Diplômes 2025

Chaque année, nos diplômé·e·s quittent l’ECAL avec un bagage singulier : un mélange hautement concentré d’expériences, de savoir-faire et de curiosité, prêt à être projeté dans le monde avec audace et inventivité.

Tout au long de leurs études, nos étudiant·e·s ont recherché, expérimenté, superposé les pratiques et dépassé les conventions. Ils·elles ont appris à mélanger les couleurs, à faire monter la température, à lancer des cycles intensifs où se frottent matières, idées et cultures – parfois jusqu’au grand essorage. Ce processus vibrant, parfois déstabilisant mais toujours stimulant, a façonné des profils uniques et résilients, prêts à redéfinir les contours du design et de l’art contemporain.

Leurs projets témoignent d’une grande exigence, d’une curiosité constante et d’une capacité à interroger le monde sans relâche. Dans un environnement mouvant où les repères vacillent, ils·elles ont su développer des langages visuels personnels, maîtriser des outils complexes et construire des narrations sensibles, porteuses de sens.

Au-delà du diplôme, c’est un véritable réseau qui s’offre désormais à eux·elles : celui de la communauté des alumni de l’ECAL, qui constitue un soutien solide, stimulant et ouvert sur l’international.

Félicitations à nos diplômé·e·s 2025 ! Continuez à questionner, à provoquer et à inventer, le monde a besoin de cette alchimie créative.

Bachelor

BA Arts Visuels

Tous les diplômes

ARTS VISUELS

Amina Loumachi – Pleaser Flamingo-808G 8 inches schlong

par Amina Loumachi

Cette performance joue sur des notions d’espace. À travers les sexualités, l’artiste interroge les dynamiques de hiérarchie, en tissant un lien avec la bioluminescence comme stratégie de visibilité et de militantisme queer. Par des mouvements du heels et une scénographie avec des néons, la performance explore la manière d’habiter l’espace qui peut ête à la fois public et intime. L’artiste amplifie l’écho des talons, qui rompt le silence tout en illuminant l'espace à chaque claquement. Une danse par dialogue s’installe avec laex spectateuricex immobiles mais présentex. Une biocénose naît ou une tension spatio-sonore s’installe; comme gêne palpable. Les corps deviennent vecteur d’une mémoire qui respire au rythme de la performance. Un héritage partagé s’échange mais remet aussi les positions de chacunex.

ARTS VISUELS

Anna Cocimarov – De deux choses l'urne (qui rit), l'autre c'est le sommeil...

par Anna Cocimarov

Les rires à la télé ont été enregistrés dans les années 1950. Aujourd’hui, la plupart des gens que vous entendez rire sont morts. » Cette phrase, tirée du roman Berceuse de Chuck Palahniuk, ressemble à une légende urbaine — à moitié vraie. Elle fait écho à la sculpture Partial Truth de Bruce Nauman, une stèle froide et minimaliste en forme d’écran éteint. La télévision, elle aussi, fabrique des vérités partielles : elle découpe, filtre, remonte le réel. On regarde les infos comme une sitcom, entre rires forcés et tragédies banalisées. Cette installation traduit cette perception fragmentée. Deux urnes : l’une rit, l’autre dort. Vases de mémoire, elles incarnent l’absurde autant que l’engourdissement. Entre rire et sommeil, mort et spectacle, la frontière s’efface — comme la vérité.

ARTS VISUELS

Baptiste Schaerer – La Vanrac

par Baptiste Schaerer

Voix de taureau, tête de linotte, mémoire d'élephant, BANG! langue de vipère, estomac d’autruche, cœur de lion, grimaces de singe, fin comme un merle, POUET! mauvais comme une chenille, BOUM! têtu comme un âne, malin comme un vieux singe, bavard comme une pie, poltron comme un lapin YOUPIII

ARTS VISUELS

Caroline Bischoff – Daisy Selfie

par Caroline Bischoff

J'ai envie de sortir tout en restant dedans.

ARTS VISUELS

Céleste Meylan – Duels

par Céleste Meylan

Tu me cherches, tu me trouves.

ARTS VISUELS

Charlie Schaer – gastro-sensuelles comorbidités (...)

par Charlie Schaer

shit is the thing i write the most about every day several times a day i text my friend L. about my shit if you poo 7x a day you have to share it love & shit mariage & inflammation infection & affection my gastro-sensual form of life is all that i have like a lovebug (…) Cette sculpture est accompagnée d’un long poème comprenant des extraits de « Life Without Air » de Daisy Lafarge, « But Did You Die ? » de Precious Okoyomon, « Ariel » de Sylvia Plath et « Dawn » d’Octavia Butler. La pièce a été inspirée par la forme de cloche de « The Bell Jar »(S. Plath) et les effets de dépression par aspiration permettant des avortements « diy ». Elle est composée de céramique mouillée de testostérone, aluminium, préservatifs, digues dentaires, fils, chaire de cerises, cire d’abeille et industrielle, mèche de bougie.

ARTS VISUELS

Clara Luna – Réverbères

par Clara Luna

Que se passe-t-il entre l’éclair et le tonnerre? Distance (d) = Secondes’’ : 3 Les Réverbères se situent quelque part (…) La mesure du temps évasant; l’expérience de l’atmosphère du doute. 1,6 km

ARTS VISUELS

Diego Mühlematter – Anybody Out There ?

par Diego Mühlematter

S’intéressant aux dispositifs photographiques et aux images, l'artiste tente de les faire cohabiter par l'usage de dos de chambre photographique comme fenêtres. Il explore la zone grise qui se trouve à l’intérieur de l’appareil et tente de cartographier cette errance.

ARTS VISUELS

Duna György – Une heure c’est tellement plus que ce que tu crois

par Duna György

chacun sèche sa merde au soleil

ARTS VISUELS

Emma Blanc-Germser – Noce de pigeon

par Emma Blanc-Germser

On s’en va raconter nos propres histoires en rassemblant la merde qui nous entoure pour en faire de belles structures tout en dégradant des nuances de bruns, beige, noir, ocre, kaki, qu’elle peut nous offrir. Parce que quand les larmes ne sortent plus, tout finit de sortir par les fesses. Et on a plus rien d’autre à faire que de partir à la quête de l’amour.

ARTS VISUELS

Eulalie Félix – Il est parfois nécessaire de faire une scène.

par Eulalie Félix

"Mon premier résonne sous le poids de ma semelle. Mon second explore la matière du bout des doigts. Mon tout est modeste et nourricière, attendant qu’on la récolte en silence."

ARTS VISUELS

Jamie Soria – eddy

par Jamie Soria

il était une fois un petit vampire qui s’est perdu dans la forêt...

ARTS VISUELS

Louis Fontaine – Figures de Contraite

par Louis Fontaine

Dans ce projet composé de deux sculptures, des formes hybrides sont développées à partir de silhouettes empruntées aux robes à panier, aux armures médiévales, aux vêtements liturgiques et aux tenues de pompiers japonais féodaux. L’ensemble explore la notion d’apparat et sa relation évolutive au corps, en abordant les thèmes de l’identité, du rituel et de la contrainte. Une tension dynamique entre protection et rigidité s’en dégage. Influencées par la richesse tactile d’Olga de Amaral et les innovations textiles sculpturales de Jeanne Vicérial, les sculptures habitent un espace liminaire où le corps, la structure et le récit convergent.

ARTS VISUELS

Marsaili Venus Haas – untitled (composition no. 12)

par Marsaili Venus Haas

Moutons et vaches et lièvres et ventilateurs et anges et humains et grands-mamans et arbres et renards.

ARTS VISUELS

Mayalène de Roquemaurel – Honte excitante

par Mayalène de Roquemaurel

Honte excitante. Le corps coupé, comme scindé en plusieurs morceaux. La pâteuse dans la bouche. Ça coule dans mes ongles, dans mon nez, dans mon tissu épithélial. Des petites cellules qui grouillent dans le ventre, certaines sont vides, d’autres pleines. Elles essayent de se gonfler et de s’échapper en coulant comme un ruisseau à travers les membres, éveillant les viscères stimulés. Un fil interminable qui se noue et se dénoue.

ARTS VISUELS

Mykolya Churmantaiev – Post-Post-Kontrapost

par Mykolya Churmantaiev

Post-Post-Kontrapost explore un corps effondré — à la fois peinture et sculpture — se dissolvant en fragments. Il n’y a plus d’action, seulement une trace. Une figure s’est échappée de l’espace qui la retenait ; il ne reste qu’une absence. Des oiseaux l’entourent — ni hostiles, ni actifs, juste présents. Leur regard silencieux devient gaze psychopolitique : toujours observateurs, jamais intervenants. La peinture est suspendue bas, non pour le spectateur, mais pour la figure — qui s’en va déjà. La veste noire rend le corps lourd, dépersonnalisé. Une porte, rappelant Clyfford Still, offre un calme artificiel. Le système rejette la fatigue et l’apathie, mais cette œuvre persiste dans l’après. Les oiseaux restent. Ils suivent.

ARTS VISUELS

Nayla Younes – Please Keep Disobeying

par Nayla Younes

La pause se prend lors d'un moment d'accalmie.

ARTS VISUELS

Oana Cuozzo – Mise en pièce

par Oana Cuozzo

La galerie de l'elac (espace lausannois d’art contemporain) devient un espace à plusieurs dimensions. Disséqués, manipulés, les murs deviennent des planches et les planches deviennent des murs qui deviennent eux-même des ombres. La pièce est un état « entre », elle est ni une photographie, ni une sculpture, ni un cadre. L’elac devient à la fois le bloc opératoire et le patient qui se fait opérer.

ARTS VISUELS

Olivia Handschin – EUREKA

par Olivia Handschin

Il y a quelques années, une chaussette de Winnie l'ourson est tombée sous son lit. Le matelas était trop petit pour le cadre, ce qui faisait que des objets tombaient régulièrement entre les panneaux en bois. Winnie espérait que la petite fille regarderait sous le lit, mais les enfants ont souvent une peur irrationnelle de ce qui s'y cache, invoquant une peur instinctive de l'obscurité et de tous ses monstres. En réalité, ce qui se trouvait en dessous était un endroit particulier, un lieu qui collecte tous ces petits objets oubliés qui glissent entre les panneaux—une sorte de portail vers un royaume oublié, enfoui sous la poussière et des boîtes de rangement anciennes. C'était le pire sort qu'un objet domestique puisse endurer—une sorte de limbes—et selon la maison, il pouvait s'écouler beaucoup de temps avant d'être retrouvé, si jamais on vous retrouve un jour.

ARTS VISUELS

Paul Reachi – Profitez bien!

par Paul Reachi

Profitez bien! est une installation vidéo à deux canaux, à mi-chemin entre le documentaire et la fiction. Elle explore comment le divertissement influence le travail, la psychologie et l’imaginaire collectif. En mêlant récits de vie, scénarios fictionnels et présence animale, elle interroge les attitudes générationnelles et culturelles face à la passion, au travail et au sens de l’existence. Tournée sur les côtes méditerranéennes et lémaniques — où loisirs et labeur se confondent — l’œuvre examine des réalités superposées. Le format à deux canaux saisit cette simultanéité tout en proposant un matériel à la fois hi-fi et lo-fi, reflétant une expérience fragmentée et croisée de l’image, de la représentation, du sens et de l’identité.

ARTS VISUELS

Zuzana Baková – and she said, it loops when you’re not looking

par Zuzana Baková

La distribution de l'eau et les réponses infrastructurelles destinées pour la transmission de son flux, telles que les canaux d'irrigation, les rivières artificielles, les réservoirs de retenue, les barrages hydroélectriques, etc, sont recadrées à travers l'attitude formelle de la sculpture circulaire, contenant de l'eau. Ceci est un discours sur le contrôle, l'allocation et l'accès à la ressource. Les formes et les mouvements circulaires font allusion à des constructions temporelles telles que les boucles, les capsules temporelles et l'atemporalité. Le temps et l'espace sont traités comme des variables dans cette équation.

BA Cinéma

Tous les diplômes

CINEMA

Antonin Dutoit – À perte de vue

par Antonin Dutoit

Un vieil homme meurt lentement, veillé par une aide-soignante. Un jeune homme les observe, en silence.

CINEMA

Aurélie Chételat – Lumpaz

par Aurélie Chételat

Un, deux, trois… soleil. L’ours va-t-il jouer avec moi ? Où est-il ? Qui est-il ?

CINEMA

Camille Surdez – L'Avant-Poste 21

par Camille Surdez

Entre doutes et maladresses, trois colocataires traversent une nuit marquée par l’avortement de l’une d’elles.

CINEMA

David Gonseth – Noirs matins

par David Gonseth

Le cadet d’une famille sent peu à peu qu’un trouble sourd habite leur quotidien ordinaire.

CINEMA

Lanna Melissa Nebie – Rémanence

par Lanna Melissa Nebie

Une jeune femme part sauver l’âme de son père défunt, guidée par un homme aveugle vers un lieu interdit.

CINEMA

Louis Richalet – De l'eau qui bout au fond de la terre

par Louis Richalet

Au fond d’une grotte, Alexandre entend des voix et des sons qui le guident vers une femme disparue.

CINEMA

Serhii Tykhoniuk – Nostos

par Serhii Tykhoniuk

Dans une chambre d’hôtel, un réalisateur ukrainien en exil voit son isolement bouleversé par le retour de son ex-partenaire qui est sur le point de repartir en Ukraine au chevet de son père.

CINEMA

Victor Cateau – Murmuration

par Victor Cateau

Dans un village alpin secoué par l’arrivée d’un projet de station de ski controversé, un homme disparaît dans la nuit. Dépassée par les événements, Marie, la présidente du village, essaie de comprendre les forces à l’œuvre.

BA Design graphique

Tous les diplômes

DESIGN GRAPHIQUE

Alfredo Venti – Points de rencontre/Treffpunkte

par Alfredo Venti

Points de rencontre/Treffpunkte est un système graphique inclusif conçu pour rendre les ressources socioculturelles plus visibles et accessibles aux personnes en situation d’isolement linguistique, ou à celles et ceux souhaitant rejoindre un tissu social. Inspiré des outils pédagogiques destinés aux allophones, il repose sur un usage combiné de pictogrammes, de couleurs, de mots-clés visuels et d’une signalétique modulaire. Déployé aux entrées des centres sociaux via des panneaux interchangeables, ainsi que par des campagnes d’affichage (imprimés et digitales), il rend ces structures visibles dans l’espace public à celles et ceux qui cherchent un service, un réseau, ou simplement un lieu accueillant.

DESIGN GRAPHIQUE

Amélie Bertholet – a room of our own

par Amélie Bertholet

a room of our own est un projet éditorial né de la relation entre ma colocataire, Flavia, et moi-même. Ce livre explore comment une relation vit et évolue dans un espace partagé: notre appartement. La colocation, souvent perçue comme transitoire, devient ici une réalité émancipatrice et sorore sur le long terme. Nourri de références féministes, à commencer par son titre emprunté à "A Room of One’s Own" de Virginia Woolf, le projet questionne la place des femmes dans les espaces de création et d’intimité. Par la symétrie et la collection, le livre traduit l’expérience d’un espace vécu en objet éditorial. La grille de mise en page, construite sur le plan de l’appartement, et les jeux d’échelle produisent des mises en abyme du passage de la 3D à la 2D de l’imprimé.

DESIGN GRAPHIQUE

Candice Aepli – Brindille et Azilise

par Candice Aepli

Brindille et Azilise invite à imaginer l’espace des petits autrement, en offrant un univers ludique et vivant dans la chambre des enfants. Ici, l’histoire ne se lit pas entre les pages, elle se couche sur le sol, grimpe jusqu’aux fenêtres. Elle se glisse sous un bras. Elle borde les rêves. C’est tout un monde à hauteur d’enfant, où les écosystèmes prennent vie à travers le mobilier et transforment le quotidien en terrain d’exploration. Le jardin, collection numéro 1 Le jardinier a glissé des graines dans la terre, le soleil brillant réchauffe les pétales, la souris grignote en cachette, et dans ce coin plein de vie, chacun s'affaire, et tout le monde sourit.

DESIGN GRAPHIQUE

Constance Mauler – Club Kid

par Constance Mauler

Né à New York dans les années 1980, le mouvement Club Kid fut une réponse radicale à l’élitisme artistique et social. Porté par des personnes queers et marginalisées, il a transformé la fête en un espace de liberté, de résistance et d’auto-création. Cette édition a pour volonté de faire dialoguer la première génération des Club Kids avec la scène actuelle afin de montrer comment ce mouvement continue de défier les normes, d’inventer de nouveaux codes et de revendiquer des identités libres. Une immersion dans une sous-culture politique et flamboyante.

DESIGN GRAPHIQUE

Coraline Beyeler – 5R

par Coraline Beyeler

5R est un livre documentaire porte sur l’opposition entre les visions de l’agriculture urbaine et rurale, en axant la réflexion sur les développements apportés par les nouvelles générations. Il aborde les thèmes de la pollution ainsi que des problématiques sociales, sanitaires et économiques.

DESIGN GRAPHIQUE

Cyprien Valenza – Patterna

par Cyprien Valenza

Patterna est une typographie variable expérimentale conçues autour de deux axes : Graisse et Weaving. Inspirée par la Bifur de Cassandre des années 30 et de l’ordonnancement des fils sur les métiers Jacquard. Patterna repose sur une grille rigoureuse qui structure formes et espacements. Son système de couches modulable permet de jouer graphiquement avec les variations, rendant chaque composition dynamique. De nombreuses alternates renforcent sa richesse formelle. Patterna remet en question les codes de la mode en proposant une typographie modulable, dense, pensée comme outil graphique autant que comme système d’écriture.

DESIGN GRAPHIQUE

Delphine Brantschen – What Remains to Be Stitched

par Delphine Brantschen

What Remains to Be Stitched est un site interactif conçu comme un palais de mémoire. À travers les récits oraux de sa mère, la designer graphique tisse le passé brésilien en icônes 3D et fragments narratifs. Aucun objet, aucune image n’a été conservé de cette vie — seulement des mots. Ces mots deviennet alors un héritage unique. Mais que restera-t-il lorsqu'elle ne s’en souviendra plus ? En mêlant design graphique, modélisation, nuages de points et narration spatiale, ce projet explore une forme de transmission poétique, pour recoudre les souvenirs et préserver ce lien fragile entre mémoire, culture et identité.

DESIGN GRAPHIQUE

Diego Steiner – Hybrid Modules

par Diego Steiner

Hybrid Modules explore le lien entre artisanat traditionnel et technologies contemporaines à travers la création d’un outil typographique modulaire imprimé en 3D, utilisé avec une presse typographique manuelle. Conçu sur une grille, l’alphabet modulaire devient un ensemble de matrices physiques, insérables à la main dans la presse. Le processus lent et répétitif fait partie intégrante du langage visuel, rendant visible le temps et le soin du geste. Une série d’affiches au format A2 promeut un cycle de conférences fictives intitulé “ART, CRAFT & TECHNOLOGY – Guests in Switzerland”.

DESIGN GRAPHIQUE

Dorian Pangallo – Sublime Démocratie

par Dorian Pangallo

À l’ère où les crises se succèdent et justifient l’exception permanente, Sublime Démocratie agit comme une campagne critique multimédia. Elle met en scène des démocraties vidées de leurs fondements, dont les symboles persistants maintiennent l’illusion. Conçue comme une fable contemporaine, l’œuvre s’appuie sur des discours présidentiels précis et des visuels léchés. Elle intègre l’IA comme moteur d’un processus critique, où le faux devient langage. En jouant des codes du pouvoir, le projet glisse de la normalité au malaise. Il questionne notre accoutumance à la peur, à l’autorité et aux récits dominants.

DESIGN GRAPHIQUE

Eliot Dubi – JUST IN CASE

par Eliot Dubi

À l’échelle d’un individu, on ne peut ni prédire ni empêcher la prochaine catastrophe; on peut seulement s’équiper des bons réflexes pour y faire face. JUST IN CASE est un site web qui rassemble, en quatre scénarios – grands incendies, ruptures de barrage, accidents industriels et séismes – les gestes essentiels à mémoriser quand tout bascule. Une arborescence claire, des textes concis et le style illustratif en aplats rendent l’apprentissage accessible sans sensationnalisme. Un triptyque d’affiches assure la promotion auprès du grand public. Pensé pour une génération inondée d’alertes anxiogènes, JUST IN CASE transforme l’inquiétude en gestes simples, immédiats, juste au cas où.

DESIGN GRAPHIQUE

Emilie Müller – Librarynth

par Emilie Müller

Il est bon de croire que la bibliothèque résiste. Non pas comme une relique du passé, mais comme une présence qui se réinvente, oscillant entre le tangible et l’immatériel. Il ne s’agit pas de nier le numérique, ni de se cramponner à nos pages jaunies. Mais de comprendre que si nous acceptons la bibliothèque comme un espace mouvant, un organisme qui mute avec son temps, alors son avenir n’est peut-être pas si sombre. Librarynth est une bibliothèque immersive, pensée comme une maison virtuelle. Chaque pièce évoque une des six thématiques issues de la collection Varia de la Fondation Jan Michalski. Sous la forme d’une interface web, le projet célèbre la sérendipité propre aux bibliothèques physiques tout en questionnant comment le numérique peut traduire l’expérience du livre.

DESIGN GRAPHIQUE

Flora Hayoz – FACE À FACE

par Flora Hayoz

FACE À FACE est une exploration de la solitude à travers deux médiums: la danse et le graphisme. Ce projet réunit deux pratiques pour donner forme à une création hybride. D’un côté, une pièce chorégraphique co-chorégraphiée avec Gaia Menchini, centrée sur les états de solitude et capturée ensuite sous format vidéo. Le second support est une édition qui prolonge la pièce. En questionnant le livre en tant qu’objet, elle est conçue pour être lue à deux et devient un outil de dialogue et d’écoute. L’édition détourne ainsi ses usages habituels, créant une expérience sensible. Les deux supports dialoguent entre eux, invitant à vivre la solitude autant dans le mouvement que dans le partage de la lecture. Ainsi, FACE À FACE propose une expérience où la solitude devient le point de départ d’une rencontre.

DESIGN GRAPHIQUE

Hugo Scholl – Modulat

par Hugo Scholl

Modulat est une typographie variable créée autour du concept de visualizer musical. Partant d’un dessin neutre, elle se décline en plusieurs jeux de caractères, chacun permettant une adaptation à différents univers graphiques et sonores. Elle utilise ses axes de variation pour s’ajuster à une grande diversité de formats d’affichage, facilitant son usage sur de multiples supports digitaux. Pensée comme un outil modulable, elle questionne la manière dont une typographie peut accompagner la musique tout en conservant une cohérence visuelle. Le projet allie expérimentation formelle et recherche d’adaptabilité graphique.

DESIGN GRAPHIQUE

Léa Corin – Ni tout à fait libre, ni tout à fait captif

par Léa Corin

Ni tout à fait libre, ni tout à fait captif explore le thème de la semi-liberté. À travers une installation vidéo et un livre, ce projet archive et documente les activités d’une association dédiée à la réinsertion. La projection, conçue comme une archive émotionnelle, associe vidéos expérimentales et témoignages sonores de personnes en semi-liberté suivies par l’association, révélant la complexité de cette transition. Le livre, en complément, adopte une approche documentaire et sensible, mêlant récits et créations visuelles. Ce projet dépasse la forme graphique pour nourrir le dialogue social et éclairer un enjeu essentiel mais souvent ignoré.

DESIGN GRAPHIQUE

Lidia Molina González – Toilet Break Magazine

par Lidia Molina González

Tout a commencé par une pause. Un moment seul dans un espace partagé: calme, ordinaire, un peu étrange. Les toilettes ne sont peut-être pas l’endroit où l’on cherche de grandes idées, et c’est justement pour cela qu’on les a choisies. Toilet Break part de cet espace souvent ignoré pour questionner notre manière de vivre ensemble, d’occuper l’espace, de créer du lien. Ce premier numéro explore les entre-deux : public et privé, intérieur et extérieur. Il réunit des voix de Suisse, de Belgique, du Japon. Un lieu où les idées circulent librement, où le sérieux côtoie le décalé. Un projet collectif et personnel, pour tester, écouter autrement, croire aux détours. Un moment pour s’asseoir et réfléchir.

DESIGN GRAPHIQUE

Marc Facchinetti – Rapport climatologique suisse

par Marc Facchinetti

Le Rapport climatologique suisse est un projet de design éditorial qui explore les mutations du climat à travers la donnée. Construit à partir de relevés météorologiques récents, mis en perspective avec des moyennes historiques remontant parfois à plus de 150 ans, le livre s’appuie sur des plugins développés sur mesure pour InDesign. Ces outils traduisent des données scientifiques: températures, rayonnement UV, unités Dobson en variations typographiques et formes ASCII. Cette approche expérimentale offre une lecture alternative de l'information climatique. Le projet propose un regard infographique brut et précis.

DESIGN GRAPHIQUE

Mathilde Driebold – Ce qu'il reste de nous

par Mathilde Driebold

Ce livre existe pour ce qu’il reste de nous, et peut-être, ce qu’il reste de vous. Des fragments d’un passé intime qui s’inscrivent et se perdent dans un contexte social qui nous dépasse. Ce projet de diplôme prend la forme d’une narration éditoriale mêlant récits personnels et archives sociales. Il explore les traces laissées par l’addiction dans un cadre familial, en mettant en dialogue mémoire individuelle et mémoire collective. Ce qu'il reste de nous montre également que le graphisme peut être mobilisé comme un outil pour interroger des réalités sociales, donner forme à des sujets délicats, soulever les silences.

DESIGN GRAPHIQUE

Paul Paturel – Grime Index

par Paul Paturel

Grime Index est un projet de VJ-ing interactif qui centralise, visualise et permet de naviguer dans les moments cultes du grime, un genre chaotique né sur les ondes pirates de Londres. En transformant la data audio en identité et en signalétique visuelle, le projet rend lisible une culture fondée sur la performance, l’oralité et l’improvisation. Il s’adresse autant aux publics initiés qu’aux curieux, et repose sur trois modules interchangeables — le MC, l’instrumentale et les lyrics — rendant hommage à la culture du sample, du MC-ing et du mix. Diarisation, transcription, typographie dynamique et effets en temps réel s’associent pour révéler une mémoire vivante et navigable du genre.

BA Design Industriel

Tous les diplômes

DESIGN INDUSTRIEL

Lélie Guiochet – Colette

par Lélie Guiochet

Colette parle d’un objet intime que l’on porte à même la peau, et pourtant que l’on abandonne sans remords: le soutien-gorge. C’est un objet qui devient obsolète, qui ne se revend pas d’occasion et qui ne se recycle que rarement. Il nous accompagne seulement quelques années, avant de s’abîmer ou de devenir trop petit. Alors Colette imagine un système qui s’ajuste avec le temps: un soutien-gorge en pièces détachées, bonnets, bande sous-poitrine, bretelles, attaches, baleine, à assembler, remplacer indépendamment, réadapter et personnaliser. Les différentes pièces sont tricotées en 3D, sans couture et compostables industriellement. La baleine et les attaches quant à elles sont recyclables à l’infini. Ce n’est plus la poitrine qui s’adapte à l’objet, mais l’objet qui évolue avec elle.

DESIGN INDUSTRIEL

Alexandre Li – Diego

par Alexandre Li

La pratique sportive s’impose aujourd’hui comme un enjeu social essentiel, de plus en plus de citadins se rassemblent en centre-ville pour pratiquer ensemble. Diego est une proposition de mobilier urbain visant à s’inscrire dans cette dynamique en réintroduisant le football au cœur de l’espace urbain. Pensé pour les places publiques et parcs sous-exploités, ce projet invite à se rassembler et à partager dans l’espace public à travers le sport. D’un simple basculement Diego se transforme de banc à but de foot. Mobile grâce à ses roues intégrées, Diego se déplace et se réorganise librement selon les envies des usagers. Un seul module invite au jeu, tandis que leur combinaison dessine un véritable terrain, avec ses buts en extrémité et ses gradins pour les spectateurs.

DESIGN INDUSTRIEL

Eva Reymond – Amaretto

par Eva Reymond

Amaretto célèbre la sieste, le slow life et l’art de vivre en plein air. Cette structure de jardin modulable est pensée pour créer des moments de repos paisibles et partagés. Composée de trois parties, elle accueille au choix une plateforme en bois ainsi que deux transats, orientables selon les envies, côte à côte ou encore face à face. Les assises offrent deux positions, dont une semi-allongée idéale pour la sieste. Grâce à un système de connecteurs vissés, la structure est solide, démontable et adaptable. Elle permet de composer librement des îlots de détente, au jardin ou au bord de l’eau.

DESIGN INDUSTRIEL

Alice Graff – Tijolo

par Alice Graff

Dans beaucoup de régions de l’hémisphère sud, au Brésil notamment, construire sa maison veut parfois dire la construire soi-même. Avec peu d’outils, peu de moyens et ce qu’on a sous la main. Tijolo est né de cette réalité. Un kit de briques en terre crue, séchées à l’air libre, faites de terre, d’eau et de papier recyclé. Elles s’emboîtent en quinconce, sans mortier, sans outillage lourd. Sur leur face, deux volumes : pour clipser des gaines, des tuyaux. Sans percer, sans casser. On peut changer d’avis. On peut aussi les boucher, laisser une trace, un rythme.

DESIGN INDUSTRIEL

Jeremy Loup – Nestwork

par Jeremy Loup

Cette collection de trois nids artificiels répond à des besoins spécifiques de cohabitation entre oiseaux et environnements humains. Chaque modèle est conçu pour être fonctionnel, accessible et reproductible. Le nichoir pour mésanges aide à réguler naturellement les chenilles processionnaires. Celui pour grèbes propose un espace de nidification flottant en port, évitant leur installation sur les bateaux. Pour les martinets noirs, le nichoir se fixe sur les balcons, réduisant ainsi les coûts d’installation en hauteur. Les trois nids partagent une même logique constructive : une coque en liège expansé pour l’isolation thermique et phonique, et des panneaux en Paulownia, bois durable et résistant. Leur simplicité permet une production et un montage en ateliers protégés.

DESIGN INDUSTRIEL

Aurélien Clerc – Mirabilis

par Aurélien Clerc

Mirabilis est une recherche sur des instruments optiques pédagogiques dédiés à l’observation naturaliste. Chaque outil de cette collection se concentre sur un milieu d’exploration différent : ce qu’il y a au loin, ce qui est tout petit et ce qui se trouve sous la surface. Il s’agit d’un changement de regard sur la nature, mais cette fois-ci au sens littéral, grâce à des instruments de vision destinés à aider les curieux et curieuses de la faune et de la flore. Nous avons donc ici une longue-vue, une loupe et un aquascope, qui veulent jouer avec la physique optique tout en illustrant ses propriétés dans une démarche pédagogique.

DESIGN INDUSTRIEL

François Ader – INTERVALL

par François Ader

Pourquoi se contenter d’un aménagement ordinaire quand votre pop-up store mérite l’exception ? INTERVALL est un système de structures modulaires en aluminium extrudé, conçu pour les jeunes marques de vêtements qui souhaitent scénographier leurs pop-up stores. Basé sur deux profilés en alu, il permet de créer une grande variété d’assemblages pour fabriquer portants, cabines d’essayage, tables ou comptoirs, s’adaptant à chaque espace tout en respectant l’univers de la marque. Démontable, transportable et réutilisable, il fonctionne sur un principe de location temporaire, limitant coûts et contraintes. Plus qu’un dispositif fonctionnel, INTERVALL se veut un support épuré et élégant, pour sublimer l’univers des marques émergentes.

DESIGN INDUSTRIEL

Charlotte Jobin – Paco

par Charlotte Jobin

Paco est une fontaine à eau urbaine pensée pour les humains, mais également pour les chiens, souvent oubliés dans les fontaines traditionnelles en ville ou dans les parcs. Pour éviter le gaspillage, un système de pédale actionne l’arrivée d’eau : tant que le pied exerce une pression, l’eau s’écoule. L’eau non consommée est récupérée dans une gamelle en contrebas pour permettre à son petit compagnon de s’hydrater. Lorsque l’utilisateur retire son pied, l’eau s’arrête et la gamelle se vide lentement, évitant les flaques stagnantes et les débordements. Réalisée en fonte, un matériau durable et résistant aux intempéries, Paco s’intègre à l’espace public tout en renforçant le lien avec son animal de compagnie.

DESIGN INDUSTRIEL

Abla Bolassi Owoussi – Mira

par Abla Bolassi Owoussi

Mira est une lampe d'intérieur qui explore la modularité grâce à un système de poulies qui permet de régler l'intensité de la lumière. L'abat-jour, en placage, se transforme subtilement en fonction de la position du mécanisme, jouant sur la lumière et la forme. Ce projet répond à un besoin de flexibilité dans l'espace domestique et reflète une recherche personnelle sur l'objet évolutif, à mi-chemin entre technicité discrète et expression poétique de la matière.

DESIGN INDUSTRIEL

Toscane Jourde – Enveloppe

par Toscane Jourde

Enveloppe est une table à rallonge dont la transformation agit sur la taille, la forme et la matérialité. Fermée, elle accueille les usages quotidiens : une table rectangulaire en stratifié pour quatre personnes. Ouverte, elle devient un losange en chêne pour huit à dix convives. Ce projet prolonge une réflexion engagée dans le travail de mémoire du designer sur le collectif : comme valeur du quotidien et comme condition de création. Enveloppe interroge aussi l’économie d’espace et la manière dont un meuble peut façonner nos interactions sociales.

DESIGN INDUSTRIEL

Christophe Ascençao – EC Knit

par Christophe Ascençao

EC Knit est une couchette tricotée conçue pour les trains de nuit, offrant une alternative plus légère, ergonomique et intime aux couchettes traditionnelles. Développé en collaboration avec le TextielLab, l’atelier professionnel du TextielMuseum, ce projet utilise des textiles tricotés en 3D produits sur une machine à tricoter circulaire. Cette technique permet un contrôle précis des zones de soutien, s’adaptant aux contours du corps grâce à des parties plus rembourrées et à des zones plus souples. Le tricot se prolonge en panneaux qui réduisent le bruit, filtrent la lumière et créent de l’intimité dans les cabines partagées. En réduisant le poids et en simplifiant l’entretien, EC Knit constitue un système textile lavable, offrant une manière plus confortable et durable de voyager la nuit.

DESIGN INDUSTRIEL

Gaia Vitali – Vela

par Gaia Vitali

Vela est un élément en bois conçu pour être installé dans le fleuve Tessin, actuellement en cours de renaturation. Pensé pour les nouvelles zones de baignade, Vela invite les personnes à entrer dans l’eau et à profiter du fleuve pendant ses moments de calme. Sa forme de dossier est accueillante et offre une pause immersive au cœur de la nature. Mais le Tessin peut soudainement devenir dangereux : lorsque le courant se renforce, Vela s’ouvre en révélant une signalétique colorée qui indique le risque. Un objet qui allie confort et sécurité, conçu pour rapprocher les gens du fleuve de manière simple, intuitive et responsable.

DESIGN INDUSTRIEL

Matteo De Carlo – SOFT-ROLL

par Matteo De Carlo

« SR-QUIET-55 » est une valise conçue pour la polyvalence, le rangement compact et l'adaptabilité au quotidien. Sa structure se concentre sur trois aspects clés : la fonctionnalité modulaire, l'efficacité de l'espace et la transformation du sac intérieur en un accessoire autonome. Une coque légère et perforée supporte un sac intérieur suspendu, réduisant ainsi les frottements et l'usure. La valise est démontable et ses composants s'emboîtent les uns dans les autres pour un rangement minimal. Le sac intérieur se détache facilement et fonctionne comme un sac à dos, adapté aux voyages et à l'usage quotidien. Les roues sont conçues avec une structure en nid d'abeille et des matériaux insonorisants pour réduire le bruit pendant les déplacements.

DESIGN INDUSTRIEL

Isaure Nicolet – Doll Chair

par Isaure Nicolet

Doll Chair est un fauteuil pensé comme un corps à habiller. Chaque élément textile est indépendant, boutonné à la structure, formant une collection de coussins interchangeables. Le tissu, drapé plutôt que tendu, rappelle le geste familier de couvrir une assise pour en cacher l’usure. Ce fauteuil renverse l’ordre des priorités : ici, les finitions visibles deviennent structure et l’habillage devient un rituel. Inspiré par les gestes intimes du boudoir, Doll Chair prolonge une réflexion sur l’objet en état de transformation, entre maquette et meuble.

DESIGN INDUSTRIEL

Joab Schneiter – Brum

par Joab Schneiter

Brum est une voiture-jouet durable conçue pour les enfants de 5 à 7 ans. Elle constitue une alternative durable aux voitures télécommandées classiques, qui sont souvent difficiles à réparer et susceptibles de se casser. Sa carrosserie en liège absorbe les chocs, tandis qu'une boîte de vitesses amovible abrite toute l'électronique pour faciliter l'entretien. Une coque en papier permet aux enfants de personnaliser l'apparence de leur voiture. Le système de direction utilise un axe central et un élastique auto-centrant, évitant ainsi les petites pièces fragiles. Les roues se détachent facilement pour être nettoyées. Brum encourage la créativité, la réparabilité et une approche plus responsable du jeu.

DESIGN INDUSTRIEL

Jean-Elie Matile – JEM-3

par Jean-Elie Matile

Les problématiques environnementales, énergétiques et urbanistiques en Suisse comme en Europe questionnent nos moyens de mobilité. Dans ce contexte, les microcars réapparaissent comme une solution pertinente. JEM-3 est une microcar électrique monoplace, conçue pour répondre aux besoins quotidiens de déplacement en zones urbaines comme rurales. Habillée de textile, sa carrosserie, aussi légère et modulable qu’une tente, s’adapte à la météo et aux envies de l’utilisateur. Sa plateforme minimaliste permet la conception de la carrosserie et de l’intérieur par des acteurs extérieurs à l’industrie automobile. Selon les matériaux et procédés choisis, JEM-3 peut prendre de multiples formes et s’adapter à divers contextes.

DESIGN INDUSTRIEL

Mael Sandoz – Staccato

par Mael Sandoz

Staccato est une lampe de bureau articulée à connecteurs magnétique. Les connecteurs qui composent les articulations de cette lampe fonctionnent grâce à un système de roues crantées maintenues par des aimants, offrant une grande ampleur de mouvement. Ces aimants servent aussi au passage du courant électrique d’un bout à l’autre des bras articulés. Ces derniers étant assemblés par simple attraction, aucune vis, ressort ou soudure n’est nécessaire. La base quant à elle est conçue à partir d’un plastique conducteur, qui permet d’allumer et d’éteindre la lampe d’un simple toucher. Le tout forme une lampe sobre et épurée, nécessitant un assemblage minimal et offrant des articulations solides, durables et sans risque de casse.

DESIGN INDUSTRIEL

Julie Tena – Velum

par Julie Tena

Velum est une lampe suspendue conçue pour moduler la lumière au-dessus d’une table, offrant une double fonction : une lumière douce et diffuse ou une lumière directe et précise. Son textile coulissant, ondulant avec légèreté, crée des volumes et nuances qui influencent l’atmosphère de la pièce. Pensée pour les espaces où les frontières entre travail, repas et détente s’estompent, Velum permet à l’utilisateur d’adapter la lumière à ses besoins et à ses moments, en accompagnant les rythmes fluctuants de la vie quotidienne.

DESIGN INDUSTRIEL

Maëlle Roten – Loo

par Maëlle Roten

Loo est une collection de trois chaussures d’été entièrement réalisées en maille, y compris la semelle. Le projet explore les possibilités du tricot ornemental, en détournant des points décoratifs pour en révéler les qualités structurelles et fonctionnelles. Le dessus combine un point mousse, dense et élastique, pour le maintien, et un tricot ajouré qui laisse circuler l’air, idéal pour la saison estivale. Grâce au point bulle, la semelle en jute gagne en volume, en résistance et en confort. Chaque bulle agit comme un coussin de matière et leur répétition forme un profil. Inspirées du mocassin et de l’espadrille, Loo allie allure artisanale et potentiel industrialisable. Leur montage au crochet permet un démontage facile, prolongeant leur durée de vie et facilitant leur recyclage.

DESIGN INDUSTRIEL

Salla Vallotton – Celcius

par Salla Vallotton

La terracotta est un matériau naturel aux propriétés thermiques remarquables, utilisé depuis des siècles pour chauffer et rafraîchir les espaces. Grâce à sa grande inertie thermique, elle emmagasine la chaleur lentement et la restitue progressivement, permettant ainsi de maintenir une température stable sur la durée. Alors que les systèmes de chauffage restent généralement inactifs durant l’été, Celcius explore la possibilité d'en faire un dispositif à double usage, intégrant une fonction de climatiseur, en faisant un objet actif toute l’année.

DESIGN INDUSTRIEL

Noah Stanley – Ovis

par Noah Stanley

Ovis mets en avant la laine et notamment ses propriétés naturelles pour une utilisation sportive. En s’appuyant sur la référence de la botte traditionnelle russe appelée valenki, il réimagine la place de la laine dans une chaussure hybride, adaptée à la fois à la randonnée et a une utilisation quotidienne. La chaussure se compose d’un "upper" en mousse EVA thermoformée qui accueille un chausson en laine feutrée.

DESIGN INDUSTRIEL

Chiara Corno – Hanami

par Chiara Corno

Hanami est une collection de porte-fleurs en métal, conçue pour disposer harmonieusement et sublimer les fleurs fraîches avec élégance. Fabriqués en tiges d’acier traité, ces structures épurées permettent de disposer un bouquet entier dans un vase, puis de le suspendre simplement au mur. Il devient ainsi facile de retirer l’ensemble pour changer l’eau, puis de le replacer en un seul geste. Grâce à Hanami, vous réduisez votre consommation de fleurs et vous prolongez leur vie. Après avoir profité d’un bouquet frais, il vous suffit de le suspendre, tête en bas, pour un séchage naturel. Une fois les fleurs séchées, retournez simplement le porte-fleurs pour révéler une composition durable. Vous pouvez ainsi contempler votre arrangement floral jusqu’à deux ans, tel un beau tableau au mur.

DESIGN INDUSTRIEL

Titouan Longatte – Volut

par Titouan Longatte

Conçu comme une réponse à la pollution sonore dans les environnements urbains, Volut est un volet de fenêtre qui intègre une isolation acoustique pour protéger l'utilisateur des perturbations extérieures. L'isolation est assurée par des panneaux amovibles qui bloquent le bruit en absorbant les ondes sonores. Les panneaux pivotent pour laisser entrer la lumière et l'air dans la pièce tout en préservant leurs propriétés acoustiques. La structure repose sur des profilés et des tôles d'aluminium standard, ce qui permet une adaptation facile aux différentes dimensions des fenêtres et une intégration parfaite dans les cadres de la façade. Les volets sont dépourvus de tout élément superflu ; la quincaillerie est dissimulée dans les profilés, ce qui donne un objet neutre qui évoque le silence tant sur le plan visuel qu'acoustique.

DESIGN INDUSTRIEL

Oriana Gonzalez Fernandez – Elio

par Oriana Gonzalez Fernandez

Aujourd'hui, les cafés sont devenus des espaces de travail très prisés, mais cette évolution n'est pas sans poser de problèmes. Les clients occupent souvent les tables pendant de longues périodes et la plupart des lieux ne disposent pas de ports de recharge accessibles. Certains cafés ont instauré des limites de 60 minutes pour l'utilisation des ordinateurs portables, mais ces règles sont difficiles à faire respecter. Elio propose une solution : un appareil compact offert par le café qui mesure le temps grâce à un anneau de lumières LED et fournit un port USB-C pour charger les ordinateurs portables et les appareils mobiles, fonctionnant comme une batterie portable. Sa forme lisse et arrondie est tactile et empilable sur une base de chargement partagée. Géré par une application, Elio permet aux cafés de personnaliser les paramètres d'utilisation, offrant un équilibre entre le confort des clients et la gestion efficace de l'espace.

BA Media & Interaction Design

Tous les diplômes

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Alexine Sierro – Spira Memoriae

par Alexine Sierro

Dans un monde où des écosystèmes s’éteignent, où certaines odeurs s’évaporent, que deviennent les lieux et les récits qui leur donnaient forme ? Spira Memoriae est une expérience olfactive immersive en réalité virtuelle qui invite l’utilisateur·ice à traverser un monde sensoriel et fragmenté. Des parfums originaux, créés avec la parfumeuse Tennessee Macdougall, prolongent la réflexion grâce au langage des odeurs. Balises d’un paysage abstrait, ils révèlent des matières rares, parfois disparues, mais présentes dans la mémoire collective. Né d’une réflexion sur la mémoire olfactive, Spira Memoriae explore les tensions entre disparition et persistance, industrie et territoire, réalité et reconstitution. L’odeur y devient vecteur de récit, de transmission et de fiction partagée.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Aryana Noorani – Check-out / Check-in

par Aryana Noorani

Dans ce jeu point-and-click, le joueur incarne une femme de ménage lors de son premier jour dans un hôtel de luxe. Chaque niveau propose une chambre en désordre, laissée par les clients. Le joueur doit se souvenir des tâches à accomplir pour la remettre en ordre. Le gameplay repose sur des actions simples et répétitives, où l’ordre et la mémoire deviennent clés, où l'erreur n’a pas sa place dans un cadre aussi soigné. À force d'être répétés, les gestes deviennent mécaniques, mais le moindre oubli oblige à tout recommencer. Sous la voix autoritaire d’un manager, l'expérience combine la curiosité, la frustration et une forme d’absurdité dans une boucle de jeu simple.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Ayten Gönel – Tied Realities

par Ayten Gönel

Tied Realities est une expérience interactive en réalité virtuelle (VR) qui interroge le rapport entre espace matériel et immatériel. En VR, l’espace disponible est rarement considéré comme un paramètre contraignant dans la création d’un environnement. Ce projet cherche à inverser cette logique en intégrant une contrainte physique au cœur de l’expérience virtuelle. Plongé dans un environnement oppressant, chaque participant est invité à interagir avec un dispositif reliant ses poignets et limitant ses mouvements. Sorte de représentation matérielle du malaise ressenti par le protagoniste, il devient l’élément central de la narration, structurant l’environnement et les interactions. Tied Realities permet ainsi à chacun d’expérimenter la friction entre liberté digitale et limites physiques.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Baptiste Godart – L'anarchisme n'est pas une invention des Sex Pistols.

par Baptiste Godart

La première organisation anarchiste internationale est apparue en 1871, non pas à Londres, mais dans les montagnes jurassiennes, en Suisse. Qui l’eut cru ? Si vous pensez que l’anarchisme c’est le chaos, un punk à chien ou des casseurs cagoulés, ce webdocumentaire va briser ces stéréotypes. Vous découvrirez comment les horlogers jurassiens se sont organisés afin de fédérer leurs pairs au-delà des frontières, et ainsi faire face à la domination de la classe bourgeoise, capitaliste. La Fédération Jurassienne est un incontournable de l’histoire de l’anarchisme. La direction artistique fait coexister l’esthétique fanzine de la fin du 20e siècle avec un design d’interface moderne. Le travail graphique représente une part importante du documentaire, les visuels étant essentiellement des créations originales.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Elena Biasi – Magnetic Fragments

par Elena Biasi

Avant l’essor du numérique et des réseaux sociaux, les moments du quotidien étaient capturés sur supports analogiques, puis visionnés en famille de manière linéaire. Ces longues cassettes VHS, faites de séquences successives, ont peu à peu disparu, victimes de leur obsolescence. Magnetic Fragments propose de redécouvrir ces souvenirs oubliés via une interface web tridimensionnelle où chaque bulle incarne un souvenir à explorer et commenter. Destinée à un cercle privé, la plateforme collaborative offre une navigation libre, revisitant les fragments de souvenirs de façon dynamique et rompant avec la structure monotone des anciens visionnages. Magnetic Fragments devient ainsi un lieu de transmission intergénérationnelle où le passé se partage dans le présent.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Emilie Maier – Moji

par Emilie Maier

Un mot de passe trop simple peut être décrypté en quelques secondes. Beaucoup réutilisent le même depuis des années ou confient tous leurs mots de passe à des logiciels spécialisés, en comptant ne pas avoir à s’en souvenir eux-mêmes. Moji propose une alternative ludique et accessible pour renforcer notre sécurité numérique, sans complexité. Pensée pour les personnes peu à l’aise avec ces enjeux, l’application accompagne l’utilisateur pas à pas, guidé par Moji - un petit personnage qui simplifie la création de mots de passe et rend leur mémorisation plus intuitive. L’ensemble de l’expérience est conçu pour être fluide et non anxiogène, transformant ainsi une tâche souvent pénible en un moment simple, guidé et rassurant.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Livia Schmid – Trail Sync

par Livia Schmid

Dans les zones alpines reculées, l’accès à des informations fiables — telles que l’état des sentiers ou les alertes météorologiques — devient difficile en l’absence de réseau. Trail Sync répond à ce défi par un système participatif et décentralisé : des boîtiers d'informations locales, installés dans les infrastructures de randonnée, sont mis à jour passivement par les randonneur·euse·s à l'aide d'une application mobile hors ligne. Chaque personne passant à proximité d’un boîtier synchronise ses données contextuelles, laissant une trace numérique utile pour celles et ceux qui suivent. Renforçant la signalisation existante sans accroître la dépendance technologique, le dispositif s'appuie sur les valeurs montagnardes de responsabilité collective et de solidarité.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Olivia Capol – How Do They Know ?

par Olivia Capol

ChatGPT, on l’utilise tous. Mais pourquoi ? Peut-être parce qu’il semble avoir réponse à tout. How Do They Know ? est une expérience interactive qui nous invite à suivre le parcours de chaque question que l’on pose à une IA, du moment où elle entre dans le système jusqu’à ce qu’une vérité nous soit délivrée. Pour nous accompagner au cœur des mécanismes des modèles de langage, trois guides sont au choix. Leurs points de vue, parfois opposés, se croisent, se contredisent. Et si la manière dont les algorithmes nous répondent influençait ce que l’on croit ? Derrière chaque échange se joue notre relation aux savoirs humains, ce qu’on attend des machines, ce qu’elles tirent de nous et ce qu’on décide de croire.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Quentin Kohler – EnhancedCrops

par Quentin Kohler

”Chez EnhancedCrops, nous visons à créer la pomme du futur. Grâce à notre technologie exclusive, qui promet de révolutionner l’avenir de l’agriculture, nous sommes sur le point de développer un pommier capable de survivre à la plus chaude des canicules comme aux Saints de Glace les plus tardifs. Peu importe le parasite qui s’y accroche, notre pommier Tungstène résistera toujours. Et c’est sans compter qu’il produira la pomme parfaite, disponible toute l’année. L’humain accélère le changement du climat ? Qu’importe ! Nous apportons la solution. C’est à nous de l’aider à se dépasser. Chez EnhancedCrops, nous en avons fait notre mission. Rejoignez-nous et cultivons ensemble un monde plus doux et toujours plus fruité.” Histoire d’un échec annoncé.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Thomas Gaudin – UnBubble

par Thomas Gaudin

Unbubble est une installation interactive où un robot explore le smartphone d’un·e utilisateur·ice pour analyser son usage d’Instagram. Ce geste intrusif met en lumière un paradoxe : s’il est rare de confier son téléphone à une machine, nous laissons pourtant chaque jour les algorithmes collecter nos données. Nos habitudes en ligne façonnent une réalité sur-mesure qui filtre, trie, suggère et limite parfois l’horizon. Unbubble questionne comment nos traces numériques construisent une image fragmentée de nous-mêmes, utilisée pour orienter nos choix, nos envies et notre attention. L’installation invite à prendre conscience de ces logiques et ouvre un espace pour imaginer d’autres récits, façons de naviguer et mondes à explorer au-delà des sentiers tracés par les algorithmes.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Valère Zen-Ruffinen – Memoria

par Valère Zen-Ruffinen

“All those moments will be lost in time, like tears in rain.” - Roy Batty, Blade Runner (1982). Une grande partie des moments passés avec nos proches finit par s’échapper de notre mémoire lorsque rien ne vient les raviver. Peu à peu, ces souvenirs s’effacent, jusqu’à disparaître. Memoria est une application d’album photo qui explore cette fragilité du souvenir, et la manière dont nous entretenons – ou laissons s’effacer – nos liens à travers lui. À travers un processus de disparition progressive, les personnes présentes sur nos photos s’effacent peu à peu si aucun nouveau souvenir partagé avec elles n’est ajouté. Pour maintenir ces visages présents à l’image, chacune et chacun est invité à entretenir régulièrement son album avec de nouveaux souvenirs partagés.

MEDIA & INTERACTION DESIGN

Mathias Liniger – Just a game?

par Mathias Liniger

Just a game? est un projet interactif qui explore comment les jeux vidéo de guerre contribuent à la banalisation de la violence à travers leur game design. Pourquoi les armes sont-elles perçues comme des objets désirables ? Comment la personnalisation, les effets visuels et sonores rendent-ils l’acte de tuer satisfaisant ? Que reste-t-il d’un corps après sa mort dans un jeu vidéo ? Et qu’est-ce que cela dit de notre rapport à la violence ? Dans ces jeux, rien n’est laissé au hasard : le plaisir, l’oubli, l’hostilité, tout est une question de design. À travers une série de scènes de combat classiques, ce documentaire immersif invite le spectateur à observer, interroger et comprendre les systèmes qui transforment la guerre en expérience ludique.

BA Photographie

Tous les diplômes

PHOTOGRAPHIE

Adel Debabéche – Ouled El Bahdja

par Adel Debabéche

Ouled El Bahdja est un regard intime sur la jeunesse algérienne, partagée entre l’attente et le désir de départ. Ce projet interroge l’espace mental et physique d’une génération qui rêve d’ailleurs, dans un pays où l’avenir semble figé. C’est le récit d’un quotidien fragmenté, où le temps s’étire dans l’ennui, mais où subsiste une tension entre résignation et espoir. Une tentative de saisir ces instants de flottement, ces regards tournés vers l’Europe — fantasme collectif, promesse de reconnaissance, mais aussi chemin incertain... Ouled El Bahdja éclaire une jeunesse qui, malgré les contraintes sociopolitiques, cherche à construire une existence pleine de sens. Une tentative de rendre visibles les rêves et les désirs d’émancipation nés dans l’ombre.

PHOTOGRAPHIE

Belinda Kiela – Bana Ya Mbòka

par Belinda Kiela

Les images de cette édition sont un fragment d'une immersion au sein de l’Université de Kinshasa : une vie étudiante riche au cœur d’une capitale en mouvement. Entre rires, discussions, doutes et découvertes, la photographe a appris à s’ancrer dans un quotidien loin de celui connu en Europe. Bana ya Mbóka — les enfants du pays — donne un visage à cette jeunesse qui étudie, rêve et résiste sur les bancs de cette université. Fondée en 1954, l’UniKin porte l’ambition, freinée par l’histoire, d’être un haut lieu du savoir. Malgré les grèves, coupures d’électricité ou manques d’infrastructures, les étudiant·e·s rencontrés dégagent une force bouleversante. Cette série raconte des instants de vie faits de regards, de gestes quotidiens et de résilience collective.

PHOTOGRAPHIE

Delio Testa – Partenopei

par Delio Testa

Naples est l'une des incarnations les plus vibrantes de l'amour d'un peuple pour ses terres, et ce malgré une souffrance ancrée dans un chaos quotidien ainsi qu'une précarité bien plus profonde qu'on ne l'imagine. Pour comprendre ce contexte, il faut s'immerger dans la vie napolitaine. Rapidement, nous sommes submergés par des icônes vénérées allant de la religion à des personnalités populaires touchant la poésie, le cinéma, la musique, le sport et bien d'autres. Ces identifications et ces croyances offrent une force supplémentaire au quotidien et nourrissent le besoin constant de créer, de célébrer et de rendre hommage à ces icônes urbaines, contemporaines ou historiques. Leurs combats leur servent de moteur d’espoir, nourris par leur condition qu’ils refusent de subir.

PHOTOGRAPHIE

Cedric Zellweger – If life is a video game, the graphics are great, but the plot is confusing & the tutorial is way too long.

par Cedric Zellweger

Le projet explore la vie d’Elon Musk — sa carrière, sa sphère intime et son influence à l’échelle mondiale — à travers une perspective critique. Musk appréhende le monde comme un vaste terrain de jeu, une surface éclatante empreinte de contradictions, où ses liens ambigus avec Trump contribuent à façonner les dynamiques globales. Inspiré par "Le Jardin des délices" de Bosch, le projet brouille la dichotomie américaine traditionnelle du bien et du mal. Dans ce cadre, le Texas — où résident Musk et des membres de la famille du photographe — incarne une forme américaine typique : étendue, protectrice, consumériste à l’extrême, tournée vers les étoiles tout en demeurant sous un ciel étrangement hors d’atteinte. L’installation se compose de photographies argentiques, d’un jeu, de photogrammes et d’objets variés.

PHOTOGRAPHIE

Eliot Pizzera – Tarèinâ

par Eliot Pizzera

Tarèinâ est un court-métrage dystopique qui parle de la fonte des neiges et de l’impact du réchauffement climatique sur les paysages alpins suisses. Le réchauffement climatique fait reculer la neige en moyenne et basse altitude, désertant les stations de ski qui laissent derrière elles ruines et squelettes d’infrastructures inutiles. Dans ce décor post-touristique, un skieur solitaire glisse comme un fantôme figé dans un rituel absurde. Inspiré des paysages valaisans et des mythes locaux, ce film mêle silence, bruits organiques et poésie. Il Intègre la figure mythique des Tshäggättä, gardiens masqués aperçus à Blatten avant la catastrophe climatique du 28 mai 2025. Symboles de mystère et de résilience, ils questionnent notre rapport à la montagne et notre volonté de la façonner à notre image.

PHOTOGRAPHIE

Emanuele Delpozzo – The Sea Speaks More Honestly To Those Willing To Drown

par Emanuele Delpozzo

La mer est un vide anonyme et changeant où identité, lieu et échelle se dissolvent. Elle ne donne rien: ce qu’on en retire révèle qui l’on est. Ce projet explore la psychologie du voyage et de la survie, guidé par une quête de vérité à travers l’expérience directe. En occupant l’espace, surgissent incertitude, désorientation et effondrement de la perception rationnelle. Face à la détresse et au déplacement, il interroge : comment l’architecture du corps dialogue-t-elle avec celle qui l’entoure ? Un bateau bricolé avec des jerrycans et des débris de la côte portugaise devient un vaisseau vers l’horizon. L’œuvre prend la forme d’une installation photo et d’une performance vidéo.

PHOTOGRAPHIE

Ettore Bruni – TOP OF THE WORLD

par Ettore Bruni

TOP OF THE WORLD explore St. Moritz où luxe et illusion se rejoignent en un spectacle étincelant. Ce projet s’interroge sur la mise en scène de l’exclusivité – à travers symboles, gestes et codes de visibilité. Entre apparences soigneusement orchestrées et vestiges silencieux d’une saison révolue, il documente un monde conçu pour être regardé. Immergé dans cet univers surréel, le photographe a observé comment les individus jouent leur rôle, et comment un lieu physique se transforme en rêve numérique – façonné par des stories, des instants filtrés et des rituels d’attention.

PHOTOGRAPHIE

Fredrik Maag – Up There

par Fredrik Maag

Up There se concentre sur le rôle de la Suisse dans le « troisième âge de l'espace », une ère où ce ne sont plus les Etats, mais des entreprises privées qui façonnent le secteur spatial de manière déterminante. Bien qu'une grande partie de la technologie utilisée là-haut ne soit presque jamais visible, notre dépendance vis-à-vis d'elle et ses implications géopolitiques sont extrêmement vastes. La tension entre l'invisibilité apparente et l'omniprésence simultanée est illustrée par la participation suisse à l'actuelle Space Race.

PHOTOGRAPHIE

Gabrielle Coué – Sans témoin

par Gabrielle Coué

La chirurgie esthétique, à la fois intime, technique et sociale, interroge notre rapport au corps et aux idéaux qui le traversent. Loin des visages transformés, Sans témoin explore ce qui reste hors champ : lieux, outils, gestes invisibles. Il s’attarde sur ce moment où le corps est modifié sans être vécu. L’anesthésie suspend la conscience ; la métamorphose a lieu sans témoin. Un désir est formulé, le corps confié, puis le réveil. Entre les deux : un vide. Ce vide prend forme par l’image. Salles froides, instruments métalliques, textures de peau en gros plan. Peu ou pas de présence humaine, seulement des traces. Le corps devient matière, pris dans un système réglé, normé, propre.

PHOTOGRAPHIE

Héloïse Tourrenc – Un battement feutré

par Héloïse Tourrenc

Depuis l’enfance, les pigeons accompagnent la photographe. Ses grands-parents élevaient ces oiseaux dans un pigeonnier au fond de leur jardin. Aujourd’hui, ce souvenir est devenu le point de départ de ce projet photographique. En retraçant l’histoire de ces compagnons ailés jusqu’à l’Égypte ancienne — où ils étaient élevés, respectés, parfois même vénérés — elle se rend au Caire où cette tradition perdure encore aujourd’hui. Elle y documente à la fois l’histoire de la colombophilie, ses rencontres et le lien sensible que l’homme entretient avec le pigeon. Entre savoir ancestral, gestes quotidiens et mémoire collective, ces images cherchent à révéler ce lien invisible qui nous unit. Le pigeon, compagnon oublié ou méprisé, devient ici le témoin discret d’une histoire partagée.

PHOTOGRAPHIE

Inès Riber – Pleasure Boys

par Inès Riber

Pleasure Boys explore le monde du strip-tease masculin et ses représentations de la masculinité. En collaboration avec la troupe britannique « UK Pleasure Boys », le projet interroge la tension entre pouvoir et vulnérabilité. À travers les archétypes hypermasculins et les routines des danseurs, la photographe questionne la manière dont le corps masculin s’expose, se contrôle, se donne. Ces images cherchent à révéler l’humanité derrière le spectacle: des corps fatigués, tendus ou relâchés, des instants intimes loin de la performance. Elles interrogent ce que signifie être un homme quand le désir devient performance.

PHOTOGRAPHIE

Jerome Luginbühl – Popcorn

par Jerome Luginbühl

«Au commencement, le rien se dissipe». L'histoire de Yara ne commence pas avec la lumière, mais dans l'obscurité. Née presque aveugle, aujourd'hui astrophysicienne, ma sœur ne voit pas les étoiles avec ses yeux, mais à travers des modèles, des formules et des analyses de la lumière. «Je suis à la hauteur d'une poussière dans un souffle», ici commence le film : dans l'émerveillement devant l’invisible. Que signifie voir — vraiment voir ? Entre croyance et savoir, chiffres et nostalgie, enfance et cosmos, un espace d'abstraction, de projection et de reconstruction se crée. Yara devient la métaphore d'une autre perception, d'une autre vérité, au-delà de la vue.

PHOTOGRAPHIE

Kristina Yenza – YOUNIST'

par Kristina Yenza

Ce livre ne parle pas de la guerre, mais de la façon dont elle devient l’arrière-plan de la vie. Il rassemble des photographies de jeunes Ukrainiens âgés de 16 à 29 ans — l’âge qu'avait la photographe lorsqu'elle a quitté l’Ukraine,et celui qu'elle a aujourd’hui. Peu importe le pays où l’on grandit, le passage à l’âge adulte est toujours une expérience profonde, fragile, mais essentielle. Dans ce pays où la guerre fait désormais partie du quotidien, il y a encore des jeunes qui tombent amoureux, découvrent de nouveaux sentiments, doutent et rêvent. La guerre n’a pas effacé ces émotions; elle les a rendues plus profondes. YOUNIST' parle du regard, des gestes, des silences. De la manière dont on grandit avec ce qui arrive.

PHOTOGRAPHIE

Lester Kielstein – Osmosis

par Lester Kielstein

Osmosis est un projet de recherche photographique sur la manière dont la migration est représentée et politisée en Allemagne aujourd’hui. Réalisé au fil d’un parcours de 13 000 km à travers le pays, le travail oppose la montée visible de l’extrême droite à la présence plus discrète de la migration, à travers des images de manifestations et des traces relevées à la frontière germano-polonaise. Ancré dans l'expérience personnelle du photographe en Allemagne de l’Est, Osmosis interroge ce qui est montré ou non, ainsi que la manière l’identité nationale et la notion de frontière sont en train de changer.

PHOTOGRAPHIE

Maude Bally – Entre 4 et 8

par Maude Bally

Entre 4 et 8 questionne ce que signifie vivre avec une maladie chronique, dans les détails du quotidien, dans l’usure lente d’un corps contraint. Il condense des images produites à des fins médicales, des scans administratifs, des écrans rephotographiés et fragments de vie courante. Avec une narration morcelée, il présente tout ce qui, visuellement, accompagne la gestion du diabète. Il ne cherche pas le récit héroïque ni la plainte. Seulement ce qui persiste quand la maladie s’inscrit dans la normalité: les courbes, les chiffres, les petits écarts. Un langage visuel enraciné dans l’intime, une tentative de rendre visible une forme de résistance discrète.

PHOTOGRAPHIE

Rebecca Dubuis – 208 Grace St.

par Rebecca Dubuis

208 Grace St. observe un espace domestique où cohabitent tendresse et fractures idéologiques profondes. Dans la maison de mon grand-père à Oakville (WA), des convictions républicaines, conservatrices et religieuses s’opposent violemment aux miennes. Pas de conflit ouvert, juste une tension diffuse, inscrite dans les silences, les objets, les habitudes. 208 Grace St. donne à voir ce qui se joue quand les positions délétères d’une société se montrent dans l’intimité familiale. Aucune réconciliation, aucune provocation; seulement la réalité d’un flagrant écart.

PHOTOGRAPHIE

Sofia Grytsiv – Rebrand

par Sofia Grytsiv

Rebrand est une performance illusionniste sur Instagram qui simule l’ascension et la chute d’un personnage de célébrité fictif qu’incarne la photographe. À travers des images mises en scène et de fausses couvertures médiatiques, Rebrand s'intéresse aux mécanismes de la célébrité, aux normes de beauté et au traitement des femmes par les médias. Pendant plusieurs mois, elle développe un récit réaliste retraçant l’ascension de cette célébrité fictive, puis sa chute sous le poids du scandale, de la surveillance et du spectacle médiatique. Rebrand utilise des shootings éditoriaux, des photos de type paparazzi, de faux partenariats de marques et des scandales orchestrés. Le projet dans sa forme finale est une installation vidéo multi-écrans retraçant cette vie publique fabriquée.

Master

MA Arts Visuels

Tous les diplômes

ARTS VISUELS

Alessandra Ghiazza – Paysages absents - Absent landscapes

par Alessandra Ghiazza

Dans les espaces vides je trouve des fragments de rêves de champs et d'eau, vert oubliée. Une stratification de souvenirs qui révèle des expériences dans des paysages naturels, réels mais aussi des lieux suspendus entre mémoire et onirisme, créant à travers des formes géométriques et répétitives un espace de contemplation des lieux, pour les retrouver; des cartes postales d'un paysage fragile et en constante évolution.

ARTS VISUELS

Axel Mattart – Was it the dream of a poppy ?

par Axel Mattart

Fatigué·e de lutter contre votre cerveau ?

ARTS VISUELS

Camila Polania – Instructions of Rematriation

par Camila Polania

Certain·e·s disent que le corps arrive en premier et que l’âme met plus de temps. Cette installation commence dans ce délai, dans la tension entre présence et absence. Instructions of Rematriation est une installation vidéo projetée sur un tissu en mouvement avec le vent, une surface qui ne se stabilise jamais tout à fait. Devant, des chaises blanches Rimax évoquent des espaces d’attente quotidiens en Amérique latine: porches, patios, trottoirs. L’œuvre suit le fil d’une seule journée, retraçant le lent retour au corps après le déplacement. Par la vidéo, l’écriture, le textile et le son, l’installation propose une forme de retour, non géopolitique, mais personnel et ancestral: une reconnexion politique et spirituelle avec ce qui a été laissé derrière.

ARTS VISUELS

Giorgio Cassano – ZONA DI SACRIFICIO

par Giorgio Cassano

ZONA DI SACRIFICIO est une étude filmique qui mêle documentaire, ethnographie et montage poétique autour du Fiume Tara — la vénérable « rivière des miracles » de Tarente. À travers une tapisserie de souvenirs, de récits, de visions et de témoignages personnels, le film explore comment cette source sacrée a nourri l’identité et la résilience locales, même si l’implantation de l’usine sidérurgique ILVA a transformé le paysage environnant en une véritable « zone de sacrifice ». Il se présente à la fois comme une élégie visuelle d’un cours d’eau jadis pur et comme une réflexion poignante sur la violence environnementale, retraçant la coexistence difficile entre révérence spirituelle et dévastation industrielle dans une communauté en quête de reconquête de sa voix.

ARTS VISUELS

Ludovico Orombelli – Sinopia

par Ludovico Orombelli

Sinopia est l’aboutissement d’une recherche menée à l’ECAL sur les techniques et les images qui ont façonné l’imaginaire occidental. Une scène tirée des "Histoires de la Vraie Croix", datant du XVe siècle, a été reproduite avec les mêmes matériaux que son auteur, Piero della Francesca, avait utilisés pour esquisser le dessin préparatoire sur le mur avant de le peindre. L’image réapparaît ainsi dans sa phase de conception, comme une présence fantomatique qui nous invite à nous interroger sur la présence et le rôle du passé dans notre temps présent.

ARTS VISUELS

Lylou Müller – The end has no shape

par Lylou Müller

The end has no shape est une installation mêlant lumière, son et sculpture. Un phare tourne inlassablement sur lui-même, éclairant les vestiges d’un monde disparu. Au travers d’un monologue diffusé dans l’espace, il raconte la disparition progressive de son environnement. Par le biais de cette fiction, l'artiste explore le deuil écologique, les souvenirs d’un monde effacé, et l’angoisse liée à la perte de repères et d’espaces-refuges.

ARTS VISUELS

Mélody Lu – Merci d'avoir participé

par Mélody Lu

Une sculpture-installation où l’on est invité à s’asseoir à côté de ce personnage étrange : un chien grand et mou, on dirait qu’il porte un pyjama. Il attend on ne sait quoi, son regard est fixe. Si l’on s’approche, on peut entendre, par incidence, à travers ses écouteurs, les histoires qui lui sont racontées — des histoires de deuil, mais aussi d’amour et de joie. Des histoires de personnes qui reprennent la parole. Une parole qu’on ne leur a jamais donnée, par ailleurs. Pedro dit que tant qu’on se souvient de toi, tu continues d’exister. Même une personne, ça suffit. Dire les noms, il faut dire les noms — surtout ceux qu’on a voulu rayer de la liste des existences valables.

ARTS VISUELS

Paul Fritz – I Begged to Be Adored

par Paul Fritz

"𝘏𝘦𝘢𝘳𝘵 𝘢𝘯𝘥 𝘴𝘰𝘶𝘭, 𝘐 𝘧𝘦𝘭𝘭 𝘪𝘯 𝘭𝘰𝘷𝘦 𝘸𝘪𝘵𝘩 𝘺𝘰𝘶 𝘏𝘦𝘢𝘳𝘵 𝘢𝘯𝘥 𝘴𝘰𝘶𝘭, 𝘵𝘩𝘦 𝘸𝘢𝘺 𝘢 𝘧𝘰𝘰𝘭 𝘸𝘰𝘶𝘭𝘥 𝘥𝘰, 𝘮𝘢𝘥𝘭𝘺 𝘉𝘦𝘤𝘢𝘶𝘴𝘦 𝘺𝘰𝘶 𝘩𝘦𝘭𝘥 𝘮𝘦 𝘵𝘪𝘨𝘩𝘵 𝘈𝘯𝘥 𝘴𝘵𝘰𝘭𝘦 𝘢 𝘬𝘪𝘴𝘴 𝘪𝘯 𝘵𝘩𝘦 𝘯𝘪𝘨𝘩𝘵"

ARTS VISUELS

Pedro Maia – Space for Everything: On Love

par Pedro Maia

Pour une démocratisation totale de l’audiovisuel, il faut penser le commissariat de l’espace sacré de la salle de cinéma sans considérer l’intentionnalité des films potentiels projetés pour habiter cet espace. Cette volonté ou intuition ne leur donne pas intrinsèquement le droit à une telle reconnaissance. Des matériaux d’origines très variées (réels, films familiaux, TV, vidéos YouTube, etc.) sont également capables de détenir les qualités éclairantes d’un projet pensé cinématographiquement dès son origine. Ce projet curatorial, réfléchi autour du thème de l’amour, cherche à appliquer cette approche intersectionnelle, remettant en question les limites du cinéma comme medium marchand.

ARTS VISUELS

Rafael Cunha Da Silva – L'Ultrapu

par Rafael Cunha Da Silva

L’Ultrapu est une sculpture-installation issue de ma thèse de Master de l'artiste, Les Amalgamés, un bestiaire fictif de créatures inventées, inspirées de diverses représentations du monstrueux. Des figures médiévales décrites par Ambroise Paré aux réflexions post-humanistes de Donna Haraway ou Paul B. Preciado, l’Ultrapu incarne un ouvrier post-humain, modifié pour supporter des tâches extrêmes, puis détruit par elles. Trapue, recouverte de laine, dotée d’un visage humain, la créature fait face à un écran où apparaît une grenouille immobile. Tandis que sa voix raconte son histoire, on observe un corps figé, hybride, usé. L’installation interroge les effets du travail, de l’optimisation et du contrôle sur les corps.

MA Design de produit

Tous les diplômes

DESIGN DE PRODUIT

Adam Friedrich – Airy

par Adam Friedrich

Airy est un projet de recherche qui explore l’utilisation de l’air comme ressource principale. Il utilise des structures gonflables pour protéger des appareils de valeur lors des déplacements. Le design fait appel à des matériaux contemporains et accorde une attention particulière aux détails afin d’offrir des solutions pertinentes et quotidiennes pour la protection d’appareils électroniques de plus en plus fragiles et précieux.

DESIGN DE PRODUIT

Alicia Stricker – Folly

par Alicia Stricker

Folly aborde l'art de la broderie perlée sous l'angle de la conception de produits. Il explore la valeur de la tactilité avant les aspects visuels pour lesquels la technique est traditionnellement appréciée. En conséquence, le projet s'est manifesté sous la forme d'un objet corporel : un canapé. La mise à l'échelle des petites perles traditionnelles et l'application des principes de la broderie perlée au développement d'une housse de canapé textile ont permis au canapé de transcender sa typologie classique, en créant une surface tridimensionnelle avec une présence sculpturale biologique. Folly brise le moule de ce que nous attendons d'un objet aussi familier qu'un canapé et qui ne demande qu'à être expérimenté par le toucher.

DESIGN DE PRODUIT

Brice Tempier – Péninsule

par Brice Tempier

Avec la pénurie de logements qui s’accentue dans les villes, de plus en plus de personnes vivent dans de petits espaces. Parallèlement, la location devient une forme courante d’habitat dans de nombreux pays, y compris pour les adultes. Ces conditions, parfois marquées par l’instabilité, les déménagements et un sentiment de non-appartenance, ont poussé le designer à réfléchir à notre rapport à l’espace domestique, à sa dimension temporaire et à la difficulté de se l'approprier. Ce projet prend la forme d’une petite structure mobile, aux dimensions d’un lit, pensée comme un cadre spatial personnel au sein d’une pièce. Péninsule est un espace de vie dense et modulable, une micro-architecture ouverte à l’appropriation.

DESIGN DE PRODUIT

Carl Johan Jacobsen – Hardwear

par Carl Johan Jacobsen

Hardwear est une collection d'objets portables offrant un sentiment de protection en milieu urbain, en réponse à une tendance croissante à l'hostilité envers le corps. Les surfaces dures deviennent des armures flexibles, les boucliers protecteurs se transforment en talons hauts. Que ce soit pour préserver l'espace personnel dans les transports en commun ou pour créer une distance cognitive, Hardwear vise à créer un sentiment de sécurité. Grâce à l'utilisation de matériaux durs, la sensation de sécurité à l'intérieur d'une voiture se transpose à l'extérieur, donnant naissance à une gamme d'objets portables conçus pour la résistance au quotidien. Inspirée des typologies de protection des vêtements de sport, Hardwear est composée à 100 % de plastique recyclé et d'éléments imprimés en 3D.

DESIGN DE PRODUIT

Cedric Zimmerman – DUCTUS

par Cedric Zimmerman

DUCTUS étudie comment les ventilateurs tangentiels, associés à des conduits spiralés généralement utilisés dans les systèmes HVAC industriels, peuvent être réinterprétés dans un système de ventilation de plafond modulaire et économe en énergie. La tôle galvanisée est perforée localement au laser à l'aide d'un processus de fabrication spécialement amélioré, puis transformée en conduits spiralés selon un procédé industriel standard, presque sans perte de matière. Ces conduits servent à la fois de gaines d'air et de structure porteuse pour l'unité de ventilation. Le système, fabriqué en collaboration avec la société lausannoise Air Ventil, génère un flux d'air large et silencieux tout en apportant une touche architecturale.

DESIGN DE PRODUIT

Wei Li Chung – Timber in Motion

par Wei Li Chung

Ce projet explore le potentiel d’un mobilier réglable entièrement en bois. Aujourd’hui, une assise sert souvent à la fois au travail et au repos. Pourtant, les fauteuils inclinables modernes sont souvent robotisés et surconçus, faits de structures complexes et de matériaux composites. Timber in Motion propose une alternative en utilisant uniquement du bois. Inspiré des chaises longues traditionnelles, un système de verrouillage permet plusieurs inclinaisons, alliant fonctionnalité et esthétique. Timber in Motion utilise aussi des connecteurs précis de la société suisse Lamello, rendant cette grande structure entièrement démontable et facile à assembler. Il unit expérimentation formelle et efficacité logistique, répondant aux besoins de modularité et de transport.

DESIGN DE PRODUIT

David Ortiz Quintero – Little Helper

par David Ortiz Quintero

Dans des villes comme Lausanne, où les pentes raides font partie du paysage quotidien, se déplacer peut représenter un véritable défi. Développé en collaboration avec le senior-lab, ce projet part de l’observation d’un objet simple mais essentiel. Little Helper réinvente le chariot de courses comme un outil d’autonomie. Il explore comment une technologie discrète peut alléger le quotidien. Grâce à un système motorisé d’assistance à l’inclinaison, qui réduit l’effort nécessaire pour pousser ou freiner, sans les complications ni la stigmatisation associées aux aides à la mobilité traditionnelles. Le projet envisage la technologie non comme une fonction, mais comme une alliée invisible, favorisant une relation plus digne et intuitive avec les objets dont nous dépendons.

DESIGN DE PRODUIT

Jacob Kouthoofd Martensson – SoundTrack

par Jacob Kouthoofd Martensson

SoundTrack est un jeu vidéo synthétiseur qui propose une nouvelle manière de concevoir et d’expérimenter la musique. Ce qui avait commencé comme une recherche d’interfaces musicales accessibles — un instrument à la portée de tous — a révélé comment le jeu vidéo peut établir un lien précis entre le geste physique et les possibilités numériques. Inspiré des circuits de billes pour enfants, SoundTrack associe des outils musicaux complexes à des blocs modulaires simples, permettant aux joueurs de composer et façonner leurs propres morceaux.

DESIGN DE PRODUIT

James Caruso – The Catalog Collection

par James Caruso

La Catalog Collection explore le potentiel de la conception de meubles et d’objets domestiques exclusivement à partir de composants standardisés du catalogue McMaster-Carr, contournant une grande partie du processus de fabrication traditionnel. Grâce au plugin McMaster-Carr de Fusion 360, sa vaste bibliothèque 3D permet une expérimentation numérique rapide avec des pièces précises, apportant une nouvelle efficacité au concept de ready-mades. En éliminant le besoin d’outillage personnalisé et en réduisant le prototypage physique, le processus limite les déchets, rationalise les flux de travail et pose la question : que devient-il possible lorsque nous cessons de tout concevoir à partir de zéro ?

DESIGN DE PRODUIT

Liyah Tomashof – Ensemble

par Liyah Tomashof

Ancré dans la région de Vaud, Ensemble explore la proximité comme un outil de production durable et éthique. Dans un monde globalisé où les matériaux et les savoirs sont de plus en plus détachés des lieux et des personnes, ce projet interroge comment le processus de design peut retisser des liens locaux : artisanat, territoire et pratique créative. En collaboration avec une céramiste locale, le projet a donné lieu à une série d’objets en porcelaine façonnés par un dialogue et un apprentissage partagés. En parallèle, cartographie, entretiens et documentation des artisans régionaux accompagnent le travail — soulignant une approche de création relationnelle, ancrée et réciproque.

DESIGN DE PRODUIT

Louis Bosnjak – Repose

par Louis Bosnjak

Traditionnellement, les meubles rembourrés sont faits d'un mélange de matériaux (bois, métal, mousse PU, colle, fixations) formant un composite presque impossible à recycler. La mousse PU, standard industriel, est difficile à traiter et finit souvent en décharge. Repose repense ce système en remplaçant les composants synthétiques par des matériaux entièrement biodégradables et organiques. Combinant une structure en bois en porte-à-faux avec des panneaux de fibres de bois flexibles, une sangle en corde de chanvre, des fibres de kapok, du latex naturel et du liège expansé, le projet crée des meubles confortables, durables et conçus pour la biodégradabilité. Il offre une alternative circulaire cohérente au rembourrage conventionnel.

DESIGN DE PRODUIT

Marco Ciacci – ACE

par Marco Ciacci

ACE est une collection d'appareils auditifs et de dispositifs auditifs portables conçus en acétate de cellulose, une alternative biosourcée au plastique, traditionnellement utilisée dans la lunetterie. Ce matériau apporte chaleur, texture et fonctionnalité aux dispositifs, avec pour ambition de revaloriser les aides auditives, à l’image de l’évolution des lunettes, passées d'outils médicaux à accessoires désirables. Le design repose sur un système modulaire dans lequel la technologie centrale se clipse sur des montures interchangeables et ajustables fabriquées en acétate de cellulose. Il en résulte une collection allant des implants cochléaires et appareils contour d’oreille aux modèles de type écouteurs ou à conduction osseuse, favorisant une écoute plus saine.

DESIGN DE PRODUIT

Natsumi Komoto – Baya

par Natsumi Komoto

Baya est une chaise longue inspirée des nids d’animaux. En partant de la question « Pourquoi les humains ont-ils besoin de créer? »,elle explore les nids, où fonction et forme fusionnent, offrant un modèle de création pure, au-delà de la culture et de l’ornement. Le cadre en acier inox cintré CNC évoque des branches, enroulées à la main de lanières de cuir. Ce geste mêle précision industrielle et expression primale. Le cuir, utilisé depuis l’Antiquité, adoucit la rigidité du métal et symbolise le lien profond entre humain et nature.Sa forme enveloppante invite à diverses postures et moments de réflexion, tandis que sa structure modulable encourage un soin durable plutôt qu’un usage bref. Baya interroge en silence ce que signifie la durabilité — physique, émotionnelle et philosophique.

DESIGN DE PRODUIT

Oscar Massaud – Sisyphe

par Oscar Massaud

Sisyphe est une enceinte pensée pour l’extérieur, tirant parti des qualités acoustiques et de durabilité du fibro-ciment (aussi appelé Eternit), matériau jusqu’ici jamais utilisé pour ce type d’usage. Résistant au gel, aux chocs et aux intempéries, il garantit une grande longévité et donc fiabilité. Une enceinte pouvant rester à l'extérieur sans crainte. Sisyphe devient un compagnon discret, du jardin à la terrasse, jusqu’au cœur de la forêt. Comme un grand galet taillé, elle se fond dans son environnement ne laissant de sa présence que la musique sur laquelle on souhaite danser.

DESIGN DE PRODUIT

Takumi Ise – Ballection

par Takumi Ise

Ballection est une collection de boules, chacune conçue pour offrir une qualité distincte, qu'elle soit charmante, surprenante ou ludique. La série constitue une exploration créative et un portfolio personnel reflétant la fascination du designer pour les matériaux, les techniques et les approches.

DESIGN DE PRODUIT

Min Xiyao – Hay Day

par Min Xiyao

Hay Day — une solution de confort low-tech : un canapé bas rempli de paille qui incarne la simplicité, la durabilité et la chaleur tactile. Contrairement aux constructions internes trop complexes, il propose une approche du repos à la fois honnête, rafraîchissante et pleine de charme. Conçu uniquement à partir d'une corde, de tissu et de paille, sa structure minimaliste met en valeur la beauté des matériaux essentiels. Lorsque la corde est défaite, le canapé se déplie pour devenir une banquette, ajoutant de la polyvalence à ce design humble et ancré.

DESIGN DE PRODUIT

Yeonsu Na – Emerging Absurdity

par Yeonsu Na

Emerging Absurdity est une série de cinq accessoires pour la vie quotidienne contemporaine. Inspirés des normes du quotidien, ces objets mêlent humour et élégance, tout en étant soigneusement conçus et fabriqués. Le projet inclut un parapluie pour cigarette, une bague avec fil dentaire, un bougeoir inspiré d’un bâton de colle, un étui de maquillage MagSafe et une règle à signature. Chaque objet répond à des situations étrangement familières et pourtant très spécifiques. Ce ne sont pas des réponses à des urgences, mais des réactions sensibles à des détails émotionnels. Le projet prend l’absurde au sérieux, en montrant comment les plus petits gestes peuvent être amplifiés, questionnés ou subtilement détournés par la forme.

MA Photographie

Tous les diplômes

PHOTOGRAPHIE

Daniel Martinez – A River Has No Shore

par Daniel Martinez

Du glacier alpin à la Méditerranée, le Rhône traverse grottes de glace, forêts, villes et zones industrielles. Il soutient des écosystèmes, relie des cultures et façonne des territoires. Mais les eaux du monde charrient aujourd’hui des récits de crise et de désastre. Le changement climatique affecte aussi notre vie émotionnelle, nourrissant l’éco-anxiété et la solastalgie. A River Has No Shore explore cette détresse en suivant l’eau du Rhône, dans ses formes multiples, comme reflet des bouleversements contemporains.

PHOTOGRAPHIE

Doyoung Kim – Flattened Roughness

par Doyoung Kim

L’œuvre Flattened Roughness explore la consommation d’images de guerre et la culpabilité qui en découle. Le photographe collecte et imprime des images de mort, puis les lèche et les absorbe physiquement, affrontant la distance émotionnelle et physique créée par les médias. Les caméras des drones-suicides mesurent sans cesse la distance aux humains pour détruire. Dans ce processus, la distance entre les humains est oubliée. Pour surmonter cette distance, il introduit ces images dans son corps. Cet acte, où l’intimité et la brutalité coexistent, transforme le voyeurisme en deuil et en soin, confrontant son humanité perdue. Par la performance sensorielle, il réduit l’écart entre lui-même et la mort médiatisée, explorant le conflit entre émotion émoussée et sensation.

PHOTOGRAPHIE

Elisa Azevedo – Daydream

par Elisa Azevedo

Daydream est une exploration intime de la sexualité et de la quête de connexion dans un monde de plus en plus façonné par la consommation. La série photographique a commencé par une enquête sur des espaces fortement sexualisés — des lieux où le corps apparaît souvent fragmenté, réduit à une simple image. Présent mais absent, il ne subsiste que comme une trace du désir. En rejouant certains de ces gestes elle-même, la photographe incarne un rôle et une attente qu'elle ne peut naturellement pas satisfaire. Ce processus performatif révèle la dissonance entre les idéaux imposés et la réalité personnelle. À travers la photographie, elle affronte des sentiments de solitude et de vulnérabilité, mais aussi la recherche d’un rapport plus sincère à son corps et à son intimité.

PHOTOGRAPHIE

Eriko Miyata – Chronicle Void

par Eriko Miyata

Chronicle Void explore comment la culture pop japonaise dépeint les femmes et influence les attitudes sociales, notamment autour de la normalisation du harcèlement sexuel. Grandir en tant que femme au Japon, puis s’installer en Europe, a révélé à la photographe l’ampleur des biais implicites présents à travers les cultures. Cette installation vidéo mêle souvenirs personnels et symboles publics comme les affiches contre le harcèlement. En appliquant des filtres biaisés d’IA sur ses photos d’enfance, elle révèle comment la mémoire et l’identité sont façonnées par les normes sociales. Faisant référence à la culture japonaise du selfie, le photographe expérimente avec l’IA et la vidéo pour critiquer l’identité, la mémoire et l’influence culturelle.

PHOTOGRAPHIE

Eva Manuela Rivas Bao – An Italian Story

par Eva Manuela Rivas Bao

À partir du procès de l'ex-président italien Berlusconi, An Italian Story examine le modèle italo-marocain Imane Fadil. Ayant assisté aux fêtes de l'ex-président, elle fut une témoin clé, avouant des abus de pouvoir et de la prostitution enfantine à Arcore, près de Milan. En 2019, elle décède à 34 ans mystérieusement. Berlusconi a réduit la représentation des femmes en Italie à quelques pixels. Le livre manipule les "restes photographiques" et les images de la maison milanaise d’Imane avec IA, visant à recréer les images manquantes partagées par Fadil au tribunal. Déconstruire "una storia italiana" - zine de propagande de l'ex-président - pour reconstruire une autre histoire italienne, une mémoire collective née des ruines du "Me Too raté italien".

PHOTOGRAPHIE

Francesca Bergamini – Pretty in Pink

par Francesca Bergamini

Lorsque le désir masculin se transforme en violence, cela commence souvent par l’objectification du corps féminin. Pretty in Pink réapproprie ces corps : des images basse résolution de modèles 3D de femmes nues — idéalisées et passives, créées par des designers hommes pour la pornographie numérique — sont modifiées à l’aide des mêmes outils qui les ont façonnées. Les courbes cessent de séduire. Elles sont hostiles, menaçantes. Imprimées en 3D à taille réelle, ces figures se dressent comme des anti-monuments, exposant des rapports de pouvoir obsolètes. L’installation guide le spectateur à travers le désir, la déformation et la peur. Ce qui était consommé virtuellement par le regard masculin devient une présence physique non censurée, une résistance affirmée.

PHOTOGRAPHIE

Jose Martin Martinez – L’Eternité Reste

par Jose Martin Martinez

Peu après avoir quitté mon pays, le photographe a rencontré ses premiers amis, Serhii et Yelyzaveta, deux adolescents ukrainiens, anciens amants, contraints de fuir ensemble l'occupation russe de l'Ukraine. Ainsi commença un voyage de deux ans, ponctué d'épreuves et de tribulations. L'Eternité Reste est un récit, tantôt abstrait, tantôt littéraire, souvent cinématographique, de cette histoire. Un passage à l'âge adulte sans complexe, libéré des récits idéalisés, fantastiques et vulgaires véhiculés par Hollywood et les réseaux sociaux. Ce livre fonctionne comme une sorte de « monnaie d'échange » contre l'appareil social déformé de la « réalité ». De plus, il prétend laisser une trace indélébile de cette « histoire d'amour », inextricablement liée à un conflit historique contemporain.

PHOTOGRAPHIE

Min Dai – Rate My Cake

par Min Dai

Rate My Cake est un projet sur la faim — celle du sucre, de l’attention, de l’amour. C’est une tentative de rester avec ce désir, de le laisser parler – non pas en mots, mais en images. Le projet est réalisé avec une intelligence artificielle, même si le mot “réalisé” semble ici trop simple. La machine et la photographe ont coexisté, se reflétant l’une l’autre. C’était comme murmurer des secrets dans un puits sombre et voir apparaître des formes étranges et sucrées. Les gâteaux dans les images ne sont pas réels. Ils sont trop mous, trop brillants, trop imparfaits de la bonne manière. Ils sont surexposés, mal cuits, en train de fondre. Eux aussi semblent attendre quelque chose – une approbation, de l’attention, peut-être de l’amour.

PHOTOGRAPHIE

Mirielle Alina Rohr – Girls Manufactured

par Mirielle Alina Rohr

Girls Manufactured, est une série de cinq vases en céramique, chacun représentant une identité esthétique dictée par les réseaux sociaux, comme la Tradwife, la Coconut Girl ou la Femme Fatale. Ces identités réifient la féminité à travers des codes visuels et de style de vie stricts, souvent tournés vers des idéaux conservateurs et le regard masculin. La photographe généré des images avec l’IA à partir de données liées à chaque identité, en y intégrant son propre visage pour refléter son double rôle de spectatrice et de cible. Les images ont été transférées sur les vases grâce à une technique fusionnant image et argile. Leur forme, inspirée des amphores panathénaïques, relie symboles patriarcaux antiques et idéaux féminins contemporains.

PHOTOGRAPHIE

Nabarun Gogoi – The Swan

par Nabarun Gogoi

Dans ce court métrage, un avatar en images de synthèse est utilisé pour aborder et interroger les notions contemporaines de masculinité ainsi que la relation complexe qu'elle entretient avec l'amour. Inspiré par les propres appréhensions de la photographe, liées à la connexion avec d'autres hommes, The Swan dévoile l'endoctrinement subtil mais puissant des perceptions masculines. Elles entrent en conflit violent avec la vulnérabilité inhérente à l'amour et aux émotions, condamnant ainsi les hommes à une prison intérieure faite de honte et d’auto-trahison. Réalisé à l'aide d’un moteur de rendu de jeu vidéo, le film cherche à confronter ce dilemme et suggère la nécessité d’adopter une version plus nuancée de la masculinité – une version où le soi n’est plus sacrifié pour répondre aux insécurités du plus grand nombre.

PHOTOGRAPHIE

Riccardo Androni – Exhaustion

par Riccardo Androni

Exhaustion est une réponse critique et ironique à la société de la performance dans laquelle vit le photographe — un monde qui exige un mouvement constant, de la visibilité et de la productivité. À travers des gestes absurdes et in situ dans des espaces publics, il confronte, avec une résistance délibérée, des machines conçues pour l’efficacité et l’élévation. Il monte à contresens sur un escalator, bloque une porte automatique avec ma tête ou se plie pour rester dans le cadre. Ces actes vains suivent un protocole strict et révèlent le vide tragique de l’auto-performance incessante. Avec un humour sec et une endurance physique, Exhaustion cherche à démasquer un système qui récompense la conformité et efface le sens — jusqu’à ce qu’il ne reste que l’épuisement.

PHOTOGRAPHIE

Visvaldas Morkevicius – Ergot

par Visvaldas Morkevicius

Ergot est un champignon toxique utilisé comme métaphore de l’intoxication numérique. S’appuyant sur les notions de psychopolitique, simulacres et techno-féodalisme, cette œuvre explore la déformation de l’identité, du plaisir et du pouvoir sous le capitalisme des plateformes. Elle construit un monde pixelisé d’avatars hypermasculins, de violences stylisées et d’objets dopaminergiques via l’IA, la CGI, la photogrammétrie et le glitch. Cigarettes électroniques, cristaux et compléments alimentaires incarnent le désir marchandisé, tandis que des policiers dansants et armes personnalisées dévoilent la violence devenue ludique. Réalisée en triptyque de trois panneaux plexiglas de 110 par 250 cm, l’œuvre reflète la toxicité séduisante qu’elle critique.

MA Type Design

Tous les diplômes

TYPE DESIGN

Chandra Sperle – Gradual

par Chandra Sperle

Notre perception et interprétation du monde sont façonnées par différentes échelles, comme la distance, la taille et la relation spatiale entre observateurs et objets. Ce projet explore comment l’échelle influence la signification et la perception à travers un dialogue expérimental entre design typographique, photographie et art visuel. Au cœur de cette recherche, se trouve Gradual, un caractère qui remixe le Galfra de Ladislas Mandel et le Roissy d’Adrian Frutiger, en inversant leur échelle d’usage d’origine. En collaboration avec l’artiste Pai Litzenberger et le duo de designers Scinema (Leidy Karina Gómez Montoya et Tonda Budszus), Gradual étend le concept typographique des corps optiques, du micro au macro. Ensemble, ces œuvres proposent une réflexion sur notre rapport au monde.

TYPE DESIGN

Giulia Zanzarella – Minut

par Giulia Zanzarella

Combien de temps dure une Minut ? Le temps est standardisé, mais son expérience n’obéit à aucune règle. Identique pour tous, il est ressenti différemment par chacun. Minut explore cet écart : jeu de mots entre « minute » et « unit », cette famille typographique est structurée en quatre styles définis par des contraintes de largeur : 72 unités (proportionnel), 9 unités, 3 et 1 seule (mono). Célébrant la beauté de la contrainte, les caractères du Minut trouvent leur propre rythme, générent des textures aux évolutions subtiles. Plutôt que d’être interpolés, chaque style de Minut est dessiné individuellement, privilégiant la texture globale de chaque police, allant à l’encontre de la flexibilité illimité du numérique.

TYPE DESIGN

Jamie Michiki – Dutyfree

par Jamie Michiki

Dutyfree est un caractère sans empattement bi-scriptuel qui prend en charge à la fois l’alphabet latin et les systèmes d’écriture japonais. Décliné en huit graisses, il couvre l’ensemble des caractères hiragana, katakana et kanji. Elle a été conçue pour créer une harmonie entre ces deux systèmes grâce à une structure commune, des détails partagés et des nuances contextuelles soignées. Dutyfree établit un pont entre deux traditions typographiques distinctes : le Venus (caractère latin) et le Ishi Chu-Futo (Gothic japonaise). Conçue autour du thème du croisement et de la superposition des écritures et des cultures graphiques, ce caractère s’inscrit dans une démarche inspirée du graphisme logistique.

TYPE DESIGN

Jonathan Bruun – Sekvens

par Jonathan Bruun

Sekvens est une famille typographique composée de cinq graisses accompagnées de leurs italiques. Elle est façonnée par un dialogue continu entre la perception du temps et la conception des formes de lettres. En revisitant l’esthétique des premiers caractères numériques et des linéales humanistes, Sekvens équilibre une structure standardisée avec des détails subtils et distinctifs. Elle évolue dans un registre familier, en assumant les standards, les normes et les conventions, tout en interrogeant la manière dont les connotations héritées de ces formes vieillissent dans le paysage typographique contemporain. Dans cette dualité, Sekvens se veut à la fois une documentation de tendances passées et une recherche de propositions nouvelles.

TYPE DESIGN

Lucas Portron – Dialectic

par Lucas Portron

Dialectic est une famille typographique multi-script (latin, grec, cyrillique) conçu pour une cohabitation harmonieuse entre systèmes d’écriture. Développés simultanément, les scripts partagent un socle formel commun, favorisant un dialogue visuel respectueux de leurs singularités. Composée de sept graisses avec italiques, la famille reflète une tension entre perturbation visuelle maîtrisée (au sein du dessin même) et texture textuelle cohérente (gris typographique), interrogeant des normes de lisibilité établies depuis plus de quatre siècles. Ces subtiles perturbations, viennent interroger nos habitudes de lecture, ouvrant un espace critique entre lisibilité et langage, invitant à repenser notre rapport au texte.

TYPE DESIGN

Lynn Birrer – Brienz

par Lynn Birrer

Avis important : WE AINT BOYZ. Brienz examine le « style suisse » dans le design graphique et typographique, ainsi que son héritage, un style que l’on apprend à apprécier, mais qui ne parle pas forcément à tout le monde. Brienz est une famille typographique composée de quatre styles, allant de Buch à Kursiv, et de Schmal à Schmalfett. Un caractère typographique plus humain, vernaculaire, ancré dans un autre ensemble de valeurs. À l’image de la culture mash-up dans la musique, cette police de caractère mélange des influences contrastées pour créer quelque chose de familier mais nouveau, réactif, vivant, avec sa propre voix. Construction, déconstruction, puis reconstruction. Des bisous de Brienz. Type beat !

TYPE DESIGN

Maria Kosheleva – Selime

par Maria Kosheleva

Selime est une police à empattement humaniste contemporaine, conçue pour offrir une lecture confortable et immersive. Développée pour les textes longs en tchouvache — une langue turcique parlée principalement dans la République tchouvache, en Russie — elle allie ancrage culturel et grande polyvalence dans les alphabets cyrillique et latin. S'inspirant des premières polices tchouvaches et des traditions humanistes néerlandaises du XXe siècle, Selime réinterprète ces influences à travers une voix typographique résolument contemporaine. La famille se décline en cinq graisses, accompagnées de leurs italiques, offrant une grande souplesse pour les usages éditoriaux, littéraires, principalement dans un contexte multilingues.

TYPE DESIGN

Nir Zabari Yenni – Safra ספרא سفرا

par Nir Zabari Yenni

Safra ספרא سفرا est une famille de caractères trilingue comprenant des styles avec et sans empattements. Conçue dans une approche contemporaine à faible contraste, elle prend en charge les écritures hébraïque, arabe et latine, avec une composition typographique claire et cohérente entre les langues. En équilibrant les différences structurelles tout en préservant la voix unique et l’identité de chaque écriture, Safra ספרא سفرا favorise une communication multilingue sans imposer d’uniformité. Le design agit comme un pont entre les systèmes d’écriture, maintenant l’harmonie visuelle et l’intégrité typographique. Elle est adaptée à la lecture prolongée comme à l’affichage dans des contextes culturels, éducatifs et publics.

TYPE DESIGN

Ratchanon Boongsrithong – Sahn

par Ratchanon Boongsrithong

Sahn est un caractère typographique à la fois solennel et plein de saveur, conçu pour élargir les possibilités de la famille des caractères typographiques dite «Thai Loop ». Dans ce projet, les écritures thaï et latines ont été développées simultanément. Les caractéristiques de l’une peuvent influencer et s’intégrer à l’autre, créant ainsi un langage visuel cohérent. Bien que l’écriture thaïe semble très différente de l’alphabet latin, les deux partagent un répertoire de formes similaires; disjointes, elles cherchent toutefois des moments de connexion. Sahn vise à encourager un dialogue entre ces deux écritures en mettant en valeur leurs caractéristiques communes, leur ton et leur texture, tout en respectant leurs différences culturelles uniques.

TYPE DESIGN

Rebekka Hausmann – Equilibre

par Rebekka Hausmann

Equilibre est un caractère typographique inspiré par l’équilibre fragile dans l’art du XXe siècle. Le projet a commencé avec une étude sur la manière dont les artistes capturent des instants de tension, juste avant la chute. Pour traduire ces observations en type design, huit approches ont été exploré, incluant des contre-formes contradictoires, des formes extrêmes et une instabilité matérielle. La version finale adopte une approche plus subtile : tension verticale, proportions condensées et courbes tendues. L’inclinaison marquée de l’italique accentue encore l’impression d’instabilité. Equilibre n’est pas un contenant neutre, mais une voix forte grâce à la friction entre romain et italique.

TYPE DESIGN

Stephanie Wilson – Iconic

par Stephanie Wilson

Iconic s’inscrit à la croisée de la typographie, de la recherche sociale et du design inclusif. Cette police de caractère vise à répondre à un enjeu croissant: l’accessibilité de la lecture pour les lecteur·rice·s senior. Elle cherche à améliorer leur confort de lecture, tout en proposant une solution esthétique, fonctionnelle et adaptée aux changements liés au vieillissement. La genèse du projet s’est faite en collaboration avec senior-lab, une plateforme suisse dédiée à la qualité de vie des seniors. Cette collaboration, appuyée sur une méthodologie participative, a permis une approche ancrée dans le réel: décliné en serif, sans serif, sans semibold et italiques, Iconic a été conçu à partir de témoignages et de retours de seniors lors de rencontres à l’ECAL.

TYPE DESIGN

Lee Xiang-Xiang – Revue

par Lee Xiang-Xiang

"Revue est une famille de caractères expressive inspirée des affiches de théâtre du XIXe siècle. Ses 12 styles à empattements, romains et italiques, se déclinent en contrastes élevés, modérés et mécanes. Une même largeur de fût lie les graisses, jouant sur le contraste et les proportions. La famille inclut aussi une Grotesk, basée sur la structure de la mécane et un Hanzi expérimental, hybride entre serif et sans, proche des notions de mécanes. An Open Ending est un livre photo-texte où une photographe et une dessinatrice de caractères explorent le moment et l’humeur, invitant le·a lecteur·trice à une performance rythmée par la lecture, la perception et le silence."