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MEDIA & INTERACTION DESIGN

Steve Bouillant – Re:soil

par Steve Bouillant

Le smartphone a transformé la sortie en montagne en exercice de documentation. On photographie, on géolocalise, on publie : la nature devient un contenu avant d'être un moment de reconnexion avec son environnement. Re:soil propose un dispositif compact outdoor dont les outils se déploient pour capter en continu l'humidité, la lumière et les transitions entre les milieux traversés. Sa sonde, plantée dans le sol, mesure la chaleur de la terre et la compare à celle de la main de l'utilisateur·trice. Son micro capture la texture sonore du lieu. Re:soil transmet ces relations par vibration et lumière, sans écran, sans performance et sans téléphone. Au retour, une application liée génère un journal éphémère mêlant interprétations sensibles, géologie du lieu, faune et flore potentielles.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Jonathan Vögele – Siphonophores

par Jonathan Vögele

Siphonophores est une expérience immersive où deux participant·e·s apprennent à habiter un même corps virtuel. Le siphonophore, cet animal marin qui semble n'être qu'une seule créature gélatineuse, est en réalité une colonie d'organismes. Nous qui nous croyons séparés, sommes déjà des multiplicités et nous formons ensemble des corps plus vastes encore. Reliés par un dispositif qui capte et synchronise leurs mouvements, les participant·e·s sentent leurs gestes se chercher, se rejoindre, parfois se contrarier. Un bras se lève sans qu'on sache tout à fait qui l'a voulu. Jusqu'où pouvons-nous nous sentir prolongés, déplacés, partagés ?

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Teo Grajqevci – reform

par Teo Grajqevci

reform s'inscrit dans un contexte où les designers sont progressivement dépossédés de leurs outils : les logiciels de création deviennent plus automatisés, fermés et dépendants du cloud. Aujourd'hui, les IA génératives permettent de produire facilement des formes en 3D, mais au prix d'une perte de contrôle, de compréhension et d'appropriation du geste créatif. reform propose une autre voie : rendre la modélisation 3D plus simple, alors qu'elle est habituellement complexe et difficile à maîtriser. Le projet prend la forme d'un logiciel libre, avec une interface simplifiée, des interactions naturelles et des guides accompagnant l'apprentissage de ces outils. Ces démonstrations et exercices didactiques redonnent aux designers l'envie et les moyens de modéliser eux-mêmes.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Yann Müller – Trame Noire

par Yann Müller

À mesure que les villes s'illuminent, la nuit disparaît de notre regard. Trame Noire est une application mobile d'exploration nocturne qui sensibilise le grand public aux effets de la pollution lumineuse sur la faune et la flore active à la tombée de la nuit. À la croisée de l'expérience immersive et de la science participative, le projet propose une nouvelle manière d'observer et de comprendre notre cohabitation avec le vivant. Au fil des saisons et des cycles naturels, l'application invite à parcourir l'environnement urbain et à capter, lieu après lieu, l'empreinte lumineuse propre à chaque endroit. À travers ces explorations, Trame Noire construit une cartographie sensible de la nuit mettant en lumière ce que l'éclairage artificiel altère dans les comportements du vivant nocturne.

ARTS VISUELS

Arthur Troisfontaine – Piezo

par Arthur Troisfontaine

Piezo est une installation sonore interactive activée par les déplacements du public. Dissimulés sous un tapis, des microphones piézoélectriques captent les pressions, vibrations et mouvements des visiteurs. Ces informations sont transmises à un synthétiseur modulaire qui les transforme en matière sonore, diffusée par quatre points d'écoute indépendants. Pensée comme une œuvre adaptable à différents contextes architecturaux et acoustiques, l'installation se reconfigure selon l'espace qui l'accueille. Entièrement réutilisable et sans production de déchets, Piezo propose une expérience où le corps devient à la fois interface, instrument et générateur de paysage sonore.

DESIGN INDUSTRIEL

Thaïs Matty – Mousseline

par Thaïs Matty

Habiller nos fenêtres, avant que la chaleur ne nous déshabille. Une solution aux intérieurs trop chauds existe depuis des millénaires, suspendue, silencieuse, dans les maisons de Mossoul. C'est dans cette ville mésopotamienne qui a donné son nom au tissu, qu'on accrochait des draps humides aux fenêtres pour traverser l'été. Mousseline revisite ce geste ancestral: un rideau qui se place dans l'encadrement extérieur de la fenêtre grâce à des barres ajustables. Une réserve d'eau vient coiffer le rideau: on l'accroche, la remplit, la remonte et l'eau descend lentement, imprégnant les fibres. L'eau, en s'évaporant, absorbe les quelques degrés en trop de la pièce. Dès que la chaleur se dissipe, il suffit d'écarter le rideau pour que la vue se dévoile.

ARTS VISUELS

Armine Salifu – Let it fly!

par Armine Salifu

Le plus ancien édifice et comptoir du trafique triangulaire construit en Afrique subsaharienne est un fort blanc sur la côte d'Elmina, au Ghana, bâti en 1482 par les Portugais et appelé le château Saint-Georges. Sur un fond rose, Let it fly! représente un fort blanc se dressant sur la côte en flammes. À côté, un Dragon crache du feu, célébrant avec deux de ses amis. Ce drapeau est une réinterprétation du mythe de saint Georges et du dragon. Les différentes techniques et matériaux utilisés pour la confection de cette image, qui a été minutieusement assemblée et peinte à la main, sont pleinement visibles. Le verso n'est ni couvert ni dissimulé ; il fait partie intégrante du récit, mettant en lumière la relation complexe entre le mythe et la réalité matérielle dont il s'inspire.

TYPE DESIGN

Mim Pornpiya Tejapaibul – Laisen

par Mim Pornpiya Tejapaibul

Laisen est une fonte de titrage thaï-latine inspirée de la signalétique vernaculaire de Bangkok. Elle explore l'harmonie de deux styles complémentaires conçus pour fonctionner aussi bien séparément qu'ensemble dans divers contextes. Le style Casual s'inspire de l'écriture au marqueur : rapide, expressif, il capture les qualités qui émergent de l'écriture manuelle. Le style Poster évolue directement du style Casual vers une police Sans Serif chaleureuse, aux contre-formes ouvertes et proportions étroites, disponible en plusieurs graisses. Les deux styles expriment des voix contrastées : expressive et personnelle d'une part, informative et objective de l'autre. Laisen forme toutefois une voix unifiée qui couvre un large éventail de typographies visibles dans le paysage urbain de Bangkok.

CINEMA

Eunhyoung Ju – Toilet (Réalisation) – 2026

par Eunhyoung Ju

Toilet raconte l'histoire de deux femmes après la fin du monde. La plus âgée construit des toilettes en empilant des pierres, presque comme un rituel, tandis que la plus jeune est attirée par ses gestes et le rythme de son travail. Le film explore les formes d'humanité qui pourraient subsister dans un tel contexte, en observant comment les habitudes et les sensations d'une personne peuvent se transmettre à une autre. Avec très peu de dialogues, le film retrace le passage de l'hostilité à l'intimité à travers les gestes, les regards et le son plutôt que par le langage. Le son, en particulier, est un élément important : il révèle les émotions et les changements relationnels que les personnages n'expriment pas par les mots, et soutient les moments les plus délicats du film.

CINEMA

Michael Girod – Verseau Révolution (Son) – 2026

par Michael Girod

Verseau Révolution est un documentaire hybride mêlant film de famille, enquête et autofiction. Face à la perte progressive de mémoire de sa grand-mère, ancienne astrologue, la réalisatrice reconstitue les archives et l'univers médiatique d'Élisabeth Teissier, astrologue de renom de la même génération, dans l'espoir de raviver des souvenirs et de rouvrir un dialogue familial. À travers des entretiens et des reconstitutions d'archives réalisées en studio, le film brouille les frontières entre documentaire et fiction. Cette recherche explore la transmission, la mémoire et les récits que nous construisons pour donner sens à nos vies. Ce projet a été développé en collaboration avec les départements Image et Set Design de la ZHdK.

CINEMA

Jann Kessler – Se métamorphoser ? – 2026

par Jann Kessler

Comment vivre des relations saines, d’égal·e·x à égal·e·x ? Une recherche entre thérapie et cinéma.

TYPE DESIGN

Chantal Hochuli – Campo

par Chantal Hochuli

Campo est une fonte variable optimisée pour la composition des textes d'exposition. Développée pour des textes muraux, des cartels et des légendes, elle s'adapte aux contraintes de format et aux variations de longueur grâce à une gamme de chasse contrôlée. Le projet aborde un problème récurrent du graphisme d'exposition : faire entrer le texte dans un espace limité sans recourir à une compression artificielle ni multiplier les ajustements manuels. Les axes de graisse et d'italique étendent les possibilités de hiérarchie textuelle. Dans cette recherche, différents supports sont comparés afin d'évaluer l'influence de la chasse, de l'approche et de la modulation du trait sur les blocs de texte. Campo réunit ces observations dans une Sans Serif variable aux terminaisons légèrement évasées.

DESIGN DE PRODUIT

Omar Bassil – Esplanade

par Omar Bassil

Esplanade est une exploration de la manière dont une pièce de cuir découpée à plat peut être transformée en chaussure par pliage, enroulement et assemblage minimal à l'aide d'outils simples. Réduisant la fabrication de chaussures en cuir à ses éléments essentiels, la forme émerge par la tension et l'usure. Le projet fait référence à la carbatine, une typologie de chaussure romaine réalisée à partir d'une seule pièce de cuir, adaptant son principe de patronage à une chaussure contemporaine. Bien que la construction soit ramenée à sa plus simple expression, sa fabrication repose sur l'expertise des artisans du cuir et sur des techniques propres à leur savoir-faire. Cette approche donne naissance à un objet simple, souple et durable, reflétant l'artisanat et la matérialité du cuir.

DESIGN DE PRODUIT

Ehrat Lee – Lightworks

par Ehrat Lee

Lightworks est un système d'éclairage qui donne aux images une place fixe dans la maison. Photographies, graphismes et dessins sont sans cesse accumulés, mais restent le plus souvent cachés sur les téléphones, dans des livres ou des tiroirs. Le système repose sur des procédés industriels existants : une seule feuille de papier imprimée en UV forme l'abat-jour courbé, maintenu par une structure légère en aluminium et assemblé par des aimants. La lampe se démonte à plat et se transporte dans son propre tube d'impression, l'image enroulée. Disponible en trois tailles, elle transforme chaque tirage en objet lumineux. Les tirages se changent en quelques secondes, de l'image personnelle à la commande.

DRDI (EPFL+ECAL Lab)

Côme Brocas – MountResilience

par Côme Brocas

Comment faciliter le dialogue, l'implication et la prise de décision face aux défis de la gestion de l'eau et du changement climatique en montagne ? Ce démonstrateur réplicable du projet européen MountResilience est issu d'une recherche participative et interdisciplinaire menée au cœur des Alpes valaisannes. L'application web rassemble experts et grand public autour de trois sections interconnectées : des indicateurs relatifs offrent une vision commune de la situation en temps réel, des observations de terrain participatives favorisent l'implication, et un catalogue sensibilise aux solutions locales. L'étude évaluative de l'outil a permis d'identifier plusieurs facteurs influençant l'engagement dans le design de solutions d'adaptation au changement climatique.

DRDI (EPFL+ECAL Lab)

Zeynep Erol – SWITCH – Sofra

par Zeynep Erol

Sofra est un agent conversationnel adaptatif pour le changement d'habitudes alimentaires, qui s'adapte à la culture. Créé au sein du projet européen SWITCH, il établit, à partir de photos, de cartes mentales et de notes vocales, une culture alimentaire personnelle incluant pratiques quotidiennes, motivations et patrimoine culinaire. Ce profil façonne le ton et les suggestions : l'accompagnement devient adapté au contexte de chacun, et non générique. Trois études utilisateurs ont montré comment la résonance culturelle rend l'accompagnement plus pertinent, respectueux et engageant. Alliant design d'interaction et ingénierie de prompt IA, Sofra bouscule les approches universelles en technologie de la santé et prône des systèmes qui s'adaptent aux différences culturelles au lieu de les effacer.

DRDI (EPFL+ECAL Lab)

Sofia Lelis – Èvokâ II

par Sofia Lelis

Èvokâ II est une installation interactive qui invite le public de la Bibliothèque Cantonale et Universitaire de Fribourg à dialoguer avec les archives. À travers une interface conversationnelle portée par l'IA, une présence habitant les collections recueille des souvenirs liés au canton et révèle en retour des fragments, récits et traces du patrimoine fribourgeois. Ce projet de recherche en design explore comment les archives numériques peuvent devenir plus accessibles et partagées. Il interroge ce qui nous relie à une identité collective : lieux, émotions, récits et mémoires vécues. Développé avec le Swiss Data Science Center et soutenu par la Bibliothèque Nationale Suisse, Èvokâ II transforme la consultation d'archives en expérience intime, entre mémoire personnelle et histoire commune.

DESIGN GRAPHIQUE

Clea Dunand – Il faut se perdre pour se retrouver

par Clea Dunand

Il faut se perdre pour se retrouver est un court-métrage d'animation qui retrace un voyage intérieur : le cheminement sensible vers la guérison d'une dépression. Entièrement réalisé à l'aquarelle, le concept utilise la fluidité et les fusions de l'eau pour traduire visuellement l'évolution des états d'âme, de la sombre stagnation vers la reconnexion à la lumière. Ce projet constitue un défi de développement personnel majeur, transformant une expérience intime en une œuvre universelle. Sa particularité réside dans l'expérimentation de cette technique traditionnelle exigeante, où chaque frame peinte à la main apporte une texture vibrante et organique. Une quête artistique et thérapeutique menée de bout en bout.

DESIGN GRAPHIQUE

Eliott Mouissat – Face Z

par Eliott Mouissat

Face Z est une publication consacrée au festival du même nom, dédié à la découverte musicale et à la mise en lumière d'artistes émergent·e·s. Réalisée à partir d'archives, d'entretiens et de témoignages, cette publication cherche à retranscrire l'identité du festival ainsi que les valeurs qui le traversent : horizontalité, échange et ouverture à la diversité des pratiques musicales. Le projet s'appuie également sur une démarche de fabrication artisanale utilisant une ancienne imprimante Riso, dont les contraintes techniques ont défini la mise en page. Pensée comme une archive évolutive, cette édition conserve une trace de l'histoire, des souvenirs et des relations qui ont façonné Face Z.

ARTS VISUELS

Jonas Ruchti – La colombe, La ménagerie, La noisette, L'éléphant

par Jonas Ruchti

Les éléphants ont peur des souris.

DESIGN GRAPHIQUE

Arnaud Wenger – How You Read, How You Know

par Arnaud Wenger

Notre perception du changement climatique dépend de ce que nous lisons. How You Read, How You Know est une enquête sur l’architecture invisible de l’information. Quand un incendie brûle, les faits sont les mêmes : les hectares, le vent, les vies déplacées. Mais le récit que l’on en fait ne l’est jamais vraiment. Il change selon qui écrit, d’où, et pour qui. Ce projet analyse la couverture médiatique de deux incendies de 2025 : les feux de Los Angeles en janvier, et les feux de Corbières, dans le sud de la France, en août.

ARTS VISUELS

Matteo Pizzolante – make room for the miracle

par Matteo Pizzolante

Basé sur la réitération et le développement de combinaisons et d'altérations apparemment simples, make room for the miracle explore des réalités quotidiennes, des techniques traditionnelles et des objets recyclés issus d'actions ordinaires. Poussés au-delà de leur forme, ces éléments rythment une production traversée par un flux esthétique contradictoire et omniprésent, qui refuse toute fixation définitive et reste exposé à des déviations constantes. Des éléments provenant de multiples directions se superposent et s'hybrident. Plutôt qu'une synthèse, les œuvres mettent en scène une tension entre le désir d'habiter plusieurs mondes à la fois et l'impossibilité d'appartenir pleinement à un seul. C'est dans cette friction que l'espace se transforme et se fissure.

ARTS VISUELS

Marta Morandini – Sponde

par Marta Morandini

Sponde est un film qui s'attarde sur le passage entre la fin de l'enfance et le début de l'adolescence de trois amies au cours d'une journée d'été. Les jeunes filles se séparent de leurs amis et de la plage bondée et entreprennent une marche le long des rives du fleuve. Le paysage s'élargit peu à peu, les voix humaines laissent place aux sons de la nature et des animaux qui habitent le fleuve. Dans ce silence s'ouvre la vision d'une métamorphose des corps et du paysage, dans une symbiose unique. A la tombée du soir, l'une d'elles est saisie d'un mouvement de l'âme inexplicable et rebrousse chemin, sans prévenir ses amies endormies sur les rochers. Les deux autres, à leur réveil, reprennent leur marche en direction de l'eau, devenant de petites figures perdues à l'horizon.

ARTS VISUELS

Olive Godlee – Me and Other People's Children

par Olive Godlee

Me and Other People's Children est un triptyque, réalisé par transfert de graphite sur toile brute. Les images sources sont des photographies prises par l'artiste, avec les enfants dont iel s'occupe et les représentant. En bas à droite apparaît une bulle de message texte, envoyée par l'artiste/nounou à la mère des enfants. Cette œuvre s'inscrit dans la continuité d'un corpus de travaux qui explore la relation triangulaire entre nounou, mère et enfant.

ARTS VISUELS

Gaia Del Santo – nothing happens in the absence of repetition

par Gaia Del Santo

nothing happens in the absence of repetition est une série d'œuvres créées à partir de citations tirées de communiqués de presse des expositions vues par l'artiste au cours de sa formation Master. Cette série s'inscrit dans la continuité de recherches sur la façon dont l'impératif du branding au cœur du capitalisme des plateformes tend à uniformiser les modes d'expression personnelle. Ce projet s'intéresse à la manière dont ce phénomène se manifeste dans le champ de l'art, où les liens commerciaux avec cet outil sont dénoncés et niés. La sélection de citations explore une double contrainte : celle, indéniable, de l'originalité du travail de l'artiste, ainsi que de sa nécessité de se situer dans une filiation lisible.

ARTS VISUELS

Hugo Baud – ALCOVE

par Hugo Baud

ALCOVE est une installation située dans le hall de l'ECAL, qui propose une réflexion autour de cet espace d'exposition. Elle est composée de cimaises de l'école mesurant chacune 2,06 m sur 2,80 m. La structure, faisant 6,18 m de long, 4,12 m de large et 2,80 m de haut, forme un rectangle au sol de 25,46 m². Peint à l'extérieur en S 1502-R, couleur officielle des murs du bâtiment de l'école, et à l'intérieur en RAL 9016, définie pour les espaces d'exposition. Le nom ALCOVE reprend celui des canapés emblématiques du hall d'entrée de l'ECAL.

PHOTOGRAPHIE

Shiny Vallenas – The Money Shot Always Tastes Like Bunnies And Donuts

par Shiny Vallenas

Les codes de la pornographie ont recomposé en profondeur la représentation des femmes au sein de l'image contemporaine. Du porno chic des années 2000 à l'esthétique des clean girl des réseaux sociaux, il s'agit des mêmes gros plans et des mêmes corps fragmentés qui circulent. Le désir, inhérent à l'image, prend aujourd'hui différentes formes déguisées dues à la censure et se transforme en tendances virales. Ce projet croise la mise en scène et l'image générée par intelligence artificielle afin de reconstruire des dispositifs empruntés au casting porno, à OnlyFans, au vocabulaire publicitaire et trace ainsi des correspondances formelles entre le corps, l'animal et l'objectification pour rendre visible ce qu'un flux permanent d'images nous apprend à ne plus voir.

PHOTOGRAPHIE

Louise Tapponnier – Ce qu'elles partagent

par Louise Tapponnier

Ce qu'elles partagent explore la photographie comme un processus relationnel et collaboratif autour de la notion de sororité. À travers un dispositif fondé sur la répétition et l'uniformisation, l'artiste photographie des femmes dans un cadre partagé afin d'observer ce qui émerge au-delà des singularités. Le regard se déplace vers les gestes, les attitudes et les formes de présence. Les échanges lors des prises de vue font émerger des réflexions sur les habitudes corporelles, les postures apprises et les manières de se présenter ou d'occuper l'espace. L'édition prolonge cette recherche en rassemblant les corps dans un flux continu où les figures s'unissent et se répondent. Les images composent progressivement une forme de « nous », fondé sur l'expérience partagée.

PHOTOGRAPHIE

Aline Savioz – I feel slightly off

par Aline Savioz

Né d'une période introspective, I feel slightly off transforme des ressentis invisibles comme l'angoisse et la perte de sens en mises en scène construites. À travers des portraits, des scènes de groupe et des natures mortes, des situations familières basculent subtilement vers l'étrange. Inspirées par les notions d'inquiétante étrangeté (Sigmund Freud) et de vallée de l'étrange (Masahiro Mori), les images jouent sur de légers décalages qui créent une tension entre le quotidien et l'inquiétant. Réunissant neuf photographies grand format et une image imprimée sur un tapis au sol, l'installation propose une réflexion sur le rapport au contrôle, à l'angoisse et à la perception de la réalité, tout en cherchant à rendre visibles des expériences intimes souvent partagées mais rarement exprimées.

ARTS VISUELS

Nathan Pidoux – Reste

par Nathan Pidoux

Reste ne raconte pas une histoire. Ce projet expose les traces d'un passage, les résidus d'une action déjà terminée. Entre déchet, relique et fiction, les formes occupent l'espace comme des présences obstinées : bancales, vulnérables, irréductibles. Les branches vides imitent le bois sans en posséder la densité. Elles sont des peaux, des tubes, des simulacres. Leur présence oscille entre le décor et le débris, entre la construction et l'effondrement. Les chaussures et le sac à dos, quant à eux, évoquent un corps absent, une marche interrompue, la possibilité d'un départ ou d'un abandon. Dans cette installation, l'espace d'exposition est considéré comme un lieu où les objets peuvent négocier entre eux. Les formes s'y heurtent, s'y soutiennent et s'y rencontrent parfois.

DESIGN GRAPHIQUE

Gabriel Polgar – Tenir la rue, imprimer la rue

par Gabriel Polgar

Dans un contexte marqué par le recul des acquis sociaux et la réapparition de discours d'extrême droite, les manifestations sont des espaces où les voix se rassemblent et s'amplifient. De ces rassemblements naît une énergie collective rare : les paroles se délient, la solidarité se renforce et un élan commun se fait sentir. Pourtant, cette force se dissipe et s'efface souvent beaucoup trop vite. Tenir la rue, imprimer la rue a pour ambition, au travers d'un outil de création web basé sur l'aléatoire, de capter et de prolonger ces moments dans notre quotidien. Ce projet permet, grâce à du contenu récolté et alimenté collectivement, à chacun·e de composer et d'imprimer, en pleine rue, sa propre affiche.

DESIGN INDUSTRIEL

Gion Luginbühl – FURNITURE FOR PRISON ENVIRONMENT

par Gion Luginbühl

FURNITURE FOR PRISON ENVIRONMENT propose une approche plus humaine de l'aménagement carcéral. Conçu comme une structure modulaire fixée directement au mur, il réunit rangements, surfaces de travail, éclairage, assises et séparation des espaces dans un ensemble cohérent. Sa conception répond aux contraintes spécifiques du milieu pénitentiaire : robustesse, sécurité, facilité d'entretien et possibilité de fabrication dans les ateliers des prisons. L'association de hêtre stratifié, de mélèze, de plexiglas et de textiles ignifugés apporte chaleur et diversité à l'espace. En renforçant le lien entre l'espace de vie et la fenêtre, ce projet cherche à améliorer le confort quotidien et à introduire une forme de normalité au sein de la cellule.

ARTS VISUELS

Kathleen Pickavance – La Senteuse

par Kathleen Pickavance

Dans le film La Senteuse, l'artiste incarne un personnage qui peine à marcher dans un champ en talons hauts. Afin d'atteindre sa destination désirée, elle transporte une longue échelle, rapprochant le spectateur de son corps à travers la lentille d'un œil anonyme.

DESIGN GRAPHIQUE

Léa Verboux – In Other Words

par Léa Verboux

Treize millions d'œuvres publiées gratuitement, sans éditeur ni reconnaissance institutionnelle, mais lues et réécrites par des millions de lecteurs. In Other Words est une anthologie consacrée à la Fanfiction qui documente cette pratique sous ses différents aspects : ses codes, ses communautés et la masse de productions qui circulent en ligne. Cette publication rassemble également des textes qui témoignent de la liberté qu'offre cette littérature parallèle, où les œuvres existantes deviennent une matière à transformer, prolonger, corriger ou réinterpréter. En confrontant les codes du livre traditionnel à ceux de la culture numérique, In Other Words interroge les frontières entre œuvre originale et réécriture et propose de lui offrir une légitimité, un espace et une matérialité.

DESIGN GRAPHIQUE

David Zwicker – Typeable Images

par David Zwicker

Que se passe-t-il lorsqu'une typographie sort des limites du vecteur ? Typeable Images est un projet de création et de recherche typographique qui explore cette question à travers la technologie des fontes emoji, un médium permettant de construire des caractères à partir de pixels plutôt que de tracés. A travers des processus analogiques et numériques, le projet réinterprète une même fonte à travers différents styles artistiques, produisant des caractères basés sur l'image qui peuvent être tapés, combinés et superposés. Typeable Images propose une nouvelle interaction homme-machine ainsi qu'une nouvelle dimension pour le design typographique.

PHOTOGRAPHIE

Lóa Fenzy – Remy

par Lóa Fenzy

Remy est un court-métrage hybride qui oscille entre documentaire construit et performance de longue durée, utilisant le casting et les répétitions comme méthodologie et structure narrative. Partant de la question « Que se passerait-il si j'engageais des acteurs pour jouer le rôle de mon père ? », le film suit huit hommes d'âge mature qui auditionnent pour le rôle de mon père absent, puis trois d'entre eux sont invités à participer à des répétitions de plus en plus intimes et à des mises en scène. Ce qui ressemble au départ à un processus de casting classique se transforme peu à peu en un espace où la masculinité, l'autorité, la tendresse et l'attention sont mises en scène entre des inconnus. À travers la répétition, la mise en scène, l'improvisation et la négociation émotionnelle, le film dévoile progressivement sa propre construction, brouillant la frontière entre sincérité et performance.

PHOTOGRAPHIE

Elisa Hampe – Through My Hands, Broken into Fingers

par Elisa Hampe

Through My Hands, Broken into Fingers est un projet créé avec à l'aide d'un smartphone et qui explore comment les écrans provoquent un détachement de la réalité, du point de vue d'une jeune adulte. L'artiste créé des images picturales en capturant des objets, des corps et des espaces à l'aide de photogrammétries réalisées avec un smartphone, puis en les réassemblant en scènes plus complexes à l'aide d'un logiciel 3D. Les images représentent des figures dans des intérieurs domestiques, suspendues dans des états d'attente, d'épuisement et d'immobilité. Du fait du processus de numérisation, les surfaces et les textures se transforment : les couvertures perdent leur douceur et se transforment en coques rigides, les corps semblent creux et fragiles, et les intérieurs familiers s'effondrent pour laisser place à des environnements instables et oppressants. En parallèle aux images murales, une sculpture en aluminium imprimé réintroduit les corps médiatisés dans l'espace.

PHOTOGRAPHIE

Binyu Lin – Still Cruising

par Binyu Lin

Still Cruising rejoue les scènes qui ont façonné le désir de l'artiste. Ces désirs se construisent par l'accumulation d'une imagerie queer masculine particulière : un corps exposé, travaillé, performé. À force d'être consommées, ces images glissent peu à peu vers un état d'épuisement. Par la photographie mise en scène, le projet tente de réentrer dans cette imagerie. À travers l'objectif, entre la visée et la mise au point, le corps désiré se trouve étayé, suspendu ou révélé dans des états de fatigue. Au fil de la dérive du regard, l'attention se déplace progressivement de l'objet du désir vers soi. Dans ce mouvement répété de reconstruction et de retour, Still Cruising cherche à négocier un espace entre l'obsession et la subjectivité, un espace à habiter.

PHOTOGRAPHIE

Zhiyue Liu – Crossing the River by Feeling the Stones

par Zhiyue Liu

Crossing the River by Feeling the Stones naît d'une expérience d'enfance longtemps enfouie et se déploie en une exploration du désir, de la sexualité et du fantasme façonnés par la migration. Reprenant une métaphore chinoise qui consiste à avancer dans l'incertitude grâce à l'instinct et au toucher, ce projet traduit un état de curiosité, de confusion et de quête. À travers des mises en scène, l'artiste invite des amies à accomplir des gestes ordinaires du quotidien : actions domestiques, corporelles ou ludiques, entre soin, routine, intimité et rituels qui donnent vie au foyer. Nourries de fantasmes et de désirs entravés dans le contexte culturel chinois, ces images interrogent les représentations du corps féminin, entre érotisme saphique, dévoilement, curiosité et étrangeté.

PHOTOGRAPHIE

Andrey Lopatin – Flies

par Andrey Lopatin

Flies est un court-métrage construit autour de l'image d'un crash d'avion. Il mêle des scènes domestiques générées par IA et des paysages hallucinatoires habités par des marionnettes avec des archives du Controlled Impact Demonstration de la NASA en 1984, en suivant un garçon-mannequin obsédé par les catastrophes aériennes. Ses deux registres fonctionnent comme des métaphores d'un monde saturé d'images de désastre où réalité et simulation deviennent indistinguables. Les marionnettes paraissent humaines et vulnérables, mais sont à la fois des corps artificiels manipulés de l'extérieur. Entre pilote, passagers, enfant et des points de vue oniriques, le film laisse simulation, mémoire, fantasme et documentation se fondre. La mouche dérive à travers ces réalités en témoin fragile et persistant.

DESIGN INDUSTRIEL

Arthur Moreillon – Buisson

par Arthur Moreillon

Apprendre dehors, ça s'organise. Les cours en extérieur se multiplient dans les écoles suisses et, avec eux, le besoin d'un équipement pensé pour la nature. Buisson naît de cette réalité et accompagne les élèves et les enseignant·e·s dans leurs sorties régulières, du matériel de cours au repas en passant par tous les imprévus du quotidien, sans compromis sur le confort ni sur la durabilité. Fabriqué en laine suisse et en tissu ripstop Etaproof, ce sac est pensé pour toutes les météos. Mais au-delà de la résistance, il invite à la curiosité. Ranger une pierre, glisser une feuille, conserver un bout de mousse. Le sac devient un espace de collecte autant que de transport, un compagnon de terrain qui grandit avec chaque sortie. Parce qu'apprendre en extérieur ne devrait pas être compliqué.

DESIGN INDUSTRIEL

Melchior Myard – Zeste

par Melchior Myard

Zeste est une série de cinq objets hybrides associant mobilier et activité physique. Conçu pour les étudiants et jeunes actifs vivant dans de petits espaces, le projet répond au manque de place et à la sédentarité. Loin de toute logique de performance, Zeste favorise un mode de vie plus actif grâce à de courtes interactions intégrées aux usages quotidiens. Chaque objet combine une fonction de meuble et une invitation naturelle au mouvement. Répartis dans le logement, ils créent un parcours qui transforme les objets du quotidien en occasions de bouger. L'association du liège, de la laine et du métal aux teintes douces crée une ambiance chaleureuse et apaisante, plaçant le bien-être au cœur de l'expérience plutôt que la performance.

DESIGN INDUSTRIEL

Léa Perrelet – LOBI

par Léa Perrelet

LOBI est une collection de cinq lampes réalisées à partir d'éléments disponibles dans le magasin de bricolage suisse OBI. Ce projet explore la possibilité de rendre le design plus accessible en proposant des objets que chacun peut fabriquer soi-même. Tous les composants nécessaires peuvent être achetés dans un seul et même lieu, puis assemblés facilement à domicile, sans compétences techniques particulières. En valorisant l'autonomie et la pratique du bricolage, cette démarche questionne également l'usage des objets industriels à travers le détournement de pièces conçues pour d'autres fonctions. LOBI révèle ainsi le potentiel créatif caché dans des éléments ordinaires du quotidien en les transformant en de nouveaux objets.

DESIGN INDUSTRIEL

Flavia Renaud – Soft Room

par Flavia Renaud

Soft Room est un objet hybride qui relie canapé et tapis pour créer un espace de rencontre et de partage entre amis, en famille ou entre colocataires. Il crée presque une petite pièce dessinée par le tapis, où l'on se retrouve pour tout faire ou ne rien faire ensemble. Le canapé bas et le tapis prolongent la surface de repos : assis ou allongés, tous se trouvent au même niveau. La structure en bois, entièrement recouverte de mousse, offre plusieurs angles pour se sentir confortable, enveloppé, et trouver sa place préférée. Le textile Kvadrat, librement drapé, forme des plis qui remplacent les coussins et ajoutent du confort. Une frange lourde contrôle le tombé du tissu et le maintient en place, tout en renforçant le caractère de l'ensemble.

DESIGN INDUSTRIEL

Romain Ricci – Rooster

par Romain Ricci

Rooster est un poulailler modulaire en kit flat-pack, conçu pour favoriser l'autonomie et la production alimentaire locale. Son concept repose sur la modularité : un module de base pour deux poules, extensible jusqu'à six poules. Pensé pour les personnes sans expérience en bricolage, il utilise des panneaux d'épicéa à trois plis usinés à la commande numérique. L'assemblage se fait simplement à la visseuse grâce à un système d'inserts. Le bois est traité à l'huile de lin pour garantir sa longévité en extérieur. Cette approche transparente valorise la réparabilité, chaque pièce pouvant être facilement remplacée. À l'intérieur, l'aménagement intègre un perchoir et un pondoir.

DESIGN INDUSTRIEL

Matthieu Rigelo – Doll Museum

par Matthieu Rigelo

Plusieurs villes suisses réservent désormais leurs espaces publicitaires exclusivement à la culture, au sport et aux initiatives locales. Doll Museum est une vitrine urbaine dédiée à la promotion des musées locaux. Alternative tridimensionnelle à l'affiche traditionnelle, elle présente des objets issus d'expositions en cours, offrant ainsi un aperçu plus immersif pour susciter la curiosité et inviter aux musées. Sa structure en acier inoxydable à double paroi et son double vitrage de sécurité permettent de conserver les pièces exposées, tout en rendant la culture plus accessible.

DESIGN INDUSTRIEL

Archibald Simon – Séjour

par Archibald Simon

Si le mot « séjour » désigne d'une part le fait de résider quelque part, il définit également la pièce à vivre d'une habitation. C'est précisément dans cette polysémie que s'inscrit le projet Séjour, un canapé-lit conçu pour l'hospitalité sous toutes ses formes ; partage et convivialité avec l'invité·e, puis confort et intimité dans son utilisation comme lit d'appoint. Au moment de la transition du canapé en lit double, son dossier se transforme en paravent et offre un espace propre à son occupant·e, le coupant de l'excitation du séjour pour qu'iel se sente comme à la maison.

DESIGN INDUSTRIEL

Nicola Gut – Smash

par Nicola Gut

Smash est un filet sportif urbain conçu pour rendre le volley-ball et le badminton accessibles dans l'espace public grâce à une structure unique et adaptable. Les installations existantes sont souvent encombrantes, nécessitent du temps de mise en place et un entretien régulier, limitant leur présence en ville. Smash répond à ce problème avec un filet rétractable qui s'enroule dans son boîtier lorsqu'il n'est pas utilisé, réduisant ainsi l'encombrement et facilitant son déploiement. Une poignée permet d'ajuster rapidement la hauteur du filet pour passer du volley-ball au badminton. Destiné aux parcs, places et espaces sportifs urbains, Smash encourage une pratique spontanée et flexible du sport.

DESIGN INDUSTRIEL

Valentin Meghit – Axe X

par Valentin Meghit

Axe X est un mobilier hybride conçu pour les musées, les halls d'accueil et les espaces publics polyvalents. Grâce à une rotation autour de son axe, l'objet passe simplement d'une assise à une table haute, permettant d'adapter rapidement un espace à différents usages : attente, discussion, conférence, vernissage ou atelier. Pensé pour accompagner la flexibilité croissante des lieux culturels et professionnels, il réunit plusieurs fonctions au sein d'un même objet tout en limitant l'encombrement. Réalisé en métal, contreplaqué compact et textile, Axe X adopte une conception durable où chaque élément est démontable afin de faciliter la maintenance, le réemploi et le recyclage des matériaux.

DESIGN DE PRODUIT

Cody Ramseyer – 1/2 Round

par Cody Ramseyer

1/2 Round est une exploration guidée par le matériau, développée à partir d'un unique profilé en bois standard du commerce : une demi-rondelle de 8 cm de diamètre et de 5 m de longueur. Par un processus de découpe, d'assemblage, d'équilibrage et de répétition, ce matériau de construction ordinaire se transforme en une série d'objets situés à la frontière entre l'outil, le mobilier et la sculpture. Inspiré par la logique directe et pragmatique des structures agricoles et d'atelier, le projet explore la capacité d'un seul élément à générer une grande diversité de formes tout en conservant un langage formel cohérent. Plutôt que d'imposer une fonction précise, les objets suggèrent des actions telles que soutenir, contenir, transporter ou délimiter.

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Type

Formation

Savoir-faire

Années

Steve Bouillant – Re:soil

Jonathan Vögele – Siphonophores

Teo Grajqevci – reform

Yann Müller – Trame Noire

Arthur Troisfontaine – Piezo

Thaïs Matty – Mousseline

Armine Salifu – Let it fly!

Mim Pornpiya Tejapaibul – Laisen

Eunhyoung Ju – Toilet (Réalisation) – 2026

Michael Girod – Verseau Révolution (Son) – 2026

Jann Kessler – Se métamorphoser ? – 2026

Chantal Hochuli – Campo

Omar Bassil – Esplanade

Ehrat Lee – Lightworks

Côme Brocas – MountResilience

Zeynep Erol – SWITCH – Sofra

Sofia Lelis – Èvokâ II

Clea Dunand – Il faut se perdre pour se retrouver

Eliott Mouissat – Face Z

Jonas Ruchti – La colombe, La ménagerie, La noisette, L'éléphant

Arnaud Wenger – How You Read, How You Know

Matteo Pizzolante – make room for the miracle

Marta Morandini – Sponde

Olive Godlee – Me and Other People's Children

Gaia Del Santo – nothing happens in the absence of repetition

Hugo Baud – ALCOVE

Shiny Vallenas – The Money Shot Always Tastes Like Bunnies And Donuts

Louise Tapponnier – Ce qu'elles partagent

Aline Savioz – I feel slightly off

Nathan Pidoux – Reste

Gabriel Polgar – Tenir la rue, imprimer la rue

Gion Luginbühl – FURNITURE FOR PRISON ENVIRONMENT

Kathleen Pickavance – La Senteuse

Léa Verboux – In Other Words

David Zwicker – Typeable Images

Lóa Fenzy – Remy

Elisa Hampe – Through My Hands, Broken into Fingers

Binyu Lin – Still Cruising

Zhiyue Liu – Crossing the River by Feeling the Stones

Andrey Lopatin – Flies

Arthur Moreillon – Buisson

Melchior Myard – Zeste

Léa Perrelet – LOBI

Flavia Renaud – Soft Room

Romain Ricci – Rooster

Matthieu Rigelo – Doll Museum

Archibald Simon – Séjour

Nicola Gut – Smash

Valentin Meghit – Axe X

Cody Ramseyer – 1/2 Round