Chiara Corno

Acolyte est une collection de pochettes pensée pour s'ajouter à divers sacs à anses. C'est le complément idéal pour apporter un espace de rangement supplémentaire à un sac qui en manque. Ingénieuse et intuitive, cette collection a été conçue pour être la plus simple possible à utiliser : il suffit de glisser la pochette par-dessus le sac, à travers les anses, pour qu'elle tienne parfaitement en place. Ces éléments en cuir sont sublimés par des détails de couture rappelant les codes de la maroquinerie. Avec leurs formes légèrement arrondies, ces pochettes affichent un design épuré, efficace et graphique. Les trois modèles de la gamme ont été conçus pour s'adapter aux envies et aux besoins des utilisateurs : il est même possible de personnaliser les couleurs des matériaux.

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Alex Ortega – Shrine

par Alex Ortega

Shrine est une réponse à la dématérialisation des équipements audio contemporains. À mesure que les appareils d'écoute se sont transformés en boîtiers de plus en plus anonymes, le son s'est déconnecté du mobilier, de l'artisanat et des rituels qui façonnaient autrefois l'expérience d'écoute à la maison. Shrine est une armoire murale conçue pour faire de l'écoute un acte délibéré. L'enceinte est recouverte d'un tissu à l'aspect vintage et de contreplaqué de bouleau à la finition minimaliste, apportant chaleur et tactilité à une catégorie d'objets souvent définie par l'abstraction et l'utilité. En traitant l'équipement audio comme un meuble plutôt que comme un appareil, Shrine redonne un sentiment de rituel, de permanence et de présence à l'acte d'écoute.

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Chun Deng – Gaze

par Chun Deng

Gaze explore la relation optique entre l'eau, le verre et le motif graphique. Composé d'une carafe et d'un verre, l'ensemble est recouvert de motifs linéaires parallèles, précis et sobres. Lorsque l'eau est versée dans les récipients, la réfraction du liquide perturbe l'ordre apparent du graphisme : les lignes se déplacent, se superposent et s'entrecroisent, créant un effet dynamique. L'objet ne s'active qu'à travers l'usage : remplir, verser et boire transforment un motif statique en une expérience visuelle changeante. Entre expérience scientifique et art décoratif de la table, Gaze considère l'eau non comme un simple contenu neutre, mais comme un médium optique, transformant un geste quotidien en un délicat moment de perception.

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Julianna Probst – Light Standard

par Julianna Probst

Light Standard s'inscrit dans la continuité de l'exploration artisanale menée par le designer au sein de systèmes utilitaires. Les éléments clés de sa conception – poésie, solitude, protection – sont nés d'une étude approfondie du lampadaire, objet souvent négligé. Le processus de conception fait appel autant à l'observation et à la collecte qu'à la création. De fins câbles, logés dans un tube en fibre de carbone, permettent à la gravité de courber le poteau d'une manière à la fois familière et inattendue. Un ressort de torsion transforme le lampadaire en lampe de lecture d'un geste ludique et délicat. Light Standard équilibre précision, savoir-faire et spontanéité.

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Vanessa Shababzadeh – With & Within

par Vanessa Shababzadeh

Une constellation de points donne naissance à une ligne continue qui se déploie en formes et en objets interconnectés. Marquant le point d'entrée de la maison, With & Within établit un lien entre l'intérieur et l'extérieur à travers le rythme, la continuité et un dialogue à la fois avec la forme et au sein de celle-ci.

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Júlia Claveria Baro – ONE SIXTY C — A study on ribbons: working with discarded polypropylene

par Júlia Claveria Baro

ONE SIXTY C, une marque fictionnelle d'objets d'intérieur, explore la manière dont des rubans de polypropylène chauffés peuvent passer d'un textile souple à une surface structurelle grâce à un processus de fusion reproductible. S'inspirant d'une référence catalane – l'espadrille traditionnelle – le projet transpose cette logique à travers des objets d'intérieur monomatériaux destinés aux pieds : des sandales d'intérieur et des paillassons. En fusionnant des couches de ruban pour former des bases autoportantes, ONE SIXTY C propose une forme d'artisanat contemporain, où les chutes industrielles sont soigneusement retravaillées pour devenir des objets précis, façonnés à la main, destinés à un usage domestique. Le tout à partir d'un simple et humble ruban.

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Joelle Cifelli – Per Fumum

par Joelle Cifelli

Per Fumum est un projet issu d'une recherche historique, anthropologique et typologique sur les objets à travers lesquels le parfum est contenu et diffusé. En observant formes et usages récurrents, il explore la relation entre parfum, espace domestique et rituel. Cette recherche donne lieu à un projet éditorial, Taxonomy of Scented Forms, et à la conception d'une lampe à huile réunissant lumière et parfum. Des capsules en céramique contiennent le parfum liquide, diffusé par la chaleur de la flamme, réinterprétant les archétypes dans un langage contemporain. Conçu en verre et céramique, Per Fumum fait écho aux matériaux de l'Antiquité, rétablissant une continuité matérielle avec le passé tout en proposant une expérience sensorielle renouvelée : habiter l'objet de lumière et de parfum.

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Huisu Cho – BAN Lounge Collection

par Huisu Cho

BAN Lounge Collection est une expérimentation sculpturale inspirée du concept est-asiatique de « BAN / 盤 », signifiant récipient. Initialement développée dans le cadre d'un projet collaboratif, cette collection étend un vocabulaire de géométries creusées à une série de fauteuils lounge conçus pour l'attente et l'hospitalité. À travers des formes sculptées répétées, la table accueille plateaux de thé et objets, tandis que le fauteuil soutient le corps dans des moments de pause. Inspirée par les reflets discrets de la laque, communément employée en Asie de l'Est, la finition noir mat fait ressortir en douceur les jeux d'ombre et de lumière. La fente centrale de la table organise livres et magazines, accompagnant les moments d'attente et de conversation.

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Alice Brovarone – Soft Hidden Gesture

par Alice Brovarone

Soft Hidden Gesture est un objet céramique empilable composé de cinq éléments. Assemblés, ils forment une sculpture inspirée de la silhouette d'un temple japonais. Sa véritable nature n'apparaît que lorsqu'on le démonte : l'objet devient un service à thé. Le contraste entre les couleurs extérieures et intérieures renforce cette transition. L'intérieur révèle une couleur différente, visible seulement une fois l'objet ouvert. Chaque élément est conçu numériquement pour garantir des assemblages précis. Un défi supplémentaire est de développer une identité visuelle capable de refléter le sens intérieur du projet. La pièce est réalisée en porcelaine, un matériau dont la délicatesse convient au caractère discret de l'objet.

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Martin Brouckaert – Brunch Service

par Martin Brouckaert

Brunch Service est une collection d'objets modulaires qui transforme le brunch du dimanche en un paysage architectural. Elle se compose de contenants, d'ustensiles et de couverts qui, une fois empilés, dessinent des silhouettes graphiques et abstraites. Pensé sur une base tubulaire, l'objectif de ce projet est de s'affranchir du format industriel grâce à un twist géométrique, créant ainsi des compositions sculpturales. Ce système a été conçu pour élever le rituel du brunch, comme une argenterie moderne qui fait office de célébration.

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Thibaud Kanty Boto – ROHY

par Thibaud Kanty Boto

À Madagascar, la rabane, textile réalisée à partir de fibres de raphia tissées, est traditionnellement employée pour la confection de sacs, de nattes et d'objets du quotidien. Aujourd'hui, cette technique de tissage disparaît progressivement au profit de productions standardisées destinées à l'exportation, notamment le crochet. Ancré dans ce patrimoine artisanal en mutation, ROHY explore de nouvelles possibilités pour la rabane. À travers un travail d'expérimentation, en associant les fibres tissées à un liant puis en les moulant, ce projet révèle le potentiel structurel et esthétique de la rabane. La collection propose une réinterprétation contemporaine de ce savoir-faire ancestral à travers une série d'accessoires.

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Maxime Billoud – Lampe trois + 1

par Maxime Billoud

Lampe trois + 1 s'inscrit dans une démarche de recherche et d'innovation matière. À la frontière entre artisanat et design, cette lampe en céramique et porcelaine reflète le geste artisanal et l'approche du designer. Elle est composée de trois pieds identiques, assemblés par une pièce technique centrale, tandis que des plaques de porcelaine moulées s'intègrent à la structure. Les éléments en terre enfumée, inspirés de la technique japonaise du raku, dialoguent avec la finesse et la translucidité de la porcelaine. Pensée comme une lampe en kit facilement assemblable, Lampe trois + 1 matérialise une recherche sur la matière tout en proposant un objet fonctionnel et concret.

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Anna Andersson – LYSA

par Anna Andersson

LYSA est une lampe portable pensée pour les rituels extérieurs et les petites explorations du quotidien. Inspiré par la relation émotionnelle que nous entretenons avec les sacs et les objets conçus pour être transportés, le projet explore comment la lumière peut devenir intime et mobile. Destinée aux pique-niques, jardins, balcons et promenades dans la nature, la lampe apporte une sensation de chaleur et d'intérieur à l'extérieur. Elle possède une lumière dimmable, un chargement USB-C et une protection du port de charge. Les matériaux – liège, suède brun foncé et lin – ont été choisis pour leurs qualités tactiles et atmosphériques. LYSA explore la translucidité des tissus, la diffusion lumineuse et les structures de stabilisation afin de définir la présence sensible de l'objet.

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Seoho Ahn – Cascade

par Seoho Ahn

Le bijou est souvent perçu comme un objet ornemental, mais il repose sur des principes structurels. Une chaîne constitue un système continu formé par l'assemblage de maillons individuels, capable de réagir à la gravité et de répartir les forces au sein de sa structure. Cascade explore la manière dont cette logique structurelle peut être transposée de l'échelle du corps à celle de l'espace. En dépassant sa fonction décorative, la chaîne devient une structure architecturale capable de supporter et de distribuer les charges. Les connexions entre les maillons se transforment en points d'assemblage, tandis que leur continuité devient un chemin de transmission des forces. Au-delà de l'esthétique du bijou, Cascade traduit ses principes structurels en un système mobilier.

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Charlie Collet – CODE FORMEL

par Charlie Collet

CODE FORMEL explore le langage formel des accessoires et sa transposition dans l'univers des objets domestiques. Le projet s'intéresse aux relations entre structure et ornement, retenue et expression, fonctionnalité et présence émotionnelle. À travers une collection d'objets, cette recherche interroge la capacité d'un détail, d'une tension ou d'un système d'assemblage à devenir porteur de caractère et d'identité. Situé à la croisée du design, de la culture matérielle et des codes du luxe contemporain, CODE FORMEL explore comment des objets destinés à l'espace peuvent porter les mêmes qualités émotionnelles, tactiles et personnelles que celles traditionnellement associées aux accessoires.

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Laura Clauscen – Here, There & In Between

par Laura Clauscen

Basé sur l’action de changer de chaussures d'intérieur pour des chaussures d'extérieur et vice versa, Here, There & In Between est un projet explorant comment nous percevons et comprenons l'espace, à travers des rituels sensoriels, des mouvements et des artefacts matériels. Deux paires de chaussures, placées dans une zone liminaire, font office à la fois de métaphores et d'accessoires. Marquées symboliquement sur la semelle et la doublure, elles servent à accroître notre conscience de la transition d’un monde à l'autre, du privé au public, de l'intérieur à l'extérieur, à la fois de manière physique et mentale ou émotionnelle. Une publication contenant recherches, plans de mobilier additionnel et des images, complète la scénographie et marque la transition entre les deux notions d’"espaces".

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Patrick Storey – Design For Rest

par Patrick Storey

Design For Rest est un projet de recherche spéculatif qui explore comment le design peut inciter et ritualiser le repos à une époque d’engagement numérique constant. À travers le design, l’écriture et l’expérimentation, il remet en question la manière dont nous pourrions reconsidérer le repos non pas comme une récupération, mais comme un acte intentionnel. Il propose trois objets : Glasses for the Night, des lunettes à verres rouges fabriquées en acier inoxydable de 0,5 mm ; Interval, un dispositif poétique utilisant la chromatographie pour signaler les moments de repos ; et Phase, un interrupteur d’incitation qui coupe le Wi-Fi et restructure les routines nocturnes. Ensemble, ils forment un système d’objets destiné à aider à retrouver l’attention, la présence et le sommeil.

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Erwann Harrison – Lugh E"C

par Erwann Harrison

Passionné par l’horlogerie, le designer a conçu un boîtier de montre et un bracelet dotés de cornes mobiles permettant à la montre de s’adapter confortablement à tous les poignets. Réalisé en titane, le design vise une esthétique à la fois robuste, ludique et élégante, en rappelant au porteur que chaque seconde compte. Cela se reflète aussi dans les aiguilles et le cadran, notamment via la partie extérieure. Après avoir exploré ce que nécessiterait sa mise sur le marché, le designer a créé une marque et une stratégie de promotion reposant sur un style de vie autant que la montre. Lugh E"C repose sur une mission claire : qualité, confort et faire en sorte que chaque seconde compte, pour un public précis — des personnes qui maîtrisent leur vie — le tout compilé dans une publication de type magazine.

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Yoojin Chung – Sillage

par Yoojin Chung

Sillage est une installation cinétique olfactive qui explore le parfum comme une expérience post-numérique et incarnée. Un voile d’organza suspendu se déplace à travers une série de gestes éphémères, captant des traces de fragrance et les libérant dans l’espace. Dans un monde dominé par la saturation visuelle et numérique, Sillage met en avant l’odorat comme un sens singulièrement physique – immersif, temporel et échappant à la capture numérique. Le projet allie design spatial, mouvement chorégraphié et diffusion olfactive à l’expérimentation matérielle. Il explore comment parfum, mouvement et forme peuvent activer la perception et la présence, offrant une rencontre sensorielle qui élargit notre rapport à l’espace au-delà de l’abstraction visuelle et virtuelle.

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Lena Heinrich – Taxonomy of a straw bundle

par Lena Heinrich

Ce projet est né de l’intention de créer des objets à partir d’un « fagot de paille ». Une exploration approfondie des fibres de paille d’Europe du Nord, de leurs chaînes de valeur et de leur rôle dans les dynamiques sociales et environnementales mondiales a été menée. Le livret de recherche, basé sur des lectures, des visites de terrain et des entretiens, met en lumière les savoir-faire traditionnels, les limites des usages actuels, et propose de nouvelles pistes. La phase pratique, centrée sur la paille de seigle, a permis d’expérimenter des techniques et de réaliser des prototypes illustrant le potentiel de ce matériau dans le design contemporain.

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Yang Yao Chun – Lumireact

par Yang Yao Chun

Cette série de luminaires explore comment des interactions tangibles peuvent donner plus de sens et de légèreté aux gestes quotidiens, comme allumer une lumière. En faisant doucement pivoter l’abat-jour, la lumière s’illumine peu à peu, transformant subtilement l’atmosphère. Ce geste physique rend l’allumage moins mécanique, plus rituel. La lampe de chevet invite à une interaction calme avant le sommeil. En tournant lentement l’abat-jour sphérique, la lumière apparaît doucement, instaurant un moment apaisant pour se détendre. La lampe murale, quant à elle, s’active par une simple présence, diffusant une lueur chaleureuse et faisant de cette transition un instant attentif.

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Tommy Jiang – Syntax Supellex

par Tommy Jiang

Syntax Supellex explore comment le sens peut émerger par la combinaison, en s’inspirant de la structure et de la logique de la langue chinoise. Il se compose de trois objets de mobilier abstraits, chacun à fonctionnalité ouverte. Pris séparément, ils restent ambigus et abstraits ; combinés, leur usage devient précis—comme les caractères chinois qui affinent le sens par composition. Influencé par mon héritage culturel et les principes du Hanzi, le projet est réalisé en bois, métal et textile rembourré—chacun évoquant une étape clé de l’évolution de l’écriture chinoise. Ensemble, ces pièces créent un équilibre entre solidité, douceur et élégance.

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Sebastian Renga – Materia Futura

par Sebastian Renga

Materia Futura réfléchit à la relation entre formes anciennes et technologies contemporaines. La chaise s’inspire de structures primitives, modelées par le temps, le besoin et la clarté. Ce projet a été élaboré avec l’Econit, un composite cellulosique utilisé dans les décors de théâtre pour sa légèreté, sa solidité et sa texture. Ce matériau a permis de réinterpréter une forme archaïque à l’aide d’outils numériques et de gestes manuels. La géométrie semble instinctive mais est maîtrisée. Le projet explore la manière dont les formes anciennes peuvent renaître à travers les outils d’aujourd’hui.

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Coline Schenck – Les formes de l’inconscient

par Coline Schenck

Des pièces en faïence émaillée, destinées à l’art de la table et à un usage quotidien, sont développées dans une recherche mêlant bien-être mental et design sensoriel. Des études en neurosciences et en neuroesthétique sont analysées afin d’identifier les formes, couleurs et textures favorisant l’apaisement. Ces données sont d’abord traduites visuellement par des compositions au pastel, puis transformées en volumes adaptés à la fonction des objets. La composition graphique cherche à stimuler visuellement tout en minimisant la charge cognitive, tandis que le volume invite à une exploration tactile attentive. Dans un environnement quotidien marqué par la surcharge sensorielle, ces objets visent à réintroduire du calme, en transformant l’ordinaire en un refuge apaisant.

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Emilie Heger – Typology of the Cut

par Emilie Heger

Ce projet de recherche a pour but de réunir les premiers outils du Paléolitique, avec la taille contemporaine des pierres précieuses. Si les instruments en silex étaient essentiels à la survie des premiers Hommes, les techniques ainsi que les gestes liés de la taille de la pierre ont évolué pour devenir un art particulièrement raffiné, symbole de richesse et de pouvoir. Le travail des pierres précieuses, perfectionné par des outils et des technologies modernes, a aujourd’hui pour unique but de magnifier la réflexion de la lumière afin de produire des artefacts esthétiques libérés de leur fonction. Typology of the Cut est donc un travail de curation interrogeant la dualité entre fonction et expression liée avec la taille de la pierre.

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Arnaud Tantet – : To a Glacier

par Arnaud Tantet

Le réchauffement climatique transforme les paysages qui nous entourent. La fonte des glaces s’intensifie, affectant les glaciers millénaires d’Europe. L’intention de : To a Glacier est d’apporter – sous l’angle du design – un témoignage en lien avec le glacier du Mont-Blanc. Ce projet s’articule autour d’une recherche holistique sur le terrain, sous la forme d’objets, de photos, de brochures, de sons, directement inspirés par ces géants en disparition. Développé en collaboration avec les artisans verriers du CIAV (Centre International d’Art Verrier, à Meisenthal), le résultat de ce travail a permis, notamment, de nombreuses expérimentations en verre, à partir de moules réalisés en différents matériaux.

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Aina Wang – Once Gold

par Aina Wang

Au XIXe siècle, les citoyens prussiens cèdent leur or pour soutenir la guerre, recevant des bijoux en fonte gravés « Gold gab ich für Eisen » — J’ai donné l’or pour le fer. Le fer de Berlin, un alliage de fer et de carbone, recouvert d'une couche de laque noire et patinée, naît d’un moment où le sacrifice personnel devient identité collective. Ce projet ravive ce geste en dissimulant l’or au cœur du fer, comme une mémoire enfouie. Inspirée des insignes militaires et de la géométrie gothique, la pièce évoque la révérence et la perte. Conçu pour le mouvement, il se transforme en dix formes, de la broche au pendentif en passant par la ceinture, faisant le lien entre le rituel du passé et l'usure du présent.

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Jérémie Arpa – Aurea

par Jérémie Arpa

Développée à la suite d’une recherche sur la morphogenèse végétale, Aurea est une lampe de table à tamisage mécanique qui fusionne précision géométrique et courbes organiques. Entièrement imprimée en bioplastique (PLA), Aurea offre une variation d’éclairage à 360° grâce à son abat-jour modulable. Il suffit de tourner manuellement la couronne rotative pour actionner un système d’engrenage épicycloïdal, dont les rouages satellites sont individuellement fixés aux six réflecteurs de l’abat-jour. Ce mécanisme permet d’ajuster à la fois l’intensité et la température perçue de la lumière, en modifiant l’orientation et la distance des réflecteurs par rapport à l’ampoule LED centrale.

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Xinyi Liu – Still in Motion

par Xinyi Liu

Le projet trouve son origine dans une exploration du contreplaqué flexible et du placage. Des méthodes naturelles on été utilisées, telles que l'entrelacement et la compression pour maîtriser le matériau, en cherchant à préserver la forme esthétique née de sa tension intrinsèque. Le contraste entre le bois massif rigide et statique et les courbes fluides et dynamiques du bois cintré établit un dialogue silencieux entre immobilité et mouvement. Ces états opposés ne sont pas en conflit, mais coexistent dans un équilibre délicat — une expression visuelle et tactile d'une tension suspendue.

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Bom Noh – Plastic Love

par Bom Noh

Plastic Love réinterprète les gestes sculpturaux du lustre de Murano — icône historique du luxe — pour questionner ce que nous appelons aujourd’hui artisanat et valeur. En combinant outils numériques et traces de la main, le projet met en lumière les irrégularités et la présence physique qui échappent à l’automatisation. Longtemps associé à la production de masse et à la pollution, le plastique est ici reconsidéré comme support d’un travail incarné et d’une critique matérielle. Par la répétition, l’imperfection et le temps, il acquiert une forme d’esthétique singulière. En assumant un matériau souvent marginalisé, le projet déstabilise les hiérarchies héritées et interroge nos idées du raffinement — montrant que le design peut fonctionner non comme une solution, mais comme une question.

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Inbal Yarkoney – Lot's Wife

par Inbal Yarkoney

Dans la Bible, la famille de Lot a fui Sodome sans se retourner, mais la femme de Lot a désobéi et s'est transformée en statue de sel. Sodome était située près de la mer Morte, un lac de sel minéral dans le désert de Judée. En Israël, le sel est un déchet de l'extraction minérale de la mer Morte. Le dessalement mondial pose le même problème, nuisible à la vie marine. Pourtant, le sel est un matériau purifiant qui peut être recyclé. Nous pouvons transformer les surplus industriels en divers produits. "Lot's Wife" explore des méthodes de traitement du sel : ébullition, pressage et cristallisation. Le pressage est la méthode la plus prometteuse. Des blocs de sel modulaires ont été créés pour former une lampe, symbolisant le mouvement que fait la femme de Lot en se retournant.

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Murillo Weitz – Bird's Nest

par Murillo Weitz

La collection Bird’s Nest (Nid d’Oiseau) se concentre sur le tissage à la main. Elle utilise des fils recyclés et colorés de sociétés suisses, reflétant l'accent local sur la durabilité et le recyclage. Le nom symbolise la nature complexe et résiliente d’un nid d’oiseau. En réutilisant des matériaux, je crée des textiles et des pièces de design à la fois esthétiques et durables. Ce projet souligne l'importance du rôle de l'artisan et de la minutie du travail manuel, répondant à la demande du marché du luxe pour des produits exclusifs et de haute qualité qui racontent une histoire de durabilité et d'innovation.

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Kou Tanikami – GeoFlex

par Kou Tanikami

La conception des lunettes imprimées en 3D est idéale pour créer des montures légères qui s'adaptent parfaitement à chaque visage. En utilisant une technologie d'impression 3D avancée, chaque monture peut être personnalisée aux mesures exactes du porteur, garantissant un ajustement unique. En choisissant le titane, connu pour sa durabilité et sa légèreté, les montures sont solides tout en restant confortables pour un port prolongé. Une caractéristique remarquable de la conception sont les fines découpes sur les coins de la monture et les plaquettes de nez. Ces fines découpes maintiennent la flexibilité du titane et améliorent le confort. Ce design rend les montures à la fois fonctionnelles et esthétiques, en combinant une technologie de pointe avec un style sophistiqué.

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John Stagaman – Retrobruta

par John Stagaman

Retrobruta est une série d'enceintes inspirées par l'architecture, la géométrie simple et le design radical. La base de formes géométriques simples qui se chevauchent donne naissance à un objet distinctif pour la maison tout en étant facile à fabriquer, à réparer ou à éliminer. Certaines enceintes utilisent une feuille de polystyrène recyclé créée par Polygood, qui offre une couleur et une texture intéressantes. Le matériau est constitué de plastique autrefois utilisé en électronique - qui retrouve désormais une nouvelle vie dans ces objets de la même catégorie. Les conceptions servent d’exemple de la manière dont ces avancées en matière de plastiques durables et recyclés peuvent être utilisées dans les produits du quotidien.

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Kao Onishi – PNEUMA

par Kao Onishi

PNEUMA est un projet de recherche sur les matériaux, explorant le potentiel du Nitinol pour animer des objets statiques. "Pneuma", dérivé du grec ancien, signifie "souffle" ou "air en mouvement", évoquant le souffle de vie. Le Nitinol, un alliage à mémoire de forme, peut se transformer en deux formes par chauffage et refroidissement. Ce projet utilise la lumière et la chaleur des bougies pour déclencher le mouvement, démontrant le potentiel du matériau sans électricité. PNEUMA est une collection de lampes à bougie transformant l'expérience typique de la bougie en quelque chose de dynamique, ludique et poétique. Partant d'une forme cylindrique discrète, les récipients explorent trois mouvements pour émettre de la lumière : l'effilochage, l'éclosion et l'expansion.

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Blanche Mijonnet – Passages

par Blanche Mijonnet

Les routes de la soie tissent au travers des siècles de multiples imaginaires. Depuis le XIIIe siècle, elles apportent à la Suisse une importante activité économique et artistique. Oublié de l’histoire populaire, la production de soie suisse fit la renommée de Zurich qui en était le deuxième plus grand producteur mondial au XIXe siècle. Inspiré par ce puissant récit, Passages propose de remettre en lumière l’histoire de la soie suisse en jouant avec les propriétés versatiles de ce tissu naturel. À l’image des marcheurs qui transportèrent les étoffes au long du chemin, une collection d’objets nomades émergent tous issus d’un seul carré d’un mètre sur un mètre et d’une unique bague: un sac, un foulard et une lanterne. Un trait se propage, prêt à écrire de nouvelles histoires.

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Alix Malamaire – Crocodium

par Alix Malamaire

Depuis de longues années, le bracelet en alligator habille les montres de luxe, leur apportant une identité unique. Crocodium s’inspire de cette matière iconique afin d'en développer une reproduction en titane à l’aide de l’impression 3D. Comme un hommage, il répond à des besoins éthiques en dévoilant un nouveau visuel de l'alligator. Le concept se développe au travers d’une montre à l’effigie de ce pattern: L’objectif: Placer l’alligator comme protecteur du temps, en appliquant le concept sur le fond de carrure d’une montre réversible ce dernier protège le cardan et offre la possibilité de le porter comme une montre ou comme un bracelet alligator.

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Raazia Hasnain – Shiro

par Raazia Hasnain

Shiro est un projet de recherche sur les qualités haptiques d'un matériau apparemment omniprésent : le papier. Un voyage exploratoire a conduit à la découverte d'une surface unique d'origine japonaise. Sous l'effet d'une source de chaleur, la révélation magique de la translucidité de ce papier a conduit à l'origine de Shiro. Un processus méthodique a ouvert la voie à des découvertes uniques. Une surface bidimensionnelle est devenue la toile d'une expression tridimensionnelle, se prêtant rapidement à devenir un support artisanal au moyen d'outils d'application de chaleur spécialement conçus pour sculpter des textures uniques dans la surface. C'est ainsi qu'a commencé un dialogue délicat entre le papier et la personne, donnant naissance à un monde illimité de perceptions sensorielles.

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Sacha Dufour – Conversation artificielle

par Sacha Dufour

Conversation artificielle est un langage fluide - une exploration des formes liquides lorsqu'elles interagissent avec le corps. Ce travail fusionne l'humain et la technologie pour proposer un nouveau processus de création de bijoux. En utilisant la photographie combinée à l'intelligence artificielle, je compose des images destinées à devenir des bijoux. Expérimentant diverses techniques, les croisant, les superposant jusqu'à atteindre une idée. Je recherche la forme qui incarne le liquide, sculptant les images artificielles de la même manière que je compose les photographies. C'est un jeu entre un corps, un liquide et une intelligence qui demande à être guidée.

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Min Jun Choi – Inlight

par Min Jun Choi

Souvent considérés comme un déchet, l'intestin est un matériau méconnu qui possède le potentiel d'un diffuseur de lumière délicat. Les intestins de porc sont initialement gélatineux et flexibles, mais une fois stratifiés et séchés, ils acquièrent une dureté et une texture semblables à celles du cuir. Le matériau peut être façonné librement en fonction de l'endroit où il est séché. En utilisant ces propriétés, j'ai enroulé des intestins de porc autour d'une structure et je les ai laissés sécher. Après avoir retiré le moule, j'ai relié les intestins de porc durcis pour créer des éclairages modulaires. Cette conception modulaire offre l'avantage de s'étendre en longueur en augmentant le nombre de modules, s'adaptant ainsi à la taille de l'espace dans lequel elle est utilisée.

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Esther Alcade – Arrel

par Esther Alcade

Chaque année, 300 millions de chaussures sont jetées et leur fabrication produit 313 millions de tonnes de CO2 en raison des matériaux dérivés du pétrole. Le projet Arrel vise à prolonger la durée de vie des chaussures de sport en réutilisant les semelles après 1000 km d'utilisation. Basé à Majorque, connue pour ses traditions de vannerie et de cordonnerie, Arrel préserve le savoir artisanal et utilise des matériaux naturels comme les fibres de palmier et l'alfa. Les nouvelles semelles d'Arrel utilisent également des biomatériaux pour réduire l'impact sur l'environnement. Le projet préserve le patrimoine culturel de Majorque en créant des chaussures plus durables et en réduisant l'empreinte écologique.

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Seunghyeon Yoo – T Chair

par Seunghyeon Yoo

Le T-Chair est un projet basé sur la recherche, conçu pour accueillir diverses postures grâce à un mobilier compact et ergonomique pour les espaces intérieurs. En explorant une nouvelle typologie adaptée aux environnements contemporains, le T-Chair offre aux utilisateurs une variété de scénarios d'utilisation. Sa structure à axe unique soutient une gamme de mouvements, allant des postures concentrées aux postures détendues, offrant ainsi adaptabilité et confort dans différents contextes.

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Emilie Seguin – The Heritage of Pearls

par Emilie Seguin

Et si un bijou était narrateur? Les bijoux ont toujours raconté une histoire. Ils soulignent des lieux, des événements ou des passages importants de la vie. Ce projet vous dévoile mon héritage, une tradition familiale de partage, visant à célébrer une lignée de femmes: Dix-huit perles pour ses dix-huit ans. Comment le collier de perles évolue-t-il d’une génération à l’autre? Comment rendre hommage à l’existant en faisant évoluer l’idée même du collier? En composant avec l’ancien, j’ai créé du nouveau. En résulte cette « fossilisation » du bijou m’ayant tant marqué. La technique d’embossage de métal révèle une abstraction de la perle, évoquant son histoire, ses possibilités, son évolution…

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Helena Choi – Flat to surface

par Helena Choi

La collection Flat to Surface comprend une lampe, un tabouret et un porte-stylo fabriqués à partir d'un pattern unique en recourant aux techniques de l'origami. Ces objets ont été désignés pour former leurs propres structures par pliage, en ne nécessitant que de simples points de couture ou nœuds afin de maintenir leur forme. Selon l'objet, différents types de cuirs ont été utilisés, choisis en fonction de leur transparence et flexibilité.

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Nuttiya Ratchtrachenchai – Peels

par Nuttiya Ratchtrachenchai

Les fruits sont un délice universel, chéri par tous. Les différentes façons dont les gens épluchent et les coupent forme des motifs uniques qui reflètent les styles individuels. S'inspirant de ces techniques, la collection de paniers incarne les motifs complexes et distinctifs trouvés dans les pelures de fruits. Fabriqués à partir de cuir de haute qualité, les paniers présentent une gamme de couleurs qui imitent les teintes vibrantes des écorces de fruits. Avec le temps, le cuir évolue naturellement, sa texture se transformant et s'adaptant à chaque utilisation pour convenir au style de vie du propriétaire. Les paniers incarnent l'élégance de la simplicité, transformant une activité quotidienne en une source d'inspiration raffinée.

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Céline Witzke – From Fabric to Glass: Capturing the Movement of Textiles in Experimental Glassmaking

par Céline Witzke

Ce projet puise son inspiration dans le monde de la mode, plus précisément dans les mouvements organiques, les volumes et les textures que l’on trouve dans les textiles, et explore comment ces éléments créent d’une façon naturelle des formes douces. En collaboration avec le fabricant de verre suisse Niesenglass, une collection d’objets en verre polyvalents est créée, mettant en avant l’artisanat d’un point de vue innovant.

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Shan Yu Kuan – BASUANN

par Shan Yu Kuan

« BASUANN » puise son inspiration dans l’image des chaises asiatiques traditionnelles en rotin et en bambou. Son nom fait écho à la prononciation taiwanaise signifiant « attacher avec des cordes ». Composé de sept pièces de conduits en spirale, « BASUANN » est assemblé à l’aide de joints à mortaise et à tenon pour relier la partie assise à la partie des pieds. Il est en outre renforcé par des cordes qui relient solidement le tabouret. « BASUANN » fusionne harmonieusement le design contemporain de meubles et les images évocatrices de l’artisanat traditionnel asiatique, mettant en valeur l’esthétique du design minimaliste.

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Type

Formation

Savoir-faire

Années

Yin Sheng – Montre à Tact – A Tactile Reading of Time

Nayun Kwon – Crème Chantilly

Jaekyoung Kim – Lines of Support

Chiara Corno – Acolyte

Alex Ortega – Shrine

Chun Deng – Gaze

Julianna Probst – Light Standard

Vanessa Shababzadeh – With & Within

Júlia Claveria Baro – ONE SIXTY C — A study on ribbons: working with discarded polypropylene

Joelle Cifelli – Per Fumum

Huisu Cho – BAN Lounge Collection

Alice Brovarone – Soft Hidden Gesture

Martin Brouckaert – Brunch Service

Thibaud Kanty Boto – ROHY

Maxime Billoud – Lampe trois + 1

Anna Andersson – LYSA

Seoho Ahn – Cascade

Charlie Collet – CODE FORMEL

Laura Clauscen – Here, There & In Between

Patrick Storey – Design For Rest

Erwann Harrison – Lugh E"C

Yoojin Chung – Sillage

Lena Heinrich – Taxonomy of a straw bundle

Yang Yao Chun – Lumireact

Tommy Jiang – Syntax Supellex

Sebastian Renga – Materia Futura

Coline Schenck – Les formes de l’inconscient

Emilie Heger – Typology of the Cut

Arnaud Tantet – : To a Glacier

Aina Wang – Once Gold

Jérémie Arpa – Aurea

Xinyi Liu – Still in Motion

Bom Noh – Plastic Love

Inbal Yarkoney – Lot's Wife

Murillo Weitz – Bird's Nest

Kou Tanikami – GeoFlex

John Stagaman – Retrobruta

Kao Onishi – PNEUMA

Blanche Mijonnet – Passages

Alix Malamaire – Crocodium

Raazia Hasnain – Shiro

Sacha Dufour – Conversation artificielle

Min Jun Choi – Inlight

Esther Alcade – Arrel

Seunghyeon Yoo – T Chair

Emilie Seguin – The Heritage of Pearls

Helena Choi – Flat to surface

Nuttiya Ratchtrachenchai – Peels

Céline Witzke – From Fabric to Glass: Capturing the Movement of Textiles in Experimental Glassmaking

Shan Yu Kuan – BASUANN