Alexis Georgacopoulos , Directeur
ARTS VISUELS
par Patricia Araujo
«Os olhos da nossa memória vêem melhor do que os nossos.» — «Les yeux de notre mémoire voient mieux que les nôtres.» José Sobral Almada-Negreiros Comment savons-nous que nos souvenirs sont réels et non pas oniriques?
ARTS VISUELS
par Romain Deriaz
Huit peintures à l'huile de colza AOP certifié durable.
ARTS VISUELS
par Giada Gollin
„Just like… Like G G G Like Gugus starts with G and...“
ARTS VISUELS
par Tom Grbic
Imagine ne pas pouvoir fuir est une performance continue durant la journée entière d'évaluation. Elle a pour but de montrer le principe de "travail trans" théorisé par Josephine Gilles Harris en 2019. J. G. Harris met entre autre en lumière le fait que les personnes queer se doivent d'entretenir un état constant performatif afin de pouvoir naviguer le monde de manière "compréhensible". Avec une activation de textes de Laurène Marx, Tom Grbic, Josephine Gilles Harris et Adel Tincelin, c'est aussi un effort pour s'inscrire dans une lignée, une Histoire queer critique et chaleureuse.
ARTS VISUELS
par Charlie Jannes
"Le motif, lui-même une espèce architecturale, reflète l’ordre et la stabilité. Puis un besoin de créer le chaos comme si la vie elle-même avait lieu. Enfin, le collage (couche par couche), l'interprétation de la peinture, du tissu, de la photographie, du torchon, du ruban, de la dentelle et de la colle. Un collage : une simultanéité ; un éblouissement visuel, une superposition, un message final pour les sens. (…)"
ARTS VISUELS
par Anna Kawahara
"Alors, que devons-nous choisir ? La pesanteur ou la légèreté?"
ARTS VISUELS
par Achille Meier
Lorsque les sucs crochent sur le métal brûlant, déglacer généreusement avec du vin blanc.
ARTS VISUELS
par Ella Minton
Mon projet de diplôme est un autoportrait réalisé au stylo-bille et à l’encre de chine sur six planches en carton d’un mètre sur huitante centimètres pour composer un dessin de trois mètres sur un mètre soixante. Ce projet a pour but de représenter l’incertitude, l’angoisse et les conflits internes. Laissant le vide jouer un rôle aussi important sur l’image que le remplissage pour renforcer la perte de soi dans ce tourbillon émotif.
ARTS VISUELS
par Romain Rochat
Mais il allait à 100 km/h ceci dit
ARTS VISUELS
par Romane Roy
[…] You know I've never been to one of these things before and when I think about how many people wanted this, and how many people cried over it and stuff, I mean, I think everybody looks great tonight. Look at Jessica Lopez, that dress is amazing and Emma Gerber that hair do must have taken hours and you look really pretty. So why is everybody stressing over this thing? I mean it's just plastic, it's really just (she breaks the crown). A piece for Gretchen Wieners, a partial Spring Fling Queen. A piece for Janis Ian and a piece for Regina George, she fractured her spine and she still looks like a rockstar, and some for everybody else. (discours de Cady aux promotions dans MEAN GIRLS)
ARTS VISUELS
par Seline Symons
Inspirée par des formes quotidiennes et banales, je revisite notre monde pour créer de nouvelles combinaisons. Un jeu d'émerveillement enfantin. Place au jeu, à l'imagination et à l'interprétation personnelle.
CINEMA
avec Valentina Novati, Héléna Klotz
Sur le siège passager, une jeune femme attend la fin de la route qui se dessine par-delà la vitre.
CINEMA
avec Valentina Novati, Héléna Klotz
Mila en a marre de vivre dans cette petite ville, elle rêve d’ailleurs. Mais tout quitter signifie même ses amis les plus chers.
CINEMA
avec Valentina Novati, Héléna Klotz
Clara est une jeune fille de seize ans qui vit seule avec sa mère dans une petite maison isolée dans la forêt. Clara est pleine de vitalité, mais sa mère, dépressive, l’empêche de s’émanciper. La rencontre avec un mystérieux garçon dans la forêt va mener Clara à transgresser son quotidien.
CINEMA
avec Valentina Novati, Héléna Klotz
Que reste-il d’une mère après des années de violence conjugale ? Que reste-il de son corps, de sa dignité et de sa force? Sûrement des mots, de la mémoire et quelques pas de danse qui se transmettent encore.
CINEMA
avec Valentina Novati, Héléna Klotz
Un amour aliénant entre deux êtres qui souhaitent avoir un enfant mais n’y arrive pas.
CINEMA
avec Valentina Novati, Héléna Klotz
Aujourd’hui, Lea part à la recherche d’un sujet pour un film documentaire. Quand elle croit enfin tenir sa proie, la situation s’inverse. La chasseuse devient la proie.
CINEMA
avec Valentina Novati, Héléna Klotz
Au terme de la nuit, Gaël va abandonner son groupe d'ami.e.s. Au fur et à mesure que la soirée avance, iel se rend pourtant compte que quelques chose cloche.
CINEMA
avec Valentina Novati, Héléna Klotz
Le chevalier Borboron s’est empoisonné. Il veut s’excuser auprès d’Hildegund avant de mourir.
CINEMA
avec Valentina Novati, Héléna Klotz
Au coeur de l'âge de pierre, dans une tribu préhistorique, vit Lucy, une jeune femme Cro-Magnon descendante de Lucy l’australopithèque.
CINEMA
avec Valentina Novati, Héléna Klotz
Guillaume, un jeune éleveur porcin, découvre les pratiques zoophiles de son père.
CINEMA
avec Valentina Novati, Héléna Klotz
Trois jeunes artistes cherchent leur place dans le monde, sous la lueur des restes d'une supernova.
CINEMA
avec Denis Jutzeler
Pour mon projet de diplôme, j'ai signé l'image du film "Cartilage", de mon camarade Arsène Fragnière.
DESIGN GRAPHIQUE
par Karim Akel
Ma'as Typeface est une famille de fontes variables, expérimentales, arabe et latine inspirée par la calligraphie Al-Kufi Al-Handassi et par les fontes géométriques hollandaises du XXe siècle. Au travers de ce travail, je questionne les rapports de force entre le script latin et arabe et l'efficience des outils technologiques permettant le dessin de caractère arabe. Le thème des multi-script révèle actuellement pléthore de problématiques liées aux rapports de force entre deux systèmes d'écriture distincts. Ma'as Typeface métabolise la recherche faite lors de mon mémoire, celui-ci explorant les questions identitaires et de pouvoir entre l'écriture latine et arabe au travers de leurs caractéristiques formelles, leur évolution et le contexte historique, auxquels chacune d'elle se rattache.
DESIGN GRAPHIQUE
par Rebecca Alfandary
Il est dans le destin de toute chose de disparaître. Cette collection non exhaustive explore la pluralité des manifestations et des formes de l'impermanence, ses impacts, ses raisons, ainsi que ses différentes échelles temporelles. Les grandes et les petites histoires cohabitent dans un même espace, faisant se rencontrer informations et interprétations. Textes et images, à la fois liés et indépendants l'un de l'autre, illustrent chaque sujet et forment un dialogue. Des interludes parsèment l'édition et apportent une dimension plus sensible, en faisant référence à notre relation à l'éphémère. L'ensemble est à la fois un témoin et un hommage à ce qui disparaît, ce qui a disparu, ce qui disparaîtra.
DESIGN GRAPHIQUE
par Valentin Bonzon
Inspiré par le discours de prix Nobel de Gabriel García Márquez, je suis allé à Bogotá pour retranscrire un voyage explorant le pouvoir de la lecture et de l’écriture dans une ville marquée par la violence et la corruption. Le projet compile des initiatives promouvant la lecture et l’écriture, soulignant ainsi l’importance de la littérature en Colombie. Les chapitres principaux abordent divers sujets, comme les ateliers d’écriture pour jeunes touchés par les conflits armés ou encore le vaste système de bibliothèques publiques. Il y a entre ces chapitres des fragments d’histoire offrant un contexte historique. Enfin, des poèmes imprimés sur des papiers artisanaux et des inserts de livres d'occasion trouvés à Bogotá viennent structurer l’objet tout en le rendant unique.
DESIGN GRAPHIQUE
par Olympe Boutaghane
Dans le cadre du projet Ask Your Neighbor, une bibliothèque de méthodes, d'outils et de ressources a été développée en collaboration avec 30 professionnels issus de divers domaines. L'objectif est de promouvoir une approche plus collaborative et interdisciplinaire dans le design. S'ouvrir aux autres permet de se renouveler et de trouver des solutions pratiques, techniques et créatives. Ce projet vise à repenser nos façons de travailler, tout en nous incitant à réfléchir à l'utilisation des outils, des gestes et des logiciels. Ask Your Neighbor aspire à évoluer au fil du temps, en intégrant des contributions qui enrichissent notre compréhension du design, notamment dans le cadre éducatif. Pour partager cette démarche, les méthodes et ressources sont/ont été proposées lors de workshops en école de design.
DESIGN GRAPHIQUE
par Jonas Buxcel
Canine est un magazine dédié à la nourriture bio et locale en Suisse. Dans cette première édition, le thème est le riz. J’ai visité les producteurs de riz locaux à Vully, en Suisse, pour découvrir leurs méthodes et leur passion. Inspiré par leur travail, un menu spécial autour de ce grain a été créé. Les pages de ce magazine regorgent de recettes créatives et d’histoires captivantes sur le riz suisse. L’objectif est de mettre en lumière ce terroir et l’art de la cuisine locale. En explorant les traditions agricoles et les innovations culinaires.
DESIGN GRAPHIQUE
par Ruben Campoy Bähler, Monica Müller
Edizioni Arche réunit l'idée d'inclusion sous l'égide d'une maison d'édition dont l'un des piliers fondateurs est « toujours agir de manière à maximiser le nombre de possibilités », citation du philosophe Von Foester. L'importance de permettre une lecture et une compréhension fluides est un concept primordial : chacun devrait avoir le droit de lire et de comprendre. Le graphisme véhicule cette possibilité. Arche recherche et explore des réponses éditoriales accessibles à tous les cas de figure, qu'il s'agisse de difficultés de compréhension, de problèmes moteurs, de déficiences visuelles ou du simple désir de l’empathie. Les livres destinés à un public plus large ne sont pas exclus pour autant : ils permettent une prise de conscience nécessaire de problèmes parfois sous-estimés.
DESIGN GRAPHIQUE
par Alexandra Cupsa
1 Iunie est l'une des dernières usines industrielles désaffectées de Timișoara qui n’a pas encore été démolie. Sa démolition est imminente, et son oubli presque assuré. Piedică în Calea Uitării signifie "obstacle à l’oubli" en roumain et marque l’intention de ce projet : empêcher l’oubli de l’usine et créer un nouvel espace dans les pages de l’édition pour regrouper les fragments de la vie de 1 Iunie. Ce n’est pas seulement un voyage visuel, mais également un voyage auditif accompagné d’un vinyle. Chaque épisode de la vie de l’usine est introduit à travers une chanson de la même période. Au-delà de 1 Iunie, le projet s’intéresse également aux enjeux de la préservation du patrimoine industriel de la ville de Timișoara.
DESIGN GRAPHIQUE
par Camille Choquard, Chloé Vandewalle
Pour faire un catalogue d’exposition, il y a Camille et Chloé, mais aussi toutes les autres mains, et tout ce qui s’immisce entre les extrémités pour entrer dans l'espace du livre, comme on entre dans une maison avec une clé de lecture. L’inventaire, c’est un catalogue d’exposition qui raconte sa propre histoire, et qui s’est produit en accord avec sa propre chronologie. Il vous invite à voir de plus près le prologue, qui décrit le processus de recherche, à déambuler dans son coeur, qui s’est imprimé pendant le vernissage, avec un système de retranscription et d’impression en live, et à vous remercier dans l’épilogue, celui qui marque un point final à sa production, avec révérence. Ainsi, le livre devient espace d’exposition, puis revient à sa forme originelle.
DESIGN GRAPHIQUE
par Sacha Décoppet
Le terme de traite des êtres humains englobe une problématique complexe. Il s’agit d’une forme d’exploitation extrême qu’il est nécessaire d’examiner et de comprendre dans le contexte de la pauvreté mondiale, des politiques migratoires restrictives, des crises économiques et des discriminations basées sur le sexe, l’ethnicité, l’identité de genre ou l’orientation sexuelle. Mon être est une édition qui essaye d’expliquer ce phénomène, en laissant la parole aux femmes qui ont été victimes d’exploitation bénéficiaires d’une association de Lausanne, ASTREE. Pour ce faire, le projet est un mélange de témoignages, de résultats d’ateliers artistiques, d’interviews avec des personnes qui luttent contre ce fléau et des sources journalistiques.
DESIGN GRAPHIQUE
par Juliana Ferreira
Dans de nombreux mouvements migratoires, on voit des gens qui emportent des artefacts et objets artisanaux partout où ils vont, parce qu’ils créent un sentiment d’appartenance et de réconfort. Dans Ma Chère, l’artisanat dont il sujet est celui de la dentelle de crochets et la broderie combinées. Un savoir-faire textile comme forme d’expression, de transmission, symbolisant la patience et l’attente. Ma Chère, retranscrit, avec deux voix, un parcours migratoire du Portugal à la Suisse à l’aide de lettres et de ces supports textiles en tant que correspondances. D’un côté l’installation dans un nouveau pays, la construction d’une vie et l’agrandissement d’une communauté en Valais. Et de l’autre côté l’évolution d’un pays devenu une carte postale.
DESIGN GRAPHIQUE
par Morgane Gilliéron
Je l’ai pris, l’ai bien plié & l'ai mis dans vos oreilles. vous propose un voyage immersif au cœur d'une ethnie discrète, témoignant d'une culture et de traditions marginalisées et mal connues. La nature sage et humble de cette ethnie est métabolisée dans mon édition au travers d'un rythme lent et contemplatif composé de textes et d'images. Le projet met en lumière quatre artisanats peuls – la dague, la poterie, la casserole et la bijouterie – ainsi que des cérémonies importantes, présentés au travers d'images, de contes et d'interviews. Mon objectif est de transporter le spectateur dans un monde riche en couleurs, tout en honorant mes racines et en partageant la beauté de cette culture.
DESIGN GRAPHIQUE
par Lisa Grobet
Écouter les murs, percevoir les empreintes qu'ils portent, se souvenir des fantômes du passé. Villa Trudy, en Sardaigne, est une maison marquée par le passage de nombreuses vies. Un père apprenant à son fils à nager, ce fils devenant père à son tour. Les murs témoignent des changements et des traces laissées par nos ancêtres. Ils observent les événements qui se déroulent dans la maison, mais restent passifs. En quelque sorte, ils sont les gardiens des lieux, témoins d'une absence invisible. Par le biais d’intervention sensible sur les vestiges du lieu, ce livre aspire à devenir, à son tour, le gardien de souvenirs qui, autrement, ne seraient plus palpables, offrant une nouvelle forme de transmission. Ce projet rend hommage à l'âme de Villa Trudy en sauvegardant son héritage.
DESIGN GRAPHIQUE
par Flaurant Kadrija
Dans ce projet, j'explore la figure du drapeau du Kosovo en le déconstruisant en six catégories principales : territoire, politique, histoire, culture, avenir et société. Chaque drapeau est représenté par une forme statique, symbolisant sa nature immuable. Cependant, grâce à l'utilisation d'une iconographie et d'une imagerie spécifiques, ces formes sont transformées, créant de nouvelles représentations qui reflètent la complexité et la fluidité. Le drapeau actuel du Kosovo, créé selon les règles européennes et américaines, manque d'une identification nationale authentique en raison des différences sociopolitiques. En transformant ces catégories statiques en symboles dynamiques, je cherche à capturer l'identité évolutive et multiforme du Kosovo.
DESIGN GRAPHIQUE
par Yohann Kampmann
Le Festival Formant est un événement audiovisuel mettant en avant la musique et les installations artistiques numériques dans des sites industriels abandonnés en Valais en Suisse. Les anciens sites industriels du Valais, autrefois vitaux, sont maintenant négligés ou démolis pour des bâtiments résidentiels superflus. Formant réutilise ces espaces pour des événements culturels, préservant le patrimoine et répondant aux besoins de la communauté. L'identité visuelle du festival utilise ces espaces architecturaux dans un site web interactif en 3D, mélangeant son et visuels pour immerger les utilisateurs. Cette approche encourage la curiosité et l'exploration du public, améliorant leur compréhension et leur plaisir des nouvelles formes artistiques.
DESIGN GRAPHIQUE
par Simon Maurer
Le football est le sport le plus populaire et le plus médiatisé dans le monde, ce qui lui donne la possibilité d’être plus qu’un simple jeu. Grâce notamment à cette popularité, il est utilisé comme un support promotionnel, une tribune, un moyen de communication. Tant par les joueur·euse·s, les fans, les institutions, les politiques etc. Riposta FC vise à questionner la place du foot dans la société, son rôle social et comment il pourrait être utilisé différemment pour servir à d’autres fins que celles déjà existantes. Les maillots sont des habits de seconde-main sur lesquels interviennent des designs thermo-collés inspirés et remixés de visuels inhérents au monde du football ayant pour but de créer une interaction nouvelle.
DESIGN GRAPHIQUE
par Delphine Moënnat
Il y a des lieux où le soleil promet de revenir, où ses rayons glissent sur des visages marqués par les épreuves de la vie. Le Radeau est l’un de ces lieux. Le Soleil a dit qu’il reviendrait nous invite à entrer, à écouter le bruissement des murmures, à observer les gestes discrets qui racontent des histoires — leurs histoires. Ce livre explore la vie de ceux qui habitent cet endroit, à travers des conversations intimes, la frontière entre leur monde et le nôtre est presque imperceptible. On s’y glisse sans bruit, comme on entre dans un rêve, et on réalise que ces personnes ne sont pas des étrangers. Elles pourraient être nos frères, nos sœurs, nos enfants ou nos amis. C’est un livre qui parle à nos cœurs, qui nous invite à tendre la main, à écouter, et à comprendre.
DESIGN GRAPHIQUE
par Océane Pasteur
Les ancrages sont les éléments fondamentaux de la construction identitaire, alors Rendez-vous en est un. Il y a l’origine et la nationalité, et cette année, j’ai eu rendez-vous avec elles. Bien qu’elles soient très différentes, elles constituent toutes deux mon identité. Il y a vingt-trois ans, on me prénommait Dang Thuy Thu Hang, il y a vingt-deux ans on m’a prénommée Océane Thu Hang Pasteur. Rendez-vous parle d’un voyage, le mien, mais aussi le leur. Pour ce faire, j'ai choisi de partir à la rencontre de cette origine et, parallèlement, de retracer les chemins empruntés par mes parents. En reconstituant les éléments clés de cette union, à travers les archives et les temporalités, j'ai cherché à comprendre et à tisser les liens de ces héritages multiples.
DESIGN GRAPHIQUE
par Luca Reichenbach
Au début du XXe siècle, les caractères typographiques étaient gravés à la main sur du plomb ou du bois, en lien avec les techniques de reproduction de l'époque. Aujourd'hui, la typographie est principalement dématérialisée lors de sa conception, avant d'être utilisée aussi bien pour l'impression que pour les écrans. Ce projet explore la matérialité et l'immatérialité de la typographie, en examinant ses formes, sa conception et son utilisation.
DESIGN GRAPHIQUE
par Angeline Rossetti
Women Equity in Sport est une campagne dédiée à la promotion et à la visibilité du sport féminin. Bien que la participation des femmes dans les fédérations sportives soit en hausse, la couverture médiatique reste insuffisante. Ce projet vise à combler ce manque de visibilité en créant des journaux spécialisés pour chaque discipline. Distribués lors d'événements sportifs, ils fourniront des informations sur les enjeux actuels du sport féminin, basés sur des faits concrets et des slogans inspirants pour sensibiliser et encourager une prise de conscience. En plus, des reportages vidéo offriront une perspective dynamique, mettant en lumière l'action sur le terrain et donnant une voix forte aux sportives, contribuant ainsi à changer les mentalités et à promouvoir l'égalité dans le sport.
DESIGN GRAPHIQUE
par Luca Riva
Attitude as Tool est un projet de recherche autour de la pratique du design graphique à travers l'utilisation du contexte. Le projet prend la forme d'un livre qui propose une méthode de travail invitant les designers à travailler dans des contextes non conventionnels, à les intégrer dans leur pratique professionnelle et à utiliser ces contextes pour développer des outils, des idées et des processus. Dérivé d'une manière d'observer le monde liée au concept de "Adhocisme" et encourageant l'autoproduction, des combinaisons improbables de ce qui est à portée de main, des matériaux communs ou inhabituels sont intégrés dans le processus de création. Les erreurs, les gestes involontaires et situationnels façonnent des résultats inattendus.
DESIGN GRAPHIQUE
par Simon Schönmann
Délits est un journal qui a pour vocation de bousculer les idées reçues au sujet de la police en visibilisant les violences qu’elle génère. Prenant pied dans une région lausannoise réputée paisible, ses 70 pages confrontent les lecteur·trice·s à une multitude de relais médiatiques, souvent brutaux ou sensationnalistes, faisant part d’interventions des forces de l’ordre aux débouchés dramatiques, avant d’en dévoiler un problème structurel plus global. Des propositions d’alternatives et de réformes sont alors exposées.
DESIGN GRAPHIQUE
par Pierre Teissier
La conception de l’identité comme un procédé organique évoluant avec le temps se heurte à l’approche essentialiste des technologies de surveillance. Les algorithmes nous sondent et nous inscrivent dans des carcans définis selon des critères prosaïques. IDORAMA est une expérience didactique qui, tout en plaçant l’humain face à la machine, vise à le situer dans un contexte plus large. A l’aide de plusieurs capteurs, Le programme analyse l’utilisateur et récupère ses données de géolocalisation durant un certain intervalle. A l'issue de la capture, un instantané est restitué à l’utilisateur, sous la forme d’une carte digitale personnalisée téléchargeable. L’unicité de cette carte devient alors un marqueur temporel, un souvenir témoignant de l’utilisation du programme.
DESIGN GRAPHIQUE
par Baptiste Torrent
Chandoline est une proposition de réutilisation de l'ancienne centrale hydroélectrique de Chandoline à Sion dans les Alpes. L'idée est de transformer le lieu en fabrique de mise en bouteille de l'eau utilisée auparavant pour générer de l'électricité. Le projet met en place la typographie ainsi que l'identité visuelle de cette marque d'eau minérale unique. La fonte se compose d'un cut regular et d'une italic vers la gauche dont les formes sont inspirées par la fluidité de l'eau ainsi que l'aspect tubulaire des conduites forcées. Quant à l'identité visuelle, elle est composée d'un corpus de formes qui font référence au mouvement de chute et de rotation de l'eau ainsi que de l'aspect industriel du lieu.
DESIGN GRAPHIQUE
par Elsa Trummer
Mon travail porte sur l'agriculture suisse, un secteur confronté à de nombreux défis, avec une diminution croissante du nombre d'agriculteur⸱ice⸱s.J'ai choisi de communiquer sur l’agriculture à travers un jeu éducatif, dans lequel les joueur⸱euse⸱s incarnent des paysan⸱ne⸱s travaillant ensemble dans une ferme. Ce jeu met en avant l’esprit collaboratif, que je considère comme cruciale pour notre futur, tout en sensibilisant les joueur⸱euse⸱s à l’agriculture et en leur donnant envie de s’y intéresser. L’objectif est d’atteindre un développement agricole durable en accumulant des points, et en répondant à des questions pour acquérir du savoir. Mon jeu vise à valoriser l’agriculture en proposant une alternative positive, et à reconnecter la population avec le monde de l’agriculture.
DESIGN INDUSTRIEL
par Marion Gomes
Posea est né d'un engagement en faveur de la conservation marine et d'une thèse sur la restauration des écosystèmes marins. Ce projet vise à restaurer les herbiers de Posidonie en Méditerranée, essentiels écologiquement et économiquement mais endommagés par les ancres de bateaux chaque été. En collaboration avec Andromède Océanologie, spécialisée dans la restauration marine, vise à résoudre ce problème. En 2023, Andromède a planté 7 373 fragments de Posidonie et prévoit de doubler ce nombre. Pour améliorer l’efficacité je propose une nouvelle méthode. En utilisant du bambou et en optimisant le processus avec des tâches simultanées, l'assemblage et la préparation des fragments se font à bord du bateau pendant que les plongeurs les transplantent, doublant ainsi la vitesse de restauration.
DESIGN INDUSTRIEL
par Basile Avvanzino
Les amateurs de montagne et les débutants peuvent avoir du mal parfois à choisir, acheter et se familiariser avec l'équipement nécessaire pour dormir en plein air. Les trois objets généralement nécessaires sont un matelas, une tente et un sac de couchage. Malheureusement, ces objets ne sont pas toujours conçus pour s'adapter les uns aux autres, ce qui nécessite beaucoup d’efforts supplémentaires. Chrysalide est une nouvelle typologie de sac de couchage, qui combine tout ce dont l’utilisateurs a besoin en un seul objet. Cette nouvelle proposition permet à l'utilisateur de dormir confortablement dans toutes les conditions météorologiques, tout en étant léger et compact. Chrysalide transforme les nuits dans la nature en une expérience simple, pratique et agréable.
DESIGN INDUSTRIEL
par Bradley Campus
Historiquement, les kiosques à musique sont des lieux scéniques faisant coexister de différents modèles de diffusion et d’architecture. Au XIXe siècle, ils étaient parfois vendus en catalogues et sont proposés par des entreprises de mobilier urbain, qui utilisent les kiosques pour diversifier leur production. Rotonde est une tentative de réponse à la problématique actuelle des villes à vouloir les rendre plus piétonnes et vivantes. Ce kiosque est conçu comme un grand objet ouvert et accessible qui encourage l'interaction et l'animation, en s'inspirant de la planification de l’urbanisme au XIXe siècle. Il est pensé pour être utilisé comme un système «plug&play», où les musiciens peuvent venir brancher leur instrument et donner un concert, grâce à l’éclairage et aux hauts-parleurs intégrés.
DESIGN INDUSTRIEL
par Giulia Burrus
Solo est un sauna individuel conçu pour les petits espaces extérieurs. Il s'inscrit dans notre univers familier, en accord avec les codes relatifs à notre intimité. Solo a été conçu en priorité pour une hygiène personnelle plutôt que pour une utilisation collective et sociale. Les matériaux utilisés pour sa fabrication permettent d’en enrichir l’expérience : le textile qui l’entoure filtre la lumière créant ainsi un espace apaisant et intime. Le système de chauffage est doté de deux plaques infrarouges qui chauffent jusqu’à 60°C. Celles-ci sont installées au bas de la structure ainsi que dans le dossier du siège, afin d’envelopper entièrement le sujet et d’optimiser l’espace. Solo rend le bien-être accessible au sein de l’habitat au quotidien.
DESIGN INDUSTRIEL
par Noé Chassot
Inspiré par le Teatro del Mondo d'Aldo Rossi, Aflô est une chaise rotomoulée conçue pour s'intégrer parfaitement au système modulaire de pontons flottants CubiSystem. CubiSystem, une entreprise française, propose une solution ingénieuse composée de cubes en plastique qui peuvent être assemblés à l'aide de connecteurs pour former des plateformes flottantes polyvalentes. Ce système simple et peu coûteux offre un large éventail d’applications. Aflô est un module supplémentaire dans la gamme de produits de l'entreprise. Ce siège, combiné aux autres éléments proposés par la marque, offre la possibilité d'asseoir confortablement un public sur une plate-forme flottante lors d'événements estivaux tels que des concerts, des compétitions de natation ou de nautisme, des feux d’artifice...
DESIGN INDUSTRIEL
par Minna Holenweg
RideBy est conçu pour s'attacher à un chariot de supermarché standard, ce qui facilite les courses aux parents et aux enfants. Il offre une place désignée aux enfants, leur permettant de se déplacer librement tout en restant en sécurité. Fabriqué en métal avec des composants en plastique, tout comme les chariots de supermarchés, RideBy se fixe à l'aide d'une seule vis. RideBy est doté d'une articulation flexible qui lui permet de se plier lorsque les chariots sont emboîtés l'un dans l'autre. Le repose-pieds fixe, évite les rayures sur le chariot, et la poignée située à côté du panier, protège en outre l'enfant contre les chocs à la tête. Grâce à Ride By, les courses deviennent une expérience participative et dynamique, qui engage à la fois l'enfant et les parents.
DESIGN INDUSTRIEL
par Denise Merlette
Barko est un projet de recherche qui consiste à réutiliser les écorces en tant que déchets de l’industrie du bois. Elles constituent 10% de la matière traitée en scierie et sont généralement brûlées. L’idée est donc de recréer une finition à base d’écorces pour du mobilier en bois. Cette finition a pour but de reproduire la fonction protectrice de l’écorce contre toutes les agressions extérieures. Elle s’applique sur le mobilier afin de le rendre plus résistant. En m’inspirant de procédés anciens, je me suis attachée à trouver des solutions à bases de produits naturels et recyclables.
DESIGN INDUSTRIEL
par Cyprien Cossy
Le biogaz offre de nombreux avantages, en utilisant les déchets biologiques et en réduisant les émissions de CO2. MUH est un digesteur de biogaz conçu pour les alpages isolés où les agriculteurs passent de longues périodes à s'occuper de leurs animaux. Ce digesteur leur offre la possibilité d'utiliser la bouse de vache comme combustible pour produire de manière autonome le gaz nécessaire à leur vie quotidienne (cuisine, chauffage, éclairage, etc...). MUH est composé d'un corps principal rotomoulé et d'un réservoir de gaz gonflable, qui fonctionne simplement en insérant quotidiennement de la bouse de vache, qui libère ensuite du méthane par fermentation anaérobique.
DESIGN INDUSTRIEL
par Jeffrey Krieger
PODIUM est un projet qui associe skateboard et design d'espace. Destiné principalement aux écoles et aux centres sportifs, il se compose de cinq modules qui, grâce à leur géométrie simple, peuvent être assemblés en diverses configurations dans une cour ou un terrain de sport. Qu'ils soient utilisés comme rampes de skateboard ou comme gradins, ces modules peuvent être facilement déplacés et réarrangés grâce à un système de roues qui leur confère une certaine autonomie et encourage la créativité de l'utilisateur.
DESIGN INDUSTRIEL
par Teo Primo Frizzarin
Leo est une chaise développée pour la pratique de la peinture sur toile. Son assise inspirée de la selle de cheval permet d’avoir une posture stable tout en garantissant une grande mobilité dans l’espace. Travailler sur une surface verticale plutôt qu’horizontale génère d’autres problématiques, principalement celle de ne pas avoir de soutien pour le bras. Son accoudoir réglable permet donc d’avoir un soutien qui s’adapte facilement à différentes positions et hauteurs.
DESIGN INDUSTRIEL
par Iris Gerbex
Euflerie est le résultat d'une recherche sur la relation entre les éléments naturels et artificiels qui considère les plantes comme des éléments décoratifs clés dans les intérieurs. Ce projet comprend une collection de 6 fleurs en papier qui prennent vie par capillarité. Au contact de l'eau, ces fleurs s'épanouissent, se colorent, se parfument et se dégradent gracieusement, ajoutant une touche d'évanescence à la vie quotidienne. Leur courte durée de vie permet des manipulations ludiques qui agrémentent les repas et les occasions spéciales. En retirant les fleurs de l'eau, leur transformation s'interrompt, préservant leur forme et leur couleur. Ce projet offre une alternative poétique et plus durable aux fleurs coupées, en proposant une nouvelle perspective sur le temps et la décomposition.
DESIGN INDUSTRIEL
par Jacobo Zunzunegui
« Pauvreté, silence et ordre » est le titre de mon mémoire, dans lequel j'explore la simplicité intentionnelle dans la vie monastique occidentale. J'ai conçu Ermita, trois micro-cabanes le long du « Camino de Santiago », un chemin de pèlerinage favorisant l'introspection. Chaque cabane est construite en utilisant des techniques de maçonnerie locales provenant de trois régions, préservant et promouvant ces méthodes en déclin. Une caractéristique importante est l'intégration de tous les meubles dans le quatrième mur, fait de bois. Ces abris offrent des espaces pour dormir, lire, écrire, se réchauffer, tout en créant une atmosphère propice au silence et à la contemplation, éléments manquants dans notre société contemporaine.
DESIGN INDUSTRIEL
par Amedeo Oddo
Averse est un récupérateur d'eau de pluie conçu pour soutenir le développement de jardins potagers communautaires en permaculture, afin de promouvoir l'autosuffisance alimentaire dans un contexte d'urgence climatique et de pénurie de ressources. La permaculture prône l'autosuffisance et les écosystèmes durables. L'optimisation de l'utilisation de l'eau est cruciale, d'autant plus que les sécheresses sont de plus en plus fréquentes. L'eau de pluie, moins calcaire, profite aux plantes pendant les périodes de sécheresse. Ce collecteur d'eau de pluie, d'une capacité de 600 litres, permet d'entretenir un jardin de 120m² pendant une semaine sans pluie. Il est conçu avec des techniques de fabrication simples, n'utilisant que du bois et du métal afin d'éliminer les microplastiques et les polluants.
DESIGN INDUSTRIEL
par Jeanne Reymond
J’ai grandi à Chardonne, un village en Lavaux entouré de vignes. Avec un frère vigneron, j’ai toujours baigné dans la culture du vin. Les petites cabanes de vignes appelées capites servaient autrefois de remises à outils ou d’abris. Aujourd’hui, environ 1200 de ces capites sont inutilisées. Depuis mars 2024, les vigneron·ne·s sont autorisés à vendre du vin directement dans leurs vignes. Mon projet propose un système de façade en bois pour rénover facilement ces capites. Respectant le statut UNESCO de Lavaux, la façade reste discrète lorsqu’elle est fermée, mais s’ouvre en un geste pour devenir visible de loin. Chaque façade rappelle le drapeau de la commune où se trouve la capite. Le but est de redonner vie à ces capites en offrant une dégustation intimiste au cœur de l’essence du vin.
DESIGN INDUSTRIEL
par Alejandrina Hernandez
Stimuli, projet collaboratif avec le Mobots Lab de l'EPFL, qui a créé Thymio, est un mini-robot dédié à l'éducation des enfants. En tant qu’assistant robotique, Stimuli soutient leur processus d’apprentissage via la stimulation sensorielle. Cet outil innovant cultive créativité et sensibilité, favorise le développement cognitif, moteur, émotionnel et social par un équilibre entre expériences numériques et manuelles. Grâce aux sons et aux mouvements générés par les vibrations, les enfants explorent et comprennent les propriétés des matériaux, enrichissant ainsi leurs connaissances. Comme l'a dit Charles Eames, "la meilleure préparation est une éducation générale" qui favorise la sensibilité aux forces de la vie. Stimuli incarne ce principe, offrant une expérience éducative holistique.
DESIGN INDUSTRIEL
par Diego Eiholzer
L'accès à l'eau lors d'événements en plein air est souvent problématique. Hydri est une station d'eau conçue pour offrir un point d'eau et de rafraîchissement lors de festivals, d'événements sportifs et de manifestations institutionnelles. Cette unité innovante est construite pour ressembler à une barrière standard, ce qui la rend pratiquement indestructible et lui permet de s'intégrer parfaitement à la logistique de location des barrières existantes, garantissant ainsi un prix de location abordable. L'eau s'écoule dans des conduites en acier inoxydable résistant et est distribuée de deux manières : un jet linéaire pour se laver les mains, boire et remplir des bouteilles d'eau, et un jet directionnel pour tous les autres besoins.
DESIGN INDUSTRIEL
par Juliette Masson
Les fibres synthétiques sont omniprésentes dans l'univers des vêtements de sport. Elles sont appréciées pour leurs propriétés techniques : légèreté, élasticité, faible capacité d'absorption et résistance aux plis... Cependant, l'impact environnemental lié à leur fabrication et leur cycle de vie reste un problème. Avants propose donc une alternative de vêtements de randonnée fabriqués à partir de matières naturelles : Le lin, sélectionné pour ses propriétés thermorégulatrices et hypoallergéniques ; le coton ciré, connu pour sa durabilité et ses qualités déperlantes, choisi pour assurer une protection contre la pluie et l'abrasion. Le design de ces tenues a été inspiré des vêtements historiques et de leurs systèmes d'attache, tout en les adaptant à un usage contemporain et fonctionnel.
DESIGN INDUSTRIEL
par Tiziana Rocha da Silva
Versatile Women Apparel réinterprète les vêtements féminins du quotidien, inspirés par le monde du sportstyle. Un des éléments phare de la collection VWA est un système de boucles réglables, garantissant que les vêtements s'adaptent à diverses morphologies pour un ajustement personnalisé, un confort et une performance optimaux. Confectionnée avec des matériaux de haute qualité et des textiles avancés tels que des softshells, des tissus laminés à trois couches ou du mesh pour la respirabilité, la collection de pantalons, vestes et gilets incarne durabilité et confort. Avec un accent sur le style et la praticité, ces vêtements s'adaptent harmonieusement aux mouvements de la personne qui les porte, offrant soutien et flexibilité tout en maximisant fonctionnalité et polyvalence.
DESIGN INDUSTRIEL
par Léa Omez
Et si on prenait l’apéro au bord de la piscine? Ricardo est une assise qui permet de se prélasser confortablement, à plusieurs, au bord de la piscine. Posée à la fois sur le rebord et dans l’eau, elle permet à chacun de s’installer où il le souhaite et comme il le souhaite. L’avantage? Être ensemble et profiter de la fraîcheur de l’eau dans une configuration ludique. Lorsque Ricardo n’est pas utilisé dans sa version aquatique, la partie flottante peut être relevée à l’aide d’anses et repliée, transformant ainsi l’assise en un véritable canapé d’extérieur. Les coussins intérieurs sont rembourrés de billes de polystyrène lui assurant flottabilité, longévité et souplesse. Les housses extérieures choisies sont en polyester respirant pour plus de confort et sont entièrement déhoussables.
DESIGN INDUSTRIEL
par Cindy Sacher
L'énergie nécessaire au maintien du confort thermique est souvent sous-estimée. Toison tient compte de la diminution prévue des ressources en énergie fossile et de l'augmentation des coûts de consommation. Dans les locatifs, où les rénovations sont difficiles et coûteuses, les méthodes de chauffage sont économiquement irréaliste pour les locataires. Toison propose un système de cloisons minimale, inspiré des tentures d’Europe et des fusuma et shōji japonais. Utilisant d'épais panneaux de feutre de laine suisse qui glissent dans des rails en aluminium extrudé, ce système est facile à monter sur n'importe quel plafond. Ils isolent les murs extérieurs et permettent aux utilisateurs de diviser les espaces de vie en améliorant l'isolation thermique.
DESIGN INDUSTRIEL
par Till Seegräber
Beaucoup de gens utilisent des services de streaming musicaux avec de petites enceintes Bluetooth qui compromettent la qualité sonore. Les systèmes haut de gamme, bien qu'offrant un meilleur son, sont souvent chers ou encombrants. Le h.i.t.* (hi-fi in a tube) combine la commodité du Bluetooth avec une qualité sonore premium. Ce système sans fil comprend deux enceintes stéréo alimentées par batterie et un caisson de basses. Fabriquées à partir de tubes en carton rigide, les enceintes minimisent les vibrations et utilisent un cône réfléchissant pour un son à 360°. Les enceintes sans fil et le caisson de basses fixe qui les recharge offrent flexibilité et commodité. h.i.t.* comble le fossé entre l'abordabilité et la haute qualité audio.
DESIGN INDUSTRIEL
par Sophia Zeller
Une robe conçue pour être portée après le jour du mariage, offrant une solution pour reporter vos souvenirs de manière durable. Eleanor est le résultat de recherches sur le gaspillage textile dans l'industrie de la robe de mariée. Il suffit de déplacer la jupe le long des boutons du vêtement pour la transformer, afin qu'elle puisse être utilisée sans effort pour divers événements pendant la cérémonie. En teignant et en changeant sa couleur après le mariage, Eleanor révèle le motif de fleur de myrte imprimé sur le tissu, lui enlevant son aspect de mariage. N'étant plus confinée aux placards et aux greniers, cette robe incarne la durabilité en réduisant les déchets textiles. Confectionnée à partir de 100 % soie deadstock, elle est monomatière, elle suit des critères de patronage zéro déchet.
DESIGN INDUSTRIEL
par Virginie Lienhart
Quack est une collection de trois plateformes pour la nidification des canards dans les ports, visant à minimiser les conflits humains-faune et à préserver la biodiversité locale. Le projet a commencé par l'observation des canards, la consultation d'une ornithologue et des entretiens avec des gardes-port au sujet du conflit entre les oiseaux d’eau et les propriétaires de bateaux, causé par les nids des canards sur les bateaux. Ces informations ont guidé la conception de prototypes testés pendant la saison de nidification, révélant que les canards préféraient les plateformes abritées et au ras de l’eau. La collection finale comprend un demi-nid en liège avec un deck ouvert, un nid concave en mousse plastique et une plateforme en bois avec un trou central pour les nids flottants.
DESIGN INDUSTRIEL
par Victoria Guffroy
EXO est une collection de bijoux en porcelaine d'os. Les os sont des déchets de l'industrie alimentaire qui peuvent être réutilisés comme ingrédient principal de cette porcelaine, qui est très robuste et permet de créer des pièces fines et délicates. EXO souhaite mettre en valeur ce matériau, passant de déchet à bijoux précieux et mettant en valeur les propriétés physiques et techniques de ce matériau. La collection, inspirée des exosquelettes des arthropodes, comprend une pièce principale qui se déploie sur les épaules, et quatre autres pièces dérivées, adaptées à différentes parties du corps : coude, poignet, doigt et oreille. Toutes les pièces sont formées d'écailles qui suivent les courbes et les mouvements du corps, articulées et reliées par des connexions métalliques.
DESIGN INDUSTRIEL
par Louise Dupont
Le hameau d'Aï, dans la région de Leysin, au pied de la Tour d'Aï dans les Alpes vaudoises, est un village historique d'une quinzaine de chalets abandonnés classés au patrimoine. Armaï propose de valoriser et de revitaliser ce village en transformant ses chalets abandonnés en refuges de montagne autogérés. Ce type d'infrastructure encourage un tourisme respectueux et conscient des enjeux de la montagne. De plus, il favorise les échanges et renforce l'esprit communautaire. L'un des chalets devient une salle commune pour la cuisine, tandis que les autres chalets deviennent de petits dortoirs. L'intérieur des chalets est aménagé autour d'un poêle de masse central, avec un agencement astucieux des différents éléments pour créer un espace convivial.
DESIGN INDUSTRIEL
par Lena Bernasconi
La majorité des objets sont conçus selon des normes masculines et sont donc inadaptés aux femmes. Par conséquent, ces objets discriminent les utilisatrices car ils sont inconfortables ou pire, dangereux. C'est le cas des équipements de protection individuelle (masques, lunettes, vêtements et chaussures) : des équipements inadaptés protègent moins bien, entravent les tâches ou peuvent même blesser les travailleuses. WWW (Women Work Wear) sont des pantalons de travail conçus par et pour les femmes qui répondent à cette problématique. Ils sont spécifiquement conçus pour les femmes travaillant le bois (menuisières, ébénistes, charpentières, etc.). De plus, ces pantalons proposent une nouvelle esthétique, tout en offrant confort, adaptabilité, flexibilité et bien sûr protection.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Gary Sandoz
En déléguant nos expériences de vie aux supports numériques traités par les algorithmes, la mémoire n’est plus uniquement humaine. Reminix explore la dimension émotionnelle et le devenir de nos souvenirs fragmentés grâce à un dispositif scannant et analysant des diapositives photographiques agissant comme une sauvegarde éphémère d’une vie passée. Dans une contemplation spatiale, l’image matérialisée en 3D accompagnée d’une narration générative reconstitue un passé alternatif à chaque déclenchement. Cette expérience interactive réactive le souvenir en l’absence du témoignage de son auteur et crée une passerelle entre l’utilisateur et le potentiel narratif que dégage l’image. Elle questionne la fragilité, la conservation, la confiance et la génération de nos souvenirs par les machines.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Théo Déchanez
Vulcan est un voyage immersif au plus proche des puissances telluriques. Il se veut comme un hommage aux volcanologues et volcans, en abordant des thèmes tels que la petitesse humaine et la fascination pour la démesure des forces naturelles. Divisée en deux parties, la narration oppose la vision d’un volcanologue s’approchant au plus près d’un cratère à celle du dieu du feu, de la forge et des volcans, éponyme à l'expérience. Vulcan s'inspire des travaux de Haroun Tazieff, ainsi que du couple Katia et Maurice Krafft, et constitue le prolongement d'une réflexion amorcée lors de mon travail de mémoire, portant sur la reconstruction de mythes à travers les outils numériques.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Julie Turin
Le travail à la chaîne et les commandes en ligne sont devenus la norme, même dans l'artisanat. L’application Star's Bags est la réponse d’une artisane couturière à cette tendance, proposant une expérience d'achat immersive pour valoriser le travail manuel avant que le client ne reçoive son sac. "The Tree Bag" est la première collection de sac de cette application, qui pourra se décliner dans d'autres univers. À travers cette expérience, le client participe à chaque étape de la conception de son sac sur plusieurs jours : collecter les matériaux, poser les patrons, les découper, coudre, épingler, l'adresser et l'expédier. En suivant ce processus, le client prend conscience du travail fourni et conserve un souvenir particulier de son achat, enrichissant ainsi la valeur du produit reçu.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Emma Grosu
Les jeux vidéo permettent aux joueurs de s'évader à travers des mondes narratifs où ils détiennent "tous les pouvoirs". Dans ESC, le personnage du jeu cherche à fuir sa propre réalité. Ce renversement examine les notions de liberté et de contrainte dans les jeux vidéo, soulignant ironiquement les limites de notre propre existence. Que se passerait-il si un personnage prenait conscience de sa situation, réalisant qu’il n’est pas maître de ses mouvements, mais au contraire, qu’il en est prisonnier ? ESC m'a permis d'explorer des concepts d'immersion comme le quatrième mur et la mise en abyme. Inspirée par des œuvres comme "The Truman Show" et "Sword Art Online", j'ai illustré comment la perception de liberté peut être une illusion, tant dans les jeux vidéo que dans le monde physique.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Mélanie Martin
Odalys est une intelligence artificielle qui se matérialise sous la forme d'une poupée lumineuse. Elle a été conçue pour répondre à tous les désirs de son/sa propriétaire, sur simple pression d’une touche. Il faut toutefois la configurer lors d'une narration à fin multiples où les choix des utilisateur·ice·s affectent de manière irréversible la trajectoire de leur relation. L’intention du projet est de mettre en évidence de manière critique les conséquences potentielles de nos interactions avec des IAs génératives. L’expérience met également en évidence la surreprésentation d’enveloppes féminines pour vendre ces produits. Odalys n’est pas une femme objet, elle est l’objet du système auquel l’utilisateur·ice la soumet. Et elle s’y objecte.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Odran Jobin
What Lies Behind est une expérience immersive en réalité virtuelle traitant d’échelles démesurées qui nous séparent de l’immense et du minuscule. Ce projet est fondé autour d’une pensée philosophique et personnelle; il est difficile, en tant qu’être humain, de se définir face à l’idée que l’immense et le minuscule se rejoignent dans des complexités et des échelles qui échappent à notre perception. Dans cette expérience, un voyage à travers ces échelles est proposé. Il n’a pas pour but d’expliquer mais d’émerveiller par la beauté de l’inexplicable. Assis sur un banc, on est amené a traverser différents tableaux chacun altérant peu à peu notre perception de l’espace.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Sasha Iatsenia
Aujourd'hui, 1 enfant sur 15 est affecté par un trouble qui altère ses comportements, impactant ses compétences d’apprentissage, de socialisation et de communication. Les LittleCubes sont des jouets thérapeutiques conçus pour aider à développer ces compétences par la lumière et le jeu. En utilisant un cube qui s'illumine et réagit aux gestes, les thérapeutes peuvent créer des exercices ludiques et engageants avec une application intuitive. En concevant ce projet, j'ai découvert que j’avais des traits autistiques, ce qui m'a inspiré à construire un jouet éducatif que j'aurais aimé avoir enfant. Mon objectif est de créer des liens entre les expériences neurotypiques et neurodiverses, pour un monde plus inclusif. À ce jour, j'ai pu tester le cube avec plus de 15 thérapeutes, 30 enfants (TSA, déficient moteur avec ou sans troubles associés), et j'espère poursuivre ce projet après mon diplôme. Ce projet est soutenu par la Fondation Dr Combe.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Charlotte Pralong
Avez-vous déjà voulu faire partie du show du concert auquel vous assistez ? C’est là que se positionne le projet Take Part, une scénographie interactive pour une chanson spécialement composée par mon duo musical avec ma sœur. Le téléphone, souvent perçu comme un intermédiaire dérangeant entre les artistes et le public, est ici utilisé comme outil de connexion qui renforce les liens et amplifie l’énergie collective. En effet, chaque spectateur·rice participe à la projection derrière les musiciennes à l’aide de son téléphone. Le public suit un personnage au style naïf, animé en 2D, qui voyage à travers divers mondes pour se ressourcer avant de finalement partager cette énergie, symbolisant le partage et la multiplication de la joie collective.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Jérémie Kursner
iLand Universe est un projet porté sur le monde des parcs d’attractions où chaque activité est une allusion au monde digital, que ce soit à travers son architecture, sa scénographie ou encore ses références à la surutilisation des smartphones. Par le biais d’un teaser “épique”, ce projet reprend les codes de promotion d’un parc d’attraction traditionnel utilisant la vidéo comme outil principal de communication, tout en jouant des codes “Inspirants” de cette industrie venant des États-Unis. L’envie de créer ce monde fantastique vient d’une part de ma passion pour cet univers, ainsi de mon intérêt à métaphoriser des visions numériques en concepts tangibles, créant ainsi des jeux d’esprits permettant de questionner en continu la société digitale dans laquelle nous évoluons.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Marius Parisod
A la croisée des chemins entre le jeu vidéo et le jeu de société, Get-Out 4 est une invitation à redécouvrir la joie de jouer ensemble. Ce puzzle game, conçu pour être joué à deux ou plus, favorise l’interaction directe et la coopération. L’utilisation de pièces de jeu externes encourage les joueur·euse·s à recourir à leur sens de l’observation et de déduction, en les réunissant autour d’une expérience commune qui dépasse les écrans. La conception de Get-Out 4 repose sur une esthétique minimale qui s’inspire des premiers jeux vidéo tels que Pong, Pac-Man ou Tetris. Cette simplicité visuelle ne sert pas seulement à évoquer la nostalgie, elle est stratégiquement employée pour renforcer l’engagement des joueur·euse·s en mettant l’accent sur les mécanismes de jeu.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Alexandre Gambarini
Que ce soit la légende de Jeanne d'Arc, Guillaume Tell, Che Guevara ou d'autres figures emblématiques, nos sociétés et notre quotidien sont en partie rythmés par ces récits. Echoes from the Tales est une séquence interactive qui retrace les étapes de la vie de Vasil Levski, une figure emblématique bulgare. En écoutant son histoire rythmée par des symboliques fortes, la séquence permet de saisir comment ces récits peuvent façonner l'identité individuelle et collective. Cette séquence interactive a pour but d’analyser la manière dont un récit peut être assimilé et transformé par l’imaginaire individuel pour être ensuite transmis, ainsi que de comprendre comment des récits séculaires tels que celui de Vasil Levski peuvent aujourd’hui être détournés par la narration.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Isaïa Delaplace
Azimut est un puzzle game qui se développe dans un environnement 3D végétal. L’objectif est de résoudre une série d’énigmes liées à la position de l’astre solaire dans le ciel. Inspiré de la thématique du Livre “L’éloge de l’ombre” de Jun’ichiro Tanizaki, contrôler le soleil devient l’élément central du gameplay. Cette action permet aux joueurs d’interagir simplement avec la lumière qui éclaire la Terre, de résoudre des énigmes et de progresser dans l’expérience. C’est à travers cette série d’énigmes de plus en plus complexes que l'on peut observer et ressentir la beauté des ombres et des lumières dans un environnement de plus en plus vivant et riche.
MEDIA & INTERACTION DESIGN
par Viktor Gagné
Le poids des matières produites par l'Homme serait aujourd’hui supérieur à celui de l’ensemble de la biomasse terrestre. Comment ces artefacts s’intégreront-ils au reste de l’environnement dans un million d'années? Serialized Saplings est une installation interactive qui spécule sur une forme potentielle de végétation à venir, fortement altérée par la démesure de la production humaine, ici cristallisée à travers le symbole de la prise électrique. En manipulant les branchements de plusieurs multiprises, l’interacteur est invité à programmer le « code génétique » d’espèces végétales hybrides qui n’existent pas encore et dont l’allure rappelle nos standards industriels. Cette végétation générée est ensuite classifiée sous la forme d’un herbier digital qui peut être consulté et étudié.
PHOTOGRAPHIE
par Léo Paschoud
Ce travail se présente sous la forme d'une série de trois livres réunissant des images issues de discussions récoltées sur divers sites de vente d'occasion en ligne. Un protocole précis définit le message adressé aux vendeurs·euses·x pour obtenir une photo en retour. Chaque livre se concentre sur un objet spécifique : l'appareil photo, le miroir et la webcam d'ordinateur portable. À travers ce projet, il s'agit d'explorer les comportements des vendeurs·euses·x en ligne. Pour obtenir l'image recherchée, avec le bon angle de prise de vue, le processus s'appuie sur leur désir de vendre ces objets et permet d'observer leurs différentes réactions. Si le protocole aboutit, des images sont reçues, sinon, ce sont des réponses d'indignation, d'agacement, des insultes ou encore le silence.
PHOTOGRAPHIE
par Johanna Bommer
Changing Rooms est une installation photographique traitant d’un passé récent. Une figure adolescente navigue dans des environnements commerciaux et numériques. À travers les images qu’elle perçoit, elle se construit et s’engage dans une forme d'auto- commercialisation. Un tas de poussière, des cheveux gras ou une rayure sur une surface autrement lisse perturbent la perfection de l'espace virtuel et commercial. C’est dans l’anonymat qu’elle trouve son réconfort ; elle n'aime pas être perçue mais désire être vue. Un reflet devient un miroir, un écran, une porte.
PHOTOGRAPHIE
par Mathilde Lesueur
D’une impressionnante perte de contrôle à une explosion d’éclats de verre, je me retrouve au coeur d’un chaos vacillant et inévitable. Je m’accroche à une lumière incertaine et je laisse mon corps s’abandonner aux blessures. Entre reconstruction et obsession, Collision explore la façon dont l’accident de la route et les blessures sont esthétisés dans l’image moderne. Ce travail entrecroise la violence de mon histoire et la manière dont je la rends séduisante et digitalisée. Je m’incarne à travers une poupée cassée tout en créant une confusion entre le réel et l'irréel, symbolisant la mémoire après un événement traumatisant. Ce projet, sous forme d’installation jouant de chrome et de verre, prend place dans un paysage d’interactions entre des voyeurs et une blessée.
PHOTOGRAPHIE
par Matilde Croxatto
Ce film est une exploration intime de la masculinité au travers du prisme de la foi. On y découvre les témoignages de huit jeunes hommes à travers leur relation à Dieu. C’est lors d’entretiens et de scènes du quotidien, qu'ils nous dévoilent la beauté et la complexité de cette relation. En me basant sur mon regard de croyante, j’ai pu constater que la foi, par ses qualités vulnérables et intimes, peut être perçue comme une expérience qui n'atteint plus la masculinité traditionnelle. Pour vérifier ces propos, j’ai donné la parole à des hommes, qui choisissent quotidiennement le chemin résilient de la foi. Il s'agit d'une mise en lumière de leur dévotion, une expression du coeur qui dépasse les stéréotypes de genre et invite à une réflexion sur l'humilité de l'individu à l'égard d'une entité plus grande que soi.
PHOTOGRAPHIE
par Albane Durand-Viel
Magdalena met à l'honneur une figure féminine tombée dans l’oubli ou mal connue, celle de Marie-Madeleine. Elle était la préférée, la première témoin, l'apôtre mystérieuse de Jésus. Son histoire fut écrite et racontée par des hommes, lui attribuant plusieurs identités: celle de sainte, de mondaine, de prostituée, d’amante ou encore de femme mystique. On lui prête souvent mille visages, préférant la réduire à des stéréotypes féminins erronés. Pourtant, Marie-Madeleine fut une figure clé de l’Histoire et un symbole fort d’indépendance féminine. Ce projet tend à réhabiliter son histoire, en choisissant pour contexte notre ère contemporaine. Ainsi, en imaginant un scénario où Marie-Madeleine occuperait une place centrale dans l'espace médiatique d'aujourd'hui, quel serait son destin?
PHOTOGRAPHIE
par Hector Codazzi
D’image en image, Louise, 25 ans, cherche à se faire une place dans le monde du mannequinat. De plus en plus impliqué dans le milieu de l'image et de la publicité via mes expériences professionnelles, j’ai voulu poser un regard critique sur ce monde qui à la fois me fascine, me repousse et surtout m’intrigue par son rapport ambigu au réel. J’ai réalisé un court-métrage qui raconte la trajectoire d’une mannequin dans cette industrie, un film qui vise à aborder plusieurs questions: la mise en scène de soi qu'induit la profusion d’images numériques, les mécanismes d'oppression liés à la création d'images publicitaires, la quête de mobilité sociale par les jeunes générations et comment cette quête se heurte à la réalité du marché du travail.
PHOTOGRAPHIE
par Yan Miranda
Guidé par la psilocybine, Reverie Rebirth est un voyage intime qui aborde le thème de la guérison des traumas. Ces expériences m'ont permis de renouer avec l'innocence de l'enfance, avec moi-même et la nature. Par le bias de nouveaux outils technologiques ainsi que par la photographie analogique, j'ai pu documenter les visions de mon voyage intérieur. Imprégnés de divinités afro-brésiliennes, cette exploration reflète mon héritage culturel et mon identité. L'évolution du projet s'est orienté vers un engagement avec la nature et l'écologie. Inspiré par un retour au Brésil, il symbolise la confrontation des questions plus profondes et se mélange à divers éléments typologies artistiques pour aborder les thèmes de la peur, de la colère et de la dégradation de la nature.
PHOTOGRAPHIE
par Barnabé Masson
J’ai rassemblé huit amis proches de mon père, décédé il y a dix ans. Ensemble, nous avons plongé dans les sentiments induits par l'absence et le deuil. À l’aide des caméras, je scrute le corps de ces hommes sexagénaires afin d’explorer la tendresse, les émotions et les diverses manifestations spontanées qui émergent lorsque ceux-ci sont confrontés à des émotions fortes. Ces corps masculins, habituellement en contrôle logique constant, sont à l’image de notre culture et de notre économie. La vidéo montre des mains, des bras, des visages et des yeux, parfois gênés, parfois en résistance, et parfois se laissant submerger par les émotions. Ce travail m’a permis, à travers ces hommes, de reconstituer mon père, de me confronter à lui ainsi qu’au rapport que j’entretiens avec la masculinité.
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par Jennica Folkesson
CHACUNE est une installation qui met en lumière le thème de la transmission. Symbole de connexions, l’argile est extraite puis façonnée pour témoigner d’un passé commun. Le sens du toucher, essentiel, est utilisé comme moyen de création, liant chacune d’entre nous. Chaque pièce de céramique représente une page de notre récit collectif, rythmé par le passage du temps. Ici, le temps prend la forme d’un voyage. De mère en fille, de la Suisse au Mexique, nous explorons ces terres qui abritent nos ancêtres.
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par Lorane Hochstätter
Ce livre explore la complexité du développement de l'identité féminine d'une fille à travers l'éducation et le regard de sa mère, premier et plus puissant modèle de féminité. Ex-mannequin, ma mère, était persuadée d’émerger d'une couverture de magazine: une incarnation des normes écrasantes de la représentation féminine. Notre image se développe en miroir : elle se projette en moi, en se souvenant de ce qu'elle était et en inspectant ce qu'elle n'est plus ; je me projette en elle, voyant ce que j'aimerais être mais que je ne suis pas. Ces autoportraits tordent et déguisent mon corps, entre émancipation et subordination des codes imposés. Ce livre traite de la relation d'amour-rejet entre une mère et sa fille, qui s'accompagnent et évoluent ensemble dans une quête sans fin : la recherche d'une identité féminine.
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par Yves Möhrle
BIPEDIE(BOO) est une installation vidéo qui mêle humour et sérieux. Inspirée par les éboulements en Suisse, un mythe moderne a été créé. Une personnification des chutes de pierres, incarnant l‘incompréhensible et l‘inexplicable. Les vidéos montrent une figure marchant dans les montagnes et jetant des pierres sur la pente. De manière hypocrite, elle nous fait la morale. Dans un espoir naïf que de petits gestes puissent entraîner de grands changements, l‘esthétique nostalgique du projet souligne le lien entre le passé et le présent et pose la question de notre gestion des risques naturels. Nos actions apportent-elles vraiment des progrès ou combattent-elles des symptômes? Quel est notre rôle dans l‘Anthropocène? Nos actions influencent-elles la nature et font-elles tomber les pierres?
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par Anna von Allmen
Nos vies sur vos murs est né d’une collaboration avec quatorze jeunes du quartier de Pierre-à-Bot, situé dans les hauteurs de la ville de Neuchâtel. Pendant un semestre, j’ai organisé des ateliers avec des jeunes âgé·e·s de sept à douze ans, qui ont constitué le fondement de cette expérience. Lors de nos rencontres, j’ai initié des discussions autour de la thématique de l’amour, ce sentiment souvent si complexe à appréhender. J’ai partagé des moments de vie avec eux, recueilli leurs textes et leur ai proposé d’imager l’amour grâce à des appareils photo jetables. Dans cet ouvrage, nos visions dialoguent pour créer à la fois un portrait du quartier et des imaginaires qui s’y construisent.
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par Seraphine Sallin-Mason
L’avortement est un droit fondamental. Aux États-Unis, sa pratique a été limitée ces dernières années dans la moitié du pays. The 'A' Word cherche à traiter de cette question. Les iconographies médiatiques véhiculées par les groupes Pro-Vie/Pro-Choix s’expriment via des codes communicationnels similaires. Ces canaux utilisent le sensationnelisme pour choquer et heurter. Cette sensationnalisation nous éloigne de la réalité de l’avortement et des personnes qui cherchent à avoir accès à ces soins. A partir d'un archive visuel obtenu via plusieurs ressources, The ‘A’ Word tente de dissoudre les mécaniques de communication et de reconstruire une vision complexifiée qui, je l’espère, nous permettra de porter un regard critique sur cette question fondamentale.
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par Lea Sblandano
Les pixels s'étendent et semblent de plus en plus proches du monde sensible qui m'a vu naître. Neijuan explore les complexités de la construction identitaire dans un monde post-pandémique et hyper-connecté. Signifiant « involution » en mandarin, il évoque un sentiment de fatigue générationnelle dû à une société toujours plus rapide et compétitive. Entre le sentiment de burn-out collectif et la présence toujours plus immersive des écrans, les mondes virtuels sont des lieux de refuge, de sécurité, mais également des terrains propices aux rencontres intéressées et aux fantasmes. L’écran devient un moyen de connexion émancipateur et formateur, tout en distançant toujours plus l’individu du monde tangible qui l’entoure.
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par Noé Vercaemst
Avec Davide Fecarotti étudiant à l’Ensp de Arles, nous avons travaillé en duo autour d’une zone géographique située entre le sud de l’Italie et la Sicile. Nous avons fait la découverte d’une structure particulière. Une construction qui n’existe que dans l’imaginaire collectif des habitant.e.s. Les ingénieur·e·s l’appellent « le pont le plus haut du monde ». Ici, On le surnomme simplement « ponte », le pont qui n’existe pas. Nous sommes arrivés là comme Ulysse dans le détroit de Messine, entre Scylla et Carribde mais sans les Argonautes. Une ruine, un projet architectural, subsistant tel un mythe, un monstre, une chimère aux bras d’acier... mais en réalité, un instrument de pouvoir et de séduction, depuis des années au service des dirigeants italiens.
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par Antoine Woeffray
Antoine_Woeffray: cher·ère·x·s lecteur·rice·x·s! Antoine_Woeffray: Je suis Antoine_Woeffray Antoine_Woeffray: Mais on m'appelle aussi mr_paramount mr_paramount: cher·ère·x·s lecteur·rice·x·s! mr_paramount: Je suis mr_paramount mr_paramount: Mais mes ami·e·x·s m'appellent Antoine mr_paramount: Mon médecin m'appelle aussi Antoine_Woeffray mr_paramount: En fait sur ma carte d'identité le nom écrit est Antoine_Woeffray mr_paramount: Mais mes amants en ligne m'appellent mr_paramount Ce projet, qui prend la forme d’un livre, est une recherche sur la représentation du corps masculin et de ce qu’est être un homme. Une construction numérique d’un être physique. Le corps passe à travers l’image avant de se transformer.
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par Léa Bevilacqua
"J'ai eu l'occasion de retourner à Santarém, dans le nord du Brésil ma ville d'origine, pour discuter des standards de beauté, de l'identité et de l'expression de soi avec huit personnes que j'y ai rencontré. Ayant grandi en tant que femme binationale (suisse et brésilienne), j'ai vécu avec deux idéaux de beauté contradictoires. Les personnes que j'ai rencontrées là-bas étaient souvent considérées comme étranges, laides ou inadéquates par leur entourage, mais je les ai trouvé uniques et courageuses pour se démarquer dans une région qui valorise la conformité plutôt que l'expression de soi. Ces rencontres nous ont permis de partager nos expériences et d'accentuer leur valeur face à la montée de la haine contre les minorités au Brésil ces dernières années."
PHOTOGRAPHIE
par Cyriane Rawyler
Medusa est un projet collaboratif liant la performance à l'hyperféminité. Cette exploration physique symbolise la réappropriation du corps par la transformation. Ce besoin d’échanger et de rencontrer ces protagonistes est né suite à un événement personnel qui m’a permis de reprendre le contrôle d’un espace détruit. La blondeur, la longueur et la brillance nous rassemblent pour créer une communauté. Grâce à la photographie, la notion d’image de soi et de contrôle se répondent et créent des êtres célestes apprivoisant l’espace. Medusa est une affirmation radicale de l'identité féminine, offrant un chemin vers la résilience.
PHOTOGRAPHIE
par Carla Corminboeuf
Une performance dans un carré de lumière, surface faisant écho au tapis de compétitions. Souvenir mélancolique de ce tapis qui n’existe plus, tapis symbole de contraintes. Le corps entre dans cet espace restreint et le mesure sur le tempo d’un métronome. Des mouvements répétitifs suivent, jusqu’à que l’effort se fasse ressentir. Une projection en direct s’ajoute en arrière-plan, réalisée avec deux caméras placées dans les diagonales du carré, reproduisant le point de vue des jurés. Puis des archives de scènes d’entraînements défilent témoignant d’un corps forcé à des contorsions par des entraîneurs acharnés. Il s'agit d'une remise en question de plusieurs aspects de la gymnastique rythmique, sport que j’ai pratiqué durant des années et dont les méthodes d’entraînements sont questionnées par le monde médical.
PHOTOGRAPHIE
par Laure Brandford Griffith
La foule nous regarde s’articule autour d’un regard obsessionnel porté sur des inconnus faisants résonance à la perte d’une personne chère. Dans la recherche de cette personne, il explore à la fois l’identité collective à travers le vêtement, l’attitude physique et les liens humains où l’inconnu devient le reflet d’une histoire personnelle perdue. La foule est à la fois la pluralité de personnalité en l’être perdu empreint à des crises de dissociations et ces personnes inconnues le ramenant dans ma vie.
PHOTOGRAPHIE
par Gilian Cardaci
Ce travail documente les enjeux autour d’un terrain de foot professionnel et son entretien artificiel. Le gazon de ces terrains doit être entretenu afin de se conformer aux hauts standards dictés par la FIFA visant à soigner l’image de ce sport. Pour répondre à cette demande, des outils spécifiques ont été développés. Pitch Green bascule le football dans une fascination pour les coulisses de ce sport, créant une imagerie qui rappelle la science-fiction. Le contraste entre le gazon naturel et ces outils à l’aspect ultra-technologiques donne un côté absurde à leur utilité réelle. Ces terrains, qui aux yeux des spectateur·rice·s paraissent parfaits, révèlent toute la démesure du football et son business corrompu.
ARTS VISUELS
par Lucas Aulagnier
Il y a autour de la Méditerranée des niches dans les façades des bâtiments qui renferment des statuettes votives, témoignages du passé religieux dans l’espace public. Elles sont fermées par des vitres du même format qui délimitent l’espace sacré de la niche et l’espace séculier de la rue. L’idée que quelque chose des statuettes d’un côté, et des passants de l’autre a été fixé par le verre, d’une manière quasi-photographique, me fascine. C’est la somme des regards échangés qui aura été prélevée : les regards de celles et ceux qui levèrent les yeux vers le saint ou la sainte dans l’espoir qu’iels leur rendent ce regard. Les vitres, marquées par d’infimes traces de peinture et de temps, sont des images in-signifiantes, qui ne produisent aucun signe, muettes et porteuses d’incertitude.
ARTS VISUELS
par Eva Ayache-Vanderhorst
Cette installation, est constituée de peintures oniriques sur des châssis métalliques, suspendues dans l'espace comme autant de fenêtres sur des mondes intérieurs.Ces peintures, réalisées sur des draps de lin d'occasion, évoquent des paysages évanescents, des figures floues, des scènes fragmentées, semblant flotter dans une dimension entre rêve et réalité, comme les souvenirs flottent dans notre esprit.Cet espace incarne la barrière intangible entre le passé et le présent, entre ce dont nous nous souvenons et ce que nous oublions, soulignant la nature éphémère et parfois trompeuse de nos souvenirs et de leur fragmentation subjective. Le pendule, outil divinatoire, asséré tel une dague, suspendu au-dessus de ce plafond, renvoie à la tension qui émane d’une telle subjectivité.
ARTS VISUELS
par Ana Francesca Bălan
Studiu de mansardă (Étude du grenier) est une collection d'objets familiaux réassemblés dans des cadres posant des questions sur la valeur, le patrimoine, la hantise et l'archive en tant qu'outil spéculatif.
ARTS VISUELS
par Felice Berny-Tarente
Cette installation combine vidéo performance, un poème, un son en collaboration avec Max Klunge et des images générées par l’intelligence artificielle. La vidéo tourne en boucle, elle est tout aussi tragique que comique, et c'est à cette tension intérieure que ma pièce se consacre. Le mantra I CRAVE structure le texte dans des passages de désir profond et de prostration craintive. Bien qu'il ne semble pas se passer grand-chose, les courants sous-jacents sont empreints d'une profonde émotion. Ou plutôt, ils capturent une incapacité de faire face ou à sortir des boucles mentales, comme dans cet acte vacant de courir et de subir cette performance. Il est difficile de comprendre exactement quel est le but de ce voyage temporels sauf peut être une brèves histoires de solitude et d’endurance.
ARTS VISUELS
par Angèle Challier Fontaine
My eyes ache to close est une installation qui interroge la dynamique entre l'espace public et les traditions invisibles de la sphère privée. La notion de "care" (soin) est symbolisée par le temps et l'attention investis dans l'enroulement méticuleux du fil autour de chaque structure. L'œuvre se compose de six objets extraits de l'environnement urbain, chacun de ces éléments, typiquement rencontrés dans la rue, est réimaginé par des gestes répétitifs. L'abstraction d'usage des six objets sélectionnés révèle leur aspect esthétique et leurs similitudes intrinsèques. Dépouillés de leur fonction originale, ils deviennent des sculptures énigmatiques, suspendues entre leur passé utilitaire et leur nouvelle identité.
ARTS VISUELS
par Lorenzo De Bellis
Le renard joue un double rôle: un filou et un symbole d’orientation et de protection. Initialement présenté dans un documentaire que S. regarde à la télévision, le renard est présenté dans un documentaire sur la chasse au renard où il est chassé et finalement tué. Les images de ce documentaire sont prises et projetées sur des panneaux, formant une sorte de scénographie théâtrale. Le royaume est celui de l'horreur. Le tryptique est composé de trois images représentant la scène de chasse et développées sur des panneaux de bois à l'aide d'une émulsion photosensible. La mise à mort du renard représente le prélude qui est en même temps une préfiguration. Le point de départ du projet est un script, qui est ensuite utilisé comme partition pour composer et créer l'œuvre.
ARTS VISUELS
par Sherif Sherif
Mon projet de diplôme est une installation composée de deux sculptures et d'une vidéo qui explore les limites physiques, psychologiques et sociétales à travers des récits imaginatifs. Lines to See and Not to Cross est une sculpture avec trois flèches connectées à une sphère, projetant des lignes laser qui créent des limites illusoires mais franchissables, abordant les limites psychologiques et les structures de pouvoir. "Hand Games" est une vidéo de 3 minutes en boucle projetée sur un écran en plexiglas, avec un filtre de lumière rouge et du papier calque. La vidéo explore les limites physiques à travers les jeux d'enfants. "Forbidden Fruit" est une sculpture imprimée en 3D de deux prises électriques verrouillées avec des cadenas, empêchant l'accès à la source d'alimentation.
ARTS VISUELS
par Oriane Emery
Mon projet Every stain carries a memory représente une buanderie dans laquelle figure une photo de passeport de mon père biologique (avec qui je n’ai pas grandi) et un tissu brodé de points d’oeillet, aussi connu sous le nom d’Algerian Eye. Cette installation représente mon métissage avec la culture algérienne à laquelle je n’ai pas été invitée. Je la sublime par le biais du rêve, du souvenir, de l’héritage spirituel et de la buanderie comme lieu populaire de transformation, purification et socialement perçu comme féminin. Saisir un temps suspendu, le tissu baigne éternellement dans une eau qui retiendra sa mémoire, à l’inverse de la laver. Le format passeport pour une photographie symbolise notamment l’identité. Elle est ici figée, il s’agit de l’unique lien que je partage avec lui.
ARTS VISUELS
par Gabriele Ferrarini
L'œuvre exposée met en scène une tentative d'habiter un espace psychologique caractérisé par de nouvelles intentions et des idées antagonistes. Un rêve lucide dans lequel les outils de mesure de l'architecture réapparaissent comme des ombres clouées, des silhouettes noires. Des altérations physiques et atmosphériques accompagnent une mauvaise utilisation des objets mentionnés, les rendant apparemment méconnaissables. L'union de chaque élément articule une métaphore improbable qui, dans une clé poétique et ironique, cherche à souligner les doutes qui nous poussent à observer la réalité et la criticité des mesures qui la contrôlent.
ARTS VISUELS
par Max Klunge
Mon projet consiste à créer un petit événement au sein de l'ECAL. Autour d'un sound system, le but est de proposer aux étudiante·x·s et à toute personne, faisant partie ou non de l'ECAL, se trouvant à l'école, de passer un moment agréable, de découvrir de la musique, de manger, de boire, de faire vivre ce lieu en incitant se rencontrant et apprécier le moment. La démarche est basée sur plusieurs points, l'aspect politique et militant de la musique et dans ce contexte avec un sound system, l'aspect du homemade et de la pratique collective, promouvoir une consommation inclusive et éthique par de la nourriture vegan. Musicalement, c'est une proposition qui est le fruit d'expérimentations de compositions, sélections et productions de musique et de diffusion de celle-ci.
ARTS VISUELS
par Léonard Vazquez Vila
Possibility, potential, virtuality: sequencing, veering, rupture; linearity, hiatus of intensity, impassive interval; the predictable, unpredictability, the senseless; the only thought, the thinkable, the unthinkable; the already felt, the felt, the insensate; the possible, the possibilizable, the impossibly real; the possible, the "practically impossible," the impossible in principle; the instrumental, the operative, and the contingent; same, change, chance.
ARTS VISUELS
par Flavio Visalli
Please me, make me happy Breather, sleeper Make me happy Misty, crystal Blister, eternal Soft and liquid in the light Secret otherworldly sight Passing time in black and white If only I could dream tonight On my own Teenage lessons set me right Taught me how to dream tonight Love me warm in cold daylight Soft as skin and safe inside Smother silky sin so fine Make believe that you are mine On my own Tears and sorrow set me right Taught me how to dream tonight
CINEMA
avec Anne Brouillet
Lux Vitae est un scénario de long-métrage de fiction développé durant deux ans au sein du Master Cinéma ECAL/HEAD. Le projet s'est construit en partant d'un synopsis, passant par diverses versions de traitement jusqu'à une V1 de scénario. L'écriture a été suivie durant tout son processus par Anne Brouillet. Lux Vitae est un film qui se déroule à La Chaux-de-Fonds et qui intègre le contexte socio-historique de l'endroit. Le film suit l'histoire d'Anica, ouvrière horlogère, polyamoureuse et pansexuelle qui, suite à une accident, devient paraplégique. Limitée dans sa vie sexuelle, elle souhaite alors faire recours au suicide assisté et rencontre Max, accompagnateur pour EXIT. Ces deux êtres totalement opposés dans leur sexualité vont se rapprocher et se souder l'un à l'autre, intimement.
CINEMA
avec Anne Brouillet
Rase Campagne est un projet de scénario long métrage de comédie. Il raconte l'histoire d'Elia, une jeune vaudoise serviable et polie qui vit dans la crainte de déranger... ou encore pire de décevoir. Un jour, une ZAD débarque dans sa tranquille région et par un malencontreux concours de circonstances, on croit qu'elle fait partie des zadistes ! Elia essaiera de prouver le contraire mais l'aventure s'avérera difficile quand les différentes forces en présence tenteront de la rallier à leur cause. Je m'intéresse dans ce récit à sonder la "neutralité" suisse et les conséquences de refuser l'engagement qu'il soit émotionnel ou politique. Le projet est au stade de la V1 et est donc en cours de développement.
CINEMA
avec Verena Paravel
Silencio est un film hybride qui raconte l'histoire d'une preneuse de son d'une grande ville de Colombie qui se rend dans les jungles de la côte pacifique, à la recherche des sons d'un passé qui hante encore le présent. Un voyage personnel au cours duquel elle rencontre des activistes locaux de différentes générations engagés dans la préservation de la mémoire, et où la musique et les traditions orales agissent comme des espaces liminaux dans lesquels le deuil invoque et secoue les fantômes d'un héritage colonial devant les promesses du futur. Un film qui trace une cartographie du son et archive le présent écologique d'un point de vue historique, en examinant sensoriellement les incarnations de la résistance dans un contexte de conflit armé dans l'ouest de la Colombie.
CINEMA
avec Elene Naveriani
Dans un futur proche, Xzir, une femme d‘une trentaine d‘années, se retrouve confrontée à une grossesse non désirée. Dans la société techno-autoritaire et ultra digitale dans laquelle elle vit, les grossesses sont automatiquement inscrites dans un registre national et surveillées par l‘Etat, les avortements interdits. Xzir va prendre les chemins illégaux du DarkWeb pour tenter de mettre fin à sa grossesse coûte que coûte.
CINEMA
avec Elene Naveriani
Fenni in Wonderland est un court métrage de fiction dans lequel j'utilise aussi une approche documentaire. Dans ce film, la frontière entre la réalité et le rêve est brouillée par le réalisme magique afin de représenter la communauté des immigrés chinois à Paris à travers mon point de vue.
CINEMA
avec Katharina Wyss
Nena, 40 ans, vit dans la vallée dans le Tessin où elle a grandi. Giulia, une trentenaire de la ville se rend pour la première fois dans le village d’origine de sa famille, afin d’y mener des recherches de terrain pour son postdoctorat. Nena sert à contrecoeur de guide à Giulia dans ses recherches. Entre les deux, l’animosité s’installe vite. Les protagonistes découvrent que de mystérieuses attaques meurtrières sont en train de ravager la vallée qu’elles ont laissée derrière elles. Prises de panique, les deux femmes se rendent alors dans un refuge d’altitude. Mais ce bref répit laisse rapidement la place au déchirement. L’orage n’est pas loin, et les monstres non plus. Confrontées à elles-mêmes dans l’horreur, Giulia et Nena s’affrontent.
CINEMA
avec Verena Paravel
Autrefois appelé "le matériau magique", l’amiante est désormais devenu un mal invisible. Dans une vallée oubliée de la Suisse, la mort, portée par le vent, accompagne encore et toujours le quotidien des ouvriers italiens de l’usine d’amiante. Ils sont réduits au silence par l'État industriel suisse. Néanmoins, l'intérieur des corps des victimes témoigne de leur histoire : les poumons blessés par l'amiante inspirent et expirent en se mélangeant à la présence des sons industriels répétitifs, comme des battements de coeur dans lesquels ils étaient autrefois immergés. Le rythme binaire de la Tarantelle, un rituel italien méridiona.l avait autrefois le pouvoir de contrer un mal invisible.
CINEMA
avec Katharina Wyss
Sous le bruit se cache le silence. Overture est un voyage cinématographique qui tente d'illustrer comment le silence peut être recouvert par le bruit en racontant l'histoire typique d'un être humain et sa façon de faire face aux souffrances de la vie dans le monde moderne.
CINEMA
avec Katharina Wyss
Firelight explore ma peur de la non-existence après la mort et celle de ne plus interagir avec un environnement. Il confronte les personnages aux mensonges qu’ils se disent à eux-mêmes, afin de pouvoir survivre face à cette situation absurde. Il s’agit d’une prise de conscience et du point de non-retour, où, confrontés à la réalité, nous prenons également conscience du fait de créer vainement du sens à nos vies, pour les rendre vivables. Ainsi, on se cache de la misère mortelle qui nous attend chaque jour, comme dans chaque pièce du manoir. Nous créons des sens et des explications pour se conforter, sauf qu’en être conscient et accepter cette absurdité équivaut à ne plus en avoir peur.
CINEMA
avec Verena Paravel
Une ballade de moteurs et d'amour, ce court métrage est un voyage émotionnel et hypersensoriel dans le monde profond de la mécanofilie.
CINEMA
avec Anne Brouillet
Mon projet de diplôme est le scénario d’un long-métrage intitulé Hypersex, qui aborde le genre de la romance fantastique. Il raconte l’histoire d’Alfa, un jeune homme qui prête son apparence à un modèle d’androïde sexuel, et parvient à en détourner un exemplaire dans l’espoir de rétablir l’intimité perdue avec son partenaire fuyant. Vite, en le substituant à lui, il perd le contrôle de la situation et se retrouve confronté à de violents affects. Ce scénario fait jouer la sexualité comme une force dramaturgique à part entière dans la dynamique globale du récit. Mêlée à celle-ci, la rhétorique narrative du retour d’amour offre une perspective queer au film, dressant le portrait complexe de deux personnage masculins qui, malgré leurs conduites égoïstes, choisissent de ne pas s’abandonner.
DESIGN DE PRODUIT
par Eduardo Altamirano Castro
L’industrie audio d’aujourd’hui a transformé les haut-parleurs en petits objets en plastique, sans fil et alimentés par batterie. Pour contester cela, j'ai créé le projet Sonido Material, qui explore la relation entre la musique et l'expérience humaine, en mettant l'accent sur notre interaction avec le son. Le résultat est une enceinte satellite plate minimale composée de trois composants. Il utilise l'énergie magnétique pour activer une membrane en papier avec une bobine de cuivre en couches, amplifiant ainsi le son. Chaque prototype met en valeur la matière brute, créant un dialogue poétique avec son environnement sonore. La conception est entièrement modulaire et démontable, facilitant la réparation, le recyclage ou une variété de configurations/installations.
DESIGN DE PRODUIT
par Youssef Bassil
L'adulte moyen passe 24 heures par semaine sur son smartphone, entraînant des problèmes tels que la fatigue oculaire, le sommeil perturbé, la dépression, l’anxiété et une réduction de la concentration. De nombreuses personnes, en particulier de la gen-Z, qui reconnaissent que les smartphones sont conçus pour capter leur attention, se tournent vers les "dumbphones" – les téléphones mobiles pre-iPhone. Mais, utiliser un dumbphone au quotidien peut être frustrant. Le monde s’est adapté aux smartphones pour les paiements, les transports et plus – aliénant les non-utilisateurs. OoO_Out of Office offre une solution: un appareil pour la communication de base, la navigation, les paiement et les billets sans distractions: rester connecté et en contrôle sans la présence envahissante d'un smartphone.
DESIGN DE PRODUIT
par Sofia Biondi
Campana est le fruit d'une collaboration avec la société suisse Ateliers Firmann, réputée pour la fabrication de cloches de vache et de rampes, mettant à profit leur savoir-faire et leur héritage. Le résultat est une paire de lampes, chacune de taille différente, sculptées à partir de profils en acier courbés et soudés. Au cœur de chaque lampe, la cloche brille comme source de lumière. L'objectif était de transformer cette icône en lui donnant une nouvelle fonction. Tout comme le son de la cloche guide les animaux, sa lumière orne désormais les espaces domestiques d'une présence douce. Les lampes sont réduites à leur essence: la cloche rayonnante, la structure de soutien et un câble qui relie ces éléments, tous fabriqués sous le même toit.
DESIGN DE PRODUIT
par Gabriella Duck Garnham
L’infrastructure de mobilité suisse comprend divers modes de transport, depuis le 'dur' des voies de chemins de fer jusqu’au 'doux' des pistes de bus et deux-roues. Les éléments doux sont souvent les plus accessibles, les rendant essentiels dans le réseau de mobilité pour encourager les gens à utiliser les transports en commun. Traditionnellement, les infrastructures de mobilité douce sont monumentales, immuables avec des fondations en béton. Elles sont donc difficiles à adapter aux besoins changeants des villes au fur et à mesure de leur développement, entraînant des coûts supplémentaires et même la démolition. B+ est un abri-bus éphémère pour Transport Lausanne, conçu pour être fixé sur place à l'aide de pierres et bois locaux. Mobile, il peut être déplacé au grès de l’évolution urbaine.
DESIGN DE PRODUIT
par Louis Ferraz
Système de table et de banc pour espaces communs. La tension du projet réside dans le contraste entre la lourdeur visuelle et la légèreté réelle de cette famille d'objets. Des produits de grande taille pour occuper de grands espaces de manière efficace. La légèreté et l'emballage plat de la grande table et du banc permettent une installation agile tout en étant des objets durables et robustes. Cela a été rendu possible grâce à l'utilisation de contreplaqué très fin rempli d'une structure en nid d'abeille en carton.
DESIGN DE PRODUIT
par Justus Hilfenhaus
ECAL x ECAL est une collaboration entre moi et l'institution. Ce projet présente une collection d'objets conçus et fabriqués à l'ECAL pour résoudre des petits problèmes significatifs que j'ai rencontrés durant mon séjour ici. Chaque objet, des essentiels de la salle de classe aux améliorations des espaces communs, est créé pour une utilisation optimale. Avec une finition en acier galvanisé, ces objets assurent durabilité et reconnaissance, reflétant notre esthétique architecturale contemporaine. Fabriqués par les artisans de l'ECAL et moi-même, ils représentent notre engagement envers le design, améliorant la vie quotidienne tout en s'intégrant harmonieusement dans notre environnement scolaire.
DESIGN DE PRODUIT
par Meri Hozumi
Meno Mosso transforme les consommateurs en créateurs en utilisant le papier mâché traditionnel japonais appelé Hariko. Ce processus méticuleux implique la superposition et le séchage répétés du papier. La fabrication d'un tabouret peut prendre jusqu'à 30 heures, ce qui contraste fortement avec la rapidité des achats en ligne. Remettant en question la production de masse et la consommation rapide, je pense que le court laps de temps entre le désir et l'acquisition d'un produit entrave l'attachement. Ce projet vise à renforcer les liens entre les consommateurs et les produits. Le temps investi rend chaque objet spécial. Des matériaux tels que de vieux livres, des bandes dessinées ou encore du papier recyclé peuvent être utilisés, la colle à l'amidon garantissant que tout est recyclable.
DESIGN DE PRODUIT
par Jiahao Huang
La mousse de PU, longtemps privilégiée pour le confort des tissus d'ameublement, a un impact environnemental important. Cela m'a poussé à utiliser le tissu d'espacement, un matériau en sandwich à trois couches tricoté par une machine à tricoter 3D, comme alternative. J'ai conçu un canapé avec ce matériau au cœur. Sans colle ni agrafe, tous les composants s'assemblent et se séparent facilement. Grâce à la tension et la flexibilité du matériau, il forme naturellement des formes volumineuses et lisses. L'objectif est de créer le rembourrage et la couche de contact en une seule pièce de tissu, sans couture ni découpe.
DESIGN DE PRODUIT
par Fanny Marrot
Encore Bon est un système visant à changer la façon dont nous considérons les déchets alimentaires en valorisant les ressources existantes invendues mais consommables produites par les supermarchés. Ces produits abimés moins attractifs sont souvent délaissés mais possèdent pourtant des qualités gustatives et nutritives. Le système communique et éduque les gens autour du gaspillage alimentaire tout en créant de nouveaux produits. Les denrées sont collectées puis associées selon leur correspondance aromatique grâce à une application dédiée, créant ainsi de nouvelles saveurs. Elles sont ensuite séchées afin de prolonger leur durée de vie. Le résultat se traduit par des produits secs attractifs et savoureux, incitant les consommateur·trice·s à porter un regard différent sur les invendus.
DESIGN DE PRODUIT
par Clémentine Merhebi
En 2023, une personne résidant en suisse consommait 140 litres d’eau potable par jour. La moitié était consacrée à la douche. 75 est un pommeau qui permet d’économiser ¾ de notre consommation. Développé par SICT, son mécanisme imite visuellement et réduit le débit d’un pommeau classique de 20 à 4 litres d’eau par minute. Privé de son manche, il représente également une économie matérielle en tenant dans le creux de la main. Assemblé par une unique vis, on peut ainsi séparer tous ses composants, y compris ses aimants qui lui offrent différentes inclinaisons lors du contact avec son support. Comme une toile, cette tôle adhésive déconstruit l’architecture de la douche à travers une simplification de ses systèmes et de ses d’accessoires, nous permettant de mieux comprendre notre consommation.
DESIGN DE PRODUIT
par Lilian Onstenk
De nombreuses vestes négligées ont des fermetures éclair défectueuses. Avant le recyclage, textiles et pièces doivent être séparés dans les installations dédiées, une procédure laborieuse. La collection uien propose un système où le tissu et la fermeture éclair sont facilement échangeables et séparables. Comme une taie d'oreiller, l'isolation en laine feutrée est encapsulée entre les couches de coton sans utiliser de systèmes de fixation supplémentaires. La fermeture éclair légèrement modifiée s'attache au tissu et peut être aisément retirée et remplacée. uien vise un recyclage plus simple mais, avant tout, encourage les consommateur·trice·s à remplacer les articles cassés sans équipement spécial ni connaissance préalable.
DESIGN DE PRODUIT
par Aurelia Pleyer
Notre façon de travailler évolue. Aujourd'hui, nous ne restons plus à un bureau fixe dans un lieu unique, mais nous avons besoin de flexibilité et de mouvement. Comme nous effectuons une grande variété de tâches au cours de la journée, nous souhaitons disposer d'une gamme tout aussi variée d'espaces pour créer, se concentrer, communiquer et réfléchir. With kind regards propose une manière ouverte de travailler sur deux surfaces. Assis ou debout, le mobilier explore différentes possibilités de situations de travail. La structure simple et directe, mais polyvalente, utilise le bois pour créer un environnement chaleureux et accueillant. Encourageant à travailler d'une nouvelle manière, with kind regards est un endroit flexible pour les E-Mails courts et longs.
DESIGN DE PRODUIT
par Antonio Severi
VAC se concentre sur l'assemblage d'objets sans attaches conventionnelles, en utilisant le vide comme liant. Cette technique, connue sous le nom de "jamming", provient de la robotique douce mais est également utilisée lors de la mise sous vide de produits comme le café. Elle créé de la friction entre les pièces comme de la colle, mais permet au processus d'être réversible. Divers sacs ont été remplis de différents matériaux, créant des options d'assise uniques qui répondent aux défis techniques et explorent différentes combinaisons de matières. Le projet comporte cinq prototypes de chaises utilisant différentes méthodes, mettant en valeur des techniques de liaison permettant une séparation et un recyclage faciles, soulignant un engagement en faveur de la durabilité et de l'innovation.
DESIGN DE PRODUIT
par Loïs Weber
Un rapport de l’Office fédéral de l’environnement prévoit des vagues de chaleur estivales annuelles, augmentant les jours « tropicaux » durant l'année (>30°C). Face à ce phénomène, certaines villes suisses cherchent des solutions pour lutter contre ces « îlots de chaleur urbains ». Le projet Ilo est une proposition pour lutter contre les vagues de chaleur à Lausanne. En collaboration avec un fabricant de briques local, le potentiel de refroidissement des briques, qui absorbent et évaporent l'eau lentement, a été exploité dans une installation d'assise modulable, offrant de l'ombre et du rafraîchissement. Adaptable à divers lieux, cette installation peut être déployée durant les quatre mois de canicule estivale, améliorant ainsi le confort urbain et favorisant les interactions sociales.
DESIGN DE PRODUIT
par Yichen Wu
Le tabouret Haitang est le résultat d'une étude de la forme basée sur la culture, mêlant tradition et universalité démocratique. La popularité du nouveau style chinois démontre une reconnaissance croissante de la culture traditionnelle sur le marché chinois. En s'appuyant sur des recherches approfondies sur les meubles de style Ming, ce projet vise à extraire et à retranscrire leur beauté à travers des objets du quotidien, défiant la perception commune selon laquelle ils ne servent qu'à une minorité. En redessinant l'emblématique tabouret en plastique rouge, l'alternative locale au Monobloc, le tabouret Haitang explore le pouvoir communicatif des formes culturelles tout en conservant son faible coût et sa fonctionnalité universelle.
PHOTOGRAPHIE
par Sunny Attias
Rotten Reverie est une série qui s'intéresse à l'apparition apparemment aléatoire d'images dans les flux de contenus recommandés par les réseaux sociaux, grâce à l'utilisation d'algorithmes personnalisés. Ayant souvent recours aux contenus recommandés et les trouvant aussi fascinants que parfois inquiétants, j'ai choisi d'analyser les motifs visuels récurrents et les groupes de sujets, de formes et d'images présents dans mon flux de contenus recommandés. Les images témoignent d'un certain modèle de contenu, éphémère par nature, qui flottait autrefois dans un océan de recommandations. Il s'agit d'une tentative d'application d'une approche humaine à une logique machinale, et spécifiquement une analyse d'un phénomène qui semble comprendre certains de nos processus de pensée mieux que nous.
PHOTOGRAPHIE
par Bor Cvetko
Le projet explore l’angoisse existentielle de la consommation passive des médias numériques. Nous sommes bombardés de nouvelles, vidéos, moments heureux, de mort, de publications d’amis et de célébrités. Ce flux provoque la déconnexion, l’engourdissement, et l’épuisement. Une chaise en plastique blanc, symbole de détente, devient le support perdu. J’incorpore des éléments archéologiques pour réfléchir au présent en décomposition et au futur incertain. Les images sont montées sur des plaques métalliques, formant une grille de 24 carrés, support de photos transposées, assemblées et déchirées. Le projet utilise le même titre qu’un article de TMZ qui décrit l’impact d’Internet sur une tribu amazonienne isolée.
PHOTOGRAPHIE
par Riccardo Fasana
Cozy Threshold est une collection de collages photographiques numériques qui examine certains espaces de transition au sein de l'environnement domestique. Avec l’intention de remettre en question le regard à travers lequel ces espaces sont habituellement observés au cours de la routine quotidienne, les images du projet présentent des distorsions qui révèlent la technique employée dans leur création. Alors que la structure stratifiée de ces reconstructions numériques d'espaces réels se révèle aux yeux du spectateur, l'écart entre ce qui est observé et ce qui a été vu initialement devient plus clair. Ce travail invite à réfléchir la dimension de l'espace virtuel dans lequel ces images existent à travers une observation détaillée de certains espaces du quotidien.
PHOTOGRAPHIE
par Florian Hilt
BSoD (Écran Bleu de la Mort) est une série de vues stagnantes d'un poste de travail émergeant de la dualité entre fascination et peur des espaces de bureau. Entre ennui et anxiété, le désir de fantaisie se transforme en une quête métaphorique d'un moment de repos durant une journée bruyante et répétitive. Le temps qui file dehors et stagne à l'intérieur, l'esprit qui divague perce l'identité corporative. Les pensées intrusives envahissent l'espace de travail en cas de burnout. L'attention se perde dans une monotonie fantastique. Appuyez sur le bouton d'alarme, brisez la vitre et laissez vos sens s'éloigner avant de revenir à la corvée. Le silence et le bruit se dissocient, reflétant le paradoxe du travail numérique où artiste et outil doivent rester invisibles pour prétendre la perfection.
PHOTOGRAPHIE
par Isabella Madrid
En tant que femme latino-américaine, j'ai grandi avec des attentes très spécifiques sur le type de femme que je devrais être. Dans mon projet, je renverse les codes qui m'ont été imposés. J'incarne les symboles qui illustrent la femme colombienne par des autoportraits photographiques. Dans ces mises en scène, je bouleverse ces symboles. Je les laisse exercer une influence sur moi ou j'impose la mienne. Je joue avec eux. Je les laisse me définir et je redéfinis leur pouvoir et signification. Je me positionne à la fois dans le rôle de muse, de photographe, de styliste, de maquilleuse et de directrice artistique. Ce processus met en lumière la violence coloniale persistante à laquelle le corps féminin colombien a toujours été soumis.
PHOTOGRAPHIE
par Tanguy Morvan
We All Walk On Empty Staircases reflète les profondes cicatrices des traumatismes d'enfance de l'artiste. Grandir dans un environnement violent et tourmenté a laissé des marques permanentes dans son esprit. À l'âge de sept ans, il a trouvé refuge dans le jeu World of Warcraft, où il s'est immergé pendant seize ans, créant une version idéalisée de lui-même. Ces dernières années, son grand-père l'a introduit au monde maçonnique, approfondissant sa fascination pour les rites. Depuis six mois, il transforme son corps à travers le tatouage, un processus qui lui a permis de reprendre le contrôle de son esprit et de son corps, tout en restant connecté à ses souvenirs passés. Son projet invite à une réflexion sur l'impact de la violence domestique et le pouvoir de guérison des rituels.
PHOTOGRAPHIE
par Nina Pacherová
We Won't Tell Daddy! offre un regard spéculatif sur l'impact du sharenting — le phénomène où les parents partagent excessivement la vie de leurs enfants sur les réseaux sociaux. Sous forme d'installation vidéo, il explore les conséquences futures de l'empreinte numérique que les parents créent pour leurs enfants. Il se concentre sur le TikTok #bathroomchallenge, où les enfants sont enregistrés en train de jurer, et inconscients des implications futures, leur vidéo est partagée en ligne. Le projet utilise l'IA et la technologie deepfake pour protéger l'identité des enfants en remplaçant leurs visages par celui de l'autrice et souligne les abus des contenus. En même temps, il nous incite à redéfinir le rôle de la technologie dans nos vies en utilisant le deepfake comme outil de protection.
PHOTOGRAPHIE
par Amélie Tricaud
Ce travail illustre une attirance pour le masculin, un désir profond d’être incarnée dans un corps différent, supposé être mon opposé. Cette obsession, construite par l’accumulation d’images d'hommes, montre ce que je convoite, ce que je souhaite porter en moi, sans pouvoir y accéder. A travers les 250 pages du livre je questionne mon regard et ma notion du beau en idéalisant ces corps, les objectifiant ou les réduisant à l’abstraction, tentant de subvertir les idéaux genrés et stéréotypés féminins et masculins. C’est une réflexion sur l’idée de muse, en inversant les relations de pouvoir entre la femme muse et l’homme artiste, ainsi qu’un reflet sur l'immense corpus existant représentant des figures féminines, sur la manière dont leur corps est toujours dépeint, scruté, découpé, contorsionné.
PHOTOGRAPHIE
par Tianyu Wang
Je me suis concentrée sur la violence invisible et l'oppression contre les femmes dans l'environnement familial. Je déconstruis les postures que les femmes devraient prendre dans leur vie quotidienne pour résister à la culture patriarcale. À partir d'expériences personnelles, je reconsidère les scènes de violence familiale, les sentiments immédiats et la "mémoire corporelle". Je crée des scènes mêlant réalité et imagination, représentant symboliquement le moi opprimé et résistant. Mon travail répond au quotidien, brisant la discipline traditionnelle imposée aux femmes au sein de la famille et déconstruisant la vie quotidienne. Cela résiste aux dynamiques de pouvoir de la structure binaire traditionnelle de genre représentée par le "foyer", la discipline et l'oppression des individus.
PHOTOGRAPHIE
par Fabienne Watzke
Enfant, les gens supposaient que j'aimais le rose et non le bleu. Dans l'imaginaire d'aujourd'hui, le rose est féminin, mais c'était autrefois une couleur masculine. Lately I've been dreaming in pink and blue montre comment nos stéréotypes et représentations visuelles du genre poussent les femmes dans des rôles prédéfinis et projettent sur elles des attentes qui manifestent l'inégalité. Dans mon travail, je défie ces normes de genre en m'appropriant des symboles masculins comme l'armure de chevalier et en la déconstruisant avec divers symboles et codes de genre. L'armure de chevalier symbolise le patriarcat dans lequel nous vivons, une coquille pour un type de corps spécifique. À travers des ponts symboliques, je montre comment la mentalité du « chevalier » moderne est encore profondément enracinée aujourd'hui.
TYPE DESIGN
par Mirela Belcheva
Astra est une famille de caractères humaniste conçue pour répondre aux exigences des environnements écrits complexes, tels que dictionnaires et ouvrages de référence, notamment dans les domaines de l’apprentissage des langues et de la traduction. Elle dégage une personnalité calme, une présence nette et fonctionnelle, avec une polyvalence qui lui permet toutefois de s’adapter à différents types de textes, aussi bien imprimés que sur écrans. Sa neutralité lui garantit sa pertinence dans divers contextes et applications, sans être limité par des cas d’utilisation précis. La famille se divise en deux corps optiques: Display et Text, ce dernier riche de plusieurs graisses, de Light à Bold, l’une d’elles possédant un extension cyrillique.
TYPE DESIGN
par Eran Ben Barak
Olivia est une famille typographique en écritures latines et hébreux. Il explore les formes et les conventions de ces systèmes sans les mélanger ou « latinisant » l’hébreu. Le projet questionne les normes du design typographique de l’écriture latine, tirant parti de mes antécédents et de mon éducation. En tant que designer et lecteur de l’hébreu, je soutient l’importance de l’apprentissage mutuel entre systèmes typographiques. Cette police sert donc de pont, démontrant comment hébreu et latin peuvent non seulement coexister mais aussi s’enrichir mutuellement.
TYPE DESIGN
par Hólmfríður Benediktsdóttir
Utilisant la boucle comme expérience d’expression et de désobéissance dans le texte, KRULLA.SANS est une police de caractères sans empattement qui se décline en trois graisses avec des boucles correspondantes. Inspiré par le dessin original de l’Antique No. 8 de Miller et Richard, KRULLA est une exploration sans fin des boucles contemporaines poussées à l'extrême. Avec ses proportions condensées et ses courbes inattendues à travers les styles, KRULLA évolue d’un Bold Confused à un Crazy Light désobéissant qui réimagine la relation entre la courbe, l'enroulement, la spirale, la torsion et le tourbillon. Une lettre bouclée peut-elle être réutilisée et montrée comme un outil signifiant la résistance et la désobéissance?
TYPE DESIGN
par Thorgeir Kristinn Blöndal
Flaneri est une police de caractères aux références post-industrielles, tiraillée entre le tracé manuel et les influences de la machine. Elle apparaît dans un monde où l’authenticité est de plus en plus difficile à repérer, et où l’attraction vers le design « fait par l’humain » est en pleine croissance. Inspirée tant par les écritures de Jan van de Velde que par celle de ma propre grand-mère, Flaneri pose la question de la présence. Dans un dessin, qu’est-ce qui doit être poli, enlevé, ou mis en évidence ? Il en résulte une fonte cursive à la matérialité assumée et aux connexions brisées, laissant le lecteur dans l’expectative de ce qui a été enlevé, ou de ce qui va être ajouté.
TYPE DESIGN
par Pauline Heppeler
Shift est une famille de caractères composée de quatre paires de romains et d’italiques allant du sans au serif, du light au medium. Le point de départ de ce projet est l’idée de conversation entre différents styles, explorant les dialogues possibles au sein d’un espace graphique. En brisant la répartition binaire des formes selon leur graisse, les paires de styles sans et serif interagissent et échangent, dans une richesse de détails et par une dialectique constante entre accords, désaccords, communions et dissensions, action et réaction, soulignant l’importance de la négociation dans le design.
TYPE DESIGN
par Maximilian Inzinger
Embajador est une famille de caractères serifs, polyvalente, conçue pour un usage en labeur. Initiés à partir de modèles historiques espagnols qui montrent une dynamique inhabituelle dans leurs traits, elle garde l’esprit et le charme de ses origines, tout en harmonisant les formes d’une manière contemporaine. Les graisses d’Embajador sont conçues et dessinées comme des corps optiques. Le Light est monolinéaire, avec des proportions larges. Le Black présente quant à lui des formes condensées, avec un contraste plus marqué. Ces variations ont pour but de guider les utilisateurs dans le choix du style approprié pour leur application dans une taille spécifique. Grâce à un système d’espacement optique, tous les styles peuvent toutefois être utilisés efficacement à n’importe quelle taille.
TYPE DESIGN
par Gabriela Jaime
Fabrikaat est une police de caractères sans empattements, en rupture avec les canons néo-grotesques suisses. Dessinée sur un axe de largeur (de Condensed [0] à Wide [8]), elle est également accompagnée d’une version à chasse fixe, pour les petits corps. Fabrikaat s’inspire de la manipulation de matériaux rigides et de l’analyse de leurs courbes, se concentrant sur la déformation et la tension des métaux. La famille traduit en vecteurs des courbes venues de l’acier, d’un univers mécanique et solide. Les transitions douces entre droites et courbes sont obtenues grâce à un ensemble stylistique conçu pour faciliter les jeux visuels au sein de l’espace graphique, ce qui ajoute personnalité et rythme à une fonte robuste, la rendant aussi polyvalente sur tous supports et en tous corps.
TYPE DESIGN
par Nell May
Night Editor est une famille de caractères dédiée à la lecture en mode sombre, à un espace de réflexion, de concentration, de création. Modelée sur un squelette calligraphique, elle est faiblement contrastée, ses larges ouvertures et ses approches généreuses lui assurant une lisibilité optimale, prenant en compte le halo de lumière créé par l’affichage en blanc sur noir. La famille se limite aux outils strictement nécessaires: Regular, Bold et leurs italiques (avec une variante pour lecture en noir sur blanc). Night Editor Mono en est le compagnon pour l’écriture. Elle vise à donner un accès lent, physique, à la création de textes. Night Editor Sans est son pendant à chasse variable, dont l’ambition est de permettre la lecture et l’écriture dans une sereine obscurité.
TYPE DESIGN
par Simon Memel
Itinérant prend comme point de départ le travail de Robert Granjon, proposant une famille de caractères composée de quatre styles : deux romains, de texte et de titrage, chacun avec son italique correspondant. Le version texte vise à calmer en partie l’extravagance propre à Granjon. En réduisant le contraste, le caractère est plus adapté à la lecture continue, en particulier dans des petits corps. Il s’inspire d’autre polices influencées par Granjon comme le Plantin ou le Times New Roman. La version de titrage renvoie aux maîtres calligraphiques ayant influencé son travail. En restituant des détails absents de la version texte, Itinérant Display propose une interprétation plus concise et contemporaine, adoptant des caractéristiques plus proches de la calligraphie que de la typographie du XVIe siècle.
TYPE DESIGN
par Lucrezia Noro
Plaxid est un caractère uni-width développé pour améliorer la composition de hiérarchies complexes et de mises en page à forte teneur en texte. S’inspirant de la structure mécanique du genre Ionic, Plaxid est une famille de caractères pratique avec une sensation de solidité et une personnalité modeste. La spécificité des matrices duplexées utilisées par Linotype à l’époque de la composition au plomb est améliorée par la possibilité contemporaine de l’espacement négatif du crénage. Cette dualité complémentaire permet d’obtenir un dessin uni-width sans compromettre la forme des lettres. Plaxid maintient des mesures de largeur cohérentes entre ses huit styles, ce qui permet de changer facilement de graisses sans affecter la qualité et le calibrage et la mise en page.
TYPE DESIGN
par Antoine Pasi
La famille Quasi trouve son point de départ dans l'idée de « Mécalde », un terme typographique français employé par Maximilien Vox pour décrire la façon dont José Mendoza y Almeida mêlait le genre Mécane au Garalde. Telle une sculpture souple façonnée à la main, Quasi offre une vision contemporaine d’un processus empirique hybride, conciliant des traces artisanales et industrielles. Le pinceau, le burin, la plume large se rencontrent autour d’une structure rigide et rectangulaire, sans rejeter l'outil numérique. Quasi embrasse la beauté imparfaite et trouve son intérêt dans le détail incohérent, grotesque, médiateur d'idées antagonistes. Tel l’idée de Janus, Quasi est à la fois confiant et maladroit, rugueux et élégant, incarnant des personnalités opposées au sein d'un ensemble de lettre.
TYPE DESIGN
par Anna-Sophia Pohlmann
Du rationnel au fonctionnel : Eternity est une famille de caractères en six styles, inspirée du Romain du Roi, l’un des premiers exemples de dessin typographique rationalisé. Lors de sa réalisation, le graveur de poinçons Philippe Grandjean avait pris beaucoup de liberté avec le modèle géométrique fourni. Eternity questionne la notion de fonctionnalité dans la typographique contemporaine : quel est le critère essentiel pour rendre un caractère utilisable dans différents contextes ? Au final, la fonte réutilise des éléments caractéristiques du Romain du Roi et du travail de Grandjean, tout en réinventant la fonctionnalité de la famille typographique en rompant avec les concepts mathématiques et les principes de constructions analytiques.
TYPE DESIGN
par Naiqian Mac Wang
La police de caractères Nimonic est conçue pour aider les locuteurs natifs chinois à apprendre l’anglais. Elle aborde les problèmes que les apprenants chinois rencontrent couramment, tels que le placement de l’accent ou les phonèmes non familiers. Développé à partir de recherches sur la lisibilité, le dessin de Nimonic vise à mettre en valeur les spécificités de chaque lettre, aboutissant à des caractéristiques subtiles et originales qui ralentissent volontairement le processus de lecture. La combinaison de considérations techniques et esthétiques permet à Nimonic de maintenir une première impression familière tout en intégrant de nombreux détails hétérodoxes, jouant sur la mémoire vague de la silhouette des mots, plutôt qu’une mémoire précise.
DRDI (EPFL+ECAL Lab)
par Andrea Pronzati
Praeludium ambitionne d’offrir une ré-interprétation de l’expérience d’écoute de la musique classique. En se fondant sur des innovations numériques et une technologie audio spatiale immersive, Praeludium vise à accroître l’engagement, notamment parmi les jeunes publics. Il transforme les performances conventionnelles en rencontres multi-sensorielles en intégrant des visuels réactifs au son et un éclairage dynamique, donnant ainsi vie aux compositions classiques. En créant une ambiance immersive, Praeludium sert de pont entre les publics traditionnels et contemporains, les encourageant à s’engager avec la musique classique de manière nouvelle et stimulante.
DRDI (EPFL+ECAL Lab)
par Danpeng Cai
ANT (Advancing neurofeedback in tinnitus) est un projet de recherche multidisciplinaire axé sur l’amélioration de la thérapie par neurofeedback pour les acouphènes. Dans ce cadre, la partie recherche de design a établi un processus systématique pour le développement des stimulis visuels. Par une série d’études itératives, ce travail visait à optimiser les protocoles et à remettre en question les notions et omissions dans ce domaine. Ce travail, financé par le Fonds national suisse de la recherche (FNS), intègre des connaissances en design (EPFL+ECAL Lab), en psychologie cognitives (Université des sciences appliquées de Berne et Université de Fribourg) et en neuroscience cliniques (Université et Hôpital universitaire de Zurich), ouvrant ainsi la voie à de futures avancées en neurothérapie.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Esther Alcade
Chaque année, 300 millions de chaussures sont jetées et leur fabrication produit 313 millions de tonnes de CO2 en raison des matériaux dérivés du pétrole. Le projet Arrel vise à prolonger la durée de vie des chaussures de sport en réutilisant les semelles après 1000 km d'utilisation. Basé à Majorque, connue pour ses traditions de vannerie et de cordonnerie, Arrel préserve le savoir artisanal et utilise des matériaux naturels comme les fibres de palmier et l'alfa. Les nouvelles semelles d'Arrel utilisent également des biomatériaux pour réduire l'impact sur l'environnement. Le projet préserve le patrimoine culturel de Majorque en créant des chaussures plus durables et en réduisant l'empreinte écologique.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Min Jun Choi
Souvent considérés comme un déchet, l'intestin est un matériau méconnu qui possède le potentiel d'un diffuseur de lumière délicat. Les intestins de porc sont initialement gélatineux et flexibles, mais une fois stratifiés et séchés, ils acquièrent une dureté et une texture semblables à celles du cuir. Le matériau peut être façonné librement en fonction de l'endroit où il est séché. En utilisant ces propriétés, j'ai enroulé des intestins de porc autour d'une structure et je les ai laissés sécher. Après avoir retiré le moule, j'ai relié les intestins de porc durcis pour créer des éclairages modulaires. Cette conception modulaire offre l'avantage de s'étendre en longueur en augmentant le nombre de modules, s'adaptant ainsi à la taille de l'espace dans lequel elle est utilisée.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Helena Choi
La collection Flat to Surface comprend une lampe, un tabouret et un porte-stylo fabriqués à partir d'un pattern unique en recourant aux techniques de l'origami. Ces objets ont été désignés pour former leurs propres structures par pliage, en ne nécessitant que de simples points de couture ou nœuds afin de maintenir leur forme. Selon l'objet, différents types de cuirs ont été utilisés, choisis en fonction de leur transparence et flexibilité.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Sacha Dufour
Conversation artificielle est un langage fluide - une exploration des formes liquides lorsqu'elles interagissent avec le corps. Ce travail fusionne l'humain et la technologie pour proposer un nouveau processus de création de bijoux. En utilisant la photographie combinée à l'intelligence artificielle, je compose des images destinées à devenir des bijoux. Expérimentant diverses techniques, les croisant, les superposant jusqu'à atteindre une idée. Je recherche la forme qui incarne le liquide, sculptant les images artificielles de la même manière que je compose les photographies. C'est un jeu entre un corps, un liquide et une intelligence qui demande à être guidée.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Raazia Hasnain
Shiro est un projet de recherche sur les qualités haptiques d'un matériau apparemment omniprésent : le papier. Un voyage exploratoire a conduit à la découverte d'une surface unique d'origine japonaise. Sous l'effet d'une source de chaleur, la révélation magique de la translucidité de ce papier a conduit à l'origine de Shiro. Un processus méthodique a ouvert la voie à des découvertes uniques. Une surface bidimensionnelle est devenue la toile d'une expression tridimensionnelle, se prêtant rapidement à devenir un support artisanal au moyen d'outils d'application de chaleur spécialement conçus pour sculpter des textures uniques dans la surface. C'est ainsi qu'a commencé un dialogue délicat entre le papier et la personne, donnant naissance à un monde illimité de perceptions sensorielles.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Alix Malamaire
Depuis de longues années, le bracelet en alligator habille les montres de luxe, leur apportant une identité unique. Crocodium s’inspire de cette matière iconique afin d'en développer une reproduction en titane à l’aide de l’impression 3D. Comme un hommage, il répond à des besoins éthiques en dévoilant un nouveau visuel de l'alligator. Le concept se développe au travers d’une montre à l’effigie de ce pattern: L’objectif: Placer l’alligator comme protecteur du temps, en appliquant le concept sur le fond de carrure d’une montre réversible ce dernier protège le cardan et offre la possibilité de le porter comme une montre ou comme un bracelet alligator.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Blanche Mijonnet
Les routes de la soie tissent au travers des siècles de multiples imaginaires. Depuis le XIIIe siècle, elles apportent à la Suisse une importante activité économique et artistique. Oublié de l’histoire populaire, la production de soie suisse fit la renommée de Zurich qui en était le deuxième plus grand producteur mondial au XIXe siècle. Inspiré par ce puissant récit, Passages propose de remettre en lumière l’histoire de la soie suisse en jouant avec les propriétés versatiles de ce tissu naturel. À l’image des marcheurs qui transportèrent les étoffes au long du chemin, une collection d’objets nomades émergent tous issus d’un seul carré d’un mètre sur un mètre et d’une unique bague: un sac, un foulard et une lanterne. Un trait se propage, prêt à écrire de nouvelles histoires.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Kao Onishi
PNEUMA est un projet de recherche sur les matériaux, explorant le potentiel du Nitinol pour animer des objets statiques. "Pneuma", dérivé du grec ancien, signifie "souffle" ou "air en mouvement", évoquant le souffle de vie. Le Nitinol, un alliage à mémoire de forme, peut se transformer en deux formes par chauffage et refroidissement. Ce projet utilise la lumière et la chaleur des bougies pour déclencher le mouvement, démontrant le potentiel du matériau sans électricité. PNEUMA est une collection de lampes à bougie transformant l'expérience typique de la bougie en quelque chose de dynamique, ludique et poétique. Partant d'une forme cylindrique discrète, les récipients explorent trois mouvements pour émettre de la lumière : l'effilochage, l'éclosion et l'expansion.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Nuttiya Ratchtrachenchai
Les fruits sont un délice universel, chéri par tous. Les différentes façons dont les gens épluchent et les coupent forme des motifs uniques qui reflètent les styles individuels. S'inspirant de ces techniques, la collection de paniers incarne les motifs complexes et distinctifs trouvés dans les pelures de fruits. Fabriqués à partir de cuir de haute qualité, les paniers présentent une gamme de couleurs qui imitent les teintes vibrantes des écorces de fruits. Avec le temps, le cuir évolue naturellement, sa texture se transformant et s'adaptant à chaque utilisation pour convenir au style de vie du propriétaire. Les paniers incarnent l'élégance de la simplicité, transformant une activité quotidienne en une source d'inspiration raffinée.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Emilie Seguin
Et si un bijou était narrateur? Les bijoux ont toujours raconté une histoire. Ils soulignent des lieux, des événements ou des passages importants de la vie. Ce projet vous dévoile mon héritage, une tradition familiale de partage, visant à célébrer une lignée de femmes: Dix-huit perles pour ses dix-huit ans. Comment le collier de perles évolue-t-il d’une génération à l’autre? Comment rendre hommage à l’existant en faisant évoluer l’idée même du collier? En composant avec l’ancien, j’ai créé du nouveau. En résulte cette « fossilisation » du bijou m’ayant tant marqué. La technique d’embossage de métal révèle une abstraction de la perle, évoquant son histoire, ses possibilités, son évolution…
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par John Stagaman
Retrobruta est une série d'enceintes inspirées par l'architecture, la géométrie simple et le design radical. La base de formes géométriques simples qui se chevauchent donne naissance à un objet distinctif pour la maison tout en étant facile à fabriquer, à réparer ou à éliminer. Certaines enceintes utilisent une feuille de polystyrène recyclé créée par Polygood, qui offre une couleur et une texture intéressantes. Le matériau est constitué de plastique autrefois utilisé en électronique - qui retrouve désormais une nouvelle vie dans ces objets de la même catégorie. Les conceptions servent d’exemple de la manière dont ces avancées en matière de plastiques durables et recyclés peuvent être utilisées dans les produits du quotidien.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Kou Tanikami
La conception des lunettes imprimées en 3D est idéale pour créer des montures légères qui s'adaptent parfaitement à chaque visage. En utilisant une technologie d'impression 3D avancée, chaque monture peut être personnalisée aux mesures exactes du porteur, garantissant un ajustement unique. En choisissant le titane, connu pour sa durabilité et sa légèreté, les montures sont solides tout en restant confortables pour un port prolongé. Une caractéristique remarquable de la conception sont les fines découpes sur les coins de la monture et les plaquettes de nez. Ces fines découpes maintiennent la flexibilité du titane et améliorent le confort. Ce design rend les montures à la fois fonctionnelles et esthétiques, en combinant une technologie de pointe avec un style sophistiqué.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Murillo Weitz
La collection Bird’s Nest (Nid d’Oiseau) se concentre sur le tissage à la main. Elle utilise des fils recyclés et colorés de sociétés suisses, reflétant l'accent local sur la durabilité et le recyclage. Le nom symbolise la nature complexe et résiliente d’un nid d’oiseau. En réutilisant des matériaux, je crée des textiles et des pièces de design à la fois esthétiques et durables. Ce projet souligne l'importance du rôle de l'artisan et de la minutie du travail manuel, répondant à la demande du marché du luxe pour des produits exclusifs et de haute qualité qui racontent une histoire de durabilité et d'innovation.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Inbal Yarkoney
Dans la Bible, la famille de Lot a fui Sodome sans se retourner, mais la femme de Lot a désobéi et s'est transformée en statue de sel. Sodome était située près de la mer Morte, un lac de sel minéral dans le désert de Judée. En Israël, le sel est un déchet de l'extraction minérale de la mer Morte. Le dessalement mondial pose le même problème, nuisible à la vie marine. Pourtant, le sel est un matériau purifiant qui peut être recyclé. Nous pouvons transformer les surplus industriels en divers produits. "Lot's Wife" explore des méthodes de traitement du sel : ébullition, pressage et cristallisation. Le pressage est la méthode la plus prometteuse. Des blocs de sel modulaires ont été créés pour former une lampe, symbolisant le mouvement que fait la femme de Lot en se retournant.
DESIGN FOR LUXURY & CRAFTSMANSHIP
par Seunghyeon Yoo
Le T-Chair est un projet basé sur la recherche, conçu pour accueillir diverses postures grâce à un mobilier compact et ergonomique pour les espaces intérieurs. En explorant une nouvelle typologie adaptée aux environnements contemporains, le T-Chair offre aux utilisateurs une variété de scénarios d'utilisation. Sa structure à axe unique soutient une gamme de mouvements, allant des postures concentrées aux postures détendues, offrant ainsi adaptabilité et confort dans différents contextes.
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Diane Smyth
Rédactrice en chef de Photoworks & British Journal of Photography, Londres
Jury BA Photographie
Christl Baur
Responsable Ars Electronica Festival, Linz
Jury BA Media & Interaction Design
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Geoff Han
Graphiste et enseignant, New York
Jury BA Design Graphique
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Emilie Bujès
Directrice de Visions du Réel, Nyon
Jury BA Cinéma
Beatrice Leanza
Directrice MUDAC, Lausanne
Jury BA Design Industriel
1/1
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Iseult Perrault
Artiste, Paris
Jury BA Arts Visuels
Giovanna Silva
Rédactrice en chef, Humboldt Books, Milan
Jury MA Photographie
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Linda Hintz
Type and graphic designer, Copenhague
Jury MA Type Design
Rosa Bertoli
Rédactrice en chef du design, Wallpaper, Londres
Jury MA Design de Produit
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Mona Varichon
Artist, Paris & New York
Jury MA Arts Visuels
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Prix Tremplin ECAL soutenu par la Fondation Leenaards — CHF 10'000.-
Lena Bernasconi - diplômée BA Design Industriel
Mégane Brügger - diplômé BA Arts Visuels
Lorane Hochstätter - diplômé BA Photographie
Le « Prix Tremplin » vise à faciliter le démarrage d’une carrière et aider à asseoir une pratique artistique professionnelle sur le long terme pour des artistes et/ou designers de talent. Il est destiné aux fraîchement diplômé·e·s de l’ECAL pour les soutenir dans la mise en place d’un projet concret ou dans l’entrée dans la vie professionnelle.
Remis par Mme Catherine Othenin-Girard, Présidente de la Commission Culturelle de la Fondation Leenaards
Bourses Fondation JAN MICHALSKI – Accompagnement pour le développement du travail de Mémoire & CHF 5’000.-
Prix spéciaux
Chloé Vandewalle - diplômée BA Design Graphique
Mélanie Martin
- diplômée BA Media & Interaction Design
Bourses
Karim Akel - diplômé BA Design Graphique
Juliette Masson - diplômée BA Design Industriel
Deux bourses consistant à développer puis donner une visibilité publique à deux mémoires de fin d’études Bachelor. La Fondation Jan Michalski s’engage à favoriser le contact avec des auteur·rice·s, en vue d’obtenir un accompagnement et des conseils qui favoriseront le développement des mémoires. La publication finale fera l’objet d’une présentation publique de la part des lauréat·e·s ainsi que d’un vernissage à la Fondation Jan Michalski. Deux prix spéciaux de CHF 1'000.- sont également attribués.
Remise par Natalia Granero, Directrice de la Fondation Jan Michalski
Prix Images Vevey x ECAL – Exposition
Lea Sblandano - diplômée BA Photographie
Un prix offrant à un·e diplômé·e du Bachelor ou Master Photographie, l'opportunité d'une première visibilité publique à travers une exposition à l’Appartement - Espace Images Vevey, tout en renforçant les liens existants entre l'ECAL et Images Vevey.
Remis par Stefano Stoll, Directeur d’Images Vevey
Prix Plateforme 10 x ECAL – Exposition & CHF 5'000.-
Gary Sandoz - diplômé BA Media & Interaction Design
Un prix destiné à récompenser un·e diplômé·e Bachelor Media & Interaction Design, qui permettra le développement du projet de diplôme en vue d'une première visibilité publique à travers une exposition à Plateforme 10, tout en renforçant les liens entre l'ECAL et Plateforme 10.
Remis par Pauline Saglio, Responsable du BA Media & Interaction Design et Vincent Jaquier, Responsable Communication Visuelle, au nom de Plateforme 10
Prix Downtown Studio de l’Image – Services de post-production & ADHÉSION offerte (CHF 5'000.-)
Naïla Ebinger
- diplômée BA Cinéma pour l’image du film « Cartilage » d'Arsène Fragnière
Un prix destiné à un·e étudiant·e du BA Cinéma, en spécialisation Image, qui s’est distingué·e par la qualité de son travail aussi bien sur les plans artistiques que techniques. Ce prix souligne également les ponts vertueux entre le monde académique et professionnel.
Remis par Boris Rabusseau et Jérémie Blaser, Représentants de Downtown Studio
PRIX La Foncière – CHF 5'000.-
Johanna Bommer - diplômée BA Photographie
Un prix décerné par La Foncière, société de Fonds de placements immobiliers à un·e étudiant·e méritant pour le travail accompli durant l'année en Photographie.
Remis par Thomas Vonaesch, COO of La Foncière
Swiss Design Association Bachelor Award – 3 ANS d'adhésion & coaching
Till Seegräber - diplômé BA Design Industriel
Un prix qui récompense un·e diplômé·e Bachelor pour l’excellence de son travail de diplôme. Le SDA Bachelor Award offre au lauréat·e la possibilité de devenir membre SDA durant 3 ans, ainsi qu’un coaching entrepreneurial individuel pour le développement de son projet de diplôme.
Remis par Andréa Müller, Membre du comité d’organisation de la SDA, Swiss Design Association
Prix Ernest Manganel – CHF 3'000.-
Anna Kawahara
- diplômée BA Arts Visuels
Un prix décerné par le jury de la Fondation Ernest Manganel à un·e diplômé·e en Arts Visuels, pour récompenser la pertinence de sa recherche et la qualité de son travail de diplôme.
Remis par Stéphane Kropf, Responsable du Bachelor Arts Visuels au nom de la Fondation Ernest Manganel
Prix d’excellence du domaine Design et Arts Visuels de la HES-SO – CHF 2'500.-
Flaurant Kadrija
- diplômé BA Design Graphique
Un prix décerné à un·e diplômé·e qui s’est distingué·e par l'excellence de son travail de diplôme.
Remis par Gaetano Massa, Adjoint scientifique du domaine Design et Arts visuels de la HES-SO
Prix WSP – CHF 1'500.-
Angeline Rossetti
- diplômée BA Design Graphique
Un prix décerné à un·e diplômé·e, auteur·e d'un projet qui prend en compte le développement durable, en particulier ses aspects économiques, environnementaux et sociaux.
Remis par Pascale Grossmann, Consultante Corporate Design à WSP
Pax Art Talent Award – Présentation du projet à la HEK-Haus der Elekronische Kunste à Bâle & CHF 1'000.-
Emma Grosu
- diplômée BA Media & Interaction Design
Un prix décerné à un·e diplômé·e en Media & Interaction Design dont la pratique artistique traite de manière innovante de l'influence des technologies sur la société, et qui se caractérise également par une approche narrative discursive et critique.
Remis par Nicolas Bopp, Président de Art Fondation Pax
Prix David Rust – CHF 1'000.-
Karim Akel
- diplômé BA Design Graphique
Un prix décerné par In Rust We Trust à un·e diplômé·e ayant réalisé un travail typographique remarquable. Le/La lauréat·e se voit offrir l'opportunité d'éditer un visuel qui servira à collecter des dons pour l'action Design against Cancer, menée par l'association.
Remis par Angelo Benedetto, Responsable du Bachelor Graphic Design
Prix Geneva International Film Festival (GIFF) — Présentation du projet au GIFF & CHF 1'000.-
Théo Déchanez
- diplômée BA Media & Interaction Design
Un prix décerné à un·e diplômé·e en Media & Interaction Design qui s'est distingué·e par une approche innovante et originale dans la narration ou la réalisation de son projet de diplôme.
Remis par Pauline Saglio, Responsable du BA Media & Interaction Design
Prix METAA – CHF 1'000.-
Mélanie Martin
- diplômée BA Media & Interaction Design
Un prix décerné à un·e diplômé·e en Media & Interaction Design qui s'est distingué·e par une approche prospective et expérimentale dans son travail de diplôme.
Remis par Mylène Dreyer, Présidente de l’association METAA, Media Experiments in Technology and Art Association
Prix du Risque – CHF 1'000.-
Tom Grbic
- diplômé·e BA Arts Visuels
Un prix décerné à un·e diplômé·e du BA Arts Visuels qui a démontré un certain goût du risque dans son travail de diplôme.
Remis par Stéphane Kropf, Responsable du Bachelor Arts Visuels
Prix LOGITECH DESIGN AWARD – SOLUTION CRÉATIVE HAUT DE GAMME & CHF 1'000.-
Julie Turin
- diplômé BA Media & Interaction Design
Un prix décerné à un·e diplômé·e du BA Media & Interaction Design qui s'est distingué·e par dont le projet de diplôme démontre une sensibilité particulière aux thématiques chères à Logitech.
Remis par Giulio Barresi, Responsable UX Logitech
Prix Visarte Vaud – CHF 1'000.-
Achille Meier
- diplômé BA Arts Visuels
Un prix décerné à un·e diplômé·e en Arts Visuels qui s'est distingué·e par l'excellence de son travail.
Remis par Patricia Glave, Présidente de Visarte Vaud
Prix Tremplin ECAL soutenu par la Fondation Leenaards – CHF 10'000.-
Antonio Severi - diplômé MA Design de Produit
Pauline Heppeler
- diplômée MA Type Design
Le « Prix Tremplin » vise à aider des artistes et/ou designers talentueux à lancer leur carrière et à établir une pratique artistique professionnelle à long terme. Il est réservé aux créatifs fraîchement diplômé·e·s de l'ECAL et les soutient dans la mise en place d'un projet concret ou dans leur entrée dans la vie professionnelle.
Remis par Catherine Othenin-Girard, présidente de la Commission culturelle de la Fondation Leenaards
Bourse Nestlé-ECAL – CHF 10'000.-
Lilian Onstenk - diplômé MA Design de Produit
Naiqian Mac Wang
- diplômé MA Type Design
Deux bourses Nestlé décernées à des étudiant·e·s de 2e année de MADP, MAP ou MATD, qui se sont distingué·e·s par la recherche et la qualité de leur projet de diplôme, en lien notamment - mais pas exclusivement - avec des thèmes actuels tels que l'innovation technologique ou sociale, la durabilité ou la santé.
Remis par René Ciocca, responsable du design de l'identité d'entreprise chez Nestlé
Prix Son Masé Studios – Services de mixage chez Masé Studios à Genève (CHF 8'000.-)
Anna Joos
- diplômée MA Cinéma pour son film « Niederurnen »
Un prix destiné à un·e étudiant·e dont le film s'est distingué par la qualité de son travail sonore, artistique et technique. Ce prix souligne les ponts vertueux entre le monde académique et professionnel.
Remis par Ivan Ruet pour Masé Studios
Prix De Bethune – CHF 6'000.-
Kao Onishi
- diplômée MAS in Design for Luxury & Craftsmanship
Un prix décerné à un·e étudiant·e diplômé·e du Master of Advanced Studies in Design for Luxury & Craftsmanship in pour la qualité de son travail.
Remis par Denis Flageollet, maître horloger et cofondateur de De Bethune
Prix Pierre Keller – CHF 5'000.-
Eduardo Altamirano Castro
- diplômé MA Design de Produit
En mémoire de Pierre Keller, directeur de l'ECAL de 1995 à 2011. Un prix décerné pour un travail de diplôme particulièrement engagé.
Remis par Alexis Georgacopoulos, directeur de l'ECAL, et Camille Blin, responsable du Master Design de Produit
Prix d'Excellence HES-SO en Design et Beaux-Arts – CHF 2'500.-
Nina Pacherová
- diplômée MA Photographie
Un prix décerné à un·e étudiant·e de l'ECAL qui s'est distingué·e par l'excellence de son travail de diplôme.
Remis par Xavier Duchoud, directeur adjoint académique de l'ECAL
Prix BCV – CHF 2'000.-
Ana Francesca Balan - diplômée MA Arts Visuel
Un prix décerné à un·e diplômé·e de Master qui s'est distingué·e par la qualité globale de son travail.
Remis par Stéphanie Moisdon, responsable du Master Arts Visuels
Prix Profot-Elinchrom – Équipement (CHF 2'000.-)
Tanguy Morvan - diplômé MA Photographie
Un prix décerné à un·e étudiant·e en Master Photographie ayant réalisé un excellent travail de diplôme.
Remis par Sandro Bizzarro, consultant en imagerie numérique chez Profot SA
Prix WSP – CHF 1'500.-
Loïs Weber - diplômé·e MA Design de Produit
Un prix décerné à un·e diplômé·e pour des projets prenant en compte le développement durable, notamment ses aspects économiques, environnementaux et sociaux.
Remis par Pascale Grossmann, consultante en design corporatif chez WSP
Prix EXECAL – CHF 1'000.-
Oriane Emery - diplômée MA Beaux-Arts
Un prix décerné à un·e diplômé·e ayant réalisé un projet de mémoire de Master remarquable.
Remis par Yoo-Mi Steffen, secrétaire de l'EXECAL
Bourses Fondation Walter + Eve Kent – CHF 5'000.-
Emma Blanc-Germser - 2e année BA Arts Visuels
Eulalie Félix - 2e année BA Arts Visuels
Deux bourses Bachelor et deux bourses Master décernées à des étudiant·e·s particulièrement talentueux·euses dans le domaine des arts visuels.
Remises par Alexis Georgacopoulos, Membre de la Fondation Walter + Eve Kent
Bourses Fondation Walter + Eve Kent – CHF 5'000.-
Mélody Lu
- 1re année MA Arts Visuels
Paul Fritz
- 1re année MA Arts Visuels
Deux bourses Bachelor et deux bourses Master décernées à des étudiant·e·s particulièrement talentueux·euses dans le domaine des arts visuels.
Remises par Alexis Georgacopoulos, Membre de la Fondation Walter + Eve Kent
Bourses Fondation Casino Barrière de Montreux – CHF 8'000.-
Mykolya Churmantaiev
- 2e année BA Media & Interaction Design
Une bourse décernée à un·e étudiant·e sur le point d’accomplir son année de diplôme et attribuée en fonction de son sens de la créativité.
Remise par Hervé Klopfenstein, Membre du Conseil de la Fondation Casino Barrière de Montreux
Prix d'ENCOURAGEMENT De la Ville de Renens – Exposition & CHF 2'000.-
Cedric Zellweger - 2e année BA Photographie
Takumi Ise
- 1re année MA Design de Produit
Deux prix d’encouragement décerné à des étudiants qui se sont distingué·e·s par la qualité de leur travail.
Remis par Nathalie Jaccard, Conseillère municipale à la Ville de Renens
Prix Jacqueline Veuve – CHF 1'000.-
Mégane Brügger
- 2e année BA Cinéma pour son film « Maman danse »
Un prix décerné à un·e étudiant·e en cinéma qui s'est distingué·e au cours de l'année par la qualité de ses réalisations ou de son travail technique. Ce prix rend hommage à Jacqueline Veuve, grande documentariste suisse décédée en 2013.
Remis par Agnieszka Ramu, Productrice Bande à Part Films
Prix de l’Année Propédeutique – CHF 500.-
Nicolas Tripod
- Propédeutique, option Photographie
Un prix décerné à un·e étudiant·e de l’Année Propédeutique de l’ECAL qui s'est distingué·e par l'excellence de ses résultats.
Remis par David Monnet, Responsable de l’Année Propédeutique
Karim Akel
Esther Alcade
Rebecca Alfandary
Eduardo Altamirano Castro
Camille Anker
Patricia Araujo
Sunny Attias
Lucas Aulagnier
Basile Avvanzino
Eva Ayache-Vanderhorst
Ana Francesca Bălan
Pol Barrelet
Youssef Bassil
Mirela Belcheva
Eran Ben Barak
Hólmfríður Benediktsdóttir
Lena Bernasconi
Felice Berny-Tarente
Léa Bevilacqua
Sofia Biondi
Thorgeir Kristinn Blöndal
Johanna Bommer
Valentin Bonzon
Olympe Boutaghane
Laure Brandford Griffith
Mégane Brügger
Giulia Burrus
Jonas Buxcel
Ruben Campoy Bähler
Bradley Campus
Gilian Cardaci
Angèle Challier Fontaine
Noé Chassot
Helena Choi
Min Jun Choi
Camille Choquard
Loris Ciaburri
Hector Codazzi
Carla Corminboeuf
Cyprien Cossy
Matilde Croxatto
Alexandra Cupsa
Bor Cvetko
Jonathan Daza Ospina
Lorenzo De Bellis
Loïs de Goumoëns
Théo Déchanez
Sacha Décoppet
Isaïa Delaplace
Romain Deriaz
Gabriella Duck Garnham
Sacha Dufour
Louise Dupont
Albane Durand-Viel
Sara Dutch
Naïla Ebinger
Benjamin Eggenberger
Diego Eiholzer
Sherif Sherif
Oriane Emery
Fei Fan
Riccardo Fasana
Léa Favre
Gabriele Ferrarini
Louis Ferraz
Juliana Ferreira
Jennica Folkesson
Arsène Fragnière
Matteo Friberg
Teo Primo Frizzarin
Viktor Gagné
Alexandre Gambarini
Donika Gashi
Iris Gerbex
Morgane Gilliéron
Giada Gollin
Marion Gomes
Tom Grbic
Lisa Grobet
Emma Grosu
Victoria Guffroy
Pablo Guscetti
Raazia Hasnain
Pauline Heppeler
Alejandrina Hernandez
Justus Hilfenhaus
Florian Hilt
Lorane Hochstätter
Minna Holenweg
Meri Hozumi
Jiahao Huang
Sasha Iatsenia
Maximilian Inzinger
Gabriela Jaime
Charlie Jannes
Odran Jobin
Anna Joos
Flaurant Kadrija
Yohann Kampmann
Anna Kawahara
Max Klunge
Jeffrey Krieger
Jérémie Kursner
Mathilde Lesueur
Virginie Lienhart
Isabella Madrid
Alix Malamaire
Fanny Marrot
Mélanie Martin
Barnabé Masson
Juliette Masson
Simon Maurer
Nell May
Achille Meier
Simon Memel
Clémentine Merhebi
Denise Merlette
Blanche Mijonnet
Ella Minton
Yan Miranda
Delphine Moënnat
Yves Möhrle
Tanguy Morvan
Monica Müller
Lucrezia Noro
Amedeo Oddo
Léa Omez
Kao Onishi
Lilian Onstenk
Hervé Ossent
Nina Pacherová
Theofanis Papadopoulos
Valentina Parati
Marius Parisod
Léo Paschoud
Antoine Pasi
Océane Pasteur
Loïc Pidoux
Aurelia Pleyer
Anna-Sophia Pohlmann
Charlotte Pralong
Nuttiya Ratchtrachenchai
Cyriane Rawyler
Luca Reichenbach
Jeanne Reymond
Luca Riva
Tiziana Rocha da Silva
Romain Rochat
Angeline Rossetti
Romane Roy
Cindy Sacher
Seraphine Sallin-Mason
Gary Sandoz
Lea Sblandano
Antoine Scalese
Simon Schönmann
Till Seegräber
Emilie Seguin
Antonio Severi
John Stagaman
Seline Symons
Kou Tanikami
Pierre Teissier
Baptiste Torrent
Amélie Tricaud
Elsa Trummer
Julie Turin
Chloé Vandewalle
Maria Luiza Vaz
Léonard Vazquez Vila
Noé Vercaemst
Flavio Visalli
Anna von Allmen
Tianyu Wang
Naiqian Mac Wang
Fabienne Watzke
Loïs Weber
Murillo Weitz
Antoine Woeffray
Yichen Wu
Inbal Yarkoney
Seunghyeon Yoo
Sophia Zeller
Jacobo Zunzunegui