Feed

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Thomas Gaudin – UnBubble

avec Pauline Saglio, Christophe Guignard, Alain Bellet, Gaël Hugo, Lara Défayes, Laura Nieder

Unbubble est une installation interactive où un robot explore le smartphone d’un·e utilisateur·ice pour analyser son usage d’Instagram. Ce geste intrusif met en lumière un paradoxe : s’il est rare de confier son téléphone à une machine, nous laissons pourtant chaque jour les algorithmes collecter nos données. Nos habitudes en ligne façonnent une réalité sur-mesure qui filtre, trie, suggère et limite parfois l’horizon. Unbubble questionne comment nos traces numériques construisent une image fragmentée de nous-mêmes, utilisée pour orienter nos choix, nos envies et notre attention. L’installation invite à prendre conscience de ces logiques et ouvre un espace pour imaginer d’autres récits, façons de naviguer et mondes à explorer au-delà des sentiers tracés par les algorithmes.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Livia Schmid – Trail Sync

avec Pauline Saglio, Christophe Guignard, Alain Bellet, Laura Nieder, Gaël Hugo, Lara Défayes

Dans les zones alpines reculées, l’accès à des informations fiables — telles que l’état des sentiers ou les alertes météorologiques — devient difficile en l’absence de réseau. Trail Sync répond à ce défi par un système participatif et décentralisé : des boîtiers d'informations locales, installés dans les infrastructures de randonnée, sont mis à jour passivement par les randonneur·euse·s à l'aide d'une application mobile hors ligne. Chaque personne passant à proximité d’un boîtier synchronise ses données contextuelles, laissant une trace numérique utile pour celles et ceux qui suivent. Renforçant la signalisation existante sans accroître la dépendance technologique, le dispositif s'appuie sur les valeurs montagnardes de responsabilité collective et de solidarité.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Valère Zen-Ruffinen – Memoria

avec Pauline Saglio, Christophe Guignard, Alain Bellet, Gaël Hugo, Laura Nieder, Lara Défayes

“All those moments will be lost in time, like tears in rain.” - Roy Batty, Blade Runner (1982). Une grande partie des moments passés avec nos proches finit par s’échapper de notre mémoire lorsque rien ne vient les raviver. Peu à peu, ces souvenirs s’effacent, jusqu’à disparaître. Memoria est une application d’album photo qui explore cette fragilité du souvenir, et la manière dont nous entretenons – ou laissons s’effacer – nos liens à travers lui. À travers un processus de disparition progressive, les personnes présentes sur nos photos s’effacent peu à peu si aucun nouveau souvenir partagé avec elles n’est ajouté. Pour maintenir ces visages présents à l’image, chacune et chacun est invité à entretenir régulièrement son album avec de nouveaux souvenirs partagés.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Alexine Sierro – Spira Memoriae

avec Pauline Saglio, Christophe Guignard, Alain Bellet, Gaël Hugo, Laura Nieder, Lara Défayes

Dans un monde où des écosystèmes s’éteignent, où certaines odeurs s’évaporent, que deviennent les lieux et les récits qui leur donnaient forme ? Spira Memoriae est une expérience olfactive immersive en réalité virtuelle qui invite l’utilisateur·ice à traverser un monde sensoriel et fragmenté. Des parfums originaux, créés avec la parfumeuse Tennessee Macdougall, prolongent la réflexion grâce au langage des odeurs. Balises d’un paysage abstrait, ils révèlent des matières rares, parfois disparues, mais présentes dans la mémoire collective. Né d’une réflexion sur la mémoire olfactive, Spira Memoriae explore les tensions entre disparition et persistance, industrie et territoire, réalité et reconstitution. L’odeur y devient vecteur de récit, de transmission et de fiction partagée.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Elena Biasi – Magnetic Fragments

avec Pauline Saglio, Christophe Guignard, Laura Nieder, Alain Bellet, Gaël Hugo, Lara Défayes

Avant l’essor du numérique et des réseaux sociaux, les moments du quotidien étaient capturés sur supports analogiques, puis visionnés en famille de manière linéaire. Ces longues cassettes VHS, faites de séquences successives, ont peu à peu disparu, victimes de leur obsolescence. Magnetic Fragments propose de redécouvrir ces souvenirs oubliés via une interface web tridimensionnelle où chaque bulle incarne un souvenir à explorer et commenter. Destinée à un cercle privé, la plateforme collaborative offre une navigation libre, revisitant les fragments de souvenirs de façon dynamique et rompant avec la structure monotone des anciens visionnages. Magnetic Fragments devient ainsi un lieu de transmission intergénérationnelle où le passé se partage dans le présent.

DESIGN GRAPHIQUE

Marc Facchinetti – Rapport climatologique suisse

par Marc Facchinetti

Le Rapport climatologique suisse est un projet de design éditorial qui explore les mutations du climat à travers la donnée. Construit à partir de relevés météorologiques récents, mis en perspective avec des moyennes historiques remontant parfois à plus de 150 ans, le livre s’appuie sur des plugins développés sur mesure pour InDesign. Ces outils traduisent des données scientifiques: températures, rayonnement UV, unités Dobson en variations typographiques et formes ASCII. Cette approche expérimentale offre une lecture alternative de l'information climatique. Le projet propose un regard infographique brut et précis.

DESIGN GRAPHIQUE

Lidia Molina González – Toilet Break Magazine

par Lidia Molina González

Tout a commencé par une pause. Un moment seul dans un espace partagé: calme, ordinaire, un peu étrange. Les toilettes ne sont peut-être pas l’endroit où l’on cherche de grandes idées, et c’est justement pour cela qu’on les a choisies. Toilet Break part de cet espace souvent ignoré pour questionner notre manière de vivre ensemble, d’occuper l’espace, de créer du lien. Ce premier numéro explore les entre-deux : public et privé, intérieur et extérieur. Il réunit des voix de Suisse, de Belgique, du Japon. Un lieu où les idées circulent librement, où le sérieux côtoie le décalé. Un projet collectif et personnel, pour tester, écouter autrement, croire aux détours. Un moment pour s’asseoir et réfléchir.

DESIGN GRAPHIQUE

Léa Corin – Ni tout à fait libre, ni tout à fait captif

par Léa Corin

Ni tout à fait libre, ni tout à fait captif explore le thème de la semi-liberté. À travers une installation vidéo et un livre, ce projet archive et documente les activités d’une association dédiée à la réinsertion. La projection, conçue comme une archive émotionnelle, associe vidéos expérimentales et témoignages sonores de personnes en semi-liberté suivies par l’association, révélant la complexité de cette transition. Le livre, en complément, adopte une approche documentaire et sensible, mêlant récits et créations visuelles. Ce projet dépasse la forme graphique pour nourrir le dialogue social et éclairer un enjeu essentiel mais souvent ignoré.

DESIGN GRAPHIQUE

Hugo Scholl – Modulat

par Hugo Scholl

Modulat est une typographie variable créée autour du concept de visualizer musical. Partant d’un dessin neutre, elle se décline en plusieurs jeux de caractères, chacun permettant une adaptation à différents univers graphiques et sonores. Elle utilise ses axes de variation pour s’ajuster à une grande diversité de formats d’affichage, facilitant son usage sur de multiples supports digitaux. Pensée comme un outil modulable, elle questionne la manière dont une typographie peut accompagner la musique tout en conservant une cohérence visuelle. Le projet allie expérimentation formelle et recherche d’adaptabilité graphique.

DESIGN GRAPHIQUE

Flora Hayoz – FACE À FACE

par Flora Hayoz

FACE À FACE est une exploration de la solitude à travers deux médiums: la danse et le graphisme. Ce projet réunit deux pratiques pour donner forme à une création hybride. D’un côté, une pièce chorégraphique co-chorégraphiée avec Gaia Menchini, centrée sur les états de solitude et capturée ensuite sous format vidéo. Le second support est une édition qui prolonge la pièce. En questionnant le livre en tant qu’objet, elle est conçue pour être lue à deux et devient un outil de dialogue et d’écoute. L’édition détourne ainsi ses usages habituels, créant une expérience sensible. Les deux supports dialoguent entre eux, invitant à vivre la solitude autant dans le mouvement que dans le partage de la lecture. Ainsi, FACE À FACE propose une expérience où la solitude devient le point de départ d’une rencontre.

DESIGN GRAPHIQUE

Emilie Müller – Librarynth

par Emilie Müller

Il est bon de croire que la bibliothèque résiste. Non pas comme une relique du passé, mais comme une présence qui se réinvente, oscillant entre le tangible et l’immatériel. Il ne s’agit pas de nier le numérique, ni de se cramponner à nos pages jaunies. Mais de comprendre que si nous acceptons la bibliothèque comme un espace mouvant, un organisme qui mute avec son temps, alors son avenir n’est peut-être pas si sombre. Librarynth est une bibliothèque immersive, pensée comme une maison virtuelle. Chaque pièce évoque une des six thématiques issues de la collection Varia de la Fondation Jan Michalski. Sous la forme d’une interface web, le projet célèbre la sérendipité propre aux bibliothèques physiques tout en questionnant comment le numérique peut traduire l’expérience du livre.

DESIGN GRAPHIQUE

Eliot Dubi – JUST IN CASE

par Eliot Dubi

À l’échelle d’un individu, on ne peut ni prédire ni empêcher la prochaine catastrophe; on peut seulement s’équiper des bons réflexes pour y faire face. JUST IN CASE est un site web qui rassemble, en quatre scénarios – grands incendies, ruptures de barrage, accidents industriels et séismes – les gestes essentiels à mémoriser quand tout bascule. Une arborescence claire, des textes concis et le style illustratif en aplats rendent l’apprentissage accessible sans sensationnalisme. Un triptyque d’affiches assure la promotion auprès du grand public. Pensé pour une génération inondée d’alertes anxiogènes, JUST IN CASE transforme l’inquiétude en gestes simples, immédiats, juste au cas où.

DESIGN GRAPHIQUE

Paul Paturel – Grime Index

par Paul Paturel

Grime Index est un projet de VJ-ing interactif qui centralise, visualise et permet de naviguer dans les moments cultes du grime, un genre chaotique né sur les ondes pirates de Londres. En transformant la data audio en identité et en signalétique visuelle, le projet rend lisible une culture fondée sur la performance, l’oralité et l’improvisation. Il s’adresse autant aux publics initiés qu’aux curieux, et repose sur trois modules interchangeables — le MC, l’instrumentale et les lyrics — rendant hommage à la culture du sample, du MC-ing et du mix. Diarisation, transcription, typographie dynamique et effets en temps réel s’associent pour révéler une mémoire vivante et navigable du genre.

DESIGN GRAPHIQUE

Diego Steiner – Hybrid Modules

par Diego Steiner

Hybrid Modules explore le lien entre artisanat traditionnel et technologies contemporaines à travers la création d’un outil typographique modulaire imprimé en 3D, utilisé avec une presse typographique manuelle. Conçu sur une grille, l’alphabet modulaire devient un ensemble de matrices physiques, insérables à la main dans la presse. Le processus lent et répétitif fait partie intégrante du langage visuel, rendant visible le temps et le soin du geste. Une série d’affiches au format A2 promeut un cycle de conférences fictives intitulé “ART, CRAFT & TECHNOLOGY – Guests in Switzerland”.

DESIGN GRAPHIQUE

Mathilde Driebold – Ce qu'il reste de nous

par Mathilde Driebold

Ce livre existe pour ce qu’il reste de nous, et peut-être, ce qu’il reste de vous. Des fragments d’un passé intime qui s’inscrivent et se perdent dans un contexte social qui nous dépasse. Ce projet de diplôme prend la forme d’une narration éditoriale mêlant récits personnels et archives sociales. Il explore les traces laissées par l’addiction dans un cadre familial, en mettant en dialogue mémoire individuelle et mémoire collective. Ce qu'il reste de nous montre également que le graphisme peut être mobilisé comme un outil pour interroger des réalités sociales, donner forme à des sujets délicats, soulever les silences.

DESIGN GRAPHIQUE

Alfredo Venti – Points de rencontre/Treffpunkte

par Alfredo Venti

Points de rencontre/Treffpunkte est un système graphique inclusif conçu pour rendre les ressources socioculturelles plus visibles et accessibles aux personnes en situation d’isolement linguistique, ou à celles et ceux souhaitant rejoindre un tissu social. Inspiré des outils pédagogiques destinés aux allophones, il repose sur un usage combiné de pictogrammes, de couleurs, de mots-clés visuels et d’une signalétique modulaire. Déployé aux entrées des centres sociaux via des panneaux interchangeables, ainsi que par des campagnes d’affichage (imprimés et digitales), il rend ces structures visibles dans l’espace public à celles et ceux qui cherchent un service, un réseau, ou simplement un lieu accueillant.

DESIGN GRAPHIQUE

Amélie Bertholet – a room of our own

par Amélie Bertholet

a room of our own est un projet éditorial né de la relation entre ma colocataire, Flavia, et moi-même. Ce livre explore comment une relation vit et évolue dans un espace partagé: notre appartement. La colocation, souvent perçue comme transitoire, devient ici une réalité émancipatrice et sorore sur le long terme. Nourri de références féministes, à commencer par son titre emprunté à "A Room of One’s Own" de Virginia Woolf, le projet questionne la place des femmes dans les espaces de création et d’intimité. Par la symétrie et la collection, le livre traduit l’expérience d’un espace vécu en objet éditorial. La grille de mise en page, construite sur le plan de l’appartement, et les jeux d’échelle produisent des mises en abyme du passage de la 3D à la 2D de l’imprimé.

DESIGN GRAPHIQUE

Delphine Brantschen – What Remains to Be Stitched

par Delphine Brantschen

What Remains to Be Stitched est un site interactif conçu comme un palais de mémoire. À travers les récits oraux de sa mère, la designer graphique tisse le passé brésilien en icônes 3D et fragments narratifs. Aucun objet, aucune image n’a été conservé de cette vie — seulement des mots. Ces mots deviennet alors un héritage unique. Mais que restera-t-il lorsqu'elle ne s’en souviendra plus ? En mêlant design graphique, modélisation, nuages de points et narration spatiale, ce projet explore une forme de transmission poétique, pour recoudre les souvenirs et préserver ce lien fragile entre mémoire, culture et identité.

DESIGN GRAPHIQUE

Candice Aepli – Brindille et Azilise

par Candice Aepli

Brindille et Azilise invite à imaginer l’espace des petits autrement, en offrant un univers ludique et vivant dans la chambre des enfants. Ici, l’histoire ne se lit pas entre les pages, elle se couche sur le sol, grimpe jusqu’aux fenêtres. Elle se glisse sous un bras. Elle borde les rêves. C’est tout un monde à hauteur d’enfant, où les écosystèmes prennent vie à travers le mobilier et transforment le quotidien en terrain d’exploration. Le jardin, collection numéro 1 Le jardinier a glissé des graines dans la terre, le soleil brillant réchauffe les pétales, la souris grignote en cachette, et dans ce coin plein de vie, chacun s'affaire, et tout le monde sourit.

DESIGN GRAPHIQUE

Cyprien Valenza – Patterna

par Cyprien Valenza

Patterna est une typographie variable expérimentale conçues autour de deux axes : Graisse et Weaving. Inspirée par la Bifur de Cassandre des années 30 et de l’ordonnancement des fils sur les métiers Jacquard. Patterna repose sur une grille rigoureuse qui structure formes et espacements. Son système de couches modulable permet de jouer graphiquement avec les variations, rendant chaque composition dynamique. De nombreuses alternates renforcent sa richesse formelle. Patterna remet en question les codes de la mode en proposant une typographie modulable, dense, pensée comme outil graphique autant que comme système d’écriture.

PHOTOGRAPHIE

Riccardo Androni – Exhaustion

par Riccardo Androni

Exhaustion est une réponse critique et ironique à la société de la performance dans laquelle vit le photographe — un monde qui exige un mouvement constant, de la visibilité et de la productivité. À travers des gestes absurdes et in situ dans des espaces publics, il confronte, avec une résistance délibérée, des machines conçues pour l’efficacité et l’élévation. Il monte à contresens sur un escalator, bloque une porte automatique avec ma tête ou se plie pour rester dans le cadre. Ces actes vains suivent un protocole strict et révèlent le vide tragique de l’auto-performance incessante. Avec un humour sec et une endurance physique, Exhaustion cherche à démasquer un système qui récompense la conformité et efface le sens — jusqu’à ce qu’il ne reste que l’épuisement.

PHOTOGRAPHIE

Visvaldas Morkevicius – Ergot

par Visvaldas Morkevicius

Ergot est un champignon toxique utilisé comme métaphore de l’intoxication numérique. S’appuyant sur les notions de psychopolitique, simulacres et techno-féodalisme, cette œuvre explore la déformation de l’identité, du plaisir et du pouvoir sous le capitalisme des plateformes. Elle construit un monde pixelisé d’avatars hypermasculins, de violences stylisées et d’objets dopaminergiques via l’IA, la CGI, la photogrammétrie et le glitch. Cigarettes électroniques, cristaux et compléments alimentaires incarnent le désir marchandisé, tandis que des policiers dansants et armes personnalisées dévoilent la violence devenue ludique. Réalisée en triptyque de trois panneaux plexiglas de 110 par 250 cm, l’œuvre reflète la toxicité séduisante qu’elle critique.

DESIGN GRAPHIQUE

Constance Mauler – Club Kid

par Constance Mauler

Né à New York dans les années 1980, le mouvement Club Kid fut une réponse radicale à l’élitisme artistique et social. Porté par des personnes queers et marginalisées, il a transformé la fête en un espace de liberté, de résistance et d’auto-création. Cette édition a pour volonté de faire dialoguer la première génération des Club Kids avec la scène actuelle afin de montrer comment ce mouvement continue de défier les normes, d’inventer de nouveaux codes et de revendiquer des identités libres. Une immersion dans une sous-culture politique et flamboyante.

DESIGN GRAPHIQUE

Coraline Beyeler – 5R

par Coraline Beyeler

5R est un livre documentaire porte sur l’opposition entre les visions de l’agriculture urbaine et rurale, en axant la réflexion sur les développements apportés par les nouvelles générations. Il aborde les thèmes de la pollution ainsi que des problématiques sociales, sanitaires et économiques.

PHOTOGRAPHIE

Min Dai – Rate My Cake

par Min Dai

Rate My Cake est un projet sur la faim — celle du sucre, de l’attention, de l’amour. C’est une tentative de rester avec ce désir, de le laisser parler – non pas en mots, mais en images. Le projet est réalisé avec une intelligence artificielle, même si le mot “réalisé” semble ici trop simple. La machine et la photographe ont coexisté, se reflétant l’une l’autre. C’était comme murmurer des secrets dans un puits sombre et voir apparaître des formes étranges et sucrées. Les gâteaux dans les images ne sont pas réels. Ils sont trop mous, trop brillants, trop imparfaits de la bonne manière. Ils sont surexposés, mal cuits, en train de fondre. Eux aussi semblent attendre quelque chose – une approbation, de l’attention, peut-être de l’amour.

PHOTOGRAPHIE

Jose Martin Martinez – L’Eternité Reste

par Jose Martin Martinez

Peu après avoir quitté mon pays, le photographe a rencontré ses premiers amis, Serhii et Yelyzaveta, deux adolescents ukrainiens, anciens amants, contraints de fuir ensemble l'occupation russe de l'Ukraine. Ainsi commença un voyage de deux ans, ponctué d'épreuves et de tribulations. L'Eternité Reste est un récit, tantôt abstrait, tantôt littéraire, souvent cinématographique, de cette histoire. Un passage à l'âge adulte sans complexe, libéré des récits idéalisés, fantastiques et vulgaires véhiculés par Hollywood et les réseaux sociaux. Ce livre fonctionne comme une sorte de « monnaie d'échange » contre l'appareil social déformé de la « réalité ». De plus, il prétend laisser une trace indélébile de cette « histoire d'amour », inextricablement liée à un conflit historique contemporain.

PHOTOGRAPHIE

Francesca Bergamini – Pretty in Pink

par Francesca Bergamini

Lorsque le désir masculin se transforme en violence, cela commence souvent par l’objectification du corps féminin. Pretty in Pink réapproprie ces corps : des images basse résolution de modèles 3D de femmes nues — idéalisées et passives, créées par des designers hommes pour la pornographie numérique — sont modifiées à l’aide des mêmes outils qui les ont façonnées. Les courbes cessent de séduire. Elles sont hostiles, menaçantes. Imprimées en 3D à taille réelle, ces figures se dressent comme des anti-monuments, exposant des rapports de pouvoir obsolètes. L’installation guide le spectateur à travers le désir, la déformation et la peur. Ce qui était consommé virtuellement par le regard masculin devient une présence physique non censurée, une résistance affirmée.

PHOTOGRAPHIE

Nabarun Gogoi – The Swan

par Nabarun Gogoi

Dans ce court métrage, un avatar en images de synthèse est utilisé pour aborder et interroger les notions contemporaines de masculinité ainsi que la relation complexe qu'elle entretient avec l'amour. Inspiré par les propres appréhensions de la photographe, liées à la connexion avec d'autres hommes, The Swan dévoile l'endoctrinement subtil mais puissant des perceptions masculines. Elles entrent en conflit violent avec la vulnérabilité inhérente à l'amour et aux émotions, condamnant ainsi les hommes à une prison intérieure faite de honte et d’auto-trahison. Réalisé à l'aide d’un moteur de rendu de jeu vidéo, le film cherche à confronter ce dilemme et suggère la nécessité d’adopter une version plus nuancée de la masculinité – une version où le soi n’est plus sacrifié pour répondre aux insécurités du plus grand nombre.

PHOTOGRAPHIE

Mirielle Alina Rohr – Girls Manufactured

par Mirielle Alina Rohr

Girls Manufactured, est une série de cinq vases en céramique, chacun représentant une identité esthétique dictée par les réseaux sociaux, comme la Tradwife, la Coconut Girl ou la Femme Fatale. Ces identités réifient la féminité à travers des codes visuels et de style de vie stricts, souvent tournés vers des idéaux conservateurs et le regard masculin. La photographe généré des images avec l’IA à partir de données liées à chaque identité, en y intégrant son propre visage pour refléter son double rôle de spectatrice et de cible. Les images ont été transférées sur les vases grâce à une technique fusionnant image et argile. Leur forme, inspirée des amphores panathénaïques, relie symboles patriarcaux antiques et idéaux féminins contemporains.

PHOTOGRAPHIE

Eva Manuela Rivas Bao – An Italian Story

par Eva Manuela Rivas Bao

À partir du procès de l'ex-président italien Berlusconi, An Italian Story examine le modèle italo-marocain Imane Fadil. Ayant assisté aux fêtes de l'ex-président, elle fut une témoin clé, avouant des abus de pouvoir et de la prostitution enfantine à Arcore, près de Milan. En 2019, elle décède à 34 ans mystérieusement. Berlusconi a réduit la représentation des femmes en Italie à quelques pixels. Le livre manipule les "restes photographiques" et les images de la maison milanaise d’Imane avec IA, visant à recréer les images manquantes partagées par Fadil au tribunal. Déconstruire "una storia italiana" - zine de propagande de l'ex-président - pour reconstruire une autre histoire italienne, une mémoire collective née des ruines du "Me Too raté italien".

PHOTOGRAPHIE

Elisa Azevedo – Daydream

par Elisa Azevedo

Daydream est une exploration intime de la sexualité et de la quête de connexion dans un monde de plus en plus façonné par la consommation. La série photographique a commencé par une enquête sur des espaces fortement sexualisés — des lieux où le corps apparaît souvent fragmenté, réduit à une simple image. Présent mais absent, il ne subsiste que comme une trace du désir. En rejouant certains de ces gestes elle-même, la photographe incarne un rôle et une attente qu'elle ne peut naturellement pas satisfaire. Ce processus performatif révèle la dissonance entre les idéaux imposés et la réalité personnelle. À travers la photographie, elle affronte des sentiments de solitude et de vulnérabilité, mais aussi la recherche d’un rapport plus sincère à son corps et à son intimité.

PHOTOGRAPHIE

Doyoung Kim – Flattened Roughness

par Doyoung Kim

L’œuvre Flattened Roughness explore la consommation d’images de guerre et la culpabilité qui en découle. Le photographe collecte et imprime des images de mort, puis les lèche et les absorbe physiquement, affrontant la distance émotionnelle et physique créée par les médias. Les caméras des drones-suicides mesurent sans cesse la distance aux humains pour détruire. Dans ce processus, la distance entre les humains est oubliée. Pour surmonter cette distance, il introduit ces images dans son corps. Cet acte, où l’intimité et la brutalité coexistent, transforme le voyeurisme en deuil et en soin, confrontant son humanité perdue. Par la performance sensorielle, il réduit l’écart entre lui-même et la mort médiatisée, explorant le conflit entre émotion émoussée et sensation.

PHOTOGRAPHIE

Eriko Miyata – Chronicle Void

par Eriko Miyata

Chronicle Void explore comment la culture pop japonaise dépeint les femmes et influence les attitudes sociales, notamment autour de la normalisation du harcèlement sexuel. Grandir en tant que femme au Japon, puis s’installer en Europe, a révélé à la photographe l’ampleur des biais implicites présents à travers les cultures. Cette installation vidéo mêle souvenirs personnels et symboles publics comme les affiches contre le harcèlement. En appliquant des filtres biaisés d’IA sur ses photos d’enfance, elle révèle comment la mémoire et l’identité sont façonnées par les normes sociales. Faisant référence à la culture japonaise du selfie, le photographe expérimente avec l’IA et la vidéo pour critiquer l’identité, la mémoire et l’influence culturelle.

PHOTOGRAPHIE

Daniel Martinez – A River Has No Shore

par Daniel Martinez

Du glacier alpin à la Méditerranée, le Rhône traverse grottes de glace, forêts, villes et zones industrielles. Il soutient des écosystèmes, relie des cultures et façonne des territoires. Mais les eaux du monde charrient aujourd’hui des récits de crise et de désastre. Le changement climatique affecte aussi notre vie émotionnelle, nourrissant l’éco-anxiété et la solastalgie. A River Has No Shore explore cette détresse en suivant l’eau du Rhône, dans ses formes multiples, comme reflet des bouleversements contemporains.

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Laura Clauscen – Here, There & In Between

par Laura Clauscen

Basé sur l’action de changer de chaussures d'intérieur pour des chaussures d'extérieur et vice versa, Here, There & In Between est un projet explorant comment nous percevons et comprenons l'espace, à travers des rituels sensoriels, des mouvements et des artefacts matériels. Deux paires de chaussures, placées dans une zone liminaire, font office à la fois de métaphores et d'accessoires. Marquées symboliquement sur la semelle et la doublure, elles servent à accroître notre conscience de la transition d’un monde à l'autre, du privé au public, de l'intérieur à l'extérieur, à la fois de manière physique et mentale ou émotionnelle. Une publication contenant recherches, plans de mobilier additionnel et des images, complète la scénographie et marque la transition entre les deux notions d’"espaces".

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Patrick Storey – Design For Rest

par Patrick Storey

Design For Rest est un projet de recherche spéculatif qui explore comment le design peut inciter et ritualiser le repos à une époque d’engagement numérique constant. À travers le design, l’écriture et l’expérimentation, il remet en question la manière dont nous pourrions reconsidérer le repos non pas comme une récupération, mais comme un acte intentionnel. Il propose trois objets : Glasses for the Night, des lunettes à verres rouges fabriquées en acier inoxydable de 0,5 mm ; Interval, un dispositif poétique utilisant la chromatographie pour signaler les moments de repos ; et Phase, un interrupteur d’incitation qui coupe le Wi-Fi et restructure les routines nocturnes. Ensemble, ils forment un système d’objets destiné à aider à retrouver l’attention, la présence et le sommeil.

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Erwann Harrison – Lugh E"C

par Erwann Harrison

Passionné par l’horlogerie, le designer a conçu un boîtier de montre et un bracelet dotés de cornes mobiles permettant à la montre de s’adapter confortablement à tous les poignets. Réalisé en titane, le design vise une esthétique à la fois robuste, ludique et élégante, en rappelant au porteur que chaque seconde compte. Cela se reflète aussi dans les aiguilles et le cadran, notamment via la partie extérieure. Après avoir exploré ce que nécessiterait sa mise sur le marché, le designer a créé une marque et une stratégie de promotion reposant sur un style de vie autant que la montre. Lugh E"C repose sur une mission claire : qualité, confort et faire en sorte que chaque seconde compte, pour un public précis — des personnes qui maîtrisent leur vie — le tout compilé dans une publication de type magazine.

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Yoojin Chung – Sillage

par Yoojin Chung

Sillage est une installation cinétique olfactive qui explore le parfum comme une expérience post-numérique et incarnée. Un voile d’organza suspendu se déplace à travers une série de gestes éphémères, captant des traces de fragrance et les libérant dans l’espace. Dans un monde dominé par la saturation visuelle et numérique, Sillage met en avant l’odorat comme un sens singulièrement physique – immersif, temporel et échappant à la capture numérique. Le projet allie design spatial, mouvement chorégraphié et diffusion olfactive à l’expérimentation matérielle. Il explore comment parfum, mouvement et forme peuvent activer la perception et la présence, offrant une rencontre sensorielle qui élargit notre rapport à l’espace au-delà de l’abstraction visuelle et virtuelle.

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Lena Heinrich – Taxonomy of a straw bundle

par Lena Heinrich

Ce projet est né de l’intention de créer des objets à partir d’un « fagot de paille ». Une exploration approfondie des fibres de paille d’Europe du Nord, de leurs chaînes de valeur et de leur rôle dans les dynamiques sociales et environnementales mondiales a été menée. Le livret de recherche, basé sur des lectures, des visites de terrain et des entretiens, met en lumière les savoir-faire traditionnels, les limites des usages actuels, et propose de nouvelles pistes. La phase pratique, centrée sur la paille de seigle, a permis d’expérimenter des techniques et de réaliser des prototypes illustrant le potentiel de ce matériau dans le design contemporain.

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Yang Yao Chun – Lumireact

par Yang Yao Chun

Cette série de luminaires explore comment des interactions tangibles peuvent donner plus de sens et de légèreté aux gestes quotidiens, comme allumer une lumière. En faisant doucement pivoter l’abat-jour, la lumière s’illumine peu à peu, transformant subtilement l’atmosphère. Ce geste physique rend l’allumage moins mécanique, plus rituel. La lampe de chevet invite à une interaction calme avant le sommeil. En tournant lentement l’abat-jour sphérique, la lumière apparaît doucement, instaurant un moment apaisant pour se détendre. La lampe murale, quant à elle, s’active par une simple présence, diffusant une lueur chaleureuse et faisant de cette transition un instant attentif.

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Tommy Jiang – Syntax Supellex

par Tommy Jiang

Syntax Supellex explore comment le sens peut émerger par la combinaison, en s’inspirant de la structure et de la logique de la langue chinoise. Il se compose de trois objets de mobilier abstraits, chacun à fonctionnalité ouverte. Pris séparément, ils restent ambigus et abstraits ; combinés, leur usage devient précis—comme les caractères chinois qui affinent le sens par composition. Influencé par mon héritage culturel et les principes du Hanzi, le projet est réalisé en bois, métal et textile rembourré—chacun évoquant une étape clé de l’évolution de l’écriture chinoise. Ensemble, ces pièces créent un équilibre entre solidité, douceur et élégance.

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Sebastian Renga – Materia Futura

par Sebastian Renga

Materia Futura réfléchit à la relation entre formes anciennes et technologies contemporaines. La chaise s’inspire de structures primitives, modelées par le temps, le besoin et la clarté. Ce projet a été élaboré avec l’Econit, un composite cellulosique utilisé dans les décors de théâtre pour sa légèreté, sa solidité et sa texture. Ce matériau a permis de réinterpréter une forme archaïque à l’aide d’outils numériques et de gestes manuels. La géométrie semble instinctive mais est maîtrisée. Le projet explore la manière dont les formes anciennes peuvent renaître à travers les outils d’aujourd’hui.

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Xinyi Jiang – Still in Motion

par Xinyi Jiang

Le projet trouve son origine dans une exploration du contreplaqué flexible et du placage. Des méthodes naturelles on été utilisées, telles que l'entrelacement et la compression pour maîtriser le matériau, en cherchant à préserver la forme esthétique née de sa tension intrinsèque. Le contraste entre le bois massif rigide et statique et les courbes fluides et dynamiques du bois cintré établit un dialogue silencieux entre immobilité et mouvement. Ces états opposés ne sont pas en conflit, mais coexistent dans un équilibre délicat — une expression visuelle et tactile d'une tension suspendue.

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Coline Schenck – Les formes de l’inconscient

par Coline Schenck

Des pièces en faïence émaillée, destinées à l’art de la table et à un usage quotidien, sont développées dans une recherche mêlant bien-être mental et design sensoriel. Des études en neurosciences et en neuroesthétique sont analysées afin d’identifier les formes, couleurs et textures favorisant l’apaisement. Ces données sont d’abord traduites visuellement par des compositions au pastel, puis transformées en volumes adaptés à la fonction des objets. La composition graphique cherche à stimuler visuellement tout en minimisant la charge cognitive, tandis que le volume invite à une exploration tactile attentive. Dans un environnement quotidien marqué par la surcharge sensorielle, ces objets visent à réintroduire du calme, en transformant l’ordinaire en un refuge apaisant.

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Bom Noh – Plastic Love

par Bom Noh

Plastic Love réinterprète les gestes sculpturaux du lustre de Murano — icône historique du luxe — pour questionner ce que nous appelons aujourd’hui artisanat et valeur. En combinant outils numériques et traces de la main, le projet met en lumière les irrégularités et la présence physique qui échappent à l’automatisation. Longtemps associé à la production de masse et à la pollution, le plastique est ici reconsidéré comme support d’un travail incarné et d’une critique matérielle. Par la répétition, l’imperfection et le temps, il acquiert une forme d’esthétique singulière. En assumant un matériau souvent marginalisé, le projet déstabilise les hiérarchies héritées et interroge nos idées du raffinement — montrant que le design peut fonctionner non comme une solution, mais comme une question.

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Emilie Heger – Typology of the Cut

par Emilie Heger

Ce projet de recherche a pour but de réunir les premiers outils du Paléolitique, avec la taille contemporaine des pierres précieuses. Si les instruments en silex étaient essentiels à la survie des premiers Hommes, les techniques ainsi que les gestes liés de la taille de la pierre ont évolué pour devenir un art particulièrement raffiné, symbole de richesse et de pouvoir. Le travail des pierres précieuses, perfectionné par des outils et des technologies modernes, a aujourd’hui pour unique but de magnifier la réflexion de la lumière afin de produire des artefacts esthétiques libérés de leur fonction. Typology of the Cut est donc un travail de curation interrogeant la dualité entre fonction et expression liée avec la taille de la pierre.

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Arnaud Tantet – : To a Glacier

par Arnaud Tantet

Le réchauffement climatique transforme les paysages qui nous entourent. La fonte des glaces s’intensifie, affectant les glaciers millénaires d’Europe. L’intention de : To a Glacier est d’apporter – sous l’angle du design – un témoignage en lien avec le glacier du Mont-Blanc. Ce projet s’articule autour d’une recherche holistique sur le terrain, sous la forme d’objets, de photos, de brochures, de sons, directement inspirés par ces géants en disparition. Développé en collaboration avec les artisans verriers du CIAV (Centre International d’Art Verrier, à Meisenthal), le résultat de ce travail a permis, notamment, de nombreuses expérimentations en verre, à partir de moules réalisés en différents matériaux.

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Aina Wang – Once Gold

par Aina Wang

Au XIXe siècle, les citoyens prussiens cèdent leur or pour soutenir la guerre, recevant des bijoux en fonte gravés « Gold gab ich für Eisen » — J’ai donné l’or pour le fer. Le fer de Berlin, un alliage de fer et de carbone, recouvert d'une couche de laque noire et patinée, naît d’un moment où le sacrifice personnel devient identité collective. Ce projet ravive ce geste en dissimulant l’or au cœur du fer, comme une mémoire enfouie. Inspirée des insignes militaires et de la géométrie gothique, la pièce évoque la révérence et la perte. Conçu pour le mouvement, il se transforme en dix formes, de la broche au pendentif en passant par la ceinture, faisant le lien entre le rituel du passé et l'usure du présent.

DESIGN DE PRODUIT

Yeonsu Na – Emerging Absurdity

par Yeonsu Na

Emerging Absurdity est une série de cinq accessoires pour la vie quotidienne contemporaine. Inspirés des normes du quotidien, ces objets mêlent humour et élégance, tout en étant soigneusement conçus et fabriqués. Le projet inclut un parapluie pour cigarette, une bague avec fil dentaire, un bougeoir inspiré d’un bâton de colle, un étui de maquillage MagSafe et une règle à signature. Chaque objet répond à des situations étrangement familières et pourtant très spécifiques. Ce ne sont pas des réponses à des urgences, mais des réactions sensibles à des détails émotionnels. Le projet prend l’absurde au sérieux, en montrant comment les plus petits gestes peuvent être amplifiés, questionnés ou subtilement détournés par la forme.

DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP

Jérémie Arpa – Aurea

par Jérémie Arpa

Développée à la suite d’une recherche sur la morphogenèse végétale, Aurea est une lampe de table à tamisage mécanique qui fusionne précision géométrique et courbes organiques. Entièrement imprimée en bioplastique (PLA), Aurea offre une variation d’éclairage à 360° grâce à son abat-jour modulable. Il suffit de tourner manuellement la couronne rotative pour actionner un système d’engrenage épicycloïdal, dont les rouages satellites sont individuellement fixés aux six réflecteurs de l’abat-jour. Ce mécanisme permet d’ajuster à la fois l’intensité et la température perçue de la lumière, en modifiant l’orientation et la distance des réflecteurs par rapport à l’ampoule LED centrale.

Filtrer

Feed

Type

Formation

Savoir-faire

Années

Thomas Gaudin – UnBubble

Livia Schmid – Trail Sync

Valère Zen-Ruffinen – Memoria

Alexine Sierro – Spira Memoriae

Elena Biasi – Magnetic Fragments

Marc Facchinetti – Rapport climatologique suisse

Lidia Molina González – Toilet Break Magazine

Léa Corin – Ni tout à fait libre, ni tout à fait captif

Hugo Scholl – Modulat

Flora Hayoz – FACE À FACE

Emilie Müller – Librarynth

Eliot Dubi – JUST IN CASE

Paul Paturel – Grime Index

Diego Steiner – Hybrid Modules

Mathilde Driebold – Ce qu'il reste de nous

Alfredo Venti – Points de rencontre/Treffpunkte

Amélie Bertholet – a room of our own

Delphine Brantschen – What Remains to Be Stitched

Candice Aepli – Brindille et Azilise

Cyprien Valenza – Patterna

Riccardo Androni – Exhaustion

Visvaldas Morkevicius – Ergot

Constance Mauler – Club Kid

Coraline Beyeler – 5R

Min Dai – Rate My Cake

Jose Martin Martinez – L’Eternité Reste

Francesca Bergamini – Pretty in Pink

Nabarun Gogoi – The Swan

Mirielle Alina Rohr – Girls Manufactured

Eva Manuela Rivas Bao – An Italian Story

Elisa Azevedo – Daydream

Doyoung Kim – Flattened Roughness

Eriko Miyata – Chronicle Void

Daniel Martinez – A River Has No Shore

Laura Clauscen – Here, There & In Between

Patrick Storey – Design For Rest

Erwann Harrison – Lugh E"C

Yoojin Chung – Sillage

Lena Heinrich – Taxonomy of a straw bundle

Yang Yao Chun – Lumireact

Tommy Jiang – Syntax Supellex

Sebastian Renga – Materia Futura

Xinyi Jiang – Still in Motion

Coline Schenck – Les formes de l’inconscient

Bom Noh – Plastic Love

Emilie Heger – Typology of the Cut

Arnaud Tantet – : To a Glacier

Aina Wang – Once Gold

Yeonsu Na – Emerging Absurdity

Jérémie Arpa – Aurea